Chazelle começou a sua carreira com longas-metragens no topo. Logo em seu primeiro projeto não independente, ele conquistou nomeações no Oscar em diversas categorias, inclusive “Melhor Direção” e “Melhor Roteiro Adaptado”. Whiplash: Em Busca da Perfeição (2014) fez com que o jovem cineasta iniciasse a sua vida na grande Hollywood de forma estratosférica.

Seu filme seguinte, o premiado La La Land – Cantando Estações (2016), conquistou um espaço ainda maior e concedeu a Chazelle o seu primeiro Oscar. Apesar do inesquecível erro do prêmio de “Melhor Filme” ter sido anunciado para La La Land, o segundo longa de Damien não conquistou a estatueta. Assim, ele saiu da maior premiação do cinema, mais uma vez, sem esse louro.

A terceira produção do diretor claramente foi uma resposta dele para a Academia, uma investida para conquistar os votantes na empreitada de alcançar o que quase conseguiu na cerimônia de 2017. No entanto, O Primeiro Homem (2018) foi uma tentativa falha e se tornou o filme mais esquecível da carreira de Chazelle. Babilônia, no entanto, pareceu ter vindo como uma outra chance. A cartada final do cineasta em busca do desejado reconhecimento pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas.

O problema do novo truque de Damien em direção aos principais prêmios do Oscar está justamente em seu desejo. Babilônia funciona como uma orgia intelectual de amantes do cinema. Tudo no filme é pretensioso. Desde os elementos que deveriam até os que se tornam um erro. A dramédia sobre o período de transição do cinema muda para o falado, tenta mirar sua estética num visual absurdo e exagerado, tal qual foi feito por Baz Luhrmann em Moulin Rouge – Amor em Vermelho (2001) e Elvis (2022), mas se torna uma produção de excessos que cansa o espectador.

Diferente dos feitos de Luhrmann, Chazelle usa essa estética do absurdo em cada segundo dos longos 189 minutos de duração. Não apenas mantém esse exagero presente o tempo inteiro como também o utiliza em cada etapa e processo da produção. Por um lado, ele conseguiu entregar ao público um filme deslumbrante do ponto de vista visual e com uma unidade clara. Por outro, Chazelle fez Babilônia se perder.

O que era para ser o maior filme de sua carreira – superando até mesmo o brilhante Whiplash – se tornou um dos mais exaustivos. É verdadeiramente cansativo passar pelas três horas de duração do filme. E uma vez sabendo onde Chazelle queria chegar, o tempo da sessão de Babilônia se mostra ainda mais desnecessário. O roteiro se perde na tragédia de erros dos artistas. O drama existencial e a discussão das dificuldades adaptativas do mercado são trocados por um pastiche cômico sem razão.

Com isso, Chazelle mostrou que nem sempre sabe como concluir uma narrativa. Diferente do seu primeiro longa-metragem ou de La La Land, o final do novo filme do diretor se arrasta por cerca de 30 minutos, o que faz com que a sensibilidade de sua apoteótica montagem final perca a força. Babilônia seria outro filme se o desejo de chegar no Olimpo das premiações não estivesse dominando as decisões do cineasta.

Ao menos uma coisa é certa, Damien Chazelle não errou o título do seu novo projeto. Babilônia é o nome perfeito para descrever a essência do filme. O que é vista em tela pelo espectador é uma profusão de informações. Sejam elas estéticas, visuais ou sonoras, o projeto é uma experiência de excessos do início ao fim. Chazelle até tenta associar essa escolha aos eventos narrados, uma pena que isso não é o suficiente para sustentar a ideia.

No fim da equação, Babilônia passa da conta com uma quantidade exagerada de artifícios. Ainda que tenha uma fotografia, direção de arte, maquiagem e figurinos excepcionais, a montagem, trilha e o roteiro se perdem. Com isso, a própria direção de Chazelle não consegue ser um dos pontos altos do longa-metragem. A ânsia de fazer um filme metalinguístico que serve de ode ao início do cinema que conhecemos hoje cai por terra por conta desse vislumbre no prêmio.

Babilônia deve ser lembrado no Oscar, mas nas categorias relacionadas ao departamento de arte (“Melhor Design de Produção”, “Melhor Figurino” e “Melhor Cabelo e Maquiagem”) e, talvez, uma indicação pela fotografia. Desses, os prêmios mais possíveis estão na arte. É claro que o nome do longa pode sair entre os indicados a “Melhor Filme”, mas é um candidato muito fraco e não hegemônico entre os votantes para ganhar. Parece que o desejo excessivo em realizar o que quase conseguiu em 2017 atrapalhou a direção e o que seria mais um roteiro inteligente e criativo de Chazelle. Assim, o projeto entra no doloroso hall de filmes que tinham o potencial de alcançar os voos mais altos, mas desabaram do alto.

Direção: Damien Chazelle

Elenco: Brad Pitt,  Margot Robbie,  Diego Calva,  Jean Smart,  Jovan Adepo e  Li Jun Li

Assista ao trailer!

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=kHRxUylmwqs]

O post Especial: Entenda porque Babilônia não tem chances de ganhar Oscar de Melhor Filme apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Para entender a divisão de opiniões sobre a mais recente produção sobre o Bicho-Papão, é preciso revisitar seus dois antecessores. Dentre as inúmeras linhas cronológicas da franquia Halloween (ler mais sobre as cronologias no especial do site), a mais recente se estabelece a partir apenas do original e dos três novos filmes. Assim, Halloween (2018) funciona como uma requel – filme que recomeça uma linha temporal de uma saga/franquia, ao mesmo tempo que continua a narrativa a partir de algum dos seus capítulos anteriores -, continuando a jornada iniciado por John Carpenter e Debra Hill em 1978.

A escolha de ignorar os nove projetos lançados entre 1981 e 2009 foi essencial para que a ideia de Green e McBride se estabelecesse de forma concreta. A partir desse novo caminho, a narrativa seguiu a aura criada pela direção de Carpenter em Halloween: A Noite do Terror e entregaram um sucesso ao público. A estreia do primeiro longa-metragem da trilogia conquistou tanto a crítica quanto o público e garantiu que o projeto da trilogia se tornasse real, fazendo com que a Blumhouse desse a luz verde para que as outras duas sequências fossem produzidas. Na tentativa de levar essa energia do original até o final, a história criada se preocupou em expandir e renovar a franquia a partir de uma narrativa sobre traumas e marcas de feridas do passado.

