A começar pela construção de Zezé, que é pautada por modulações vocais, que destacam os momentos que a sua personagem está vivendo. Os distintos tons revelam os sentimentos de Xica e o que ela pretende fazer. Esse elemento potencializa a sensação de proximidade com a personagem.

Além disso, Zezé revela uma destreza na composição física do seu papel, porque cada retenção e movimento parece calculado.  Ao mesmo tempo, a intérprete imprime organicidade porque faz destes gestos de Xica um complemento para a narrativa.

Na realidade, um dos maiores méritos de Zezé Motta aqui é conseguir aliviar a visão racista e misógina desta adaptação homônima do livro de  João Felício dos Santos. Há uma dignidade inserida em Xica, que vem da perspectiva de Zezé. Em relação aos incômodos (muitas vezes amortecidos pela presença e trabalho de Motta), é preciso pensar sobre o momento no qual o longa foi feito.

Em diversas entrevistas, Cacá Diegues deixa nítido como a indústria do audiovisual tinha interesse ínfimo em retratar narrativas negras. Desta forma, o que é possível de observar na produção é o retrato de uma mulher que existiu e virou uma lenda, sob a perspectiva de um diretor talentoso, mas um homem branco, que tinha interesse em trazer para a telona mais histórias da comunidade negra, vide sua filmografia.

Então, existem méritos e deméritos no longa e cabe o espectador ter discernimento para criticar e saber apreciar o que existe de revolucionário ali. Contar a história de Xica da Silva, dando-lhe protagonismo e criticando os brancos europeus tem um quê de satisfatório.

Talvez, todavia, o desfecho da sessão pudesse ser de triunfo para a protagonista? No entanto, também cabe observar dois elementos certeiros da direção de Diegues, que amortecem certos impactos da narrativa. O primeiro é o apuro estético do cineasta. A composição de enquadramento e luz engrandecem a trama.

Ao lado do diretor de fotografia José Medeiros (Jubiabá), os quadros recebem uma iluminação que, não apenas apresenta o estágio do enredo e a situação de sua heroína (apresentação do problema, enlace, clímax etc.), como entrega qual a perspectiva de Xica sobre cada momento.

Um exemplo é a sequência na qual a moça faz o seu jogo de sedução com o Comendador João Fernandes (Walmor Chagas). De onde a luz incide? Das janelas, ao fundo. Xica fala uma coisa com o corpo e outra com o texto verbal. Inclusive, toda a encenação deste instante narrativo é uma aula de direção.

Para além da iluminação, tem-se a marcação de cena, que coloca todos os brancos “figurões” da cidade à margem. Em um plano geral, Xica desliza pelo espaço, apropriando-se dele, tomando-o como seu, a partir desta conexão com João. Essa é uma parte importante da sessão, porque ilustra o segundo ponto sobre o olhar de Cacá.

Apesar de contar com seu male gaze branco, existe um respeito nesse gaze. (É, essa é uma das coisas mais difíceis que esta que vos fala precisou explicar, porém foi isso mesmo que foi dito). Ele procura reverenciar essa figura dramática com sua câmera.

Uma forma de observar esse cuidado de Diegues é justamente em sua decupagem. Os quadros de nudez de Xica, geralmente, são mais longos, mais abertos e com movimentos de câmera. Além disso, os gestos e deslocamentos parecem meticulosamente coreografados. Apesar de existir uma grande sensualidade e exuberância em Xica, aqui há uma artificialidade orgânica, que contribui para uma interpretação mais estética do que sexual.

Algo que eleva essa potencialidade é o trabalho da equipe de arte. Os tons e as texturas imprimem essa dicotomia que habita a personalidade de Xica. Entre jóias e badulaques, ela não deixa de ser guerreira e estratégica nunca. Essas características estão nas tonalidades e formatos dos objetos.

O amarelo e o branco são destaque nas peças de Xica, enquanto o verde e o azul a cercam nos locais que ela está presente. A abundância e a paz que ela deseja está sempre em perigo, seja na melancolia ou na desesperança, que são elementos opostos à sua personalidade. São nesses símbolos que a complexidade dela é formada e a construção de sentido complexificada.

