Song Sung Blue conta a história do encontro apaixonado entre dois imitadores de celebridades da música que sonhavam em fazer sucesso com suas vozes. Tanto Mike (Jackman) quanto Claire (Hudson) vem ao encontro de almas com suas bagagens e dramas pessoais que fazem a trama girar a partir dos altos e baixos de sua vida a dois. Escrito e dirigido por Craig Brewer (Um Príncipe em Nova York 2, de 2021), o longa-metragem segue essa linha narrativa usual para contar um pouco da vida do casal real ‘Raio e Trovão’. A história escrita por Brewer e baseada na vida de Mike e Claire Sardina não tem nada de extraordinária, mas é extremamente sincera e amorosa.

Ainda que tenha alguns deslizes no ritmo no segundo ato do filme, o roteiro se mantém fiel à clara missão de entreter, emocionar e divertir o público. Tudo isso, é claro, embalado pelas canções de Neil Diamond. E é por meio de suas canções que a narrativa é costurada e guiada pelos altos e baixos da vida e carreira da dupla real. Brewer verdadeiramente não traz nada de novo ou surpreendente em Song Sung Blue – Um Sonho a Dois, mas faz o que se propõe de forma coerente e razoável, criando um resultado que vale a pena.

O verdadeiro destaque de Song Sung Blue é seu elenco – e esse louro vai além da dupla principal. A direção de elenco acertou em cheio ao reunir um grupo de atores e atrizes que tem uma boa química em cena. A família Sardina é o maior destaque, com um momento de parabenização específico para Ella Anderson (Henry Danger: O Filme, de 2025) que tem ótimos momentos em cena, tanto como destaque, como contracena da dupla principal.

Apoiados por um elenco que dá a base necessária para florescer suas interpretações, Hugh Jackman (Deadpool & Wolverine, de 2024) e Kate Hudson (Glass Onion: Um Mistério Knives Out, de 2022) são os pilares de Song Sung Blue – Um Sonho a Dois. Com performances coesas e uma desenvoltura fantástica cantando, a dupla de atores encanta o espectador durante a cinebiografia. Jackman faz uma versão dele mesclada com o verdadeiro Mike Sardina, mas sem perder seu encanto e sua graça pessoal.

Hudson, por outro lado, é mais do que a contracena perfeita. Ela vai além, diante do que a direção e o texto te entregam, dando muito mais do que vida aos sonhos e dores de Claire. Hudson é a estrutura de toda a narrativa. Sem a sua performance, talvez Song Sung Blue não fosse o mesmo. Tanto que, quando a sua personagem cai num momento com mais deslizes de ritmo do roteiro, todo o longa também desaba – não em um desastre, mas em fragilidades de um roteiro que não é extraordinário. Não à toa, a atriz recebeu 3 indicações por sua atuação, sendo duas delas no Globo de Ouro, em Comédia ou Musical, e no Actors Awards.

Direção: Craig Brewer

Elenco: Hugh Jackman, Kate Hudson, Ella Anderson, King Princess, Michael Imperioli, Fisher Stevens, Hudson Hensley, Mustafa Shakir e Cecelia Riddett

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O roteiro de Anderson se desenrola a partir das interações entre um pai e uma filha que nunca tiveram uma relação sólida. A estranheza e o distanciamento conduzem o público durante os 105 minutos de duração por meio de inúmeras cenas absurdamente constrangedoras e satíricas. Anderson não deixa nada a desejar em O Esquema Fenício. As situações inusitadas que estabelecem as interações dos personagens definem o tom caótico e bem humorado do longa, fazendo com que os fãs do diretor retornem aos primórdios de sua carreira.

O diretor e roteirista sempre debateu os encontros da vida, ainda mais quando o assunto são os encontros dos desajustados e a tentativa de encontrar seus pares – mesmo que esses tenham seu próprio sangue. E essa dobradinha entre roteiro e direção continua a permitir que o texto ganhe forma em sua condução narrativa visual. As imagens ditam o que o roteiro expressa. Em O Esquema Fenício, as distância em tela não apenas balanceiam a conhecida simetria das imagens andersianas, mas também exemplificam o abismo que existe entre os personagens de Benicio del Toro (A Crônica Francesa, de 2021) e Mia Threapleton (Firebrand, de 2023).

