De Tubarão (1975) até West Side Story (2021), a carreira do diretor acompanhou diferentes gerações com obras fascinantes. Em 2022, no auge dos seus 76 anos, Spielberg entregou ao público um retrato sensível sobre a sua arte e a trajetória de vida que o levou até o lugar onde ele está.

O mais novo longa do diretor chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (12) como um dos favoritos para ser o principal vencedor da temporada de premiações de 2023. Na última terça (10), Steven Spielberg ganhou o Globo de Ouro de “Melhor Direção” e Os Fabelmans ainda levou para casa o prêmio de “Melhor Filme de Drama”.

Ainda sem os anúncios do BAFTA e Oscar, a produção já acumula 112 indicações e 17 vitórias. Além das cinco indicações no Globo de Ouro, Os Fabelmans conseguiu duas nomeações no SAG Awards e foi o segundo mais indicado no Critics Choice Awards, concorrendo em 11 categorias.

Os Fabelmans traz aos fãs do diretor um cinema que há muito não se via. O fundador e sócio da produtora Amblin Entertainment retorna às suas origens (literal e figurativamente) para dividir com o mundo uma narrativa inspirada em sua vida. O longa-metragem descreve a jornada de um garoto que sempre sonhou em fazer parte da magia do cinema.

Como a vida e arte se entrelaçam, o desejo de fazer filmes se confunde aos dilemas infantis, juvenis e adultos do personagem que representa o diretor em Os Fabelmans. É fascinante como o roteiro de Spielberg, em parceria com Tony Kushner (Munique, de 2005, e Lincoln, de 2012), consegue conduzir o público por uma história tão cheia de sensibilidade e simplicidade.

A parceria de longa data entre Steven e Kushner entrega um trabalho primoroso sobre o desejo de fazer cinema. A força motriz representada na narrativa pode ser sentida pelo público durante a sessão. Apesar da duração ser extensa, os 151 minutos passam sem que sejam sentidos. O espectador é tão bem conduzido pelo sonho do jovem diretor que as únicas reações possíveis durante a sessão são gargalhadas e lágrimas. A nostalgia, o cuidado e a sensibilidade do que estava sendo composto em cena são os maiores méritos de Os Fabelmans.

O resultado emocionante e poderoso de Os Fabelmans deve-se, também, ao elenco. Encabeçada por Michelle Williams (Depois do Casamento, de 2019, e Venom: Tempo de Carnificina, de 2021) e Paul Dano (Okja, de 2017, e Batman, de 2021), a família Fabelman encanta o público num piscar de olhos. Além das poderosas cenas do casal – dando um destaque ainda maior para as nuances maravilhosamente desenvolvidas por Michelle -, o jovem ator que faz a versão mais velha do personagem principal também precisa ser parabenizado.

Gabriel LaBelle (O Predador, de 2018) foi a escolha perfeita para representar Spielberg em Os Fabelmans. O ator é o responsável não apenas por encarnar um dos maiores diretores das últimas décadas, mas por equilibrar as tensões vividas por seu personagem. O equilíbrio que Gabriel traz para o caos da família através de sua arte sensível é poderoso e emocionante.

Como pode-se ver pelo elenco, Spielberg costuma reunir os maiores nomes da indústria e a parte técnica não poderia ser diferente. A fotografia de Os Fabelmans é algo que vale a pena destacar e apreciar. O trabalho do colaborador de longa data de Steven, Janusz Kamiński (Ponte dos Espiões, de 2015, e O Bom Gigante Amigo, de 2016), torna a história ainda mais potente e tocante.

A brincadeira feita em Os Fabelmans de falar da criação de imagens a partir do que seriam imagens amadoras é genial. O diretor de fotografia constrói belas cenas e não poderia ter sido uma escolha melhor para potencializar a produção – principalmente ao considerar que Kamiński e Spielberg trabalham juntos desde 1993.

Outro antigo colaborador do diretor que está em Os Fabelmans é o editor Michael Kahn. Desde o início da parceria entre Kahn e Steven, que começou em 1977, o editor não trabalhou com o diretor em apenas um de seus projetos: E.T. O Extra Terrestre (1982). Em meio a tantas colaborações, Kahn ganhou três Oscar trabalhando com Spielberg: Indiana Jones: Os Caçadores da Arca Perdida (1981), A Lista de Schindler (1993) e O Resgate do Soldado Ryan (1995).

