A leveza e doçura do longa-metragem encanta desde seus primeiros minutos com o universo fantástico dos doces e sonhos que virá pela frente. O filme, dirigido por Paul King (As Aventuras de Paddington 1 e 2, respectivamente, de 2014 e 2017), é o tipo de produção que se precisa todo ano para renovar as energias e, especialmente, lembrar ao público o quanto é importante sonhar. O universo de fantasia criado em Wonka vai além do evidente empenho técnico dos departamentos de arte e fotografia. Essa empreitada parece vir de um desejo de preencher corações neste período festivo de fim de ano com a renovação do que há de mais precioso nas pessoas: a capacidade de acreditar.

O roteiro co-escrito por King e Simon Farnaby se inspira no conhecido personagem de Roald Dahl para costurar as canções e ações que guiam a narrativa de Wonka. É inevitável que os dois filmes sobre a Fantástica Fábrica de Chocolate (1971 e 2005) venham à mente, no entanto, é importante se afastar dessas imagens para que se aproveite ao máximo a nova experiência proposta neste longa. Os méritos das produções anteriores não são anulados com isso, é apenas necessário que se esteja aberto a ver esse universo já conhecido pelos olhos dos novos criadores. E, acredite, vale a pena dar uma chance para conhecer a história pregressa de como o mais conhecido chocolatier da literatura se tornou o famoso Willy Wonka.

Todos já conhecem a história da Fantástica Fábrica de Chocolate, mas está na hora de conhecer como Willy Wonka se tornou o maior criador de chocolates do mundo. Para isso, é preciso observar os primeiros momentos de sua carreira, enquanto ele começou a vender seus criativos e mágicos chocolates. Wonka (interpretado por Timothée Chalamet) precisará da ajuda e confiança de seus amigos, especialmente da jovem Noodles (interpretada por Calah Lane), para enfrentar o Cartel do Chocolate (interpretados por Paterson Joseph, Matt Lucas e Mathew Baynton) e enfim mostrar ao mundo do que é feito o seu sonho.

Através de uma roupagem fantasiosa e repleta de canções, Wonka embala o público numa jornada doce e encantadora. A fantasia está representada em sua forma mais pura: através da imaginação e crença de uma mente infantil. Ainda que Willy não seja tão novo assim, suas intenções e desejos carregam a pureza da infância na tentativa de aproximar o espectador desse universo fantástico e musical que guia o longa. Essa união de forças e de gêneros cinematográficos resultam numa história divertida, leve, engraçada e carregada de afeto, capaz igualmente de emocionar e inspirar o público.

Essa pulsante vontade de gerar o potencial de acreditar em quem assiste parece ser a força motriz do projeto. Wonka, desde sua abertura, é construído com sucessíveis visuais de tirar o fôlego. Essa construção visual, guiada pelo desejo do roteiro de fazer com que o público acredite na fantasia, também é expressa na trilha sonora composta por Joby Talbot e nas canções originais de Neil Hannon. Os números musicais agradarão tanto os fãs de musicais como os espectadores mais resistentes aos mesmos por seu caráter imersivo nos acontecimentos da narrativa e pelo espaçamento entre uma canção e outra.

O projeto como um todo é extremamente coeso em sua missão de gerar encantamento enquanto se cria um espaço para acreditar. O elenco, por exemplo, é um dos principais promotores dessa força em Wonka. Comandados pelo jovem Chalamet (Duna, de 2021, e Até os Ossos, de 2023), o restante dos atores e atrizes do filme – sejam eles mocinhos ou vilões – dão continuidade à mescla de excentricidade, desconexão da realidade e pureza expressados pela interpretação de Timothée. Vale ainda destacar as contribuições excepcionais de Calah Lane, Paterson Joseph, Keegan-Michael Key (Super Mario Bros. O Filme, de 2023), Tom Davis, Olivia Colman (A Favorita, de 2018) e Hugh Grant (Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes, de 2023).

Wonka é uma jornada fantástica sobre o que a habilidade de sonhar e acreditar em seus sonhos pode fazer. É um filme que inspira algo sensível e doce no público e é a mensagem que se precisa para encerrar o ano bem. O projeto é a dose certa de excentricidade com o irônico para construir uma história cativante e crível para um dos personagens mais conhecidos da literatura fantástica infantil. Chalamet consegue honrar as interpretações anteriores sem perder de vista a sua própria potencialidade individual. E é essa receita de exageros controlados que fazem de Wonka o filme que muitos duvidaram, mas todos precisávamos.