Desta maneira, Xica da Silva é um filme difícil de se julgar. Apesar de conter questões que não podem ser deixadas de lado em debates, a obra impressiona pelo seu apuro técnico, na direção, na atuação de Zezé Motta e no trabalho de todo o elenco, que aumenta ainda mais a qualidade das cenas.

 Por fim, o longa ainda tem a música tema, que é inserida nos momentos de glória de Xica. O desfecho poderia ser mais justo com a trajetória da personagem, porém é impossível que esse seja um título que não desperte emoções profundas em quem o assiste com atenção.

Direção: Cacá Diegues

Elenco: Zezé Motta, Walmor Chagas, Stepan Nercessian

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É bem verdade que esta é uma versão mais leve de Nolasco, em termos de carga dramática. Aqui, este é um acerto. O espectador não sabe em nenhum momento da exibição quais serão os limites do real e do imaginário das vivências de D. Pedro I no Brasil ultrapassados, atropelados, esgarçados, ridicularizados, tensionados e explicitados na trama deste curta-metragem. 

Para se valer da linguagem que deseja imprimir, há uma escolha cuidadosa do tempo de cada plano, como na sequência do sexo na bandeira do Brasil Imperial. Os corpos de homens desnudos ou os beijos homoafetivos permanecem no ecrã longamente. Há um quê de resistência e de provocação do questionamento do que é este “ser masculino”, do que é essa suposta “macheza”, celebrada por uma sociedade tola e tóxica? Sim.

Todavia é mais do que isso o cinema de Nolasco (além de também sempre o ser). Ele é fervor apaixonado, com doses certeiras de escárnio. O tiro no opressor homofóbico é um exemplo de como o cineasta sabe transitar entre o cômico e o trágico para entregar seu discurso. Neste sentido, a montagem de Luciano Carneiro (Peixe Abissal) fomenta essa conexão entre o histórico e o inventado, o libertário e o opressor, o engraçado e o doloroso. 

Os cortes de Carneiro entregam o que parece já vir do roteiro de Daniel Nolasco. Há uma espécie de desejo aqui – e desejo é uma palavra boa para falar de qualquer coisa desta obra – em imprimir no ecrã construções múltiplas de sentido, que podem afetar quem assiste de maneiras distintas, a partir do próprio repertório de cada um. Ainda que a recepção seja exatamente isso, em O Cavalo de Pedro isto se faz ainda mais presente.

Existe um filme que se apresenta com um discurso geral, que vai alcançar a plateia em um sentido mais amplo. Contudo, há também a sensação de que cada indivíduo que sentar na poltrona do cinema ou na cadeira de casa, irá se apagar, se atentar e fruir aquelas imagens diferentemente. Para esta que vos escreve, a força do tesão homoafetivo move ideias, paixões, alucinações, fantasias, vontades.

Esta conexão carnal homoafetiva seria, assim, este impulsionar eterno de uma humanidade que soa, tantas vezes, seca de desejo – olha a palavra aqui de novo! Mas, para além das emoções exclusivas, existe a solidez do curta, que traz esse invólucro de temas, que podem soar distantes para quem está do lado de fora da projeção e tão ligadas para quem acompanha o enredo deste filme.

Assim, estar presente plenamente, pensar os lugares do homem e da humanidade na história e na contemporaneidade, a partir de beijos gays, longos quadros de corpos masculinos se tocando e despertando prazer um no outro, é o cinema de Nolasco, é um cinema necessário – como tantos outros. O tesão sem dúvida, em todas as suas possibilidades, move o cinema, move a arte, a política, move o mundo!

Só alguns detalhes escapam a O Cavalo de Pedro. Infelizmente, algumas atuações não dão conta da proposta da produção. Além disso, a iluminação de certas sequências, principalmente nas internas, deixa a desejar, com sombreamentos que não revelam as expressões das personagens em sua totalidade. A exibição não fica menos prazerosa por estes motivos, porém a imersão poderia ser mais intensa, caso todos os aspectos fossem apresentados coqualidade unificada.