Anderson jamais decepciona nessa harmonia entre roteiro e direção. Possam gostar ou não dos seus filmes, achar que eles são desvairados demais ou coisa do tipo, mas é inegável como o cineasta sabe conduzir bem as suas criações com identidade própria. O exagero, os melismas, o humor ácido e insano, tudo isso é formativo de quem é o diretor e o público consegue perceber isso do início ao fim do filme. O longa é um claro exemplo da essência do que é o cinema de Wes Anderson. Sem faltas e com muitos excessos, O Esquema Fenício é a cara de Wes.

Por falar em identidade, a fotografia, a arte e a trilha sonora são elementos essenciais para construir essa cara tão andersiana para as suas obras. No caso desta produção, o cineasta contou com o talento de Bruno Delbonnel (A Tragédia de Macbeth, de 2021) para conceber os dois momentos imagéticos – o real e o imaginário do personagem de del Toro – d’O Esquema Fenício. A arte foi comandada por Esther Schreiner (Ferrari, de 2023), que se encarrega de dar vida às tonalidades pasteis com uma ludicidade teatral já conhecida das obras do diretor. E, por fim, a composição musical ficou a cargo de Alexandre Desplat (Nyad, de 2023) para embalar o público nessa jornada fantástica e insana.

O Esquema Fenício encanta porque, tanto a equipe técnica como o elenco, consegue convencer o espectador da farsa – aqui usada no sentido teatral da palavra – mostrada na telona. Wes Anderson é o mestre da farsa cinematográfica e seu novo longa parece abraçar isso como há muito não fazia. A acidez do humor e a sátira ao capitalismo industrial, às trapaças dos magnatas e do governo estadunidense e à disfunção familiar dos personagens centrais promovem um divertimento absurdo. Do início ao fim, o filme se encarrega de entreter por ser e entender que é um grande e hilário absurdo.

Direção: Wes Anderson

Elenco: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend e Hope Davis

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De cara, já é importante esclarecer que o novo longa-metragem de Tim é bem sucedido em sua missão. Os Fantasmas Ainda Se Divertem tanto acerta em reviver o clássico de 1988 como em estabelecer conexões com a atualidade e possíveis novos fãs. O tom da comédia é extremamente calibrado e pronto para fazer piadas escrachadas ou nonsense sobre si, o passado e os dias atuais. O roteiro de Alfred Gough e Miles Millar (ambos criadores de Wandinha) não perde de vista os elementos de terror – aqui até mais presentes do que em seu antecessor -, criando um tom ainda mais equilibrado do que o primeiro filme.

Além disso, o projeto aposta na continuidade visual do que estabeleceu Os Fantasmas Se Divertem lá em 1988 como um clássico cult. O uso de stop-motion, efeitos práticos e cores saturadas continua a representar a visualidade do longa-metragem e isso mantém seu caráter original. O investimento nessas características tão próprias de Beetlejuice (título original) só fortalecem a ideia de que o estúdio quis manter a energia do filme anterior em Os Fantasmas Ainda Se Divertem.

Outro fator que enriquece o filme e alegra os fãs do original, é ver Burton em sua melhor forma. Depois de 5 anos sem lançar um novo filme, o diretor estadunidense retorna com um dos projetos que mais marcou sua carreira e o catapultou para o sucesso. Os Fantasmas Ainda Se Divertem tem em seu cerne o DNA do que eram os longas dirigidos por Tim Burton no início de sua carreira. É possível perceber na sequência a mesma energia que existiu nos primeiros sucessos de sua carreira, como Batman (1989), Edward Mãos de Tesoura (1990), Ed Wood (1994) e Marte Ataca! (1996).

