O olhar de Emeralld Fennell (Killing Eve) – que também é roteirista da obra – é múltiplo e convoca o espectador para observar a mesma sequência por diversos ângulos, profundidades de campo e planos. Esta estratégia acaba por contribuir para a elevação da suspensão e para o reforço das emoções da protagonista e do que ocorreu e acontece com ela. Um exemplo é o diálogo entre Cassandra (Carey Mulligan, Mudbound – Lágrimas Sobre o Mississipi) e Jordan (Alfred Molina, Vice). A cada corte seco, a angulação vai se transformando e o local de fragilidade e força entre as personagens intercambiando. Há uma tradução dos sentimentos postos na tela, como se Cassandra saísse superior deste encontro e Jordan com um pouco de redenção e perdão.

Através do uso de plano detalhe – não apenas neste momento de Jordan e Cassandra, mas como em toda a sessão -, Fennell revela as minúcias presentes na narrativa. Seja em um copo de bebida, na captura das microexpressões faciais de Mulligan ou na mão de suas personagem durante o desfecho da produção. Cada instante deste fomenta o que se desejar passar ali: as lutas cotidianas e extra cotidianas das mulheres oprimidas por esses homens brancos privilegiados, acostumados a saírem ilesos de seus crimes. Neste sentido, o roteiro de Fennell também favorece o resultado final da obra.

Ainda que desde o começo Bela Vingança seja extremamente forte em seu conteúdo – com menção à assédio sexual e estupro –, é possível notar como Emeralld Fennell distribui as revelações sobre o passado de Cassandra. As ligações dela com figuras do seu passado são apresentadas sem pressa. Existe, porém, apenas um exagero no tom de mistério. Já na metade da exibição, o espectador conseguir compreender o que se passou anteriormente, no período no qual Cassandra e sua melhor amiga estavam na faculdade. Talvez, o consumidor seja um tanto subestimado aqui, mas, apesar deste aparente desespero em criar dúvidas sobre a trajetória de Cassandra mais do que o necessário, não há um comprometimento na totalidade do filme.

Algo que acaba por segurar a atenção do público durante esta breve queda rítmica é a atuação de Carey Mulligan. Na criação de seu papel, ela equilibra a dinâmica de tons empregados em sua Cassandra. Indo de compaixão até frieza ou ódio intenso, Mulligan consegue modificar em poucos segundos as intenções textuais. Ela ainda trabalha com algo delicado, que é a aparente paralisação que Cassandra tem que performar quando está em contato com os predadores da trama. Neste contexto, através de pequenos gestos, ela revela as intenções e pensamentos de sua personagem, com intensidade, mas a partir de detalhes.

Desta maneira, Bela Vingança é forte em sua temática, mas acaba por dosar esta característica, pois traz delicadeza e cuidado em sua técnica.

Direção: Emerald Fennell

Elenco: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Connie Britton, Adam Brody, Jennifer Coolidge, Laverne Cox, Max Greenfield

Assista ao trailer!

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Indo contra as casas de apostas, que davam como certa a vitória de Chadwick Boseman na categoria de Melhor Ator, o veterano Anthony Hopkins levou a melhor por sua atuação espetacular no filme “Meu Pai”.

O maior indicado da noite, “Mank”, concorrendo em 10 categorias, levou apenas dois prêmios técnicos, de Melhor Fotografia e Melhor Design de Produção.

Confira a lista completa de vencedores!

