Para além do burburinho do projeto que surge por conta de suas estrelas, ainda há algo de muito pessoal sobre o longa para o diretor. Além de cineasta e ator, David também é coordenador de dublê e performer nesse setor. Ou seja, O Dublê tem uma força pessoal sobre enaltecer um dos departamentos negligenciados quando se pensa na indústria de Hollywood. Com isso, o filme é uma viagem intensa e cômica tanto no universo do trabalho dos dublês, como na própria arte de se fazer cinema.

Em O Dublê, Colt Seavers (Gosling) é um dublê de ação que se vê metido numa confusão gigantesca. Enquanto ele tenta reatar sua paixão com a diretora estreante Jody Moreno (Blunt), Colt  investiga o desaparecimento da estrela do filme de sua amada, o famoso ator Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson). O problema é que ele precisa fazer tudo isso em segredo, na esperança de salvar o primeiro filme de Jody antes que descubram que o ator sumiu.

Os trailers, as entrevistas e tudo mais que se sabe da produção antes de assistí-la, indica que o público está indo para uma sessão de algo que se assemelha a uma versão mais família de Trem-Bala (2022), Dois Caras Legais (2016) ou uma mistura dos dois. O resultado de O Dublê é, no entanto, algo ainda mais satisfatório. Mesmo que fosse um mix entre os dois longas – um deles estrelados também pelo Gosling -, o novo filme de David Leitch já seria interessante e engraçado o suficiente para fazer uma arrecadação interessante.

O que o roteiro de Drew Pearce (Hotel Artemis, de 2018) entrega ao espectador, contudo, é algo infinitamente melhor do que se poderia imaginar. O Dublê tem uma energia similar a de As Panteras dos anos 2000. Abraçando o exagero, o humor sem amarras e ainda adicionando o mundo do cinema em sua estrutura, a produção é um mergulho no que há de melhor na filmografia do diretor e do roteirista, além de ter a dupla de protagonistas fazendo algo que ambos brilham, que é comédia.

O Dublê é simplesmente um caldeirão de referências, piadas e cenas de ação monumentais que resultam num filme surpreendentemente divertido. É um encontro entre Missão: Impossível (1996-) e Chumbo Grosso (2007). É um roteiro que não tem medo de ser exagerado quando precisa. Além disso, o texto é recheado de autorreferências e brincadeiras sobre o fazer cinema e alguns filmes bem conhecidos do público – incluindo uma constante e hilária sátira a odisseia espacial de Dennis Villeneuve (Duna, de 2021, e Duna: Parte 2, de 2023).

O elenco é outro ponto alto de O Dublê. Parece que ele foi escolhido a dedo. Ryan Gosling está no tipo de papel que nasceu pra fazer. Ele brilha como ninguém em comédias, especialmente quando essas têm camadas que permitem que o ator possa brincar com o roteiro. Emily Blunt completa a realeza desse relacionamento em tela que, ainda que não soubéssemos, era o que o público mais precisava. Também é preciso parabenizar os trabalhos de Hannah Waddingham (Abracadabra 2, de 2022) e Winston Duke (Pantera Negra 1 e 2, de 2018 e 2022) que também brilham no filme e arrematam o público com momentos divertidíssimos.

Essa explosão de sentimentos e diversidade de gêneros é a força de O Dublê. Ele é um filme de ação ao mesmo tempo que é de comédia e de suspense. O roteiro consegue misturar os três bem e é coeso o suficiente para não perder o público, mesmo que às vezes brinque com os limites do crível ou exagerado. Mas isso faz parte do show. Essa é a essência do projeto e, provavelmente, vai ser isso e seus nomes estelares que farão deste um projeto extremamente lucrativo.

E assim a narrativa de O Dublê entrega tudo o que o espectador quer: romance, drama, ação, aventura e mistério. Tudo isso com direito a um vislumbre do que é a arte de fazer cinema – sem falar nas constantes referências visuais, sonoras e de discurso a outros sucessos da telona. É um filme para família que diverte até a barriga doer, mas não perde a qualidade e nem se coloca menor do que nenhum outro filme. E, quem sabe, o longa pode até chegar a temporada de premiação com direito a algumas nomeações.

