Ao longo dos anos e, em especial com a chegada de Craig na franquia, o estilo de Bond foi sendo modificado. Se antes eles primavam muito pelos apetrechos tecnológicos que o auxiliavam nas missões, agora a força e performance física tem espaço muito maior e privilegiado. É claro que não necessariamente isso é um ponto positivo, visto que um dos grandes atrativos do personagem eram justamente os seus gadgets. Neste longa, conseguimos ver um vislumbre daquele James de outrora, com breves aparições desta tecnologia aplicada em prol da espionagem.

Mas não é porque sentimos falta deste detalhe, que vamos desmerecer a importância de Daniel no aprofundamento do personagem. Ele trouxe uma característica mais sentimental e humana, tornando o espião mais passível de romances profundos e não apenas os furtivos. A imensa variedade de Bond Girls deu espaço a amores e tentativas de viver emoções mais intensas. Em 007 – Sem Tempo Para Morrer vemos justamente o resultado desta mudança, com Bond tentando construir um lar com Madeleine (Léa Seydoux, Kursk – A Última Missão), seu amor depois do sofrimento da perda de Vesper (Eva Green, Baseado em Fatos Reais).

Ainda que o coração pule na frente em muitos momentos, James ainda é um cara sisudo e descrente da sociedade. Ele está afastado dos serviços de espionagem e reluta quando é convocado novamente por M (Ralph Fiennes, A Escavação). É quando surge a figura de Felix (Jeffrey Wright, A Lavanderia), seu parceiro dos tempos de Cassino Royale e Quantum of Solace, que ele decide aceitar a solicitação.

James carrega em si todo o amargor que a vida deixou ao longo dos anos. Ele tem dificuldade em lidar com as questões de ego que envolvem a presença da nova 007 (sim, a espiã é uma mulher e negra – falaremos disso adiante), assim como enfrentar os demônios do seu passado.

O filme equilibra com maestria os momentos de tensão em leveza, mesmo que esse último elemento seja mais raro. Seguindo o perfil do Bond de Craig, ele ri pouco e tem o tom sempre mais pesado ao encarar as dualidades da vida. Ainda assim, é seu carisma que constrói a base deste capítulo, com suas quase 3h de duração.

Para vilões e coadjuvantes, o elenco composto ainda por Rami Malek (Bohemian Rhapsody) e Christoph Waltz (Pequena Grande Vida) tem uma química em cena que dá o tom da trama. Todos têm muita familiaridade com as dinâmicas, mesmo que falte aprofundamento em alguns casos. É uma sensação rapidamente compreendida pelo foco principal da despedida de Bond.

007 – Sem Tempo Para Morrer traz ainda a questão da inclusão como foco e isso é muito bem colocado. Personagens negros surgem com muito mais destaque do que antes, mostrando que a franquia procura se atualizar das necessidades da sociedade. Cabe aí o questionamento sobre a eventual cogitação que ocorreu de colocar o ator Idris Elba (Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw) como o próximo 007. À época, ele sofreu preconceito e chegou a dizer que não aceitaria o convite.

Este é o quinto e último longa de Daniel Craig na pele de James Bond, então o sentimento de adeus está presente na maior parte do tempo. Ele está no seu melhor momento e entrega tudo de si no personagem, tanto fisicamente quanto emocionalmente. Ele é, acima de tudo, um herói neste filme, com todas as dores que carrega ao longo dos anos, mas curiosamente sempre escolhendo crer numa realidade melhor. Esta foi uma calorosa despedida do personagem que marcou a sua vida.

É difícil não pensar o quanto foi construído ao longo desses anos e quais as oportunidades que teremos a partir de agora. 007 é uma franquia que se renova sempre e abre espaço para novos agentes e possibilidades. Seguimos ansiosos pelos próximos capítulos e onde esse personagem tão interessante poderá nos levar.

Direção: Cary Joji Fukunaga

Elenco: Daniel Craig, Rami Malek, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Jeffrey Wright, Christoph Waltz, Lashana Lynch, Naomie Harris, Ben Whishaw, Ana de Armas

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Willem Dafoe, por No Portal da Eternidade

Em No Portal da Eternidade, Willem Dafoe interpreta ninguém menos que o pintor Vincent Van Gogh e a sua batalha travada com os transtornos mentais que o acometem. Marcado por um estilo de filmagem mais cru e lento, o longa nos oferece bons momentos para compreender ainda mais a história do artista. Dafoe nos apresenta um trabalho brilhante e primoroso, completamente incorporado na dualidade e devaneios de Van Gogh. É ele quem nos conduz na narrativa, ora confusa, e funciona como o pilar estrutural da trama. Willem chegou a aprender a pintar para incorporar ainda melhor o personagem. São nos pequenos detalhes que ele consegue traduzir o protagonista, desde o olhar perdido até o desespero intenso de suas emoções.