MELHOR FILME

Meu Pai
Judas e o Messias Negro
Mank
Minari
Nomadland
Bela Vingança
O Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

MELHOR ATOR

Riz Ahmed – O Som do Silêncio
Chadwick Boseman – A Voz Suprema do Blues
Anthony Hopkins – Meu Pai
Gary Oldman – Mank
Steven Yeun – Minari

MELHOR ATRIZ

Viola Davis – A Voz Suprema do Blues
Andra Day – The United States vs. Billie Holiday
Vanessa Kirby – Pieces of a Woman
Frances McDormand – Nomadland
Carey Mulligan – Bela Vingança

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Maria Bakalova – Borat 2
Glenn Close – Era uma Vez um Sonho
Olivia Colman – Meu Pai
Amanda Seyfried – Mank
Yuh-Jung Youn – Minari

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Sacha Baron Cohen – Os 7 de Chicago
Daniel Kaluuya – Judas e o Messias Negro
Leslie Odom Jr. – Uma Noite em Miami
Paul Raci – O Som do Silêncio
Lakeith Stanfield – Judas e o Messias Negro

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

Borat 2
Meu Pai
Nomadland
Uma Noite em Miami
O Tigre Branco

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

Judas e o Messias Negro
Minari
Bela Vingança
Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

MELHOR DIREÇÃO

Thomas Vinterberg – Another Round
David Fincher – Mank
Lee Isaac Chung – Minari
Chloé Zhao- Nomadland
Emerald Fennell – Bela Vingança

MELHOR FOTOGRAFIA

Judas e o Messias Negro
Mank
Relatos do Mundo
Nomadland
Os 7 de Chicago

MELHOR FIGURINO

Emma
A Voz Suprema do Blues
Mank
Mulan
Pinóquio

MELHOR DOCUMENTÁRIO

Collective
Crip Camp
The Mole Agent
Professor Polvo
Time

MELHOR DOCUMENTÁRIO DE CURTA-METRAGEM

Collete
A Concerto is a Conversation
Do Not Split
Hunger Ward
A Love Song for Latasha

MELHOR MONTAGEM

Meu Pai
Nomadland
Bela Vingança
O Som do Silêncio
Os 7 de Chicago

MELHOR FILME INTERNACIONAL

Another Round (Dinamarca)
Better Days (Hong Kong)
Collective (Romênia)
The Man Who Sold His Skin (Tunísia)
Quo Vadis, Aida? (Bósnia)

MELHOR ANIMAÇÃO

Onward
Over the Moon
Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca
Soul
Wolfwalkers

MELHOR CABELO E MAQUIAGEM

Emma
Era uma Vez um Sonho
A Voz Suprema do Blues
Mank
Pinóquio

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL

Terence Blanchard – Destacamento Blood
Trent Reznor e Atticus Ross – Mank
Emile Mosseri – Minari
James Newton Howard – Relatos do Mundo
Trent Reznor, Atticus Ross e Jon Batiste – Soul

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL

“Fight for You” – Judas e o Messias Negro
“Hear my Voice” – Os 7 de Chicago
“Husavik” – Festival Eurovision da Canção: A Saga de Sigrit e Lars
“Io Sí” – Rosa e Momo
“Speak Now” – Uma Noite em Miami

MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO

Meu Pai
A Voz Suprema do Blues
Mank
Relatos do Mundo
Tenet

MELHOR CURTA DE ANIMAÇÃO

Burrow
Genius Loci
If Anything Happens I Love You
Opera
Yes-People

MELHOR CURTA-METRAGEM

Feeling Through
The Letter Room
The Present
Two Distant Strangers
White Eye

MELHOR SOM

Greyound
Mank
Relatos do Mundo
Soul
O Som do Silêncio

MELHORES EFEITOS VISUAIS

Love and Monsters
O Céu da Meia-Noite
Mulan
O Grande Ivan
Tenet

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Fern é uma mulher de 60 anos que foi demitida com o fechamento de uma grande empresa durante o colapso econômico de uma cidade na zona rural de Nevada, além de ainda lidar com o luto da morte do marido, seu companheiro de vida. Sem perspectiva do futuro, ela agora mora em sua van e decide levar uma vida nômade, experimentando novas possibilidades que vão surgindo ao longo da estrada. E é ao longo desta estrada que vamos conhecendo as nuances da personagem, suas demandas e anseios, e o que a vida reserva para ela à cada curva.