De volta à Haddonfield

Ao pensar no primeiro episódio desta trilogia, o público recebeu uma produção que se preocupa com o retorno. É um longa que tem por objetivo esclarecer suas escolhas que geraram sua origem, reintroduzir os personagens conhecidos e apresentar os novos rostos. Além disso, Halloween (2018) concentra a sua trama central no trauma e o que ele pode causar nas pessoas próximas. Assim, o foco principal do primeiro filme é mostrar como Laurie passou esses 40 anos após os eventos da noite de Halloween de 1978 e de que forma isso interferiu em sua vida. Ou seja, o roteiro co-escrito por Green, McBride e Jeff Fradley mergulha num drama sobre uma família atormentada pelo passado.

Três gerações das Strode foram afetadas pelo legado violento deixado por Michael Myers. Laurie, por ter sido a vítima direta da Figura, carrega a culpa do sobrevivente, além de viver em constante alerta, no aguardo do retorno do seu algoz. Por conta das feridas de Laurie, sua filha Karen (Judy Greer), cresceu num lar onde a inocência e a infância deram espaço para treinamentos de sobrevivência e um clima de insegurança. Na tentativa de quebrar essa corrente de traumas, Karen se afasta da mãe, o que interfere diretamente na relação de Laurie com sua neta Allyson (Andi Matichak). Essa cama de gato trançada por problemas não resolvidos do passado é o pano de fundo do longa-metragem lançado em outubro de 2018.

Esse desenho caótico de uma família despedaçada pelo medo é a força motriz da narrativa que retoma a franquia. Além da alta qualidade e precisão do roteiro, as dinâmicas por trás dos traumas das Strode complementam a narrativa. Assim como Laurie, o espectador se vê 100% em alerta a todo tempo, esperando que Michael apareça no canto da tela, preparado para ceifar mais vidas, mas essa insegurança e paranoia não para por aí. Uma vez que o público toma dimensão do que aconteceu com Laurie, a pergunta que fica é o que será dos sobreviventes dos eventos ainda mais violentos de Halloween (2018).

Com sequências de mortes surpreendentes e cada vez mais brutais, o espectador se choca com a força devastadora dos novos acontecimentos em Haddonfield. A contagem de corpos de Halloween (2018) supera a do filme de Carpenter e a antecipação para o confronto com Laurie só cresce. Quando é chegada a hora dessa luta cara a cara, o fã não fica decepcionado com uma sequência final tensa até o último minuto. A direção de David Gordon Green é poderosa na condução do pavor e da surpresa, ainda que não seja sutil e sugestiva como a do criador do filme original.

Por conta desse cenário de sucesso, as expectativas se tornaram estelares para seus sucessores. Com uma marca de mais de 255 milhões de dólares arrecadados, Halloween (2018) elevou a exigência dos fãs para outro nível, agora que o público teve o vislumbre de um filme consciente de seu legado que provou ser capaz de se aproximar das sensações causadas pelo original. A partir de agora, o espectador estaria contando os minutos para ver o que os próximos capítulos da trilogia guardariam de surpresa.

O legado de Michael

Depois de um final eletrizante – e que, para muitos fãs, poderia ter sido a conclusão da história do Bicho-Papão -, Halloween Kills: O Terror Continua (2021) tem a difícil missão de começar a sua jornada de uma forma tão apoteótica quanto o encerramento do seu antecessor. Como esperado, esse tipo de expectativa tão elevada não é o ideal para uma produção ser construída. Para dificultar ainda mais o processo do segundo filme, a pandemia de covid-19 teve seu boom na época das gravações, fazendo com que o cronograma inicial da produção mudasse por completo.

Com os atrasos e as novas dinâmicas vindas da pandemia, o projeto teve a sua estreia postergada em um ano e acabou sendo lançado tanto nos cinemas, como pelo streaming Peacock, nos Estados Unidos. Apesar dos fatores externos que tornavam ainda mais difícil a entrega da produção, a ideia para o capítulo dois sempre esteve clara para os co-criadores da trilogia. Halloween Kills se preocupa em descrever o outro lado da moeda sobre os ataques de Michael.

Qualquer evento brutal deixa marcas numa comunidade. Seja ele em grande escala ou não, assassinatos como os cometidos por Michael Myers não poderiam deixar de respingar na cidade. Esse reflexo das ações da Figura vão além da memória e da criação de um mito assustador, mas também deixou feridas abertas em Haddonfield. Não foi só Laurie e sua futura família que se viu marcada naquela noite de 1978, mas toda a cidade. E essa é a missão de Halloween Kills: explorar a relação entre os traumas vividos pela cidade e a violência que isso reverberou na pacata Haddonfield.

Diferente do primeiro filme que foca nas três gerações das Strode, Halloween Kills vai mostrar outros personagens que tiveram as suas vidas transformadas por conta de Myers. Os fãs podem descobrir como o encontro com Michael mudou a vida de personagens de 1978, como Tommy Doyle (Anthony Michael Hall), Lindsey Wallace (Kyle Richards), Leigh Brackett (Charles Cyphers) e Marion Chambers (Nancy Stephens). O retorno não apenas dos personagens mas dos atores e atrizes que os viveram há mais de 40 anos cria um efeito nostálgico nos fãs, o que ajuda a narrativa.

Além do retorno deles, o espectador passa a entender melhor a relação de outros personagens de Halloween (2018) com os eventos de 1978, como Cameron (Dylan Arnold), ex namorada da Allyson, que é filho de Lonnie Elam (Robert Longstreet), um menino que fazia bullying com Tommy e foi perseguido pelo Bicho-Papão. Outro que teve sua relação direta com a Figura esclarecida em Halloween Kills foi sobre Frank Hawkins (Will Patton). O policial que é atacado no primeiro filme da trilogia foi um dos responsáveis por prender Myers na noite de 1978 e os eventos daquela noite ainda o assombram. Dessa forma, o longa tenta se aproximar do público por trazer uma narrativa focada em indivíduos e na comunidade, mas a recepção disso não saiu como esperado.

Apesar de entender a escolha de aprofundar as narrativas sobre traumas que vão além de Laurie e sua família, isso acabou interferindo em outros pontos da narrativa. Como o roteiro de Halloween Kills segue diretamente os eventos do seu antecessor, a noite de Halloween de 2018 soa como algo interminável. A sensação que fica no espectador ao ver a extrapolação da história central (o embate entre Laurie e Michael) é de que a produção está se estendendo demais para que consiga durar três filmes e lucrar cada vez mais.