Direção: David Leitch

Elenco: Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Teresa Palmer, Stephanie Hsu e Winston Duke

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Fico profundamente feliz em dizer que Barbie vale toda a expectativa que foi criada. O filme é simplesmente primoroso em todos os detalhes. Começamos com o mundo encantado da Barbielândia, onde todas as bonecas vivem harmoniosamente, como num conto de fadas. Lá são as mulheres que dominam, como um grande matriarcado utópico. Elas têm a certeza de que inspiraram meninas e mulheres do mundo real a serem mais fortes e lutarem por seus objetivos.

As coisas começam a dar errado quando a Barbie Estereotipada (Margot Robbie, Babilônia) começa a apresentar alguns defeitos. No desespero, ela recorre à Barbie Esquisita (Kate McKinnon, O Escândalo), que sugere que ela faça uma viagem para o mundo real e resolva o problema diretamente com a sua humana responsável. No meio do caminho, o Ken (Ryan Gosling, Blade Runner 2049) se esconde em seu carro e decide ir junto com ela.

Uma premissa muito simples que vai sendo bem trabalhada desde o início. As nuances dos detalhes mostram como a boneca funciona num mundo imaginário, não apenas porque ela toma banho em um chuveiro que não cai água ou sai flutuando de seu quarto até o carro (como acontece nas brincadeiras com a boneca na vida real), mas também porque a distopia de um mundo que não oprime as mulheres é tão surreal quanto parece.

O roteiro, que conta não apenas com a diretora Greta Gerwig (Adoráveis Mulheres), como também com Noah Baumbach (História de um Casamento) traz uma melancolia discreta sobre o quão incríveis as mulheres poderiam ser num mundo onde o patriarcado não minasse suas expectativas e possibilidades. Rimos muito ao longo de todo o filme, mas sempre ficamos na dúvida se é uma risada nervosa ou despretensiosa. O tom de acidez é na dosagem certeza, trazendo sempre aquele amargor adocicado da realidade.

Lidar com o mundo real foi um grande choque para a Barbie, descobrindo que as mulheres não são respeitadas nem ouvidas. Isso a faz sucumbir em emoções e sentimentos que nunca vivenciou anteriormente, fazendo-se questionamentos sobre o propósito da vida e qual seria o seu papel ali. Em meio a essa crise existencial profunda, o Ken, que é apenas o acessório em Barbielândia e vive em função da sua boneca, começa a usufruir daquele patriarcado onde qualquer homem sem qualidades consegue se destacar. Ele, que é um nada, vê naquilo uma esperança.

O filme mostra constantemente como a vida é extremamente fácil e benevolente para os homens, enquanto as mulheres precisam se desdobrar em mil e não ter nem o espaço ou reconhecimento pelo esforço. A boneca Barbie entra como uma possibilidade que foi completamente deturpada pela empresa que a detém, a Mattel (muito criticada no longa). A criadora original Ruth fala sobre a sua intenção por trás da boneca e como as coisas não saíram como esperado, justamente por conta dos homens.

Barbie é um filme que se aprofunda nas sutilezas de seu tema, tocando detalhes do quanto o patriarcado é nocivo para as mulheres, de uma maneira tão íntima que apenas nós mesmas vamos perceber. Definitivamente é um longa que vai funcionar diferente para cada gênero. Ainda que o homem comum possa se compadecer de toda aquela situação, ele certamente vai perder várias alfinetadas, pelo simples fato de que aquilo não o afeta em nada.

Alfinetadas essas que definem a trama da personagem a todo momento, nos levando do riso ao choro, sem que a gente seja nem avisado. O roteiro é impecável, a execução é primorosa e toda a expectativa que eu tinha sobre o longa foi cumprida para mais. Poucos filmes me fazem ter a sensação de que são incríveis ainda durante a sessão. E esse foi um deles. E pensar que uma boneca tão estereotipada como a Barbie pudesse render um filme altamente feminista, não é?