O roteiro e direção da novata Chloé Zhao são completamente contrários a ideia de que experiência é fundamental na construção de uma boa obra. Ela imerge o espectador numa aura de autoconhecimento e descoberta, como se estivéssemos dentro das reflexões que a personagem vai tendo ao longa da sua viagem sem ponto final. Compreendemos a falta de expectativa e tão longo não sentimos mais a necessidade de um grande ápice na história.

Zhao toma decisões muito acertadas ao insinuar certos caminhos na trama, mas sem necessariamente tomá-los. O foco ali, o tempo todo, é a jornada de Fern e não um objetivo específico a ser alcançado. A medida que a história evolui, entendemos um pouco mais sobre o estilo de vida nômade, que é relativamente comum nos Estados Unidos, especialmente pela existência mais massiva de trailers que facilitam a vida na estrada. Nomadland (que pode ser traduzido como “lugar nenhum”) tenta traçar o perfil das pessoas que escolhem este modelo de residência e o que as levas até ali. Além de normalizar e tirar o estereótipo que porventura possamos ter sobre os nômades modernos.

Na imersão que temos com Fern, seu jeito pacato e pouco efusivo, compreendemos suas emoções como mais contidas, mas não menos intensas. Ela vai mostrando sua personalidade e vontades a medida que vai se conhecendo e assumindo suas demandas. Frances faz um trabalho extraordinário de equilibrar a leveza de personagem com o peso do luto, a tensão da ausência de rumo inicial, etc. É um papel que parece que foi criado para ela e se beneficiou 100% por essa combinação. Ela reina absoluta pela trama, onde alguns coadjuvantes vão surgindo e passando, assim como os cenários da estrada.

Cenários esses que funcionam como um outro personagem em Nomadland. Não é à toa que recebeu indicação de Melhor Fotografia. Todas as paisagens que surgem no caminho de Fern são inseridos na trama de modo a complementar as emoções que estão sendo vivenciadas pela protagonista. Um trabalho impecável do começo ao fim.

Vale ressaltar que o longa já ganhou nas categorias de Melhor Filme de Drama e Melhor Direção no Globo de Ouro. Então é com boa expectativa que aguardamos o reconhecimento dele no Oscar deste ano, mesmo que não seja exatamente o favorito. Ele ainda não está disponível nas plataformas de streaming, mas logo será lançado para locação.

Com seu clima mais monótono de construção de trama, Nomadland é uma excelente análise sobre a vida do nômade moderno e a jornada de autoconhecimento de uma mulher de meia idade. O que somos? O que queremos da vida? São reflexões que surgem e ficam no personagem e no espectador.

Direção: Chloé Zhao
Elenco: Frances McDormand, David Strathairn, Gay DeForest, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Cat Clifford

Assista ao trailer!

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A Netflix foi a plataforma de streaming que mais levou estatuetas, vencendo em sete das 13 categorias a que concorria. Viola Davis ficou com o prêmio de Melhor Atriz, enquanto Chadwick Boseman recebeu o prêmio póstumo de Melhor Ator, ambos em “A Voz Suprema do Blues”.

Confira a lista completa de vencedores do SAG Awards 2021!

FILME

Melhor Elenco
Destacamento Blood
A Voz Suprema do Blues
Minari
One Night in Miami
Os 7 de Chicago

Melhor Ator
Riz Ahmed, por O Som do Silêncio
Chadwick Boseman, por A Voz Suprema do Blues
Anthony Hopkins, por Meu Pai
Gary Oldman, por Mank
Steven Yeun, por Minari

Melhor Atriz
Amy Adams, por Era Uma Vez um Sonho
Viola Davis, por A Voz Suprema do Blues
Vanessa Kirby, por Pieces of a Woman
Frances McDormand, por Nomadland
Carey Mulligan, por Bela Vingança