Um dos principais argumentos na crítica a Hallloween Kills é a ausência de Jamie Lee Curtis (Entre Facas e Segredos, de 2019, e Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, de 2021). A scream queen que ajudou a construir o sucesso da franquia é deixada de lado por quase todo o filme, tendo uma participação quase inexistente. O filme se arrasta através da equação trauma + população = violência desenfreada e, ainda assim, a principal vítima disso não está presente, gerando incômodo no público.

O tortuoso caminho até o confronto final

Apesar de compreender o caminho que quiseram trilhar em Halloween Kills, a produção deixa para o capítulo final a difícil missão de contornar os problemas do seu antecessor. Além disso, Halloween Ends carrega a responsabilidade de amarrar tudo o que já foi feito e entregar o final que os fãs aguardam há mais de 40 anos. A última parte da trilogia alcança a expectativa dos fãs no quesito do confronto entre Laurie e Michael, mas tropeça em diversas escolhas até chegar em sua conclusão.

Assim como em Kills, Halloween Ends deixa uma das estrelas da história de lado por muito tempo. Desta vez, Michael foi o escolhido (equivocadamente) pela produção para ficar de escanteio enquanto a sua saga se encaminha para um fim. Nesta narrativa, o Bicho-Papão está desaparecido desde o final da noite sangrenta de 2018. Quatro anos se passaram e nenhum sinal de Michael Myers, mas isso não impede que Haddonfield crie um novo monstro para lhe assombrar.

Esse legado de pavor é o peso que a pacata cidade carrega desde o sumiço de Michael. O medo dele aparecer e repetir os horrores vistos em 1978 e 2018 faz com que Haddonfield se torne cada vez mais cruel. É assim que Corey Cunningham (Rohan Campbell) se torna o novo odiado da comunidade. Ao lado de Laurie, ele é a pessoa que os outros fogem na rua ou quem decide atacar por conta do seu passado. A jornada de Corey se confunde com a de Myers no momento em que os dois se encontram no esgoto e algo maligno que residia no jovem rapaz é despertado após ficar cara a cara com a Figura.

Corey, em boa parte do filme, passa a assumir o manto da violência de Michael (figurativa e literalmente quando ele passa a usar a icônica máscara do assassino por um breve tempo). Dessa forma, o roteiro de Paul Brad Logan, Chris Bernier, McBride e Green decide, nos momentos finais da franquia do Bicho-Papão, criar um substituto para ele. Para a surpresa de poucos, essa escolha não foi abraçada por boa parte dos fãs e, menos ainda, pela crítica. Essa versão de um “Michael Jr.” somada ao romance entre Corey e Allyson são os maiores algozes de Halloween Ends.

Do outro lado da equação está a personagem de Jamie Lee tentando se libertar da prisão que ela viveu nos últimos 40 anos. Então, em Halloween Ends, o público se depara com uma Laurie que refez a sua vida e está tentando seguir em frente. Paralelamente, ela tenta dar suporte para sua neta fazer o mesmo e não cair na mesma armadilha que ela caiu décadas atrás. A escolha de mostrar uma Laurie buscando melhorar é interessante e coloca o espectador num lugar de conclusão.

A jornada da personagem principal da franquia tem coerência e é interessante, mas isso é posto em segundo plano em comparação com o arco de Corey, por exemplo. Mais uma vez um capítulo da trilogia se vê refém de escolhas que não soam orgânicas para a franquia. Essa percepção sobre a história encabeçada por Green dividiu opiniões e fez de Halloween Ends o mais criticado entre os novos filmes. Apesar disso, o longa foi o número 1 nas bilheterias brasileiras e continua a arrecadar cada vez mais.

Os percalços da franquia não são capazes de impedir que os fãs tenham vontade de ver o desfecho épico de um dos maiores filmes de terror da história do cinema hollywoodiano. Ends, ainda que com inúmeras falhas, consegue entregar um final satisfatório para o arco de Laurie, além de dar ao público uma última luta épica entre ela e Michael. Quanto a extrapolação sobre Corey e o relacionamento dele com Allyson, esses são alguns dos exemplos dos desvios que a história toma para se alongar, reforçando a sensação de que tudo deveria ter acabado em 2018.

O fim de uma era

No final dessa jornada de mais de 40 anos, é inevitável pensar no que deu certo e errado. Ainda que o fã tente apreciar sua obra querida, escolhas narrativas ainda podem incomodar. Aqui, na trilogia que conclui a história de Laurie e Michael, existem caminhos que levantaram questionamentos ao público e à crítica. No entanto, apesar de não concordar com algumas dessas escolhas, ainda é possível enxergar o arco criado pela trilogia da Blumhouse como um produto coerente – ao menos a sua ideia.

Os longas-metragens são três grandes atos que dialogam sobre trauma, sobrevivência e medo. Em seu primeiro ato, a produção se preocupa em reconstruir o universo, o medo sobre a Figura e mostrar o quanto os traumas dominaram a vida das pessoas de Haddonfield. No segundo, a pauta passa a ser como o medo do Bicho-Papão dominou a vida de uma comunidade inteira, deixando ela cada vez mais paranoica, violenta e incapaz de superar os temores do passado. Por fim, o terceiro ato mostra que, mesmo com o passado supostamente morto (ou, neste caso, desaparecido), se o trauma não é superado, a pessoa ou o grupo vai fabricar ou arranjar um novo canalizador de suas ansiedades e pavores.

Analisando dessa forma, é evidente a coerência desta cronologia. Se comparado com a obra de Carpenter e Hill, é uma chance de aprofundar o mal encarnado que ficou conhecido em 1978. O verdadeiro problema foi o tempo que se levou para fazer isso. Três filmes foi um excesso. Apostar numa dilatação tão grande para uma história que daria, no máximo, dois longas foi o erro que afastou parte dos fãs da conexão desejada com o projeto da Blumhouse Productions em parceria com a Universal Pictures.

Além desse alongamento excessivo, deixar Michael e Laurie na geladeira (cada um em um filme) e dar evidência para subplots que nada mudaram na narrativa geral – como o romance entre Corey e Allyson – foram erros (quase) fatais. A produção recebeu críticas por conta dessas escolhas que, ainda hoje, não são bem vistas por parte do público. Apesar disso, em apenas duas semanas nos cinemas, Halloween Ends já faturou quase três vezes o seu orçamento e está cada vez mais próximo da bilheteria de seu antecessor.

Esse alvoroço gerado pela estreia do capítulo final é a prova viva de que a franquia Halloween se mantém poderosa. O fenômeno comercial ao longo das quatro décadas e 13 filmes mostra que o fã só deseja uma nova oportunidade de se assustar. O cuidado que se precisa ter, contudo, está no resultado entregue. Da mesma forma que o público sonha com um novo filme do seu personagem favorito, ele irá cobrar qualidade. Por isso que, apesar da longa vida, a franquia nunca fugiu das críticas ferrenhas do espectador. Mas, no fim da equação, os fãs de Halloween receberam o embate mais aguardado da história do cinema, pondo um ponto final nessa jornada de 44 anos.