Como um soco no estômago leve, engraçadinho e muito rosa, Barbie transcende a expectativa de que é apenas um hype blockbuster criado para vender merchandising. Acredito inclusive, que essa foi uma jogada muito estratégica e inteligente de Greta para vender mais o filme, fazer mais pessoas assistirem e ela tentar disseminar ainda mais a sua mensagem. O mundo pode ser das mulheres, sim. Mas é preciso um longo e doloroso processo de transformação para que tudo seja mudado a ponto de termos, no mínimo, um equilíbrio.

Direção: Greta Gerwig

Elenco: Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrera, Ariana Greenblatt, Simu Liu, Kingsley Ben-Adir, Issa Rae, Michael Cera, Emma Mackey, Will Ferrell, Dua Lipa, Hellen Mirren, Ncuti Gatwa, Kate McKinnon, John Cena

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E o que isso quer dizer? A primeira coisa que se pode falar é que a maior parte do elenco não consegue imprimir uma emoção na expressão facial. Os textos são ditos de forma mecânica, quase robótica. A única exceção, talvez, seja Wagner Moura (Cidade Baixa), que faz uma pequena participação como Laszlo. Mas, isto não quer dizer que ele estava bem, pelo contrário. Fugindo da neutralidade de sentimentos, Moura vai para a outra ponta e carrega nas tintas. Laszlo é cheio de trejeitos corporais e uma entonação exagerada. Essa característica do casting afasta uma conexão com o público, porém este não é o ponto mais difícil de lidar durante a projeção.

Algumas vezes, circula por aí uma ideia de que filmes de ação precisam ser cobertos de correria e adrenalina. Essa noção está impregnada neste longa-metragem. Não existem respiros aqui e isso acaba deixando a tarefa de torcer pelo protagonista Six (Gosling) muito mais complicada. Nesse sentido, as sequências mais intensas de suspense e luta são as que mais funcionam, justamente porque é onde o esmero e o talento dos envolvidos parecem estar. As movimentações de câmera, os efeitos especiais e as coreografias se juntam para causar uma sensação de falta de ar em que assiste.

Os movimentos corporais dos intérpretes, principalmente Gosling, são precisos e deixam que o público consiga fruir com atenção cada soco, chute, empurrão etc. No entanto, a tensão evapora se o público não se importar com a vida dos mocinhos. Se Gosling não consegue sustentar o seu carisma nesta personagem inexpressiva, de Armas menos ainda. É irritante como ela ocupa uma posição no cinema daquela mulher que quase consegue fazer alguma coisa. É como se ela sempre pudesse salvar o dia, mas ninguém vê isso acontecendo e ela acaba se tornando uma sidekick genérica.

Em Agente Oculto não é diferente e ela se torna tão irrelevante para a trama que é possível esquecer dela em vários momentos da narrativa. Já os supostos vilões são Carmichael (Regé-Jean Page) e Llyod (Chris Evans). O primeiro não ganha espaço de tela o suficientemente para que possa desenvolver seu papel, mas, até onde é mostrado, também não apresenta camadas, é insosso e suas motivações são aleatórias. Já Llyod é o pior de todos. Evans conseguiu a proeza de ser caricato e inexpressivo ao mesmo tempo. Além disso, as atitudes de Llyod, mesmo ele sendo totalmente perturbado mentalmente, não fazem sentido algum.

Quem invadiria a cidade de Praga e mandaria todo mundo sair atirando? Até mesmo dentro da história esta ideia estapafúrdia é comentada, mas, mesmo assim, há um ponto contraditório neste ato, porque Llyod é introduzido como um louco, mas um louco que apresenta resultados. Inicialmente, ele parece minimamente esperto e sagaz, porém, ao passo em que a trama avança, ele vai piorando e, no final do longa, já não parece a mesma personagem. De assustador, ele começa a soar como um mero sanguinolento com ausência de inteligência. Isso só funcionaria se existe um arco dramático para que ele pudesse ir se transformando, mas não é o que ocorre aqui.