Melhor Ator Coadjuvante
Sacha Baron Cohen, por Os 7 de Chicago
Chadwick Boseman, por Destacamento Blood
Daniel Kaluuya, por Judas e o Messias Negro
Jared Leto, por The Little Things
Leslie Odom Jr., por One Night in Miami

Melhor Atriz Coadjuvante
Maria Bakalova, por Borat: Fita de Cinema Seguinte
Glenn Close, por Era Uma Vez um Sonho
Olivia Colman, por Meu Pai
Yuh-Jung Yeun, por Minari
Helena Zengel, por Notícias do Mundo

Melhor Equipe de Dublês em Filme:
Mulher-Maravilha 1984
Destacamento Blood
Notícias do Mundo
Os 7 de Chicago
Mulan

TELEVISÃO

Melhor Elenco em Série Dramática
Better Call Saul
Bridgerton
The Crown
Lovecraft Country
Ozark

Melhor Ator em Série Dramática
Jason Bateman, Ozark
Sterling K. Brown, This Is Us
Josh O’Connor, The Crown
Bob Odenkirk, Better Call Saul
Rege-Jean Page, Bridgerton

Melhor Atriz em Série Dramática
Gillian Anderson, The Crown
Olivia Colman, The Crown
Emma Corrin, The Crown
Julia Garner, Ozark
Laura Linney, Ozark

Melhor Elenco em Série Cômica
Disque Amiga Para Matar
The Flight Attendant
The Great
Schitt’s Creek
Ted Lasso

Melhor Ator em Série Cômica
Nicholas Hoult, por The Great
Daniel Levy, por Schitt’s Creek
Eugene Levy, por Schitt’s Creek
Jason Sudeikis, por Ted Lasso
Ramy Yousef, por Ramy

Melhor Atriz em Série Cômica
Christina Applegate, por Disque Amiga Para Matar
Linda Cardellini, por Disque Amiga Para Matar
Kaley Cuoco, por The Flight Attendant
Annie Murphy, por Schitt’s Creek
Catherine O’Hara, por Schitt’s Creek

Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme
Bill Camp, por O Gambito da Rainha
Daveed Diggs, por Hamilton
Hugh Grant, por The Undoing
Ethan Hawke, por The Good Lord Bird
Mark Ruffalo, por Know This Much is True

Melhor atriz em Minissérie ou Telefilme
Cate Blanchett, por Mrs. America
Michaela Coel, por I May Destroy You
Nicole Kidman, por The Undoing
Anya Taylor-Joy, por O Gambito da Rainha
Kerry Washington, por Little Fires Everywhere

Melhor Equipe de Dublês em TV:
The Boys
Cobra Kai
Lovecraft Country
The Mandalorian
Westworld

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Nos anos 1980, Jacob (Steven Yeun, Em Chamas) é um pai de família que decide se mudar para ir em busca do seu sonho, que é a criação de uma fazenda produtiva, que pode dar uma vida mais confortável para sua família. A transição é acompanhada de perto pela esposa, Monica (Ye-Ri Han, Um Sonho Tranquilo), que lida com os dois filhos e ainda trabalha no mesmo emprego de Jacob. David (Alan S. Kim), o caçula, sofre de doença cardíaca e requer constante atenção, enquanto Anne (Noel Cho), no início da adolescência, acumula uma responsabilidade que é maior que sua idade.

Com a mudança, Monica sente que precisa do apoio emocional da mãe, que mora na Coreia do Sul. A nova morada em um trailer velho, a nova cidade sem amigos ou conhecidos e o emprego igual ao anterior, que não evolui em nada, faz com que ela se sinta isolada e cansada. É então que surge Soonja (Yuh Jung Youn, A Dama de Baco), que foge do estereótipo da vovó nos primeiros momentos. Elas não se viam a tanto tempo que a avó não conhecia o neto caçula ainda.