O post Especial: A trilogia Halloween apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Tanto o sucesso de Halloween Ends como as críticas ferrenhas ao longa-metragem vêm de um histórico de mais de quatro décadas de apreciação e falhas. O fã da franquia Halloween já passou por inúmeros altos e baixos ao longo desses 44 anos de lançamentos. Em seus 13 longas – sendo um deles totalmente desconectado da figura de Myers -, a franquia de terror segue diversos caminhos cronológicos para construir diferentes possibilidades narrativas. E, em meio a esses caminhos, nem todas as produções trouxeram os melhores resultados ao espectador.

Para entender o histórico de derrapadas da franquia e, consequentemente, os dois lados da equação sobre o encerramento da trilogia criada por Green e McBride, a equipe do Coisa de Cinéfilo resolveu descrever as diferentes linhas cronológicas que compuseram essas quatro décadas de história no cinema de terror. As cronologias podem ser divididas em cinco linhas narrativas distintas que se iniciam com o filme antológico de Carpenter e Debra Hill e (por ora) se encerra com o mais novo filme de Michael, que está em cartaz nos cinemas brasileiros.

O início do mito sobre o Bicho-Papão

A primeira linha cronológica é a com maior número de longas e, de longe, é a que mais se definhou com o passar do tempo. Tendo tido quase 20 anos de continuidade, a linha narrativa traz Laurie como a irmã mais nova de Myers que teve uma filha, Jamie, e a deu para adoção, na tentativa de salvar a vida da criança. A história se degrada de tal forma que sai de um Michael que é misterioso, indescritível e maligno para uma Figura imortal com uma fixação em matar irmãs e suas proles, com o apoio de um culto. Esse é um breve resumo do que aconteceu com o projeto de Carpenter e Hill ao longo desses primeiros 17 anos.

Apesar de altamente criticado pelo próprio diretor e co-roteirista, Halloween II:O Pesadelo Continua! (1981) ainda tem uma coerência estética e narrativa, mesmo sendo menos poderoso e aterrador que Halloween: A Noite do Terror (1978). Ainda que tenha falhas, a existência do confronto direto entre Laurie e Michael é o que dá sentido à existência da franquia – coisa que é replicada nas outras linhas. A escolha, porém, de justificar a perseguição que Michael faz à scream queen nº1 é um dos maiores problemas da trama. Desmistificando a lenda do horror que a Figura foi em 1978, a franquia começa a sangrar sem parar.

De Halloween 4: O Retorno de Michael Myers (1988) até Halloween 6: A Última Vingança (1995), os produtores não conseguem o retorno de Jamie Lee e decidem substituir Laurie por sua filha. Sem o mesmo carisma e apelo aos fãs, os três últimos filmes desta linha fizeram parte do público perder, aos poucos, o interesse pelas novas matanças do Bicho-Papão. Além de Michael, a única ligação direta com os dois primeiros filmes é a presença de Dr. Loomis. E, nessa busca pelo paciente que ele alega ser o mal encarnado, o personagem eternizado por Donald Pleasence se torna cada vez mais consumido pela loucura.

Numa derrocada sem fim, Halloween 4 e Halloween 5: A Vingança de Michael Myers (1989) tentam levantar a história com uma trama um pouco mais densa do que o último capítulo, mas sem sucesso. Os dois roteiros seguiram caminhos confusos entre si com uma Jamie ora traumatizada, ora seguindo os passos do tio. O resultado infrutífero dessas duas sequências ecoaram em Halloween 6. O último longa desta cronologia termina a jornada numa nota amarga e completamente esquecível com um dos piores filmes já feitos sobre o ícone slasher.

Sem Michael, sem sucesso

A segunda linha narrativa da franquia Halloween só está dentro da franquia por conta do nome. Halloween III: A Noite das Bruxas (1982) coloca a Figura de lado e decide investir numa nova história. Apesar da ideia de trabalhar um dos principais símbolos do Mês das Bruxas, o terceiro filme da franquia é raso. A produção se arrasta e só é suportável por conta do esforço de Tom Atkins (A Bruma Assassina, de 1980, e Fuga de Nova York, de 1981), o qual não é suficiente para salvar a entediante produção.

A ineficiência de Halloween III não agradou os fãs que, como esperado, já não estavam contentes pela ausência de Laurie e Michael. A história das máscaras amaldiçoadas por bruxas existe apenas no imaginário dos aficionados pela franquia. Apesar da falta de interesse do público pelo longa, as máscaras utilizadas nele se tornaram um easter eggs presentes na franquia, como na brutal cena do parque de Halloween Kills: O Terror Continua (2021). Com o fracasso do longa, o grupo que detinha os direitos da franquia penaram por seis anos antes que conseguissem trazer outra vez o Bicho-Papão às telonas.

A volta de Jamie Lee

Três anos após o fracasso de A Última Vingança, os produtores da franquia perceberam que a solução para um novo Halloween seria retornar às origens e colocar a scream queen frente a frente com seu irmão assassino outra vez. Assim surgiu a ideia de Halloween H20: 20 Anos Depois (1998), o filme de aniversário da franquia que marca o retorno de Jamie Lee Curtis (Entre Facas e Segredos, de 2019, e Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, de 2021) ao papel que propulsionou sua carreira.

Para que a nova história tivesse força e sentido, a produção escolheu ignorar as sequências que vieram depois de Halloween II. Ou seja, Halloween H20 funciona como a primeira requel (filme que recomeça a linha temporal de uma saga ao mesmo tempo que continua a narrativa a partir de algum dos longas anteriores) da franquia. Neste caso, os filmes lançados de 1988 até 1995 se tornaram coisa do passado e o público foi conduzido por uma Laurie ainda traumatizada, que fugiu e mudou de nome para reconstruir sua vida.

Com participações especiais como da mãe de Jamie Lee, a eterna Marion Crane de Psicose (1960), Janet Leigh não é o único rosto conhecido de Hollywood que pode ser visto no longa. Josh Hartnett (Penny Dreadful, de 2014 a 2016), Michelle Williams (Depois do Casamento, de 2019, e Venom: Tempo de Carnificina, de 2021) e Joseph Gordon-Levitt (Os 7 de Chicago, de 2020) são alguns nomes no início de suas carreiras que trazem sangue novo à franquia. Com esse elenco de peso somado ao novo caminho narrativo, sem as limitações dos anteriores, Halloween H20 prosperou.