Desta forma, Agente Oculto é cansativo, contando apenas com alguns momentos de diversão, como toda a sequência com a ex-detetive Margaret (Alfre Woodard). Ela ganha poucas cenas, mas que é uma das poucas figuras que o público pode se sentir próximo. Esta é uma coisa curiosa, na verdade. Porque mesmo com breves minutos, há um impacto no sacrifício dela e somente duas coisas explicam esta força: a atuação de Woodard e um flashback dela, que é o único que funciona, porque consegue amarrar passado e presente de tal maneira que é emocionante acompanhar o que ocorre com Margaret.

No mais, a obra poderia ser, de repente, um videoclipe? Com takes cheios de movimentos absurdos de câmera e Ryan Gosling performando masculinidade tóxica, sem mexer uma sobrancelha, esta é produção esquecível.

Direção: Joe e Anthony Russo

Elenco: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Regé-Jean Page

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Em seu quarto trabalho como diretor, Damien Chazelle (Whiplash, de 2014, e La La Land, de 2016) leva o público para uma jornada biográfica. O Primeiro Homem é uma adaptação do livro First Man: The Life of Neil A. Armstrong escrito por James A. Hansen que, através da essência fílmica de Chazelle, conta a jornada de Neil até o dia que ele entrou para a história como o primeiro homem a pisar na lua. A partir de uma nova perspectiva, a história sobre essa façanha da humanidade é retratada como nunca antes. Com toda a força sonora e as mais emocionantes tomadas – fatores comuns aos longas do diretor – o público se deleita com o que há de mais belo em sua existência: o universo.

Neil Armstrong (Ryan Gosling) mergulha de cabeça na corrida espacial. Participar desse projeto governamental tão importante e perigoso não será nada fácil. Todas as perdas e sacrifícios em torno de sua vida levarão Neil a uma das jornadas mais complexas de humanidade. Entre deixar a família para embarcar nessa viagem e se tornar o primeiro homem a pisar na lua, o astronauta viverá todos os retrocessos e problemas antes de alcançar o sucesso que foi a missão Apollo 11 de 1969.

O talento de Damien Chazelle é algo indiscutível. O diretor, roteirista e produtor americano de apenas 33 anos já deixou a sua marca na sétima arte. A sua singularidade ao comandar alguma produção se explicita de diversas maneiras. O fator musical como uma personagem extra de todas as suas tramas; o cuidado estético com a fotografia e as sequências em plano aberto; e as referências afetuosas ao seu tipo de cinema. Tudo isso faz com que o jovem Chazelle seja um gênio em Hollywood. Desde a sua segunda película que o mundo não tira os olhos dos seus trabalhos. E agora, com uma cinebiografia sobre Armstrong, mais louros serão dados para consagrar o brilhantismo do diretor.

Tendo como base o livro de Hansen, o roteirista Josh Singer (Spotlight – Segredos Revelados, de 2015) constrói uma narrativa interessante sobre a jornada do primeiro homem a pisar na lua. A partir de um olhar mais focado no emocional de Neil e em suas questões pessoais, o espectador presenciará uma emocionante aventura espacial contada de uma forma jamais vista. E para auxiliar as possibilidades desse roteiro, o trabalho do diretor de fotografia, Linus Sandgren (La La Land), é essencial. A sua sensibilidade e concepção estética acrescentam ainda mais vida à película e resultam em lindas imagens – como a visão de Armstrong na lua.

A conclusão do time que faz desse projeto algo artisticamente fenomenal é um velho conhecido e parceiro de Chazelle. O compositor Justin Hurwitz – o qual compôs todas as trilhas dos longas de Damien – emplaca mais uma obra-prima sonora. O trabalho de Hurwitz eleva todos os elementos cinematográficos para outro patamar. Não existem palavras possíveis de descrever o quão impactante é a trilha sonora nesse filme.