O roteiro de Minari puxa esse gancho da inesperada presença da avó para aprofundar as raízes coreanas e a questão da sensação de pertencimento. Embora eles morem há alguns anos nos EUA e os filhos tenham nascido em solo estadunidense, o comportamento segue sendo de costumes da terra natal, indo desde a alimentação, rotinas, até a própria língua que eles utilizam, 90% do tempo. O uso do inglês é mais para socializar com outras pessoas ou quando a conversa se inicia pelos filhos.

Enquanto o pai luta com o esforço de trabalhar e tentar criar uma fazenda no solo inexplorado em que agora vivem, ele precisa lidar também com a decepção constante de não poder dar uma condição de vida melhor para a família, além do medo de investir todas as economias em um projeto sem garantias. O sonho americano de ter uma vida próspera para todos é pincelado ao logo do filme, assim como o estilo de vida tradicional sulista. Isso fica muito bem sinalizado quando Jacob sugere que eles frequentem a igreja local para que a esposa consiga fazer novos amigos.

A crise no relacionamento do casal vai se acentuando a medida que a rotina deles sofre com os investimentos de Jacob. Monica não tem essa crença convicta de que a fazenda dará certo e ela tende a preferir permanecer no lugar onde estão, ganhando o suficiente para ter uma vida honesta. Um receio de arriscar, que claramente o marido não nutre.

Ainda que as relações em Minari sejam muito bem explanadas, o grande destaque vai para o pequeno David na descoberta da avó. A forma como o roteiro evolui neste sentido, com ele inicialmente estranhando o comportamento dela (já que esperava que fosse estilo as vovós americanas) e em seguida se tornando o melhor amigo de Soonja, traz um cuidado e carinho comoventes. O filme abraça o espectador com este enredo.

Toda esta delicadeza e intensidade de emoções só é possível pela excelente escolha de elenco, desde os principais aos mais coadjuvantes. Passeamos pelas nuances das emoções de todos, sem o excesso que poderia tornar a narrativa apelativa e sem tornar a mesma rasa e sem aprofundamento. Todos os personagens principais recebem a atenção necessária para a construção da trama como um todo, criando um elemento de unicidade.

O diretor Lee Isaac Chung, em sua estreia na direção, nos apresenta em Minari um resultado amoroso do olhar de diversas dores que surgem nos personagens, sem nos privar de adentrar nestas temáticas importantes. A sutileza com que ele homenageia as tradições de sua origem, nesta jornada envolvente, definitivamente justifica todas as indicações que o filme teve em premiações. Considero, particularmente, um dos nomes fortes para vencedores do Oscar 2021.

Direção: Lee Isaac Chung
Elenco: Steven Yeun, Ye-Ri Han, Alan S. Kim, Yuh Jung Youn, Noel Cho

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Existe, também, o fato de que há uma prolixidade inserida na trama. O arco de Balram (Adarsh Gourav) é apresentado, trazendo fatos importantes de sua vida, como a sua infância ou a partida da vila na qual mora. A partir da sua ida para a capital, as sequências passam a se tornar repetitivas. O público consegue compreender as sensações de Balram, diante da falta de escrúpulos dos ricos e da crueldade do sistema social indiano. Assim, cenas com objetivos semelhantes são recorrentes, enxugá-las poderia ajudar na dinâmica da obra, deixando ela menos arrastada. Além disso, alguns saídas e resoluções são abruptas, como o retorno de Pinky para Nova Iorque. Neste esgarçamento ou nestas rupturas súbitas, o ritmo não se estabelece apropriadamente.

No entanto, alguns elementos em O Tigre Branco saltam aos olhos positivamente e tornam a sessão mais agradável. A principal delas é a atuação de Adarsh Gourav. Consciente das emoções que Balram busca exteriorizar e quais são os seus reais sentimentos, Adarsh revela uma criação complexa de personagem. Dosando os seus gestos, olhares e respirações, há no intérprete um equilíbrio de velocidades impressas no corpo e nas tonalidades do texto falado. As nuances nas modificações do tônus corporal faz com que o espectador reconheça quando ele está com ou sem as máscaras criadas por Balram, para a sobrevivência no mundo cruel.