Direção: Daniel Nolasco

Elenco: Guilherme Theo, Harry Lins, Conrado Helt

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E, de acordo com a equipe do evento, a beleza, a poesia e a arte também estão presentes nesta nova edição do festival de cinema vigente mais importante para Salvador. Assim, entre os dias 14 a 20 de março, a população soteropolitana pode escolher entre as projeções no Espaço Glauber Rocha, com ingressos de R$12 a inteira, R$6 meia ou 10 ingressos por R$55 (passaporte) e também na Sala Walter da Silveira, gratuitamente.

Com este cenário, neste mês, o centro da cidade ferve com sessões de cinema e diversas outras atividades. No total, o Panorama exibe 138 longas e curtas-metragens, com horários à tarde e à noite. Os números parecem grandes, mas foram recebidos 1355 envios de inscrições. Deste valor foram escolhidas 73 produções, integrantes das competitivas baiana, nacional e internacional.

A curadoria foi formada por Marília Hughes, Claudio Marques, Génesis Nascimento, Ceci Alves, Rafael Saraiva, Rafael Carvalho, Adolfo Gomes e João Paulo Barreto. As habilidades e trabalhos de cada um deles pode ser conferida no link disponibilizado no site do projeto. Além da programação dentro das salas de cinema, são ofertados dois laboratórios, chamados Pan Lab, sendo um destinado para roteiro e outro para montagem, com os facilitadores Aleksei Abib, Ceci Alves e Iana Cossoy Paro; em uma e Cristina Amaral, na outra, respectivamente.

Além disso, mais uma vez, acontece a Oficina da crítica de cinema, com o jornalista e pesquisador Rafael Carvalho. Os participantes, além de contar com o ensino teórico e prático do ofício, podem ter a oportunidade de integrar o Júri Jovem tanto na competitiva baiana quanto na nacional. Para completar esta listagem de atrações da sua  19ª edição, o Panorama homenageia os artistas Glauber Rocha e Castro Alves.

“Ambos eram românticos, eloquentes e trágicos. Castro e Glauber eram carismáticos e magnéticos, os dois gritavam as grandes causas e falavam com o coração.  Dois artistas singulares, que romperam o tempo-espaço”, comenta Cláudio Marques, idealizador e coordenador do Panorama. Indo além das homenagens aos que já foram, Cláudio, celebra todes que acompanham o evento há tanto tempo.

Para ele, há uma beleza em observar diversas gerações que vão surgindo e fazendo parte do Panorama Internacional Coisa de Cinema. Além disso, o realizador salienta a importância do novo apoio do município para com a iniciativa, o que lhe foi uma grata surpresa. Através do SalCine, foram investidos mais de R$30 milhões dentro do setor na capital da Bahia.

“De fato, a prefeitura começou a se importar com o audiovisual na cidade. Isso é uma das novidades mais interessantes. O trabalho que está sendo feito mostra que há um interesse genuíno em apoiar a área e acredito que novas coisas virão por aí”, comenta.  A afirmação de Cláudio é confirmada por Felipe Dias Rêgo, gestor de audiovisual da Secretaria de Cultura e Turismo.

Após os elogios e as palmas da plateia, Felipe declarou que a lógica sobre o desejo da prefeitura de ampliar os financiamentos para a área do cinema está correta. De acordo com o gestor, o intuito com a criação do SalCine é fortalecer a cena cinematográfica soteropolitana, contribuindo justamente para essa cadeia produtiva da cidade. Felipe também relata a sua alegria em poder patrocinar o Panorama, através de uma política pública.