Uma das coisas mais interessantes sobre esse longa-metragem é a forma como ele é conduzido. Apesar da existência de um elenco relativamente extenso, a narrativa é administrada por duas personagens. Tal façanha já se mostrou como uma outra característica de Damien Chazelle. Dessa vez as protagonistas são vividas por Ryan Gosling (Drive, de 2011) e Claire Foy (The Crown, desde 2016). Ryan, que já estrelou outro longa do diretor, dá a sua melhor performance da vida. Ele entrega ao público um Neil introspectivo e cheio de cicatrizes do passado. Toda essa profundidade da personagem permite que Gosling mostre o seu verdadeiro valor como ator.

Sua parceira de cena e esposa na história, teve finalmente a sua chance de brilhar nas telonas. A brilhante atriz inglesa ganhou com Janet – nome de sua personagem – o momento de mostrar para o mundo que ela sabe fazer muito mais do que uma fantástica rainha Elizabeth II. Um dos momentos mais poderosos da trama é, inclusive, conduzido pelo confronto da personagem de Foy com a de Gosling.

A união de todos esses elementos resulta em uma produção que a Universal Pictures tem muito que se orgulhar. A narrativa é completa e não deixa margem alguma para críticas. Um trabalho verdadeiramente magnífico. Chazelle conseguiu unir todas as suas características de diretor com uma equipe perfeita, permitindo que a sua visão ganhasse vida da melhor forma. A sensibilidade sensorial que First Man (título original) utiliza como pilar da narrativa foi brilhantemente construída através da junção das mentes de Chazelle, Singer, Sandgren e Hurwitz. Esta é uma película que deixará o público com sequências tatuadas na memória. O olhar das pessoas para o espaço nunca mais será o mesmo.

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Blade Runner 2049 se passa trinta anos depois dos acontecimentos do primeiro filme. No longa, a humanidade está às voltas com os Replicantes quando K, um policial novato interpretado por Ryan Gosling, desenterra um segredo que pode levar tudo ao mais absoluto caos. Na medida em que o caso vai sendo investigado, as pistas levam K ao veterano e recluso Rick Deckard, icônico personagem de Harrison Ford, que anos atrás desaparecera com a Replicante Rachael sem deixar pistas.

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Se qualquer outro filme demora para engatar ou mostrar seu propósito, La La Land deixa claro para o que veio logo na primeiríssima cena, deixando o espectador completamente encantado e de queixo caído. Damien Chazelle, que ficou conhecido e foi premiado por Whiplash – Em Busca da Perfeição, traz um trabalho de qualidade ainda superior, do mesmo gênero, mas de estilo completamente diferente, mostrando todo seu potencial na categoria. Ele assume tanto a direção quanto o roteiro de ambos os longas e já ganhou o Globo de Ouro há duas semanas nesta película em questão. A precisão e o cuidado na criação do plano-sequência inicial de forma lúdica é incrível e perfeccionista.

A dinâmica do casal principal, protagonizado por Emma Stone e Ryan Gosling, é doce e envolvente. Além dos personagens conquistarem o público, os atores desempenham esse papel de forma precisa, convincente, forte, e não há ninguém mais que pudesse estar ali, senão eles dois. Ela é uma aspirante à atriz que vive fazendo testes e sendo reprovada em todos, tendo que se sustentar com o dinheiro que ganha em um cafeteria. Já ele é um músico excelente que ama Jazz e que se sujeita a trabalhar em qualquer lugar para ser reconhecido e conseguir montar seu próprio bar.

Embora o filme se passe nos tempos atuais, ele tem um toque vintage ou retrô (precisaria da ajuda de um profissional para definir a terminologia correta), remontando aos anos 70, 80 e 90 em vários momentos, desde as vestimentas, aos papos, falas, músicas, conversas, móveis, carros, etc. Essa montagem bastante poética acrescenta muito conteúdo à narrativa do filme, que conta ainda com uma direção de fotografia fantástica. Os cenários escolhidos da Hollywood antiga/atual é de fazer qualquer espectador se apaixonar.