Direção: Paul King

Elenco: Timothée Chalamet, Calah Lane, Keegan-Michael Key, Paterson Joseph, Matt Lucas, Mathew Baynton, Sally Hawkins, Rowan Atkinson Jim Carter, Tom Davis, Olivia Colman e Hugh Grant

Assista ao trailer!

O post Crítica: Wonka apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Ainda que tenham seus erros, adaptações como a série do HBO Max, The Last of Us (2023-) provam que ainda é possível mudar uma narrativa de mídia sem que ela perca a qualidade e/ou sua essência. Daí vem a ideia de uma nova versão, agora animada, do clássico jogo do Super Nintendo. O filme Super Mario Bros. O Filme, que chega aos cinemas nesta quinta-feira (6), vem para apagar o fracasso de sua adaptação anterior.

Com a missão de conquistar os fãs frustrados há 30 anos e novos espectadores, a produção da Illumination tem uma missão nada fácil. Super Mario Bros. O Filme acerta na nostalgia nos momentos cômicos, nos easter eggs para os conhecedores do jogo, mas esquece de aprofundar a sua base narrativa. O problema que fica evidente logo nos primeiros 20 minutos de filme é, na verdade, uma questão estrutural da produtora.

Ainda que com sucessos de público, as animações da Illumination costumam ter uma narrativa rasa e majoritariamente infantil. Diferente de suas principais concorrentes, a Disney e Pixar, o estúdio que trouxe ao mundo a franquia Meu Malvado Favorito (2010-2022) tem dificuldades em tornar suas histórias mais densas. Possivelmente por uma questão de público, o costume não mudou e Super Mario Bros. O Filme segue essa máxima rasa em seu roteiro.

É preciso reforçar, no entanto, que esse pano de fundo infantilizado da história não faz de Super Mario Bros. O Filme um produto ruim. Isso apenas faz com que ela não alcance voos maiores. O exemplo disso são as gargalhadas e os sorrisos arrancados por momentos nostálgicos ao longo da curta uma hora e meia de duração.

O projeto se apega na máxima da empresa a ponto de reverter seus esforços narrativos em criar momentos engraçados e recheados de easter eggs. Assim, ir à sessão do longa-metragem esperando algo inovador ou profundo é frustração garantida. Por outro lado, se o público deseja um divertimento livre de reflexões existencialistas e bastante nostalgia, Super Mario Bros. é o filme certo.

Em meio ao turbilhão de cores vibrantes e memórias do clássico jogo do Super Nintendo, o longa tem um elenco de vozes extraordinário – seja em sua versão original como na dublagem brasileira. No entanto, é preciso enaltecer o trabalho da dublagem nacional, em especial em animações. O trabalho de voz dos atores e atrizes que participaram de Super Mario Bros. O Filme é extraordinário. Dublagem essa que é um dos elencos que ajuda a sustentar o filme, mesmo em seus momentos de deslize.

Assim, a tão aguardada produção sobre um dos jogos mais queridinhos da história irá divertir multidões e, possivelmente, ter uma arrecadação impressionante. Uma possível sequência ou spin-off é inevitável no mundo de hoje e em breve deve vir outras narrativas com o bigode mais famoso do video game. Apesar da sua falta de densidade e camadas narrativas, Super Mario Bros. ainda consegue ser um divertido programa em família num domingo à tarde.

Direção: Aaron Horvath e Michael Jelenic

Elenco: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen e Fred Armisen

Assista ao trailer!

O post Crítica: Super Mario Bros. O Filme apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

As principais razões para este resultado estão no roteiro e na direção. Baseado na peça homônima da Broadway, esta adaptação peca por suas idas e vindas no seguimento do plot e por colocar uma protagonista que, diferentemente do esperado, não move as ações, deixando-se levar pelas decisões dos outros, na maior parte da projeção. Emma (Jo Ellen Pellman) é uma adolescente que deseja levar sua namorada para a festa de formatura, mas o conselho de pais é homofóbico e faz de tudo para que a jovem não consiga o que quer. Ao mesmo tempo, um quarteto de atores decadentes vê esta informação no Twitter e decide interferir no caso, para conseguir visibilidade para as suas carreiras desafortunadas.