Como o filme recuperou o vigor da franquia, a máquina de dinheiro hollywoodiana não perderia a oportunidade de replicar o sucesso outra vez. Quatro anos após o lançamento de Halloween H20, chegou aos cinemas Halloween: Ressurreição (2002), o pior filme da franquia já feito. A produção falta sentido, bom gosto e uma história digna do Bicho-Papão – mesmo quando comparado ao terror criativo que é Halloween 6. Aqui a franquia perde Laurie mais uma vez e as matanças de Michael Myers se tornam parte de um reality show de má qualidade.

A Figura à la Zombie

Por conta do fracasso na bilheteria, crítica e entre os fãs, Ressurreição foi o último filme sobre Myers por alguns anos. Em 2007, o músico, produtor, roteirista e diretor de terror, Rob Zombie (31, de 2016, e Os 3 Infernais, de 2019), trouxe uma versão sua da história que deu origem ao slasher. Halloween: O Início é o remake que descreve a mesma história vista em 1978, só que de forma mais visceral – característica marcante do cinema de Zombie. No longa, o excesso é a palavra de ordem. Seja nas mortes mais brutais, nas atuações exageradas (em especial no novo Dr. Loomis, interpretado por Malcolm McDowell) ou na violência gráfica e verbal levada a última potência, o remake de Halloween se destaca pelo oposto da sutileza de Carpenter.

Tendo sido seguido por uma sequência, a quarta cronologia da franquia se encerra com uma continuação que extrapola – em todos os sentidos – tudo o que se sabia sobre a franquia. Zombie decide ir além, criando um pano de fundo sobrenatural para as ações de Michael. Esse teor fantasmagórico é o plot de H2: Halloween 2 (2009) que envolve o espírito da mãe de Myers comandando as ações homicidas dele na expectativa de reunir a família outra vez – uma vez que Laurie também é irmã da Figura nesta cronologia.

A violência se eleva ainda mais na continuação, tornando algumas cenas insustentáveis de se assistir. É como se o objetivo do diretor e roteirista fosse enjoar o público com uma narrativa excessiva. Esse é o efeito de Rob Zombie. Criar imagens tão grotescas da Figura que, em alguns momentos, a única solução para o filme parece ser largá-lo pela metade. Com o teor sobrenatural, o projeto não foi amplamente recebido pelos fãs e foi fortemente atacado pela crítica.

A trilogia do fim

Outro resultado do efeito Zombie foi o tempo que precisou ficar afastado da franquia. Desde o lançamento em 1978, o público nunca ficou tantos anos sem um novo capítulo da história da Figura. O nome Michael Myers ficou longe das telas de cinema por 9 anos até que, em outubro de 2018, Green e McBride trouxeram o Bicho-Papão de volta para uma última rodada de sustos. Halloween (2018) marcou o começo do que parecia ser uma próspera e marcante jornada na história da franquia.

A quinta e última linha cronológica também contém quatro produções e é a mais atual, tendo Halloween: A Noite do Terror como seu pontapé inicial. No entanto, assim como fez Halloween H20, a versão de 2018 também funciona como um requel, ignorando todas as produções que aconteceram de 1981 a 2009. Assim, Green e McBride construíram sua trilogia de aniversário (que foi iniciada 40 anos depois do primeiro filme) a partir de uma narrativa de traumas e reminiscências deixadas por essas feridas do passado.

Ainda que Halloween Kills e Halloween Ends sejam criticados por parte da crítica e dos fãs, eles fazem parte da melhor renovação e expansão já feita para a franquia. A nova trilogia consegue absorver a atmosfera do que foi o longa de Carpenter e tenta levar essa aura consigo até o final. Mesmo com alguns percalços narrativos – em especial com uma extensão da história maior do que talvez ela suportasse – o trabalho de David Gordon Green e Danny McBride leva o espectador ao momento mais aguardado nesses 44 anos que é a conclusão do embate entre o bem e o mal.

Com direito a uma cena de luta cheia de emoção e tensão, a conclusão da história da dupla Laurie e Michael é satisfatória e deixará saudade nos fãs. É inevitável lembrar de algumas escolhas ainda nubladas de Halloween Ends, mas os desdobramentos de Halloween Kills já soam mais coerentes do que quando foram lançados. Talvez essa trilogia precise de mais tempo para ser abraçada – ainda que com seus deslizes. No entanto, a pergunta que ressoa é: por quanto tempo deixarão a Figura morta e enterrada? Talvez a jornada de terror de Michael Myers não tenha tido seu fim definitivo, mas só o tempo – e os desejos financeiros de Hollywood – dirá.

O post Especial: A Cronologia da Franquia Halloween apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Estrelado por Renée Zellweger (Cold Moutain) e dirigido por Rupert Goold (A História Verdadeira), o longa tem a dupla como ponto alto da produção. Zellweger quase desaparece na personagem, deixando a sensação de que quem está em cena é a própria Garland, mas, ainda assim, não há uma representação ou mimese aqui. Claramente, é a Judy da Renée. Até alguns trejeitos da intérprete surgem em alguns instantes, levemente. A direção de Goold é cuidadosa e sensível, conseguindo transmitir o que eles gostariam de passar que a protagonista estava sentindo em cada cena, principalmente nas sequências dos shows.

A personagem principal, vivida por Renéé, foi uma atriz extremamente importante para o cinema hollywoodiano, não apenas na parte rentável, como no legado artístico que a própria deixou. Atuando, cantando e dançando em musicais ou performando caracterizações em dramas “oscarizados”, Garland marcou a história do audiovisual e, pensando nisso, o Coisa de Cinéfilo reuniu as suas produções essenciais.

Confira o Especial: A Filmografia de Judy Garland!

5 – Desfile de Páscoa (1948):

No final da década de 1940, a MGM reúne Judy Garland e Fred Astaire (Vamos Dançar?) em um musical cheio de cores, canções animadas e figurinos pomposos. As coreografias de Astaire e Charles Walters (Lili) são complexas e envolvem, em sua maioria, um grande número de pessoas. Mas, são nas danças mais íntimas, por assim dizer, que envolvem Judy e Fred, que o filme cresce. Ambos atores possuem em suas interpretações um jeito um tanto sapeca e descontraído. A dinâmica da dupla funciona bastante neste sentido da sintonia e a química cresce bastante por eles possuírem uma vibração semelhante.