Mais do que o prazer que é ver Burton retornando às suas origens, é ter ele fazendo isso ao lado de pessoas que estiveram com ele nessa caminhada. O retorno de Michael Keaton (The Flash, de 2023), Winona Ryder (Stranger Things, desde 2016) e Catherine O’Hara (Argylle – O Superespião, de 2024) é uma chancela de continuidade ainda maior. Eles se mostram tão sagazes e prontos para uma nova aventura insana do diretor em Os Fantasmas Ainda Se Divertem. A sensação que dá ao vê-los em cena é como se o tempo não tivesse passado. O timing e a troca são tão poderosos como no original. Cada um tem seu momento de brilhar ao longo do filme, mas é preciso destacar O’Hara como um ponto fora da curva. Sua Delia Deetz está mais excêntrica e hilária do que nunca.

Ao lado do trio que fez parte do elenco original, Os Fantasmas Ainda Se Divertem ganha adições poderosas ao incorporar Jenna Ortega (Pânico, de 2022, e Pânico VI, de 2023), Justin Theroux (A Dama e o Vagabundo, de 2019), Monica Bellucci (Máfia Mamma – De Repente Criminosa, de 2023) e Willem Dafoe (Pobres Criaturas, de 2023) em seu elenco. Dafoe entrega um chefe de polícia excêntrico que , em vida, era um ator vaidoso; Theroux chega com o exagero de um aproveitador clássico; e Bellucci abraça o público com o encantamento de uma femme fatale zumbi. E ainda tem uma participação surpresa que tira boas risadas, apesar do seu curto tempo em tela.

Cada um cumpre seu papel em cena muito bem e divertem o público sempre que surgem em tela, mas Jenna precisa ser destacada separadamente. Apesar de ser a filha de Lydia Deetz, seu mérito não é pelo tempo de tela – até porque Keaton segue com menos de 20 minutos de filme e continua a ser um estouro -, mas pela sua presença. Tim encontrou em Jenna uma referência perfeita para incorporar o terror gótico satírico tão presente em sua carreira. Os Fantasmas Ainda Se Divertem só ganhou com essa nova leva do elenco, especialmente por levar ao público mais uma parceria entre Ortega e Burton.

A mistura de elementos clássicos e atuais, do elenco original com as adições e da retomada do cinema raiz de Tim Burton fazem de Os Fantasmas Ainda Se Divertem uma surpresa extremamente feliz. A sequência é tão divertida e surreal como o primeiro filme. Talvez o roteiro da sequência seja mais redondo e saiba usar melhor os elementos exageradamente surreais. É evidente que a narrativa já tem fãs há mais de três décadas, contudo, os acertos, as apostas e as certezas de produção fazem com que o segundo filme sobre Beetlejuice seja capaz de superar o primeiro em todos os aspectos possíveis. Que esse seja o início de novos projetos de Burton que retornem e abracem a sua verdadeira essência, que o fazem ser um diretor único.

Direção: Tim Burton
Elenco: Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Jenna Ortega, Justin Theroux, Monica Bellucci e Willem Dafoe

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Para além do burburinho do projeto que surge por conta de suas estrelas, ainda há algo de muito pessoal sobre o longa para o diretor. Além de cineasta e ator, David também é coordenador de dublê e performer nesse setor. Ou seja, O Dublê tem uma força pessoal sobre enaltecer um dos departamentos negligenciados quando se pensa na indústria de Hollywood. Com isso, o filme é uma viagem intensa e cômica tanto no universo do trabalho dos dublês, como na própria arte de se fazer cinema.

Em O Dublê, Colt Seavers (Gosling) é um dublê de ação que se vê metido numa confusão gigantesca. Enquanto ele tenta reatar sua paixão com a diretora estreante Jody Moreno (Blunt), Colt  investiga o desaparecimento da estrela do filme de sua amada, o famoso ator Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson). O problema é que ele precisa fazer tudo isso em segredo, na esperança de salvar o primeiro filme de Jody antes que descubram que o ator sumiu.

Os trailers, as entrevistas e tudo mais que se sabe da produção antes de assistí-la, indica que o público está indo para uma sessão de algo que se assemelha a uma versão mais família de Trem-Bala (2022), Dois Caras Legais (2016) ou uma mistura dos dois. O resultado de O Dublê é, no entanto, algo ainda mais satisfatório. Mesmo que fosse um mix entre os dois longas – um deles estrelados também pelo Gosling -, o novo filme de David Leitch já seria interessante e engraçado o suficiente para fazer uma arrecadação interessante.