É nisso que o filme mais se complica! Entre tentar desenvolver o romance de Emma e seus percalços para alcançar seu sonho e dos quatro artistas, os roteiristas Bob Martin (Som e Fúria: O Filme) e Chad Beguelin (Elf: Buddy’s Musical Christmas) se enrolam e não acertam na mão ao contar uma história que apresente uma unidade ou fluxo da trama de maneira equilibrada. Talvez, o mais próximo que cheguem em iniciar e fechar o ciclo narrativo seja com Dee Dee (Streep).  A dupla foi ambiciosa demais ao inserir tantas premissas que não consegue dar conta de suas próprias criações, deixando soluções fáceis e ingênuas para os últimos minutos de projeção, como a repentina mudança de ideia de Mrs. Greene (Kerry Washington) ou a rodada de conclusões de arcos, na qual, praticamente, todos do elenco anunciam que venceram os seus problemas.

Outro fator que chama atenção no longa é a ausência de ritmo. Veja bem, existe uma ideia forte no imaginário das pessoas que velocidade é sinônimo de qualidade rítmica. Contudo, é o equilíbrio entre aceleração, lentidão, intensidade e alívio que imprime uma boa dinâmica neste quesito. A direção de Murphy é uma das maiores responsáveis por esta sensação. Os giros de câmera e uma quantidade incontável de zoom in e out podem cansar o público logo nos primeiros minutos de exibição. É como se ele quisesse, constantemente, chamar a atenção para algo. Mas, quando se utiliza um recurso tantas vezes fica difícil não deixar as ações diluídas. Poucos respiros visuais são inseridos, dificultando o engajamento com a própria história.

Neste frenesi, esta espécie de Romeu e Julieta lésbico contemporâneo, com toques de musical tradicional da Broadway, se perde por tentar ser muito e alcançar pouco. No entanto, apesar das falhas gerais, um dos destaques positivos é a atuação de Kerry Washington. Dentro de um contexto monocórdico, consegue evocar nuance em sua interpretação. Washington colore as palavras com tônicas distintas, está sempre trabalhando os seus gestos e olhares com destreza, pois circula entre o maior e o menor.

Os outros intérpretes não estão ruins, porém a maioria se entrega a forma – incluindo Meryl Streep. Numa impossibilidade de ir mais adiante dentro do que o próprio enredo traz, eles são mais tipos do que qualquer coisa. Nicole Kidman escapa um pouco desta dinâmica, mas, é preciso salientar como seu papel é subaproveitado. A atriz mostra todo seu potencial na sequência na qual canta “Zazz” e em todas as suas contracenas. Ela sabe jogar com seus colegas e reage na medida aos acontecimentos ao seu redor. Ou seja, Kidman está atenta as emoções de sua personagem e o que ocorre perto dela, mas não tira a atenção do que está sendo mostrado no ecrã.

No final das contas, A Festa de Formatura é ok. Se quem assiste tiver paciência para suportar as partes entediantes, alguns momentos irão valer a pena. Para as mulheres lésbicas e bissexuais há algum ganho, porque ninguém morre, é trocada por um homem ou possui qualquer final trágico do tipo – sim, é o mais comum no cinema, nas séries e nos livros. De acordo com o Salon.com, além dos desfechos tristes recorrentes, desde 1976, 67% das personagens femininas lésbicas ou bissexuais faleceram na ficção. Este avanço é um tanto pequeno, mas não deixa de ser importante. Além disso, instantes de fofura vos esperam! Rápidos, porém significativos.

Direção: Ryan Murphy

Elenco: Meryl Streep, Nicole Kidman, Jo Ellen Pellman, James Corden, Kerry Washington, Tracey Ullman, Keegan-Michael Key, Andrew Rannells, Ariana DeBose

Assista ao trailer!

O post Crítica: A Festa de Formatura apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Jake Carson (John Cena) é o líder de uma equipe de elite de bombeiros paraquedistas. Jake comanda sua equipe sob rígidas regras e não aceita que as coisas saiam do controle. Durante um dia normal de trabalho, a equipe salva três irmãos de uma casa que estava pegando fogo no meio da floresta. A partir desse momento, a vida de Jake e sua equipe vira de pernas pro ar. Sem notícias dos pais, os bombeiros se veem obrigados a enfrentar a difícil tarefa que é cuidar de três crianças. Bryan (Brianna Hildebrand), Will (Christian Convery) e Zoey (Finley Rose Slater) vão dar muito trabalho para Jake e sua equipe.