Christian Bale, por Vice

Agora, vamos com Christian Bale e sua atuação em Vice. O ator interpreta o político americano Dick Cheney, que foi o vice-presidente durante o período de George W. Bush. Sob a direção afiada e nada básica de Adam McKay, Bale vai construindo a personalidade do protagonista em consonância com todas as suas aspirações de poder. Ele não apenas engordou 20 quilos para o papel, como estudou bastante o comportamento de Cheney, tanto físico quanto emocional. O resultado é um personagem com várias facetas que funciona como o pilar da história dissecada por McKay. Este é um papel bem diferente do que Bale está acostumado fazer. Embora assuma o protagonismo da história, ele tem pouco espaço para se expressar com liberdade, sendo sempre contido e mais calculista. Isso foi o suficiente para lhe render o Globo de Ouro de Melhor Ator de Comédia ou Musical, mas será o suficiente para levar o Oscar?

Bradley Cooper, por Nasce Uma Estrela

Já Bradley Cooper é uma pedra preciosa que vem sendo deixada de lado na maioria das premiações. Em Nasce Uma Estrela, além de ser responsável por roteiro, produção e direção, ele assume o papel do protagonista, o cantor Jackson Maine. É curioso ver o quanto as pessoas enaltecem o trabalho de Lady Gaga, quando, na verdade, a alma do filme é Cooper. Ele transita por muitos sentimentos do personagem e o espectador acompanha de perto o sufoco e a queda do músico. É como se uma estrela precisasse apagar para que outra acendesse. Bradley nos presenteia com o melhor trabalho de sua carreira, o mais intenso, profundo e contundente. Ele não apenas nos envolve pelas emoções, quando pela realidade de tudo que ele passa. A dedicação fora de tela trouxe ainda mais força para o que acontece diante de nossos olhos, em um trabalho incrível. Pena que ele não esteja sendo devidamente reconhecido nas premiações.

Rami Malek, por Bohemian Rhapsody

Quem está recebendo toda a glória e reconhecimento é o ator Rami Malek. No papel de Freddie Mercury, em Bohemian Rhapsody, ele nos oferece uma nova faceta de atuação, que antes não conhecíamos. Rami é, definitivamente, um excelente ator e sua dedicação em aprender tudo sobre o protagonista (até a forma de mexer as mãos), faz com que ele seja o próprio Mercury em tela. A minha questão, no entanto, é o excesso de afetação do ator, que consegue transcender o personagem. Embora muito boa, esta não é uma atuação formidável que merecia o maior prêmio do cinema. Considero inferior a outros concorrentes, como Bradley e Viggo. O filme, que passou por um processo intenso de troca de diretores, pode ter contribuído para essa percepção menos gloriosa. É como se o espectador percebe-se o tempo todo que é Rami interpretando Freddie naquele momento e isso desfavorece a experiência como um todo.

Viggo Mortensen, por Green Book – O Guia

Para fechar, o ator Viggo Mortensen nos traz o papel mais “fora da curva” de sua carreira no longa Green Book – O Guia. Ele interpreta Tony Lip, um fanfarrão descendente de italiano e preconceituoso que embarca em uma viagem com o seu novo chefe negro. Todo o processo de descoberta do personagem é incrível de se ver e vivido com tanta intensidade e cuidado por Viggo. Assim como Bale, ele engordou mais de 20 quilos e se esmerou na arte de aprender a se portar como um descente de italiano nato, com todas as suas peculiaridades. Ele é o foco do filme, com todas as descobertas e transformações que sofre ao longo da viagem. Viggo transita por muitas emoções e se desdobra nas camadas de Tony. A sua melhor atuação da carreira e a mais diferenciada, definitivamente.

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O longa traça a história do surgimento da banda Queen com grande foco em Freddie Mercury. É maravilhoso acompanhar desde o começo como as coisas foram se encaixando e a obra prima do grupo surgiu. Além disso, Mercury é um espetáculo a parte que merece toda a nossa atenção e respeito. Tudo isso é muito bem mostrado no filme.

Para quem conhece as músicas do Queen, o filme tem um serviço ainda maior de mostrar como as canções foram criadas e pensadas pelos artistas. Não que isso deixe de fazer sentido para quem não é tão familiar com o grupo. O roteiro consegue conduzir a história de uma forma que contextualiza bem o espectador, dispensando um conhecimento anterior. Claro que se você o tiver, isso fará toda a diferença.

O roteiro é extremamente cuidadoso com o quesito musical e isso poder ter a ver com o fato de que Brian May e Roger Taylor, integrantes do Queen original, entraram como consultores criativos no filme. Somos bombardeados com grandes canções e, ao mesmo tempo, a forma como elas surgiram e foram pensadas. O processo criativo de composição é maravilhoso de acompanhar e valorizamos ainda mais o produto final. Carinhosamente a narrativa vai conduzindo o espectador a se apaixonar e torcer pela banda. As canções ajudam a traçar uma linha temporal no filme, com o suporte dos álbuns que foram lançados ao longo do tempo.