O que o roteiro de Drew Pearce (Hotel Artemis, de 2018) entrega ao espectador, contudo, é algo infinitamente melhor do que se poderia imaginar. O Dublê tem uma energia similar a de As Panteras dos anos 2000. Abraçando o exagero, o humor sem amarras e ainda adicionando o mundo do cinema em sua estrutura, a produção é um mergulho no que há de melhor na filmografia do diretor e do roteirista, além de ter a dupla de protagonistas fazendo algo que ambos brilham, que é comédia.

O Dublê é simplesmente um caldeirão de referências, piadas e cenas de ação monumentais que resultam num filme surpreendentemente divertido. É um encontro entre Missão: Impossível (1996-) e Chumbo Grosso (2007). É um roteiro que não tem medo de ser exagerado quando precisa. Além disso, o texto é recheado de autorreferências e brincadeiras sobre o fazer cinema e alguns filmes bem conhecidos do público – incluindo uma constante e hilária sátira a odisseia espacial de Dennis Villeneuve (Duna, de 2021, e Duna: Parte 2, de 2023).

O elenco é outro ponto alto de O Dublê. Parece que ele foi escolhido a dedo. Ryan Gosling está no tipo de papel que nasceu pra fazer. Ele brilha como ninguém em comédias, especialmente quando essas têm camadas que permitem que o ator possa brincar com o roteiro. Emily Blunt completa a realeza desse relacionamento em tela que, ainda que não soubéssemos, era o que o público mais precisava. Também é preciso parabenizar os trabalhos de Hannah Waddingham (Abracadabra 2, de 2022) e Winston Duke (Pantera Negra 1 e 2, de 2018 e 2022) que também brilham no filme e arrematam o público com momentos divertidíssimos.

Essa explosão de sentimentos e diversidade de gêneros é a força de O Dublê. Ele é um filme de ação ao mesmo tempo que é de comédia e de suspense. O roteiro consegue misturar os três bem e é coeso o suficiente para não perder o público, mesmo que às vezes brinque com os limites do crível ou exagerado. Mas isso faz parte do show. Essa é a essência do projeto e, provavelmente, vai ser isso e seus nomes estelares que farão deste um projeto extremamente lucrativo.

E assim a narrativa de O Dublê entrega tudo o que o espectador quer: romance, drama, ação, aventura e mistério. Tudo isso com direito a um vislumbre do que é a arte de fazer cinema – sem falar nas constantes referências visuais, sonoras e de discurso a outros sucessos da telona. É um filme para família que diverte até a barriga doer, mas não perde a qualidade e nem se coloca menor do que nenhum outro filme. E, quem sabe, o longa pode até chegar a temporada de premiação com direito a algumas nomeações.

Direção: David Leitch

Elenco: Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Teresa Palmer, Stephanie Hsu e Winston Duke

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A sensação é quase de que está se acompanhando improvisações e que a compreensão do roteiro ainda não foi alcançada. Ainda assim, há qualidade em uma outra relação na narrativa. A química entre Wesley e Sean (Lamorne Morris, Yesterday) é instantânea na tela. É impressionante como, mesmo após a sequência da primeira interação da dupla, a roteirista Ellen Rapoport (The Starlet) tenta “enganar” o espectador e dar diversas voltas, apenas para revelar no final o que já estava claro em menos de dez minutos de projeção. Além disso, a personagem de Morris acaba sendo jogada em múltiplos momentos e situações, sem uma razão aparente a não ser por convir para Rapoport. 

Ainda pensando no trabalho textual, é curioso notar as reiterações que o longa faz. Depois de já estar bem claro o desespero de Wesley, por exemplo, seja no título da obra e nas conversas da personagem com suas melhores amigas e no telefone, a equipe achou necessário reforçar isto visualmente. Vários planos detalhes da residência da moça são mostrados, objetos de despedidas de solteira, de convite de chás de bebês e etc, como se ela fosse uma pessoa enlouquecida por não estar em um casamento e, de certo modo, até com rancor de quem está casado. É um tanto triste este elemento tendencioso, já que roteiro e direção são assinados por duas mulheres.