A proposta do longa, apesar de não ser inovadora, poderia resultar em um filme mediano – ou até mesmo bom -, mas o produto final é o oposto disso. Ao ver cada oportunidade de alavancar o roteiro perdida, o público consegue entender o caminho que essa sucessão de escolhas ruins vai ter. Brincando com Fogo entrega uma trama cheia de lacunas, na qual o enxertamento de piadas fora de hora só potencializam os problemas. Seu exagero é notável do início ao fim e isso é o fator principal para torná-lo um filme exageradamente medíocre.

A escolha e construção das personagens prepara o terreno para a desastrosa aura de desinteresse que a produção causará no público. Os estereótipos mais comuns são reunidos em cena na tentativa de gerar uma comicidade que não é possível. Diante do “fortão sisudo”, das “crianças levadas” e dos “amigos atrapalhados e estranhos”, o longa prepara a receita para um desastre. Além disso, para intensificar os problemas da escolha vazia dessas personagens, suas motivações na narrativa são fracas. Com exceção das personagens de John Cena (Bumblebee, de 2018) e das crianças, o resto do elenco não passa de um acessório cênico para o (óbvio) crescimento de Jake Carson.

Da participação estranha de Judy Greer (Halloween, de 2018) até a interpretação inexpressiva de Brianna Hildebrand (Deadpool, de 2016), todas as peças do filme se encaixam apenas para desenhar as partes que faltam na personagem de Cena. Judy parece existir na produção apenas para alimentar um preceito social normativo de que um homem precisa de uma companheira. Os colegas de trabalho de Jake são suportes cômicos que mais trazem exagero para tela do que de fato compõem a comédia e/ou completam a narrativa. E a personagem de Brianna, que deveria ser um contraponto à figura do chefe bombeiro, parece ser apática a tudo que está a sua volta.

Diante desta proposta de produção desperdiçada com estereótipos, exageros e lacunas, não há muito o que sentir sobre o filme. Sua apatia é tão forte que impacta no público. Dessa forma, o maior problema de Brincando com Fogo não é seu viés de comédia infantil, mas a forma como eles tentaram criar essa comicidade. O resultado não poderia ser pior: a mediocridade. O longa não causa nenhum tipo de impacto no espectador. Um filme completamente esquecível que não consegue sequer superar um nível mínimo de qualidade. Esse é aquele filme que, depois de assistido, some completamente de sua memória.

Direção: Andy Fickman
Elenco: John Cena, Keegan-Michael Key, John Leguizamo, Judy Greer, Brianna Hildebrand

Assista ao trailer!

O post Crítica: Brincando com Fogo apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Assim, é neste contexto que está o novo filme da Netflix, uma cinebiografia de um nomes famosos do blaxploitation. Rudy Ray Moore (Eddie Murphy, Um Funeral em Família) é um pseudo comediante que abre shows em bares de Los Angeles, mas ninguém da plateia ri de suas apresentações. Após escutar histórias hilárias de um mendigo, Rudy decide criar o alter ego de Dolemite, incorporando seus contos em forma de rima. Graças ao sucesso imediato que faz, chegando a estar entre os discos mais vendidos da Billboard, ele que quer mais: fazer um filme.

Dirigido por Craig Brewer (remake de Footlose), Meu Nome é Dolemite é, primeiramente, um metacinema. Com um ritmo ágil, a segunda metade do longa passa por todas as etapas da realização de um filme. Vai desde o pitching (venda da ideia para o produtor bancar o projeto), passando pelo brainstorm do roteiro e até dificuldades técnicas como falta de filme na câmera. Além de cada cena ser uma bela homenagem não só à Rudy como todo o blaxploitation, os bastidores funcionam por si só. O leve roteiro e o comprometimento dos atores realmente passam a imagem daquele ambiente como uma família.

Neste sentido, Meu Nome é Dolemite é também um projeto de amor de Eddie Murphy, já que ele também é seu produtor. Indo além, mais do que um testamento para Rudy, este filme é a oportunidade perfeita para, assim como Dolemite, que uma nova geração lembre do ator de Um Tira da Pesada, que aos poucos caia no esquecimento. Com uma das atuações mais fortes de sua carreira, Murphy se atesta mais uma vez como um dos grandes nomes de sua geração.

Evidentemente, o astro é mais conhecido por seu timing cômico, mas seu papel como Dolemite não se limita a isso. Sempre vestido com figurinos coloridos e excêntricos — categoria que merece ser reconhecida em premiações —, Murphy incorpora o lado caricatural do personagem. Ele solta um fucking a cada duas frases e conta suas piadas sempre se movimentando com molejo e uma bengala. Ainda que mostre autoconfiança na maior parte do tempo, há também nuances dramáticas e de fragilidade em sua atuação, como na cena em que recebe uma notícia desanimadora e a câmera de Brewer vai apenas aproximando dele na cabine telefônica, trazendo uma sensação de enclausuramento.