Os Fabelmans é o melhor trabalho de Steven Spielberg dos últimos 10 anos. É claro que fazer um filme sobre a sétima arte tem um apelo para a indústria, crítica e cinéfilos, mas o diretor não estava tentando agradar esse pessoal. Fica evidente durante a sessão que Spielberg fez esse filme para ele mesmo. Para que ele pudesse ser o contador de sua história – história essa que, em muitos momentos, se confunde com a do cinema hollywoodiano.

Essa paixão é nítida no texto, na direção, no elenco e em cada departamento do projeto. Não há nada que fuja do equilíbrio dessa trajetória emotiva em busca da realização de um sonho. E é isso faz de Os Fabelmans uma produção capaz de encantar o espectador e tornar o assistir ainda mais especial.

E é a partir dessa lógica de desejos que o filme se encerra e faz o público querer mais. Os Fabelmans é um espetáculo de arte, emoção e sensibilidade. Não é à toa que a produção é uma das mais cotadas para ganhar o maior prêmio do cinema. Mesmo sem o anúncio oficial da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, é possível apostar que o longa (quase) autobiográfico de Spielberg deva concorrer em, ao menos, 7 categorias. Dentre elas, “Melhor Direção” e “Melhor Filme”, os quais têm fortes chances de levar o Oscar para casa. Assim, o artista estadunidense que tanto sonhou em fazer cinema mostra que sonhos não apenas podem virar realidade, como são transformadores.

Direção: Steven Spielberg

Elenco: Gabriel LaBelle, Michelle Williams, Paul Dano, Seth Rogen e Judd Hirsch

Assista ao trailer!

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Em Jogador nº 1 somos apresentados a um mundo obcecado pela realidade virtual do OASIS, um jogo de computador criado pelo gênio Halliday, uma espécie de Steve Jobs daquele universo. Com cada jogador vivendo quase que exclusivamente a vida dos seus respectivos avatares nas realidades propostas pelo jogo, os players acabam tomando para si a missão de encontrar três chaves escondidas que os levarão a um valioso easter egg. As pistas foram pensadas pelo próprio Halliday antes de falecer, deixando como recompensa final para o jogador que desvendar o mistério toda a sua fortuna.

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O olhar usado pela Academia para escolher seus vencedores é algo subjetivo e situacional, fazendo com que a missão de criar um padrão para estudo ou previsões 100% certas seja quase impossível. Às vezes surpreendente, outras, nem tanto, mas sempre é um dos momentos-chave da belíssima cerimônia. E nessa edição de aniversário, nada será diferente. Os indicados se encaixam em diversas opções de acontecimentos anteriores cujo levaram outros artistas a conquistarem a estatueta. Existe a revelação que surpreende com simplicidade e inteligência, mas falta maturidade temática; tem o mestre da técnica que usa a beleza para mascarar uma obra que falta no conteúdo; e há o diretor prestigiado, porém, estéril. Esses são os indicados cuja probabilidade de ganhar nas atuais circunstancias é menor. Já os dois que disputam a estatueta são duas outras adaptações de outros eventos anteriores: como o diretor que saiu da zona de conforto e impressionou a todos e o estrangeiro que teve o mundo e todo o preconceito tendo que reconhecer o seu brilhantismo.

Com toda a sua pompa e circunstância, Christopher Nolan chega ao Oscar carregando o seu novo filho, mas com muito cuidado porque ele é bem frágil. Sua falta de força e liga não são suficientes para contornar as faltas que existem e, muito menos, para serem compensadas apenas com uma beleza técnica admirável. O trabalho de direção de Dunkirk deixa mais a desejar do que em qualquer uma de suas obras. A falta de sentimentalidade em suas películas finalmente afetou o cineasta. E a queda desse gigante será estrondosa e tão agoniante como a falta de sensibilidade na obra sobre a Operação Dínamo.

Paul Thomas Anderson traz um problema diferente. Seus filmes costumam impactar, emocionar e levar o público a loucura com sua perfeição técnica e olhar delicado sobre o mundo. Com trabalhos comumente conhecidos por sua estética diferenciada, Trama Fantasma se destaca da mesma forma no quesito design e figurino, uma pena que a narrativa deixe a desejar. E por se tratar de um diretor cujo também roteiriza suas obras, a coesão textual e da imagem são quesitos fortemente cobrados pela Academia. O inovador Paul Thomas pode estar consagrado no meio da sétima arte com filmes como Magnólia, de1999, e Sangue Negro, de 2007, mas o indicado desse ano falta uma consistência nos fatos que faça jus a sua carreira, tornando-se incompleto. Paul muito se preocupou com a forma do seu croqui e esqueceu do conteúdo dele.