A cineasta Lauren Palmigiano (Mr Mom) fomenta estereótipos, principalmente em questões de enquadramentos que passam um tom tão forte de distanciamento para com Wesley, que acaba sendo colocada em um lugar de ridicularização. Até em seu desfecho, quando faz uma mise-em-scéne que joga com as relações de poder entre mulheres diante de um homem, a direção carrega um olhar que reproduz um discurso de que a força feminina é mais intensa quando ela está ao lado de um homem que ama (eca?). Existe também uma questão de falta de ritmo que permeia Desperados. É como se ele passasse tanto tempo procurando colocar ações frenéticas que quando chega o respiro, as situações perdem a graça. Se uma história é contada sem equilibrar tensões e angústias com relaxamento, uma hora vai ficar exaustivo de acompanhá-la e/ou quando o freio for pisado a queda será sentida.

Por fim, os velhos e conhecidos clichês sobre o México – local que o grupo vai para tentar salvar o namoro de Wesley – e seus habitantes apareceram o tempo inteiro para lembrar como estadunidenses não conhecem nada que vá além de seus umbigos. Apesar de todos os problemas apontados, existe uma criação de empatia que se estabelece com as personagens, despertando uma vontade de descobrir o desfecho. Quando existe esse apego durante a exibição, é mais fácil também de rir das piadas. O timing cômico é uma das maiores qualidades do filme. A habilidade em naturalizar passagens perturbadoras é sempre algo bacana, porque se as sequências não forem orgânicas, perde-se o propósito inicial e essencial da comédia.

Direção: Lauren Palmigiano

Elenco: Nasim Pedrad, Robbie Amell, Anna Camp, Sarah Burns, Heather Graham, Lamorne Morris

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No Brasil, Sandler é principalmente identificado por papéis em filmes como Click ou Esposa de Mentirinha. Entretanto, não é de conhecimento geral que volta e meia o ator se arrisca (e se saí muito bem) no drama. Suas atuações em Embriagado de Amor e Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe (filme exclusivo da Netflix) provam sua competência.

Assim, o Coisa de Cinéfilo preparou uma lista de atores e atrizes de comédia, tanto do passado quanto do presente, que mereciam pelo menos uma indicação ao Oscar, mas nunca ou ainda não conseguiram.

Antes de mais nada, vale a observação de que a lista reflete como a comédia é um meio predominantemente masculino, sendo marcado pelo machismo, que por muito não deu oportunidade para mulheres se destacarem na área. Felizmente, as coisas estão mudando e já há grandes atrizes sendo reconhecidas, como Melissa McCarthy, que inclusive foi nomeada duas vezes para o Oscar.

Confira a lista!

10 – Buster Keaton (1895-1966)

Quem for fã de Jackie Chan, irá gostar de Keaton. O seu grande azar foi ter surgido na mesma época de Charlie Chaplin. Tendo um dos maiores gênios da história como “concorrente”, Keaton foi injustamente esquecido por muitos. O grande diferencial do comediante, além de seu rosto propositalmente inexpressivo (deadpan style),  é que ele constantemente se envolvia em sequências grandiosas e perigosas, arriscando sua própria pele para gerar momentos únicos para o cinema.

Seu auge foi durante o cinema mudo e como reconhecimento recebeu um Oscar honorário em 1959, mas que não parece o suficiente por tudo que já fez. Suas principais obras são: O General; Marinheiro de Encomenda; Bancando o Águia e O Homem das Novidades, todas disponíveis no Youtube. Também vale citar Harold Llyod, que junto com Buster e Charlie formava a tríade de ouro da comédia muda, tendo O Homem Mosca como seu trabalho mais famoso.