O filme peca um pouco, no entanto, no quesito ritmo, especialmente no meio do caminho. Ele começa muito bem e empolgante, mas entra em uma maré mansa que deixa o espectador um pouco entediado. Isso não seria um problema em outras películas, mas o considero nesta. Estamos falando de Freddie Mercury, um dos maiores artistas de todos os tempos e marcado pela irreverência. Cair no lugar comum com ele é, no mínimo, desrespeitoso.

A finalização, no entanto, consegue redimir boa parte deste lugar comum. Em uma cena longa e cuidadosamente pensada para encantar o espectador, nós participamos de um verdadeiro show. Toda a força das canções e dos artistas é colocada em foco numa apresentação inesquecível e memorável. O espectador fica deslumbrado e aprecia ainda mais de perto a atuação de Rami Malek.

Este quesito “atuação”, por sinal, vale a pena ser notado. A escolha de Rami para interpretar Mercury foi acertada e ele incorporou perfeitamente os trejeitos do artista. Em alguns momentos conseguimos ver muito de Rami, mas ele logo consegue transformar isso e deixar o espectador completamente inserido na personagem. Os demais integrantes da banda não deixam por menos. Meu destaque pessoal para Gwilym Lee e toda a sua naturalidade no papel de Brian May.

Temos também a relação com Mary, vivida por Lucy Boynton. A convivência dos dois ajuda a dar o tom na narrativa e marcar a mudança de alguns comportamentos do protagonista. Não apenas isso, ela consegue dar a força necessária para o destaque do personagem de Rami. Uma relação que definitivamente funcionou em tela, mostrando um grande acerto na escolha de elenco.

Questões como a descoberta da homossexualidade de Freddie, sua relação com o próprio ego e com o mundo ao seu redor dão o tom do filme como um todo. Conhecemos não apenas o artista, mas a pessoa por trás. Todas as suas frustrações e dificuldades. Entendemos que todos os erros cometidos tem um motivo, uma razão. E isso é fundamental para construir a trama e o entendimento do espectador. Conseguimos nos envolver ainda mais com a banda.

Embora fique a sensação de faltou algo, o resultado do filme é bem positivo. Talvez tenha faltado o excesso clássico de Freddie Mercury, que seria a cereja no sorvete da trama. Ainda assim, não tem como dizer que o produto não agrada. É um belo longa que traz fielmente e cuidadosamente a história de uma das maiores bandas de todos os tempos.

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A trama traz Papillon, um ladrão que foi injustamente acusado de assassinato na França de 1930 e é condenado a viver em uma prisão na Guiana Francesa, na América do Sul. Ao chegar no lugar, ele se encontra com Louis Dega, um falsificador milionário que claramente precisa de proteção para sobreviver. Tudo isso, vale dizer, baseado em uma história real.

O filme, desde o começo, traz um ótimo clima de tensão ao espectador, que vai criando empatia pelo protagonista aos poucos. A medida que as regras da prisão vão ficando claras e o tipo de tratamento que eles recebem, o público acompanha o desenvolvimento cruel da história, torcendo por um final minimamente feliz. Durante as duas horas de duração do filme, três arcos narrativos principais são construídos, marcados pela dinâmica dos personagens.

Naquele lugar, qualquer preso que transgredir as regras e tentar fugir, vai passar dois anos na solitária. Se ele for reincidente, neste caso, passa mais cinco anos. Caso sobreviva à essa tortura, é claro. A tensão psicológica é muito clara na trama e favorece ao incômodo que vai surgindo no espectador. Aos nossos olhos, vemos os personagens definharem e mudarem a feição, a medida que a esperança vai esvaindo da alma. É triste constatar, no entanto, que tudo aquilo foi real.

Assumindo a rédea da produção, o diretor Michael Noer traz uma condução de trama muito boa e assertiva. Ele consegue mesclar o tom de heroísmo com o sacrifício que é feito diariamente pelo personagem. Além disso, Papillon é um filme sobre lealdade, mesmo em situações contrárias. Papillon cria uma amizade tão verdadeira com Degas, que vai além da proteção inicial acertada. Ele passa a efetivamente dar a vida pelo amigo e cuidar para que ele saia vivo daquele lugar. Não que alguém tenha exatamente esperança que isso aconteça.

Charlie Hunnam assume o protagonista com força e dedicação. O que assistimos é um ator se transformando em cena, a medida da necessidade do personagem. O mesmo vale para Rami Malek que dá um excelente apoio à Hunnam e desempenha um papel excepcional. Falta, no entanto, maior aprofundamento nos personagens como um todo. A sensação que fica é de que o roteiro paira na primeira camada, de muitas que poderiam ter sido exploradas.

Desnecessariamente longo, o filme poderia ter uns 20 minutos a menos e ainda assim, manter a qualidade do produto. Papillon, no entanto, é um ótimo remake, embora notoriamente abaixo do longa original. Ele acaba vivendo na sombra do primeiro.

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