A estreia de Greta Gerwig foi perfeita. A temática e a simplicidade de seu primeiro longa-metragem como roteirista e diretora fizeram com que ela pudesse encontrar a sua estrada de tijolos amarelos. Com modéstia e talento, Greta prova que sua capacidade vai muito além do que pessoas podem imaginar; ela é o que ela quiser. Com uma câmera na mão e uma ideia na cabeça – como já disse o sábio Glauber Rocha – ela é capaz de alçar grandes voos. Lady Bird – A Hora de Voar não é, entretanto, o trabalho que lhe renderá o seu primeiro Oscar por direção; Gerwig precisa de uma proposta mais madura para mostrar tudo o que ela é capaz. O seu espaço vai apenas crescer agora que o mundo já viu do que ela é capaz e, num futuro próximo, ler o nome de mulheres na disputa por prêmios como o de “Melhor Direção” será algo do cotidiano. Greta Gerwig: um nome para ser gravado.

Jordan Peele se mostrou um caso à parte dos demais citados. Corra!, obra dirigida, roteirizada e produzida por Peele se mostrou um trabalho maduro – em especial para alguém que está estreando como diretor. Além do debute à frente de uma película, Jordan também entra num universo completamente diferente do seu. Conhecido por seus trabalhos no Comedy Central, o diretor toma para si o comando de um projeto onde o foco é um terror. Com um roteiro invejável, a trama tem fluidez e qualidade para prender o espectador do início ao fim. E, no final das contas, Jordan Peele não seria uma má escolha da academia para premiar.

Guillermo Del Toro é o mestre das fábulas sombrias. O homem que reinventou o universo da ficção fantástica é o candidato mais forte na disputa pelo Oscar de “Melhor Direção” de 2018. Com seu romance que percorre todos os gêneros da sétima arte, A Forma da Água é uma perspectiva encantadora e irreal sobre a vida e todas as opressões que as pessoas sofrem. Por fazer uma ode aos humilhados, nada mais justo do que sua indicação viesse seguida de uma vitória bela e merecedora. Há cerca de 15 anos que o mundo cinematográfico tem contato com a magia e beleza de suas criaturas e lugares. Del Toro criou seu nome há muito e já está mais do que na hora de tê-lo sendo ovacionado por algo conservador como o Oscar. Anunciar que ele é o diretor campeão no Academy Awards é uma forma de reafirmar a mensagem que o seu roteiro passa: não importa como você seja ou se pareça, você será agraciado como merece. O momento de exaltação chegou para este homem que é um mexicano cuja história é uma inspiração para todos os que sofrem um preconceito ou queiram desistir de seus sonhos. Guillermo del Toro e seu longa são a prova viva de que onde há amor e fantasia, tudo é possível.

Nomes que não foram nem citados, como o de Joe Wright por O Destino de Uma Nação ou Martin McDonagh pelo maravilhoso Três anúncios para um crime, são sentidos nessa categoria. Até mesmo o gênio Spielberg e seu belo filme jornalístico (The Post – A Guerra Secreta) ficou de fora dessa corrida pelo ouro. Contudo, por mais que esses nomes façam falta, há uma nuvem de aceitação quanto os indicados. Com ou sem defeitos; perfeitas ou não, as direções das películas foram bem ricas. Por essas e outras ‘n’ questões, o óbvio pode vir a não acontecer. A imprevisão e as surpresas estão sempre presentes nas últimas edições dessa premiação e esse ano podem estar ainda mais. Como dito anteriormente, nada é 100% certeza quando se trata da Academia, agora o que resta é esperar até o dia 4 de março para que o mundo saiba o resultado desse glorioso embate.

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A partir do livro Cinco Voltaram, de Mark Harris (editado aqui no Brasil pela Objetiva), a Netflix e o diretor Laurent Bouzereau em parceria com Steven Spielberg (que assina a produção), lançaram recentemente Five Came Back, uma série documental composta por três episódios que aborda a participação de cinco dos mais importantes diretores de cinema da primeira metade do século XX na Segunda Guerra Mundial: Frank Capra, William Wyler, John Ford, John Huston e George Stevens. Os cinco se alistaram em uma subdivisão específica do exército americano para realizarem filmes que dessem conta de mostrar à população norte-americana o que acontecia no front de batalha, concebendo títulos que ao mesmo tempo em que consolidaram o documentário no país, serviram como propaganda da campanha americana e foram o primeiro contato em imagem com os horrores da guerra.