Mas, ainda na lógica de agradecimento aos apoios financeiros, durante a coletiva a equipe do festival salientou a relevância do patrocínio do Instituto Flávia Abubakir, que desde a sua inauguração, há três anos, contribui para a manutenção do Espaço Glauber Rocha, incluindo o Panorama. De acordo com Marília Hughes, uma das criadoras, organizadoras e curadoras do evento, dentro deste movimento de abrir a fala para agradecer investidores, o registro maior dado pela iniciativa é o da importância de se investir em cultura, sobretudo no audiovisual. 

“O festival acontece em cinemas de rua, isso faz parte da nossa luta, da nossa resistência. E somos convidados a mergulhar nessa jornada, da riqueza de sair de um filme baiano e entrar em um filme de Camarões e a gente também tem uma produção nacional riquíssima”, explica Marília. Neste sentido, ela destaca o quão intensa está a programação que, em sete dias, possui mais de 130 filmes sendo projetados no Glauber e na Walter da Silveira.

Há também, de acordo com Marília, uma boa relação com os cineastas que inscrevem as suas produções e participam intensamente das atividades ofertadas pelo Panorama. Lara Carvalho é um destes exemplos. A diretora e pesquisadora, que estava presente durante a coletiva, narra como sua história com o festival é antiga, iniciando em 2010.

Começando como público cativo e participando da oficina de crítica de cinema, que era facilita pelo jornalista João Carlos Sampaio, Lara conta que também trabalhou na produção do evento, seja na parte de receptivo, logística e até mesmo das ações educativas. Depois de quase dez anos na área de produção, a cineasta e comunicóloga decidiu seguir outros rumos e focar na realização de obras cinematográficas.

Com este foco maior na sua carreira autoral, outros processos complexos vieram, que a encaminharam a trabalhar diretamente com dores e questões pessoais. “Passei por um aborto espontâneo, que é o tema de 56 Dias. Eu senti que precisava elaborar tudo aquilo que eu senti de alguma forma, e a escrita e o cinema são as formas que eu conheço. Um texto virou um roteiro que virou um projeto que virou um filme. E agora esse filme vai estrear num festival que é muito querido pra mim, que faz parte da minha trajetória enquanto cineasta também”.

Além de 56 dias, outros longas e curtas são exibidos pelo festival, para conferir todos os selecionados dentro das competitivas, leia a lista logo abaixo da matéria. Já para acessar a programação completa do Panorama, acesse: https://panorama.coisadecinema.com.br/programacao/ 

Competitiva Baiana

Longas

• A Matriarca – Lula Oliveira
• Café, Pépi e Limão – Adler Kibe Paz e Pedro Léo
• Cosmovisões – Marcilia Cavalcante
• Diário da Primavera – Fabíola Aquino e Juliano de Paula Santos
• Dois Sertões – Caio Resende e Fabiana Leite
• Sysyphus – George Neri
• No Rastro do Pé de Bode – Marcelo Rabelo

Curtas

• 56 dias – Lara Carvalho
• A Faísca – Gabriela Monteiro
• Além da Cancela – Margarete Jesus
• Benção – Mamirawá e Tainã Pacheco
• Caluim – Marcos Alexandre
• Camaleoa – Eduardo Tosta
• Cobaias Habitam meu Sonho – Ramon Coutinho
• Curacanga – Mateus Di Mambro
• Desamarras – Ianca Oliveira 
• É d’Oxum: A Força que Mora N’água – Dayane Sena
• Felipa – Ana Clara Pereira
• Kiriri 11/11 – Kian Shaikhzadeh
• Lamento às Águas – Vilma Carla Martins
• Movimentos Migratórios – Rogério Cathalá
• Mulher Vestida de Sol – Patrícia Moreira
• O Homem que Virou Castanha – Natan Fox
• O Tempo das Coisas – Lara Beck
• O Tratado do Vão Combate ou A Pequena História de uma Bixinha Qualquer – Márcio Januário e Henrique Drebes 
• Por que Não Ensinaram Bixas Pretas a Amar? – Juan Rodrigues
• Sagrado Compor – Henrique Dantas e Marcelo Abreu
• Solange Não Veio Hoje – Hilda Lopes Pontes e Klaus Hastenreiter
• Sucata Esperança – Rogério Luiz Oliveira e Filipe Gama
• TAMBA: Sinfonia do Invisível – Genilson Nery
• Todos os Olhos – Wayner Tristão