4 – Julgamento em Nuremberg (1961):

Todas as características clássicas da atuação Judy Garland somem neste filme de Stanley Kramer (Adivinhe Quem Veio Para Jantar). Judy imprimia uma graça e leveza em seus musicais. Aqui, a sua Irene Hoffman é contida, porém desesperada. O seu trabalho de corpo é notável.  A intérprete parece desejar passar todo o peso, lamento e ansiedade em sua postura tesa e voz quase esganiçada. A sua atuação lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor atriz coadjuvante, em 1962.

3 – Nasce uma Estrela (1954):

Muito antes do “Shallow Now”, Hollywood realizou três versões de Nasce uma Estrela. O primeiro filme a ser um musical foi o estrelado por Judy Garland e ainda em Technicolor e tudo! Além de conseguir passar emoções que a personagem sentia através das canções, Garland demonstra versatilidade e progressão em sua construção. É possível notar como sua Vicki Lester vai amadurecendo e sentindo o impacto tanto da sua fama, quanto da queda de seu marido.

2 – Agora Seremos Felizes (1944):

Dirigida por Vincent Minnelli (Gigi), Judy Garland performa aqui um de seus papéis mais icônicos. O tom que a atriz coloca para a Esther Smith é a sua marca registrada. Vibrante, numa mescla entre timidez e leveza, com sarcasmo e brincadeira, ela equilibra juventude e melancolia, fazendo com que um musical um tanto frívolo tenha mais personalidade e força, desde o início da projeção. Depois, Garland faz uma transição de idade de Esther e coloca em sua atuação não apenas certos traços de conformidade da idade, como a serenidade e a decepção. Contudo, ela não perde o ar meio taciturno, meio alegre que escolheu imprimir no papel. No longa, também tem Judy cantando clássicos como “Trolley Song” e “Have Yourself a Merry Little Christmas”.

1 – O Mágico de Oz (1939):

“There is no place like home!!!” O primeiro filme da lista, não poderia faltar no Especial: A Filmografia de Judy Garland, justamente porque foi a produção que, definitiva e efetivamente, colocou Judy Garland no mapa. A sua Dorthy virou um símbolo do cinema estadunidense e representa uma das personalidades que os estúdios da época queriam: o da garota da casa ao lado. A mistura de suavidade e coragem é o traço mais forte da construção feita por Garland.

No auge dos seus 17 anos, o resultado de seu trabalho parece mais intuitivo do que planejado. Ainda assim, a interpretação de Judy é repleta de camadas e, talvez, vá além do que a MGM conseguia enxergar em 1939. A intérprete possuía uma força que transbordava a tela, deixando ela ser maior do que uma menina obediente, que a sociedade parece aceitar com bastante tranquilidade. Aqui também foi onde ela cantou, pela primeira vez, a clássica canção “Somewhere Over the Rainbow”.

O post Especial: A Filmografia de Judy Garland apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Mas então qual seria a diferença na experimentação destas duas tipologias? O terror pode ser entendido como um gênero que visa assustar o espectador. Por meio de jogos com os medos mais primitivos do público, o terror se propõe a intensificar os pavores da audiência. Se bem executado, a produção tem como resultado sustos e pânico. Em contrapartida, o horror traz como proposta um diálogo com a psique do espectador. Suas narrativas brincam com a barreira do que é tolerável psicologicamente, o que pode causar repulsa, aversão ou pavor. Ou seja, em linhas bem gerais, os filmes de terror focam na composição narrativa que causa o susto, a tensão e o pânico, enquanto os longas de horror se dedicam na elaboração de uma história que leve o público aos limites da sua tolerância física e capacidade mental.

Em meio as confusões entre os tipos de filmes em questão, eis que surge o diretor e roteirista Ari Aster. O americano aparece nas telonas, em 2018, com seu primeiro longa-metragem, o sucesso de crítica e bilheteria Hereditário. O mundo se chocou com as terríveis vivências sobrenaturais que envolveram a família Graham. A produção cria – por intermédio de um universo sombrio, caótico e gélido – uma experiência de horror intensa e brutal. Hereditary (título original) causou algumas reviravoltas no estômago dos espectadores mundo afora por sua premissa aterrorizante tão característica do horror.

Dessa forma, o diretor imprimiu, de forma criativa e completa, o que é uma obra de horror. Ari Aster traz, como uma de suas principais marcas, roteiros chocantes. A partir da utilização de problemas cotidianos, Aster cria narrativas viscerais, intensas e de pura agonia.  Essas se mostram capazes, ao mesmo tempo, de causar repulsa e fascinar o espectador. O interesse pelo culto sobrenatural se mostrou uma outra fonte de inspiração do cineasta. Tanto em seu primeiro filme como agora em Midsommar – O Mal não Espera a Noite – o qual estreia na próxima quinta-feira (19) –, o diretor se inspira nas ansiedades e medos da modernidade para criar uma experiência de puro horror. Aster chega para mostrar ao público a tipologia cinematográfica que define o seu trabalho e para explicitar as diferenças entre horror e terror.

Mesmo imprimindo sua assinatura com clareza, Aster se mostra extremamente diverso e capacitado no quesito criação. Como resultado disso, apesar de se serem originárias dos temores reais, as narrativas dos dois filmes de Ari se mostram completamente diferentes. Por essa razão, 0 enredo, a composição imagética e a atmosfera de Midsommar é oposta à Hereditário. Cada uma, portanto, coexiste em seu universo de possibilidades, ansiedades e medos. E, em certa medida, as duas obras do americano podem ser interpretadas como ying e yang, opostos complementares do diretor.

Enquanto Hereditário foca sua trama na perda de um familiar, no distanciamento entre as pessoas e no peso que segredos tem sobre uma família, Midsommar se preocupa em retratar a solidão. A segunda obra de Aster sai de uma discussão das relações familiares caóticas para uma abordagem psicológica do eu – onde esse eu moderno se vê constantemente solitário. Sendo resultado de uma direção de arte brilhante, o novo filme do cineasta mostra a verdadeira face do mal em meio a uma realidade palpável, uma vez que o medo aparece diante da luz, com cores intensas e numa faceta que condiz com o padrão social.

Nas escolhas técnicas das produções, Aster seguiu caminhos diferentes para cada uma de suas histórias. Hereditário usou jogo de sombras, cores frias e a metalinguagem das miniaturas feitas pela personagem de Toni Collette (Pequena Miss Sunshine, de 2006) como artifícios para transmitir o pavor vindo do sobrenatural, do desconhecido. Além disso, o constante uso de cenas com close-ups e plano-detalhe foram fundamentais fundamental para compor a atmosfera de Hereditary.