A forma como o filme funciona, de forma lúdica, interativa, emocionante e efusiva, é única e mantém o espectador empolgado. Ele tem a leveza e a ingenuidade dos longas antigos, como Cantando na Chuva, por exemplo. Não é tão apelativo, não foca na vida sexual do casal principal. Suaviza a parte sexual e exalta o romance. Um perfil muito comum dos filmes antigos.

La La Land – Cantando Estações é vibrante, cheio de cores, canções lindas e animadoras. O tipo de filme que certamente já virou um clássico obrigatório para os cinéfilos de plantão. Ele tem dividido opiniões, é bem verdade, mas acredito que não seja por sua qualidade inquestionável, mas pelo alvoroço em torno dele. Não sabemos ainda se o Oscar prestará tal homenagem, mas certamente este musical já ganhou seu espaço na calçada da fama.

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Em sua embalagem, Dois Caras Legais, comédia de ação do diretor Shane Black (de Beijos e Tiros e do fatídico Homem de Ferro 3), se apresenta ao seu público como um banal exemplar cinematográfico de puro entretenimento. E, de fato, nesta seara, o longa tem muito a oferecer, trazendo uma composição bem dosada entre os gêneros que dão forma a sua narrativa. Acontece que o filme também tem uma insuspeita faceta: ele realiza singelas reflexões a respeito de determinados temas e estabelece um sensível tratamento nas relações entre seus personagens, coisa que pode escapar aos olhos mais distraídos. É através desse aspecto que o filme de Shane Black dá um salto e surpreende um público já satisfeito com o tratamento certeiro que o realizador confere ao que se espera de uma típica história de detetives dos anos de 1970.

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A loucura do mercado financeiro é tema recorrente do cinema norte-americano. De Wall Street – Poder e Cobiça, de Oliver Stone, a O Lobo de Wall Street, de Martin Scorsese, Hollywood já explorou com as mais diferentes abordagens o fascínio de engravatados especuladores financeiros pelo dinheiro e por tudo aquilo que ele pode trazer. A Grande Aposta é um dos títulos recentes a explorar esse universo, especificando sua localização ao expor para o público os meandros da bolha imobiliária que levou não apenas os EUA como o mundo a uma preocupante crise financeira na segunda metade dos anos 2000. O filme é uma adaptação um livro de Michael Lewis, autor das obras literárias que deram origem aos longas Um Sonho Possível e O Homem que Mudou o Jogo, e, não por acaso, é baseado também em eventos e personagens reais.

A Grande Aposta inicia sua narrativa nos apresentando a Michael Burry, vivido por Christian Bale, o dono de uma empresa pequena que acompanha ações do mercado ao coordenar um fundo de investimento. Burry decide apostar todas as suas fichas na quebra do mercado imobiliário norte-americano. O diagnóstico de Burry leva o mercado financeiro ao frenesi já que outros profissionais do setor começam a sugerir aos seus clientes que sigam a tendência vislumbrada pelo excêntrico especulador financeiro. Acabam entrando na aposta perigosa um corretor que passa por problemas emocionais após o suicídio do seu irmão, interpretado por Steve Carell, e dois inexperientes na Bolsa de Valores que são guiados por um guru de Wall Street, interpretado por Brad Pitt, que há anos vive bem longe da agitação e do estresse do mercado financeiro.