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O mais novo longa do diretor Steven Spielberg acaba de ganhar um trailer em versão legendada. Ponte dos Espiões é a quarta parceria do diretor com o ator Tom Hanks (os dois já trabalharam juntos em O Resgate do Soldado Ryan, Prenda-me se for capaz e O Terminal).

O filme conta a história de um advogado do Brooklyn (Hanks) que, durante a Guerra Fria, é encarregado pela CIA para negociar o resgate de um piloto americano detido pela União Soviética. O roteiro é do pouco conhecido Matt Charman e dos irmãos Ethan e Joel Coen.

Além de Hanks, o filme tem no elenco Amy Ryan (Birdman) e Alan Alda (O Aviador). 

O longa deve chegar aos cinemas brasileiros no dia 22 de outubro.

Confira o trailer:

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# 05. Ética e ciência: os desígnios da natureza

Apesar de Jurassic Park ser em sua essência uma grande aventura escapista, o filme de Steven Spielberg fazia interessantes reflexões sobre a ética na ciência e, consequentemente, os limites da ação humana, sua relação com a natureza (equilíbrio X dominação) e com Deus. Existem diversas cenas nas quais Dr. Alan Grant (Sam Neill), Dra. Ellie Sattler (Laura Dern) e Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum) questionam John Hammond (Richard Attenborough) sobre o parque jurássico. Uma das mais emblemáticas ocorre no terceiro ato do filme quando Hammond faz uma espécie de inventário da sua experiência mal-sucedida com o Jurassic Park e é recriminado por Ellie Sattler:

# 04. O sublime braquiossauro

Uma das cenas mais memoráveis de Jurassic Park envolve a primeira aparição de um dinossauro aos nossos olhos e aos olhos dos seus protagonistas. Testemunhamos maravilhados, assim como Alan Grant e Ellie Sattler, um braquiossauro caminhar até uma árvore altíssima e se alimentar das suas folhas. O tema musical de Jurassic Park composto por John Williams dá a dimensão da reação dos personagens e traduz a sensação do espectador diante desse milagre da ficção, os dinossauros voltaram à Terra graças ao cinema. Talvez hoje, tecnicamente, a cena seja encarada pelas novas gerações como trivial. Em tempos de Avatar e Discovery Channel, o que é que tem demais vermos um braquiossauro ganhar vida através do CGI? Até 1993, o recurso era pouquíssimo explorado e somente utilizado para criar seres imaginários, como aconteceu em O Exterminador do Futuro 2 ou O Segredo do Abismo. Jurassic Park anunciava uma nova era:

# 03. Os velociraptor caçam na cozinha

Entre as várias criaturas de Jurassic Park, talvez uma das mais interessantes sejam os velociraptors. Rápidos, inteligentes e letais, esta espécie foi responsável por fazer-nos ficar na ponta da poltrona temendo pela vida de Tim (Joseph Mazzello) e Lex (Ariana Richards) em uma caçada em plena cozinha do parque. Além de ser uma das cenas mais apavorantes do filme, esta sequência comprova a qualidade do resultado de anos de pesquisa realizada pela equipe do longa junto com paleontólogos. Para a composição do dinossauro, os responsáveis pelo projeto utilizaram movimentos de aves e ruídos de diferentes animais. Todos as espécies de dinossauro do filme passaram pelo mesmo processo, mas esta sequência atesta o êxito deste percurso percorrido por Spielberg e cia.:

# 02. Confronto final

A sequência final que põe tiranossauro rex contra os velociraptors é uma das mais emblemáticas da produção. Dois dos maiores protagonistas de toda a franquia disputam território após Alan, Ellie, Tim e Lex se sentirem encurralados pelos raptors no saguão do centro. Segundo o próprio Spielberg, o tiranossauro só entrou nesta cena após ele perceber durante a filmagem da sequência do ataque do animal aos carros de Tim e Alex que o dinossauro era uma das maiores atrações do longa. Mais incrível que este encontro só mesmo a faixa que cai sobre o tiranossauro após o confronto, “Quando os dinossauros dominaram a Terra”:

# 01.  Primeira aparição do tiranossauro

A cabra desaparece. A água no copo começa a criar círculos. As cordas da cerca elétrica são rompidas. Dela surge um gigante, o tiranossauro rex, que entra de vez para a história do cinema com esta sequência eletrizante. O ataque do tiranossauro aos carros de Tim e Lex foi uma das cenas mais trabalhosas de todo o filme, isso porque o dinossauro não foi concebido apenas em CGI, mas também por um robô em dimensão gigantesca que preocupava a equipe de Spielberg, afinal toda a cena foi feita na chuva. O resultado valeu muito a pena:

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Estreia nesta semana o mais atual longa de Poltergeist. O filme foi o maior fenômeno nos anos 80, assustando muitos espectadores e deixando as equipes de gravação intrigadas com os acontecimentos que acometeram a produção da película. A expectativa, claro, não poderia ser menor.