Como seu “oposto complementar”, Midsommar é uma verdadeira carta à humanidade sobre a temida solidão. Para evidenciar isso, a produção surpreendente à todos pelos artifícios usados para provocar esse sentimento no público. O filme, ao contrário do que se pode esperar de uma temática dessas, utiliza cores vívidas em suas cenas mais assombrosas, compõe os ambientes com uma luz irradiante e uma paleta de cores extremamente diversificada. A consequência disso é a força avassaladora que resulta dessa composição cênica. A natureza nunca foi tão hostil em seus dias mais alegres.

Todos esses fatores se unem ao vazio existencial presente no subtexto da narrativa, em seus personagens principais e até nas escolhas de filmagens – como o uso constante de planos gerais, mostrando a insignificância das pessoas diante da imensidão da natureza e de suas forças celestiais. Escolhas ousadas as quais obtiveram um surpreendente e aterrador resultado. Dessa forma, ao final da sessão, a experiência de assistir Midsommar é completamente diferente do que se espera de uma obra de horror e até mesmo do que se especulava da produção.

Assim, o público ganha a oportunidade de experimentar uma nova obra de horror que segue a risca o seu significado. Complementando trabalho feito em Hereditary e ampliando suas abordagens das ansiedades da modernidade, Ari Aster fez o inimaginável com cuidado, esmero e criatividade extrema. Mais uma vez o diretor e roteirista se muniu de uma boa equipe que, junto à sua brilhante história, criaram um dos filmes mais complexos para a mente humana. Talvez a metáfora da solidão passe despercebida por alguns espectadores, mas, àqueles que captarem a mensagem, preparem-se para vivenciar a angústia de uma verdadeira obra de horror. Preparem-se para Midsommar – O Mal não Espera a Noite.

O post Especial: O horror de Ari Aster apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Chicago era uma adaptação da versão da Broadway do musical de Bob Fosse e venceu seis estatuetas do Oscar quando lançado, incluindo a de Melhor Filme. No longa, Zellweger interpretava uma corista narcisista que fazia de tudo para conquistar a fama. A atriz incorporou o humor irônico e sexy da produção que basicamente abordava a insana cultura das celebridades. “Se não conseguir a fama, seja infame”, dizia o pôster da produção. E era basicamente isso que Roxie Hart, a personagem de Renée, fazia ao ganhar a fama por ter matado o seu amante Fred Kelly.

A interpretação de Zellweger foi alvo de controvérsia na época pois muita gente não creditava a atriz por suas performances musicais. A recusa de Zellweger de protagonizar o número “I Move On” na cerimônia do Oscar ao lado da colega Catherine Zeta-Jones parece ter endossado um grupo de haters para os trabalhos da atriz que a seguiriam em outros anos. Como em todo caso, com a popularidade, a texana também ganhava algumas “torcidas de nariz”.

Zellweger sempre pareceu imprimir uma assinatura muito forte em suas interpretações, sendo detectável em qualquer de seus trabalhos traços característicos de suas reações e abordagens para as personagens que interpreta. Quando finalmente venceu o Oscar pelo romance histórico Cold Mountain esta cisão na recepção dos trabalhos da atriz ficou mais evidente.

O filme de 2003 de Anthony Minghella era protagonizado por Nicole Kidman e Jude Law e narrava uma melancólica jornada de Ulisses (A Odisseia) tendo como contexto a guerra civil norte-americana e um romance interrompido entre uma aristocrata (Kidman) e um rapaz humilde (Law). Todos os personagens da produção estavam imersos em dramas severos, perdas, problemas financeiros etc. A Ruby Sparks de Zellweger surge como um elemento cujo tom parecia um pouco acima dos demais, sendo vista como um alívio cômico na narrativa. No entanto, a abordagem de Zellweger pode ser vista por uma outra perspectiva, a atriz parecia interpretar uma figura que tentava combater seu drama pessoal com humor. Junto com Kidman, Zellweger conseguiu construir uma amizade poderosa entre personagens femininas, algo bem raro numa Hollywood erguida pelo mito da rivalidade entre mulheres.

Com o Oscar na mão, Renée Zellweger seguiu sua agenda com a subestimada comédia Abaixo o Amor (uma delícia de filme até hoje subestimado), e aceitou o cachê valorizado pelo selo “vencedora do Oscar”  em Bridget Jones: No Limite da Razão, não tão bem aceito quanto o antecessor de 2001. Em 2005, A Luta pela Esperança trouxe Zellweger como uma personagem de praxe em dramas oscarizáveis, a esposa do protagonista. O filme narrava a história de vida do boxeador James J. Braddock vivido por Russell Crowe. O longa de Ron Howard não teve a repercussão esperada, mas rendeu indicações ao Oscar em edição, maquiagem e ator coadjuvante (Paul Giamatti). Nada para Zellweger, nem mesmo menções ao Globo de Ouro.

Em seguida, Renée esteve no cartaz de produções que não tiveram a expressividade esperada, como a biografia Miss Potter, O Amor Não Tem Regras de George Clooney, o western Appaloosa de Ed Harris, o terror Caso 39 e a comédia Recém Chegada. O drama Minha Canção de Amor de 2010 foi a última produção da atriz antes que ela fizesse uma longa pausa na carreira.

Desde 2010, o público não teve notícia de Renée Zellweger, até que a atriz teve uma aparição no evento de uma revista e logo gerou manchete em tabloides, todos chamavam a atenção para o rosto dela. No início dos anos 2000, Zellweger começou a exibir traços de intervenções cirúrgicas e mudanças sensíveis nas suas feições foram sentidas, mas a nova “cara” de Zellweger parecia uma versão “desmanchada” da sua antiga identidade. Como de praxe, a aparência da atriz gerou comentários (todos depreciativos). De maneira aberta, Zellweger chegou a confirmar ter se submetido a cirurgias plásticas, alegando que seu “novo” rosto na verdade era resultado dessa história e do seu esforço de reduzir essas intervenções. O público teria que se acostumar com ela como era agora – e, sinceramente, prefiro a versão atual da Zellweger, com rugas e traços da sua história (que inclui suas cirurgias plásticas) do que a “versão antiga”.

Em meio a tudo isso, Zellweger escolheu retornar às telas com uma relativa segurança: interpretaria Bridget Jones pela terceira vez. O Bebê de Bridget Jones de 2016 teve uma imediata resposta positiva da crítica, mais do que o segundo filme, inclusive, e o longa trazia de volta a diretora Sharon Maguire no comando. No entanto, a bilheteria do longa foi pífia, afinal, chegou com um certo atraso para o público da personagem.