9 – Stan Laurel (1890-1965) e Oliver Hardy (1892-1957)

Posteriormente, na década de 1930, houve o ápice da dupla Stan e Ollie. Com o advento do som, muito do humor pastelão da dupla envolvia piadas faladas ou gags sonoras, uma novidade para a época. Decerto, não há como falar de cada um individualmente, pois eles funcionavam de maneira complementar e antagônica, com Stan irritando Oliver o tempo todo com sua inocência. Assim, seus filmes aproveitavam da aparência contrastante entre a dupla para gerar piadas, pois Hardy era bem maior que Laurel. Além disso, o filme Stan e Ollie foi lançado em 2018, protagonizado por Steve Coogan e John C. Reilly e que conta a história deles. Similarmente importante e que vale menção é a dupla Abbott e Costello, que com uma dinâmica semelhante reinou nas décadas de 1940 e 1950.

8 – Lucille Ball (1911-1989)

Considerada a “Primeira-Dama da TV Norte Americana”, Lucille Ball ficou famosa principalmente por estrelar a sitcom I Love Lucy, sendo nomeada a diversos Emmys por isso. Uma das maiores comediantes físicas da história, Ball merecia mais crédito por seus trabalhos em uma fase mais madura da carreira, como em Os Seus, os Meus, os Nossos ou O Jogo Proibido do Amor. Apesar de ter sido reconhecida no Globo de Ouro, nunca foi indicada ao Oscar.

7 – Jerry Lewis (1926-2017)

Surpreendentemente, Jerry Lewis, conhecido com o Rei da Comédia, nunca ganhou um Oscar. Com seu sucesso principalmente na década de 1960, o comediante começou a carreira fazendo dupla com o cantor Dean Martin e seu estilo de comédia física influenciou muitos nomes, entre eles Jim Carrey. Além disso, Lewis exercia total controle sobre a produção de seus filmes, sendo diretor, roteirista e editor. Ele não só estrelou icônicos longas de comédia como Errado para Cachorro, como também é famoso por seu papel em O Rei da Comédia, de Martin Scorsese, interpretando uma versão satírica de si mesmo.

6 – John Cleese (1939-presente)

Quem não conhece Monty Python? Se a resposta for negativa, pare imediatamente de ler esse texto e vá ver os filmes disponíveis na Netflix. John Cleese é um de seus cofundadores, exercendo a função de roteirista e ator. Embora já tenha sido indicado ao Oscar por seu trabalho de argumentista, Cleese é injustamente esquecido por suas atuações. Assim como todos os integrantes do grupo britânico, ele tinha um humor ácido e rápido. Após abandonar Monty Python, o comediante criou a série Fawlty Towers e fez participações em filmes famosos, como: Nick Quase-Sem-Cabeça em Harry Potter; Q em 007 – Um Novo Dia Para Morrer e o Inspetor Dreyfus em Pantera Cor de Rosa 2.

5 – Richard Pryor (1940-2005)

Maior comediante de stand-up de todos os tempos? Segundo o Comedy Central, sim. Marcado por seus rápidos diálogos, Pryor utilizava o humor para denunciar o racismo de sua época, sendo chamado de “Picasso de sua geração” por Jerry Seinfeld. Além de fazer muitos stand-ups, o humorista participou de alguns filmes de comédia, mas a sua grande atuação realmente foi em um drama, assim como Sandler. Na estreia de direção de Paul Schrader (responsável pelo roteiro de Taxi Driver), no filme Vivendo na Corda Bamba, Pryor traz uma atuação convincente e forte. Em um estilo completamente diferente, seu papel foi bastante elogiado pelo renomado crítico Roger Ebert.

4 – Steve Martin (1945-presente)

Apesar de ter cinco nomeações para o Globo de Ouro, Steve Martin só foi lembrado pelo Oscar por um prêmio honorário em 2014. Caso sirva de prêmio de consolação, ele também já apresentou a premiação três vezes. Com seu estilo irônico, Martin fez mais de 70 filmes e chegou a ser comparado com Jerry Lewis no início da carreira. Seus papéis mais conhecidos pelo público são o trapalhão Clouseau em Pantera Cor de Rosa e o pai de muitos filhos em 12 É Demais. Com uma carreira tão rica, é claro que o ator não fez apenas comédias, sendo possível vê-lo em filmes de drama como A Trapaça, Uma Virada do Destino e, mais recentemente, A Longa Caminhada de Billy Lynn.