Com roteiro e criação de ninguém menos que Steven Spielberg, o longa original de 1982 traz uma família clássica estadunidense que se muda para uma nova casa. No entanto, fenômenos aterrorizadores começam a acontecer, especialmente com a filha pequena do casal. Em dado momento, as intervenções dos fantasmas é tanta que a menina é sequestrada pelo televisor e o casal sai em busca desesperada da ajuda de um especialista em fenômenos sobrenaturais para recuperar a garotinha.

O longa foi o maior sucesso na época e levou milhares de pessoas ao cinema. Claro, a maioria saia aterrorizada do cinema e, até hoje, o filme assusta os espectadores de plantão. O próprio nome já revela um pouco do que se pode esperar, sendo que Poltergeist, uma palavra alemã, significa “espírito perturbador”. Mais intrigante ainda é a história por trás das gravações, que envolve muitos mistérios.

As duas filhas do casal, Dana e Carol Anne, interpretadas por Dominique Dunne e Heather O´Rourke, tiveram um fim particularmente trágico após as gravações dos filmes, e muitas pessoas ligaram os acontecimentos à uma possível praga da história. Dunne faleceu pouco depois das gravações do primeiro filme, depois de ser atacada por seu ex-marido violento, que a deixou em coma por conta de morte cerebral. Ela não chegou nem a participar do lançamento do longa. Ele a sufocou com um travesseiro e, para abafar seus gritos, colocou a música da trilha sonora do filme. Macabro!

O mais estranho, no entanto, foi a morte da protagonista dos três filmes, O’Rourke. A menina, de apenas 12, chegou a participar de toda a trilogia, quando começou a passar mal de maneira estranha. Nenhum exame diagnosticava nada e de repente, ela teve uma parada cardíaca e faleceu.

Outros acontecimentos dão força à história de maldição do filme. Como por exemplo a casa onde aconteceram as gravações ter sido destruída em um terremoto em 1994, ou o fato de que a atriz secundária Zelda Rubinstein ter feito uma sessão de fotos para o filme e ter aparecido com uma luz brilhante ofuscando seu rosto. Segundo ela, naquele momento das imagens, sua mãe havia falecido.

Passadas essas questões, vale lembrar ainda que o filme foi indicado a três estatuetas do Oscar, por Melhor Efeito Visual, Melhor Trilha Sonora e Melhor Som. Acabou perdendo todos os prêmios para ET, o Extraterrestre também de Steven Spielberg. Uma curiosidade interessante que Spielberg não assina como diretor em Poltergeist justamente por conta de uma cláusula contratual de ET, o Extraterreste, mas a maior parte do trabalho é realizado por ele mesmo, ao invés de Tobe Hooper, que levou os créditos como diretor.

Claro que com todo esse histórico o lançamento do remake Poltergeist agora em 2015 não poderia ter menos alvoroço. Os espectadores mais fanáticos estão no aguardo do resultado do filme, que será lançado nesta quinta-feira, dia 21 de maio, além de ficar na expectativa da história que podem circundar as próximas semanas. Algumas mudanças foram feitas, como por exemplo os clássicos nomes da série. A família deste leva o sobrenome de Bowen. Vale ressaltar que Tom Cruise e Richard Armitage foram cogitados para o papel principal, mas descartados logo em seguida. Quem assumiu o personagem foi Sam Rockwell, que atua no filme O Verão de Minha Vida.

Uma curiosidade interessante é que a atriz Rosemarie Dewitt fez questão de participar de Poltergeist depois do enorme sucesso do trillher de terror, A Invocação do Mal, do qual seu marido faz parte do elenco. Ela assume o papel principal da mãe.

A expectativa é grande e só indo ao cinema para conferir o resultado deste reebot tão aguardado! Não deixe de conferir nas telonas mais próximas.

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