Competitiva Internacional 

Longas

• A Audiência / L’Audience (Canadá) – Émilie B. Guérette e Peggy Nkunga Ndona
• Acromático / Achrome (Rússia/Alemanha/Israel) –  Maria Ignatenko
• Astracã 79 / Astrakan 79 (Portugal) – Catarina Mourão
• Júlia Não se Case / Julia no te cases (Argentina) – Pablo Levy
• Mátria / Matria (Espanha) – Álvaro Gago
• O Espectro do Boko Haram / Le Spectre de Boko Haram (Camarões/França) – Cyrielle Raingou

Curtas

• 48 Horas / 48 Hours (Irã) – Azadeh Moussavi
• A Árvore Frutífera / The Fruit Tree (Bélgica) – Isabelle Tollenaere
• A Passagem / The Passing (EUA) – Ivete Lucas e Patrick Bresnan
• Aqueronte (Espanha) – Manuel Muñoz Rivas
• Criando Praias Luminosas / Hacer Orillas Luminosas (Paraguai/Argentina) – Maira Ayala
• De Volta / Back (Países Baixos) – Yazan Rabee
• Dildotectônica / Dildotectónica (Portugal) – Tomás Paula Marques]
• Nada Disso / Nada de Todo Esto (Argentina/Espanha/EUA) – Patricio Martínez e Francisco Cantón
• Os Nadadores / Los Nadadores (Costa Rica) – Charlie López
• Swan no Centro / Swan dans le Centre (França) – Iris Chassaigne
• Tria (Itália) – Giulia Grandinetti
• Yaa (Gana/França) – Amartei Armar

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Logo depois do treino, Janaína é agredida em uma típica intervenção policial racista, algo que, infelizmente, é uma realidade recorrente no Brasil. A situação é revoltante e forte, mas a decupagem revela um cuidado das diretoras, não apenas em ir mostrando gradativamente o estrago físico e psicológico causado pelo PM, como também na escolha de não revelar na tela, imageticamente, o que de fato aconteceu. Desta maneira, há um tom de denúncia, sem que isso exponha a figura de uma menina negra, como se é feito diversas vezes no audiovisual.

Além disso, Janaína ganha contornos complexos, quando outros fatores de sua vida são explorados, como a sua relação com seu pai – que um policial militar e possui diversas tensões com ela –, com a sua namorada, seu cotidiano de nadadora, questões raciais e de performatividade de gênero. Assim, a construção desta personagem principal é um dos pontos altos da obra.

Existem questões da atuação de Raphaella Rosa, como o fato de que, em alguns momentos, ela carrega no tom e o texto soa um tanto artificial. Todavia, no geral, Raphaella apresenta uma consciência dos sentimentos de sua personagem, trabalhando o texto com pausas e intenções que captam a empatia do espectador. Algo que pode ter interferido na organicidade de sua fala são alguns diálogos um pouco didáticos.

Contudo, aqui, este didatismo não é necessariamente negativo. Certas coisas precisam ser evocadas de forma mais óbvia, como uma afirmação nítida, que não cause nenhuma dúvida. Este fator, na verdade, acontece com o curta inteiro. Ele possui inconstâncias qualitativas, cambaleando entre a sutileza e a obviedade, indo em direção de uma constância rítmica e, de repente, ficando truncado e se perdendo em algumas partes de seu próprio enredo.

O plot inicial afeta as personagens, mas ele vai se dissolvendo e a sua força se perde ainda mais quando o desfecho é abrupto, sem que os acontecimentos sejam amarrados. Falta um tempo de desenvolvimento dentro das relações de Como Respirar Fora D’água. Este é um filme que sabe explorar os sentimentos internos de sua protagonista, porém que falha nesta externalização das emoções dela e de como Janaína seguirá dentro do mundo diante de todo o cerco que se formou ao seu redor. O resultado geral é na média, por assim dizer. Mas, a produção poderia crescer caso as suas próprias premissas fossem trabalhadas amplamente.