Igualmente, o carisma de Dolemite É Meu Nome também passa por todo seu elenco de apoio. Ele vai desde participações especiais de Snoop Dogg (Reincarneted) e Chris Rock (A Very Murray Christmas) como radialistas até um brilhante Wesley Snipes (franquia Blade). Este é outro que se destaca, fazendo o ator D’Urville Martin, que se acha profissional demais para trabalhar com o resto da equipe, como o cinegrafista Nick (Kodi Smit-McPhee, X-Men: Fênix Negra).

Assim como Eddie Murphy, Snipes é outro caberia em premiações, se entregando aos poucos no ridículo, à medida que vai percebendo que não dá para levar aquele filme a sério. Já Tituss Burgess (Titus de Unbreakable Kimmy Schimidt), basicamente, interpreta outra versão de seu papel mais famoso, o que é sempre positivo. Ainda sobre tecnicidades, o colorido figurino que transborda alegria, a trilha sonora do funk norte-americano e uma ambientação de época com cheia de tons amarelos trazem a total imersão para a década de 70.

Por fim, Meu Nome é Dolemite é uma carta de amor para Rudy Ray Moore, Eddie Murphy e Wesley Snipes. Em um passeio nostálgico pelo gênero de blaxploitation, a trama lembra o recente Artista do Desastre ao retratar pessoas apaixonadas produzindo um filme B. No entanto, diferentemente de Tommy Wiseau, há um swag inegável nesta metaficção. Se Dolemite começou a fazer filmes para cobrir seu ego pessoal, ao final, ele ganha consciência de que é uma inspiração para diversos jovens negros que buscam eternizar seu nome em capas de discos assim como ele.

Direção: Craig Brewer

Elenco: Eddie Murphy, Wesley Snipes, Keegan-Michael Key, Kodi Smit-McPhee, Craig Robinson, Chris Rock, Mike Epps, T.I., Tituss Burgess, Snoop Dogg, Da’Vine Joy Randolph

Assista ao trailer!

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=Jt2p7WFZanI&w=750&h=500]

O post Crítica: Meu Nome é Dolemite apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

O quarto longa é centrado numa história sobre Woody, que acaba não se tornando o brinquedo preferido de Bonnie como poderíamos imaginar. Ainda assim, o cowboy é extremamente fiel a sua dona e faz de tudo para vê-la feliz, principalmente agora que ela começou sua jornada no Jardim de Infância e acaba se apegando a Garfinho, um boneco que cria a partir de sucatas no seu próprio colégio. Quando encontra Betty, brinquedo preferido da irmã de Andy, ao acaso, Woody passa a questionar se está de fato entregando para os outros àquilo que de melhor tem a dar e passa a considerar deixar Bonnie.

O quarto capítulo da franquia acaba sendo um filme que reflete sobre os efeitos de bem estar e autoestima gerados a partir do exercício da sua própria vocação, no caso de Woody, claramente, servir às pessoas. Toy Story 4 lança as questões: para o que você é feito? A partir disso, você está sendo de fato aproveitado no máximo do seu potencial pelo mundo? É interessante notar como os realizadores do filme encontraram um propósito para sua história que tornou o quarto longa tão urgente quanto os demais, ainda que evidentemente acessório.

Dosando momentos de puro entretenimento que exploram o carisma comprovado de antigos personagens e apresenta em igual potência a simpatia e complexidade dos seus novatos (como Garfinho, o Coelho e o Pato, Gabi), Toy Story 4 é um filme delicioso de se assistir e presenteia o público com momentos de grande sensibilidade que fazem justiça à tradição Pixar (um deles pela boneca Gabi do antiquario e outro pelo próprio Woody). Não vou nem afirmar que um quinto filme é desnecessário porque o legado de Toy Story está mais do que dado com esse conjunto de obras porque é bem possível que o estúdio faça mais um título com o sucesso desse e seja tão bom quanto.

Direção: Josh Cooley
Elenco: Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts, Tony Hale, Keegan Michael Key, Madeleine McGraw, Jordan Peele, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Ally Maki

Assista ao trailer:

O post Crítica: Toy Story 4 apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.