Outro ponto que pode ser destacado é a consciência da direção em elevar a potência das circunstâncias postas no enredo. A decupagem acaba por trazer uma proximidade ou um afastamento em quem assiste a produção. Em alguns momentos, é como se fosse visto o olhar de Balram. Em outros,  é possível encontrar uma criação de distanciamento e até certo julgamento em relação à personagem é posto. Ainda que narrado em primeira pessoa e todo o acontecimento seja sob a perspectiva do protagonista, a câmera se distancia, fazendo com que reste esta impressão de observação externa.

Com elementos bem construídos, mas um roteiro mal resolvido, O Tigre Branco vale por tratar de problemáticas éticas e morais não apenas de uma país, mas do mundo como um todo. Mesmo que seja cansativo chegar até o fim da exibição!

Direção: Ramin Bahrani

Elenco: Adarsh Gourav, Rajkummar Rao, Priyanka Chopra

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Algumas situações ganham mais destaques e se estendem bastante, outras são corridas e é preciso, inclusive, apressar o desfecho do conflito central. Este fator também ocorre devido ao fato de que muitos subplots são colocados na história. Alguns deles, nem conseguem ser explorados completamente – como acontece com Gobi, personagem introduzindo repentinamente, mas que afirma ter um passado relevante, porém a sessão termina sem que seu problema seja revelado de fato ou solucionado.

Para completar, a produção parece buscar, com um tanto de desespero, colocar elementos de sucesso em desenhos animados, como a figura de um animal de estimação fofo. O longa não apenas tem um, mas como quatro pets: um cachorro, um coelho, um sapo e o próprio Gobi. O segundo clichê recorrente é o da criança atrapalhada, porém carinhosa, que acaba por ajudar na trajetória da personagem principal. O irmão de Fei Fei se encaixa nestas características. Ainda que ele seja um alívio cômico eficaz, possuído sequências engraçadas, a presença dele não se justifica tanto. O garoto está mais ali para ser esta figura que representa mais esta tradição de sidekick do que para contribuir com a narrativa expressivamente.

Ainda assim, existem alguns pontos positivos dentro da obra. As músicas são bem costuradas e amarradas com o que está sendo contado. Elas ambientam o público, de uma maneira suave,  sobre quais são os sentimentos e desejos das personagens, de uma forma menos expositiva que os seus diálogos falados. Há também o fato de que, ainda que com irregularidades de ritmo, o arco de Fei Fei é um tanto redondo. Quando ela sai do luto e se abre as novas possibilidades, após viver situações que mudam seu ponto de vista completamente, a sua jornada torna-se completa. Assim, as questões sobre A Caminho da Lua são muito mais sobre o como acontecem as ações e esta aparente sensação de que a vontade ali era emplacar um sucesso, por isso o esforço para jogar tudo na tela soa exagerado e desconexo.

Direção: Glen Keane, John Kahrs

Elenco: Ken Jeong, Sandra Oh, Kimiko Glenn

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O post Crítica: A Caminho da Lua (Netflix) apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Após estes primeiro minutos, no qual o público se localiza, vem o baque da configuração cruel que a Palestina passa. Este dia, mostrado no curta-metragem, é aniversário de casamento de Yusef (Saleh Bakri) e Noor (Mariam Basha). O rapaz deseja ir com a sua filha, Yasimine (Mariam Kanj), até a Cisjordânia para comprar um presente para sua esposa e alguns itens tradicionais de supermercado. No entanto, na passagem gradeada, que divide Belém e Jerusalém, a sensação de perigo se alastra. A maneira como Nabulsi filma a situação em que os guardas tripudiam das pessoas na fila intensifica a suspensão.