Direção: Júlia Fávero e Victoria Negreiros

Elenco: Raphaella Rosa, Dárcio de Oliveira

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O ponto alto do longa são os momentos de instalação de clima de terror. Com planos médios e closes, o espectador não consegue ver por completo o que está acontecendo de fato na cena, ainda que seja possível ver elementos postos na mise-en-scène. Isto contribui para certo sufocamento e angústia. Outro fator que eleva o tom destas sequências é a iluminação. Combinada com os enquadramentos, vê-se pedaços intercalados dos rostos daquelas figuras com máscaras e vestes típicas do maracatu.  Por fim, a banda sonora dá o arremate para a criação da ambientação destes momentos, completando características que podem ser consideradas como a chave de uma boa construção de tensão: luz, quadro, som.

Outro elemento a se observar em Azougue Nazaré são as atuações. No ecrã, existem atores e não-atores trabalhando juntos. O elenco consegue criar uma boa dinâmica e imprimir ritmo para a narrativa que está sendo mostrada, em boa parte da trama. Contudo, quando estão em menor quantidade, se perdem nos tempos entre as pausas e acelerações do texto e de suas ações. Um exemplo é a cena do jantar entre Catita (Valmir do Côco) e  Irmã Darlene (Joana Gatis). A sensação é a de que eles ralentam quando deveriam adiantar e vice-versa, dilatando o tempo.

Um aspecto negativo e que, talvez, a presença majoritária de homens na equipe tenha resultado neste fator como consequência, é a visão machista em relação ao corpo e a personalidade feminina. Estereótipos de conflitos e pensamentos são marcas presentes no enredo, como o adultério pelo tédio – culpa aparentemente exclusiva da mulher – e a crente subserviente ao seu pastor que no final aceita o que mais odeia em seu marido, tornando-se duplamente submissa.

Outra questão a se apontar é a falta de força nos momentos triviais da história. Se nos instantes de medo ou festa, o filme cresce, quando as personagens estão imersas no dia a dia delas o longa amorna. O tempo inteiro se vê planos semelhantes, o texto dado sem intenções tão trabalhadas e a trilha sonora não levanta as cenas, seja por ruídos, silêncio ou música.

Direção: Tiago Melo
Elenco: Mestre Barachinha, Ananias de Caldas, Joana Gatis, Mohana Uchôa, Valmir do Côco, Edilson Silva

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Sem revelar muito da trama, é possível dizer que os diretores Renée Nader Messora (Russa) e João Salaviza (Montanha) conseguem equilibrar o ritmo da história, durante a projeção, mesclando o cotidiano no qual o protagonista mora, com as tradições, ritos e clima místico. Assim, é possível notar o desejo da personagem principal de manter a sua tranquilidade do dia a dia, de sua honradez para com procedimentos religiosos e a sua negação a alguns deles.

Ihjãc é quem procura comandar seu próprio destino e suas falhas e conquistas neste processo são bem colocadas dentro da trama. O ápice destas facetas de escolhas e vivência do jovem Krahô se dá na construção desta figura que, cheia de complexidade, mostra-se um homem determinado, amoroso com seu filho e com conhecimentos místicos. Porém, vê-se também um menino, com medo e desamparado pela sociedade e por suas próprias tradições.

Em contraponto ao ambiente mais claro, de paletas mais puxadas para o bege e verde,com planos mais abertos e médios da vida pacata de Ihjãc, a arte, a planificação e a iluminação conversam entre si e aplicam uma atmosfera mais próxima do sonhos, com cores mais frias, tochas em punho e no turno da noite. Estas dualidade de aldeia versus cidade, rapaz decidido e assustado, realidade e sonho são a grande marca de Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos e o que dá o seu tom.