Ao apostar no humor, o diretor Adam McKay acerta na condução de um roteiro ritmado e cheio de energia e frescor escrito por ele e por Charles Randolph. McKay dimensiona para o espectador o universo neurótico e de ética questionável da especulação econômica através do sarcasmo de um roteiro que é acompanhado pelo olhar irônico e inventivo do realizador. Em A Grande Aposta, Adam McKay joga todas as suas fichas em múltiplas formas de tornar uma trama repleta de termos e jogadas marcadas pelo “ecomiquês” em algo, no mínimo, “palatável” e compreensível para a plateia: existe a quebra da quarta parede por alguns personagens, interrupções da narrativa com sequências nas quais  algumas celebridades surgem para explicar determinados movimentos da trama… E McKay faz isso não porque não confia na capacidade de leitura e assimilação de conteúdos do seu público, mas porque são interferências necessárias para a fluidez da trama e acabam sendo formas inventivas de costurar o seu filme que estão à serviço do próprio tom encontrado pelo realizador para a sua narrativa.

Do elenco, Christian Bale detém o personagem mais complicado da trama, ou pelo menos aquele que requer um exercício de composição mais rígido. Na pele do antissocial Michael Burry, Bale oferece uma interpretação cheia de detalhes, tornando-se, talvez, um dos pontos emotivos mais fortes de um filme que, acertadamente, sai gradualmente do humor e da ironia e acaba assumindo um tom mais grave em seu desfecho. Nesse sentido, Steve Carell também ganha destaque ao dar vida a um personagem que, se inicialmente parece ser um típico neurótico do mercado financeiro, aos poucos vai revelando uma crise de consciência e sua fragilidade emocional. Certamente, Bale e Carell são os atores com as performances mais interessantes do filme, talvez porque detenham os personagens cujos arcos dramáticos sejam mais intensos ao longo da trama, porém os demais colegas dos atores, entre eles, Brad Pitt e Ryan Gosling, também estão excelentes em momentos pontuais da história. Em suma, o elenco está imbatível e é um dos pontos fortes do longa.

Encontrando a medida certa entre a ironia e o humor que o universo que aborda merece ser tratado, sem cair no equívoco de abordar com desrespeito todas as consequências das ações questionáveis da maioria dos seus personagens ao longo da projeção, já que o filme consegue dar a dimensão da gravidade dos seus atos ao final da narrativa, A Grande Aposta é um êxito. Trata-se de um filme corrosivo e sério sobre o capitalismo, sem transformar-se em um filme sisudo ou pesado que força o espectador a aderir a uma determinada bandeira política ou ideológica. A Grande Aposta é um filme certeiro em seus propósitos. Adam McKay consegue tornar sua trama complicada e cheia de meandros “espinhosos” para olhares leigos em um longa cuja condução é marcada pelo frescor, sem perder o compromisso e a responsabilidade crítica que inevitavelmente atrai para si ao falar sobre o capitalismo e seus ciclos destrutivos e excludentes.

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Mais um filme junta-se a lista de potenciais oscarizáveis de 2016: A Grande Aposta, que chama logo a atenção pelo seu elenco repleto de estrelas que incluem Brad Pitt, Ryan Gosling, Christian Bale e Steve Carell. O filme ganhou data de estreia para o dia 25 de dezembro de 2015 nos EUA e deve encerrar as atividades do disputado AFI Film Festival, que traz outros destaques ainda não vistos na temporada cinematográfica do segundo semestre, como By the Sea, longa de Angelina Jolie que abre o festival.

A Grande Aposta teve o seu primeiro trailer divulgada e ele é “vendido” pela Paramount como uma dramédia. A sinopse mais detalhada do filme ainda não foi divulgada, mas sabe-se que o filme vai centrar sua narrativa em um grupo que faz fortuna durante os anos 2000.

A direção do filme é de Adam McKay, o mesmo de comédias como Tudo por um Furo e Os Outros Caras. Além do quarteto central, o filme traz Selena Gomez, Marisa Tomei, Melissa Leo, Finn Wittrock e Karen Gillian no elenco. McKay também assina o roteiro da produção.

A estreia no Brasil está prevista para 4 de fevereiro de 2016.