Não há muita movimentação de câmera, os planos são médios, em sua maioria, e fixos. Em alguns momentos de The Present, o plongée revela quem está em local de submissão e quem está no poder. O estado de tensão se eleva também na mise-en-scène. Com gestos contidos, os atores trabalham com movimentos pequenos e olhares fixos. O sentimento de que a qualquer momento Yusef e Yasmine podem ser atacados e/ou retidos se fortalece nestas seleções de encenação e captura de imagem. Mas, ao mesmo tempo, Nabulsi sabe evocar os respiros, ainda que breves. Entre os constrangimentos e angústias, a relação de Yusef com sua filha ganha tempo de tela e, através de pequenos gestos – como quando ele coloca o seu casaco nela, após a menina perder o seu agasalho durante a viagem –, a  dinâmica entre a dupla é reconhecida.

Todas as suas emoções também. Entre pausas, silêncios e frases de cuidado, a ideia de que um somente tem ao outro é configurada nestas minúcias. A aflição deste dia dos dois que parece sem fim também é elevada pela escolha das tonalidades. No início da projeção, a casa deles tem tons sóbrios e mais frios, o que aqui significa algo que conota o conforto e a lembrança do pertencimento. Já na rua, nesta jornada complicada, o calor e as temperaturas quentes, imprimem uma espécie de sufocamento na tela. Há um aprisionamento espacial, que surge no confinamento da fila, na estrada deserta que pai e filha caminham por um longo tempo ou no ônibus que completa a viagem. Os espaços são retratados de tal maneira que se tornam prisões.  Isto porque não existe saída para Yasmine e Yusef a não ser completar a missão que têm e retornar para casa ao final da expedição.

Esta falta de escapatória ainda é reafirmada no desfecho da exibição de The Present. A progressão construída na narrativa chega ao seu ápice e o protagonista ao seu limite. Todo o percurso até esta sequência coloca quem assiste diante de toda a humilhação e falta de sensibilidade a qual os palestinos passam. No entanto, ao encerrar a obra, Nabulsi e Shoufani decidem por selecionar uma finalização que acaba por não condizer tanto com a totalidade da produção. Mesmo que seja levemente farsesca e possa ser um convite a quebrar toda esta estrutura vigente, é uma decisão um tanto ingênua e até sem coragem. O que resta é um pouco de quebra com o contexto geral. Pode ser que a tentativa seja deixar alguma esperança ou de trazer uma reviravolta, talvez, mas há esta falta de encaixe com a força do filme como um todo acontece. Contudo, a totalidade aqui não é comprometida e um material que reflete toda a consumição de um povo versus os privilégios de tantos outros é o que resta como uma conclusão derradeira.

Direção: Farah Nabulsi

Elenco: Saleh Bakri, Mariam Kanj, Mariam Basha

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*Filme assistido no Festival Curta Cinema

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Em preto e branco, o filme é uma reverência cuidadosa à Era de Ouro de Hollywood, mesmo que não deixe de pontuar questões importantes a serem debatidas sobre os comportamentos da época. A ambientação é o que faz o espectador se inserir por completo nesta história que passeia por várias temáticas e personas, se aprofundando o necessário, sem cair no erro do excesso.

Os personagens são bem trabalhados nas suas personalidades, ampliando o círculo de protagonismo e permitindo a todos uma inserção real na história. A atuação de Gary Oldman (O Destino de uma Nação) é absolutamente impecável e digna de sua indicação a premiações. Ele intensifica o duplo lado de Mank: o alcoólatra que é sempre demitido e negligencia o trabalho em paralelo com o homem preocupado que salvou a vida de dezenas de alemães, que fugiam da Segunda Guerra Mundial.

Amanda Seyfried (Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo) vive Marion Davies, atriz que teve importante papel na construção do roteiro de Cidadão Kane. Ela protagoniza pontuais e importantes momentos no longa, o que lhe rendeu a sua primeira e merecida indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante.