No entanto, existem alguns pontos que enfraquecem a projeção. A forma como a resolução dos conflitos de Henrique Ihjãc vai sendo adiada é um deles. Alguns tempo antes do desfecho do enredo, as situações que o garoto passam tornam-se repetitivas, o que pode cansar o espectador. Outra questão é a relação do Ihjãc com sua esposa, que parece um tanto fria e distanciada, apesar dos dois terem um filho e dividirem a vida. Por fim, o fato de serem os colonizadores que estão por trás do projeto, dá um caráter um pouco distanciado da cultura dos Krahôs. Contudo, estes elementos não comprometem o resultado final drasticamente, possuindo apenas alguns instantes de desconforto e cansaço para a plateia.

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A primeira questão que chama a atenção é justamente a escolha das fontes. Dividindo o espaço da narrativa entre o pessoal, na qual o espectador tem contato com as ações em vida de Isabel, como era seu jeito e como esta via o mundo, do outro, Cristiano busca encontrar o suspeito pelo assassinato dela, entrando numa corrida contra o tempo, para que o mesmo fuja.

A partir desta premissa, o criador do longa e Renato Maia (montador) se perdem um pouco. Se o principal da exibição é fazer uma Elegia para Isabel Burlan da Silva, quando Cristiano começa a se aprofundar demasiadamente nos percalços de dois de seus irmãos, um pouco do protagonismo e da força da história da mãe do cineasta se esvai. Pois, cada parte da trilogia serve para contar da morte de um ente familiar do diretor, aqui não deveria ser diferente. Os relatos fomentam a história, porém poderiam ser mais enxutos.

Durante o filme também são colocados alguns offs, com imagens aparentemente aleatórias, como uma conversa entre Cristiano e sua irmã, no qual vermos o trânsito livre à noite, desfocado e escutamos a conversa dos dois. Ou então, quando Burlan está na casa de uma antiga amiga de sua mãe e ouve-se o áudio da dupla, com a imagem do neto da senhora. As imagens escolhidas não ajudam na construção de atmosfera do longa.

No entanto, quando são mostradas fotografias do passado ou cenas com o local no qual Isabel morava no período em que foi assassinada, Elegia de um Crime cresce e deixando um nó na garganta e o incômodo que ele precisa passar em alguns momentos. Caso seja comprovado que quem a matou foi o namorado, aquele ato de feminicídio foi praticado por ciúme e a trama também funciona como um alerta em relação à violência contra a mulher.

Contudo, existe um posicionamento de Burlan durante o documentário que pode não ser vista de maneira positiva. Em algumas cenas, quando ele e uma jornalista estão tentando achar o suposto assassino, Cristiano Burlan sempre dá a entender que está indo armado e, inclusive, é mostrada uma sessão de treino de tiros do mesmo. No final, no entanto, ele se redime dizendo que fazer um filme é o “crime” dele e que esta era a forma de homenagear e honrar a memória de sua mãe.

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Nessa mescla de imagens, a diretora demonstra a importância das recordações, os momentos marcantes registrados pelas câmeras, a veia artística passada de geração para geração. Buscando a espontaneidade, Simões acerta no tom sincero e na forte personalidade da protagonista, que tem um carisma que explode na tela. Numa junção de delicadeza e acidez, Moniz se desnuda diante do espectador, narrando as aventuras, alegrias e dessabores de seu casamento. Sua postura além de seu tempo é impactante e reveladora.

A escolha por filmar na casa que sempre foi de sua família aproxima o público da narrativa, que vê as filmagens do presente e do passado a força do resgaste das recordações. Os planos detalhe também ajudam o espectador a entrar na história mais fortemente. O tom das revelações de Maria Moniz ganha força pois há um equilíbrio bem realizado entre bons e maus momentos.

Ainda assim, a película peca em duas questões: a trilha sonora parece querer direcionar as sensações do público e pode ficar uma ideia de forçar emoções. Outro ponto é a narração que é desnecessária e até mesmo cansativa. As interferências diegéticas, no entanto, não incomodam, muito pelo contrário engrandecem a relação de mãe e filha, memória e presente.

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