3- Hugh Grant (1960-presente)

Uma das figuras mais populares do cinema britânico, não há como dizer que Hugh Grant é totalmente esquecido. Ganhador do BAFTA e do Globo de Ouro, Grant ainda não foi lembrado pelo Oscar. Com sua comédia sarcástica, Grant já chamava a atenção na década de 1990 em filmes como Quatro Casamentos e um Funeral e Um Lugar Chamado Notting Hill. Indo para o lado dramático, ele também não desapontou atuando em Cloud Atlas e Florence: Quem é Essa Mulher?. Mais recentemente, Grant fez o antagonista de Paddington 2, com uma atuação extremamente caricata e exagerada, roubando o filme para si.

2 – Jim Carrey (1962-presente)

Um dos homens mais excêntricos e complexos do mundo, Jim Carrey é muito mais do que o Lóide, de Debi & Lóide. Afinal, além de comediante, Carrey se mostrou um ótimo ator dramático em O Show de Truman, que na época já levantou especulações de que ele poderia ser nomeado ao Oscar de Melhor Ator. Posteriormente, ele iria reafirmar sua excelência no drama como o protagonista de O Mundo de Andy e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças. Ainda que tenha sido premiado diversas vezes, o ator sempre pareceu ser rejeitado pela Academia. Será preconceito só porque ele participou de Batman Forever?

1 – Ben Stiller (1965-presente)

Outro ator que é popularmente conhecido por filmes mais acessíveis como Uma Noite No Museu, Stiller também já provou que sabe fazer drama. Em constante parceria com o diretor Noah Baumbach, Stiller está em papéis convincentes em Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe (assim como Sandler), Enquanto Somos Jovens e O Solteirão. Seguindo essa mesma linha, o humorista já trabalhou com Wes Anderson em Os Excêntricos Tenenbaums, também com uma atuação impressionante.

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O filme já sofre uma adição de personagens interessante, com a presença de Mel Gibson e John Lithgow. Os dois funcionam bem e em sincronia, criando um núcleo principal muito bom. E é engraçado ver que Gibson ficou bem no papel de pai de Mark Wahlberg, mesmo que a diferença dos dois seja de apenas 15 anos.

Acho que o principal ganho do filme é que ele não se leva a sério. E não é para se levar mesmo. Não há grandes discussões em jogo, apenas a relação de pai, padrasto e filhos. Algo que é interessante, mas feito de forma nenhum pouco séria.

Apesar dessa característica, a narrativa é coesa e tem uma história linear. Não é como se fossem um monte de cenas aleatórias forçadas para o espectador rir. Aliás, o riso é sincero. Não é um besteirol escrachado. É, definitivamente, um filme de comédia e ponto. Aliás, uma comédia para família, visto que as crianças vão curtir também.

O longa tem uma ou outra cena machista, mas se redime mais adiante, quando começa a dar mais poder às personagens femininas. Não incluímos nesse pacote Alessandra Ambrósio, que interpreta a namorada de Dusty e é um peso morto a maior parte do filme.

No enredo principal, são colocadas em xeque questões de relações familiares, como o amor entre pai e filho, intimidade das relações, inserção de novas figuras, como o caso do padrasto. E isso é feito com cuidado, impondo um equilíbrio e apreciação de todos os lados.

Pai em Dose Dupla 2 não é um grande filme, mas funciona bem dentro do que se propõe e isso é suficientemente bom. Boas atuações, um clima de Natal bem gostoso e uma risada garantida. Não vejo como isso poderia dar errado.

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O erro já começa pela estereotipação do modelo feminino. Para ser acima do peso, as mulheres têm poucas opções, sendo elas: se aceitar completamente e ignorar a gordura, ser fogosa, ser bem sucedida financeiramente ou ser traída pelo marido. É uma necessidade tão grande de ignorar o corpo e seu formato, que fica extremamente forçado e surreal. Como se a única solução para ser feliz e gorda, seja esquecer que é gorda.

Pior ainda é quando surgem alguns personagens que fazem bullying com a protagonista por conta de seu peso. Parece uma cena saída de pré-primário, sendo que na verdade se passa em um escritório. É tão forçado que fica ridículo. Sabemos que no dia a dia as coisas são muito mais sutis (nem por isso menos dolorosas e invasivas).