Depois de O Bebê de Bridget Jones, o retorno de Zellweger ao trabalho foi gradual, com participações modestas em longas como Versões de um Crime e Somos Todos Iguais. A atriz parece ter guardado mesmo sua munição para 2019 com a série Dilema que estreia na Netflix dia 24 de maio e a cinebiografia Judy.

O longo hiato de Renée Zellweger é representativo de uma constante na carreira da atriz. Zellweger nunca foi o tipo de profissional que acumula quatro ou cinco produções no mesmo ano, ela sempre esperou o projeto certo para dar às caras. A texana parece mirar uma nova indicação ao Oscar e, quem sabe, um Emmy, inaugurando uma nova fase na sua trajetória artística na maturidade.

Confira a parte 1 deste Especial clicando aqui!

O post Especial: Renée Zellweger (Parte 2) – O nome nos lábios de todos apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Judy chega com altas expectativas porque aparenta ser um retorno de Renée Zellweger a temporada de prêmios. Em plena era dos super-heróis do cinema (e é só esse tipo de produção que interessa aos grandes produtores americanos nos últimos anos aparentemente), Zellweger conseguiu um veículo endossado por um grande estúdio para exibir suas capacidades artísticas. Isso é muito para uma atriz que está na faixa dos 50 anos e que passou tanto tempo afastada dos holofotes. Junto com Judy, a vencedora do Oscar segue o caminho natural das atrizes de sua geração, apostando em séries e está prestes a ser vista em Dilema (What/If) da Netflix interpretando uma vilã. Assim, a vencedora do Oscar promete um comeback com dois desafios, duas personagens diferentes e inéditas em sua carreira.

Quando foi projetada para a fama internacional com Jerry Maguire: A Grande Virada em 1996, um clássico de Cameron Crowe, Renée Zellweger interpretava a “girl next door” que conquistava o coração do relações públicas do futebol americano interpretado por Tom Cruise. Zellweger dava vida a uma mãe solteira que hospedava Maguire em sua própria casa e o ajudava a sair de uma fossa profissional e pessoal.

Dorothy Boyd era uma doçura de personagem. Dedicada, digna e carismática a mocinha de Jerry Maguire conquistou o galã do filme e a indústria, que logo começou a testá-la numa diversidade maior de papéis a fim de assegurar que Zellweger teria força para encabeçar sozinha alguma produção. Bastou uma frase de Maguire a Dorothy num momento emblemático de Jerry Maguire para Renée Zellweger cativar em definitivo o coração das plateias: “Você me completa”.

Antes do filme de Cameron Crowe, a texana havia alternando participações discretas com a presença relativamente significativa em produções como Jovens, Loucos e Rebeldes, Caindo na Real, Um Amor e uma 45 e O Massacre da Serra Elétrica: O Retorno. Após contracenar com Tom Cruise, Zellweger foi vista na comédia romântica Procura-se uma Noiva com Chris O’Donnell, no drama Um Preço Acima dos Rubis e Um Amor Verdadeiro, no qual Renée Zellweger interpretava a filha de Meryl Streep. Em Um Amor Verdadeiro, Streep foi indicada ao Oscar de melhor atriz por viver uma mulher com câncer em estágio avançado. Zellweger teve muito contato com a veterana na época pois interpretava a filha com quem a personagem tinha um relacionamento difícil.

O ano 2000 foi um ano importante para Renée. A atriz se firmou nas comédias com Eu, Eu Mesmo e Irene dos irmãos Peter e Bobby Farrelly, recém saídos do sucesso Quem Vai Ficar Com Mary?. Na produção, Zellweger interpretava a Irene do título, uma jovem em fuga e com um currículo complicado de relacionamentos com bandidos. Diferente de Dorothy Boyd de Jerry Maguire, Irene era uma personagem com mais malícia. Apesar do show ser todo de Jim Carrey, a atriz mostrou que timing para o gênero era um dos seus fortes e passou a ser sensível o toque de humor que Zellweger deu a suas personagens, mesmo quando enfrentam situações mais extremas dramaticamente.

Um dos filmes que mais ajudaram Zellweger a se construir como um nome bancável em Hollywood, sobretudo na temporada de premiações, foi a comédia A Enfermeira Betty, que levou o prêmio de melhor roteiro no Festival de Cannes e renderia a Renée seu primeiro Globo de Ouro de Melhor Atriz em comédia/musical. No filme, Zellweger interpretava uma garçonete sonhadora que era fã de um astro das telenovelas. Nas horas disponíveis, Betty sonhava que era uma das enfermeiras do Dr. David Ravell e vivia uma tórrida história de amor com o médico da ficção interpretado por Greg Kinnear. Era uma forma que ela encontrava de fugir da dura realidade que a cercava, um relacionamento abusivo e uma jornada de trabalho extenuante. Betty era a personificação da ingenuidade. Imersa numa trama policial, a inocente personagem de Zellweger driblava o perigo com seus sonhos. A Enfermeira Betty é um dos desempenhos mais notáveis da carreira da atriz.

Apesar do Globo de Ouro, Zellweger só conseguiu uma primeira indicação ao Oscar mesmo pela comédia inglesa O Diário de Bridget Jones de 2001. Informações sobre a adaptação do best-seller de Helen Fielding começaram a circular no final dos anos de 1990 e nomes ingleses como Kate Winslet e Rachel Weisz foram cogitados para o papel. A australiana Toni Collette foi a que esteve mais próxima de viver Bridget Jones nos cinemas, mas recusou pois tinha alguns compromissos na Broadway. O papel estava destinado mesmo era para uma texana que teve que engordar cerca de 25 quilos e aprendeu rapidamente o sotaque britânico para viver Bridget.

Inicialmente, o nome de Renée Zellweger foi rejeitado pelos fãs. No entanto, assim que as primeiras sessões da comédia ocorreram, todos conseguiram perceber que Zellweger trouxe para Bridget Jones as inseguranças comuns de pessoas de carne-e-osso. Jones tinha questões com o seu próprio corpo e com as imposições que a sociedade fazia sobre ele, era insegura com relacionamentos e ainda estava tentando se encontrar em sua carreira profissional. Era praticamente impossível não torcer por esta heroína. Isso garantiu o sucesso da personagem com o público por tantos anos e consolidou o nome da atriz como uma das preferidas de uma geração de cinéfilos.

Não perca na próxima semana a segunda parte do especial. Nele, abordaremos o Oscar de Zellweger por Chicago e sua pausa na carreira.

Confira outros especiais do Coisa de Cinéfilo!

O post Especial: Renée Zellweger (Parte 1) – O caminho para Bridget Jones apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.