Assista ao trailer abaixo

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Ambientado em um universo diferente, Só Deus Perdoa mantém alguns traços do último trabalho do diretor Nicolas Winding Refn, Drive, que o consagrou com o prêmio de melhor diretor em Cannes no ano de 2011. Refn parece interessado em fazer experiência com gêneros cinematográficos e toda a sua trama é calcada na sede de vingança dos seus personagens. É o “olho por olho, dente por dente”, todos eles têm contas a acertar e parece não sobrar pedra sobre pedra no final da história. No entanto, as semelhanças param por aqui. Só Deus Perdoa, que por enquanto só teve os seus direitos de exibição adquiridos para a TV a cabo no Brasil (nada de distribuidora no cinema ou no mercado doméstico), tem muito menos viço do que a empreitada anterior do realizador.

Toda a narrativa de Só Deus Perdoa se passa em Bangkok e acompanha a jornada de Julian, papel de Ryan Gosling, na tentativa de honrar o nome da sua família. O irmão mais velho de Julian foi assassinado após estuprar e matar uma jovem prostituta. A mãe do rapaz e chefe de uma organização criminosa articulada em Bangkok dá ordens expressas ao seu grupo e a Julian: eles devem procurar o assassino do seu primogênito e o matar com requintes de crueldade. A partir dai a rivalidade interna e externa do grupo começa a desencadear um rastro de sangue que parece não ter fim. Ao mesmo tempo, Julian tem que lidar com um conflito interno antigo, a mágoa e o sentimento de rejeição que tem do relacionamento com sua mãe.

Se Drive flertava com o western e buscava referências oitentistas, Só Deus Perdoa dialoga com o cinema oriental e com os filmes de gângsters. Refn apresenta algumas abordagens interessantes, como acontecia em Drive, na tentativa de fazer algumas leituras pessoais sobre os gêneros, mas cai em uma excessiva e escancarada auto-apreciação. Durante todo o longa a sensação que se tem sobre Refn é que ele está contemplando a si próprio e suas habilidades e inventividades cinematográficas, fazendo reverência a cada segundo por um “insight” qualquer que tenha ao longo de Só Deus Perdoa, o que torna o filme emperrado. Esteticamente, Só Deus Perdoa é impecável. Desde a direção de arte que valorizou as referências orientais, passando pela fotografia que prioriza o lugar das cores e da luz, não há o que se questionar sobre o longa nesses departamentos. O empenho de Refn e sua equipe é louvável nesse sentido, mas o êxito localizado não ameniza um dos maiores defeitos da obra que é o de olhar para o próprio umbigo. A todo momento temos a impressão de que Refn está gritando pela atenção e reconhecimento a qualquer feito técnico, o mínimo que seja. Tudo isso torna a “viagem” em Só Deus Perdoa enfadonha e ausente de propósito.

Ryan Gosling faz um tipo muito parecido com o que interpretou em Drive. Julian surge em cena cansado (parece levar o peso de uma vida), entediado, calado e, ao mesmo tempo, capaz de cometer atrocidades. No entanto, Refn prefere manter o personagem no subtexto e a interpretação de Ryan Gosling, como aconteceu em outros momentos com essa mesma orientação porém com resultados melhores (Tudo pelo Poder e o próprio Drive), não funciona, parece faltar alguma peça na engrenagem e Julian tem menos camadas do que sugere o filme. Kristin Scott Thomas, por sua vez, é a força motriz desse longa, a sua melhor “peça”. Como uma grande chefe do tráfico, a personagem é interpretada por Thomas como uma daquelas mulheres dominadoras, implacável com sua cria e fria com o sentimento alheio. A atriz está soberba no papel e é sempre motivo para manter o espectador fiel ao longa, aguardando os seus próximos passos, sempre imprevisíveis.

Só Deus Perdoa acaba sendo uma jornada auto-centrada de Nicolas Winding Refn após o interessante Drive. O novo longa do diretor é uma embalagem ornada de belíssimos atrativos, mas ausente de um conteúdo que dê sentido a sua própria existência. Talvez da próxima vez, Refn se redima de um trabalho como esse e volte a nos surpreender. Com Só Deus Perdoa ele só conseguiu a indiferença.

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