De alguma forma, o roteiro ainda consegue associar o quarteto principal sempre a homens, como se mulher não tivesse outro propósito de vida a não ser encontrar o companheiro perfeito. Elas falam, pensam e vivem para os homens. Para um filme que tem a proposta de tirar o estigma da gordura feminina, isso se torna ainda pior e mais caricato.

Ao final de um roteiro vergonhoso, forçado, machista e sem graça, o filme é o tipo de coisa que você prefere esquecer que se dispôs a assistir. Traz uma visão completamente equivocada do ser feminino, não tem a menor graça (e deveria ter, porque se força como comédia) e não tem nem uma atuação que valha a pena o tempo investido. Resumindo: sofridamente dispensável.

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O diretor Zach Braff conseguiu reunir um elenco de peso para protagonizar a trama, que é bem simplória, mas funcional. Temos Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin, Ann-Margaret e até Christopher Lloyd. Não apenas o elenco é bom, como funciona harmonicamente na telona. Freeman não está ocupando aquele velho lugar de “ditador de lição de moral”, que lhe é tão comum. Lloyd está fazendo o que sabe fazer melhor: ser excêntrico, o que funciona muito bem. Caine e Arkin também acrescentam graça e força às dinâmicas em cena.

As cenas se desenrolam de forma gradativa e notadamente exagerada. É muito claro no roteiro que não há intensão de ser similar com a realidade, mas não há defeito nenhum nisso. A proposta é mostrar um outro lado, como um grupo de idosos conseguiu resolver os problemas e ainda agitar a tão pacata rotina deles. Naturalmente não é um enredo incrível e nem memorável, mas cumpre o objetivo de entreter, o que já é muito bom.

A comédia é leve e flui com muita naturalidade. A intenção de mostrar os dois lados dos personagens, trazendo ainda elementos de suas famílias, agrega positivamente à história como um todo. As narrativas criadas têm finalização, comédia, ação e tensão também. Tudo em uma medida homeopática e razoavelmente interessante.

Não se deve esperar o melhor filme de comédia do mundo em Despedida em Grande Estilo, mas certamente ele irá agradar o público. É engraçado, completo, tem excelentes atores e atuações e é bem finalizado. Como dizer que ele não funciona muito bem, não é verdade?

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Dwayne Johnson faz o papel de Bob, um jovem que sofre bullying no colégio e tem um episódio de vergolha na frente de todos os alunos na festa de fim de ano. Já Calvin (Kevin Hart) é o popular e querido por todos, a promessa de futuro da escola. Anos depois, as coisas estão um pouco diferentes. Bob está lindo, forte e rico, enquanto Calvin não teve tanto sucesso assim. Eles acabam se encontrando e vivendo momentos de pura adrenalina em uma corrida para descobrir quem está falando a verdade.

Partindo do pressuposto que eu falei acima, ele cumpre muito bem o objetivo de ser uma comédia apenas para rir, sem grandes enredos. E olha que este até possui uma história interessante por trás. Um tanto instigante, até. Dwayne mostra mais uma vez seu lado cômico, provando que vai além dos músculos. Neste filme especificamente, ele até meio que tira sarro disso, protagonizando um personagem com gosto de moda bastante duvidoso e que não tem consciência da sua sexualidade.

Já Hart tenta sair do esterótipo de baixinho engraçado para ser o importante da história, mas não consegue este sucesso todo. Ele navega entre o protagonista e coadjuvante, mas acaba sempre na última opção. Uma tentativa um pouco frustrada de reverter as situações.

No mais, o longa é bastante divertido e faz o espectador rir em diversos momentos. Tem uma escolha de elenco que tem sintonia, o que favorece bastante o resultado. Gratas surpresas como Aaron Paul, que poderia ter um pouco mais de destaque, mas se apresenta bem no papel de vilão, Jason Bateman, que faz o papel de babaca da escola e Melissa McCarthy, que aparece tão rápido que não se deram nem o trabalho de creditar.

Para divertir o fim de semana, é sim uma boa pedida. Apenas vá assistir consciente do estilo de filme que te aguarda

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