Ser pretensioso é um dos maiores problemas de Mank. O espectador mais atento consegue perceber constantemente que Fincher tinha a intenção de criar algo grandioso, uma obra-prima, um filme memorável. E por mais que no fundo saibamos que essa é a intenção da maioria dos cineastas com produções importantes, perceber isso em cena é problemático. É como se o diretor estivesse o tempo todo dizendo: “Olha como eu sou excelente, olha como essa construção é impecável”. Falta sutileza na direção.

Ainda assim, David Fincher apresenta um dos melhores trabalhos de sua carreira. Este roteiro foi criado em parceria com o pai dele, Jack Fincher, e levou anos sendo maturado e lapidado, até finalmente chegar às telonas. Esse cuidado de aparar as arestas é perceptível, já que não vemos excessos no longa. Ele caminha ligando todos os elementos e apresentando ao espectador os detalhes necessários da história.

Mank é um ótimo filme que merece todas as indicações que recebeu no Oscar 2021. No entanto, arrisco dizer que, mesmo liderando em número de indicações, ele não será o favorito para levar estatuetas. Não por não ter a qualidade necessária, mas por não ser tão apelativo como outros concorrentes.

Direção: David Fincher
Elenco: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collins, Tom Pelphrey, Arliss Howard, Joseph Cross, Tuppence Middleton, Tom Burke

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É difícil começar falando de qualquer outro ponto do filme que não sejam as atuações brilhantes do elenco, especialmente da dupla principal. Viola se dedica de corpo e alma a todos os papéis que atua, mas nem sempre está presente nos melhores projetos (inclusive é algo que precisa ser contestado urgentemente). Então não é sempre que ela tem a oportunidade de mostrar o quão maravilhosa e profissional é, enchendo os olhos do espectador em todas as cenas.

Ma é famosa, personalidade forte, corre atrás do que quer e dificilmente recebe um não como resposta. Já Levee tem uma personalidade parecida, porém mais sonhador e determinado a se tornar mais reconhecido na sua profissão, que é um dom. Juntos, mesmo que a maior parte do tempo separados, eles protagonizam discussões importantes sobre o racismo enraizado da época, especialmente no meio artístico e musical. Esse é o foco principal do filme, inclusive, tornando-se uma temática bastante atual e necessário no momento em que vivemos.

Boseman, que já estava bastante debilitado na época da filmagem e apresenta um perfil físico bem diferente do que vimos em Pantera Negra, se dedica como o papel de sua vida. Não é fácil superar Viola Davis, mas ele consegue fazer isso em muitos momentos, chamando todos os holofotes para si e nos apresentando uma performance impecável e comovente.

O diretor George C. Wolfe (Um Momento Pode Mudar Tudo), conhecido dos palcos da Broadway, conseguiu equilibrar a ambientação característica dos anos 1920 em Chicago, com as temáticas que são inseridas, como racismo e o jazz como força de afirmação do negro da época. Vemos isso nos detalhes, como no momento em que o personagem de Chadwick compra o sapato novo para a apresentação. Embora seja uma história real, não há intenção aqui de ser um longa biográfico. E é uma escolha acertada que o cineasta faz, ao trazer a sua experiência de teatro para dar o tom do filme.

A história em si pode até seduzir o espectador, mas definitivamente não é o maior atrativo, por passear em pontos comuns que já vimos em tantos outros longas. As atuações, sim, são a alma e a essência de A Voz Suprema do Blues e são essas as indicações que merecem nossa atenção. A grande probabilidade é de que Boseman receba um Oscar póstumo, assim como já foi justamente premiado pelo Globo de Ouro. Vale muito a pena este último tributo.

Direção: George C. Wolfe
Elenco: Viola Davis, Chadwick Boseman, Colman Domingo, Glynn Turman, Jeremy Shamos, Taylour Paige, Jonny Coyne

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