Vivendo isolados em uma barraca na floresta, surge a impressão inicial que a história se assemelhará a Capitão Fantástico e Sem Rastros. Afinal, ambos são sobre famílias que decidiram seguir uma filosofia anti-capitalista na natureza. Entretanto, ainda que seu design de produção — a não ser pela solidão constante — não indique isso, rapidamente A Luz no Fim do Mundo revela ser uma distopia.

Vários anos após uma praga matar praticamente toda a população feminina, o mundo entrou em colapso e os homens sobreviventes não souberam lidar com tal ausência. Ou seja, o caos anárquico foi instaurado. Com imunidade, que o roteiro não se preocupa em explicar, Rag é talvez a única mulher existente. Assim, ela e o pai vivem pelas sombras e beiradas, justamente para a menina não chamar atenção — com um corte de cabelo curto sendo um desses artifícios. É aí que o filme dialoga diretamente com Filhos da Esperança além do jogo The Last of Us.

Com um ritmo contemplativo e vagaroso, boa parte de A Luz no Fim do Mundo se alterna entre amplas paisagens inabitadas (florestas, estradas, campos de neve) e conversas entre protagonistas no escuro. Apesar de visualmente opostos, esses planos servem à mesma função. Tanto o sentimento de fugere urbem quanto os close-ups claustrofóbicos ressaltam que os dois estão sozinhos em suas jornadas. Um funciona para o outro como a luz no fim do mundo, como o título indica.

É possível identificar três camadas na narrativa. Primeiramente, em sua superfície, a jornada de pai e filha que lutam pela sobrevivência, precisando enfrentar a falta de recursos e estranhos que cruzam seu caminho. Nesse sentido, Casey Affleck (que também assina a direção e o roteiro) não cria exatamente um clima de paranoia, mas uma inquietação silenciosa que, mesmo nos momentos mais calmos, pode interromper a paz dos dois a qualquer momento.

Em sua segunda camada, é um intenso estudo de uma relação paternal. Não só isso, como também sobre amadurecimento e a proteção até abusiva que muitos pais têm com os filhos. Em um cena chave, Rag está pendurada da janela de uma casa, enquanto seu pai segura suas mãos, e diz: “me solte”.  Por mais que tenha, obviamente, boas intenções, o personagem de Affleck nunca deixou sua menina viver, sempre podando sua liberdade.

Por fim, A Luz no Fim do Mundo é uma grande metáfora para o instinto predatório masculino. Transportando o que já acontece no dia-a-dia para um mundo distópico onde só há uma mulher viva, homens brigam e se matam para ter seu controle. É uma obsessão e um desejo insaciável. Todavia, ressalta-se aqui — mesmo que crítico que vos fala costume separar a arte do artista — o quão pretensioso é Casey Affleck. Para uma pessoa acusada de tantos episódios de assédio sexual, soa ridículo o fato de que ele escreveu um monólogo para si mesmo, onde ensina didaticamente à filha sobre xenofobia, objetificação feminina e assédio sexual.

Direção: Casey Affleck
Elenco: Casey Affleck, Anna Pniowsky, Elizabeth Moss, Tom Bower

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Lee é um zelador em Boston e precisa voltar para sua cidade natal, após uma ligação de emergência avisando sobre o estado grave de seu irmão mais velho, Joe Chandler (Kyle Chandler), que se encontra no hospital. Ao chegar em Manchester, o rapaz precisa cuidar de seu sobrinho e lidar com lembranças e traumas do passado que ainda despertam sentimentos ruins no protagonista.

Sem dúvidas, apesar das terríveis polêmicas envolvendo o Affleck, a sua interpretação está excelente na película. Isto porque o ator consegue dosar bem a carga dramática durante a projeção, revelando lentamente as camadas do sofrimento de Lee Chandler, que no início parece ser apenas um cara comum, beirando ao perdedor, mas que vai se mostrando um homem cheio de dores profundas e emoções fortes. Diferentemente de outros longas do artista, aqui ele consegue trazer expressividade para o olhar e gestos, deixando um nó na garganta do espectador e uma constante dúvida de empatia ou rancor em relação à persona fictícia.

O restante do elenco também está afiado, principalmente Michelle Williams (Suíte Francesa) e o jovem Lucas Hedge (O Grande Hotel Budapeste). A atriz compôs uma personagem aparentemente simples, mas quem conhece seus trabalhos anteriores percebe uma voz e uma dinâmica corporal diferente da sua chave e as cenas do longa crescem bastante quando a artista está em cena. Já Hedge, tem uma leveza e suavidade na interpretação, deixando que os acontecimentos se tornem ainda mais fortes. O rapaz é quem dá um pouco de alento, ainda que não quebre a atmosfera de sofreguidão do filme.

Ainda que os atores estejam muito bem em Manchester à Beira-Mar, o ponto de maior qualidade da película é seu roteiro. Além de apresentar os acontecimentos de forma gradual, que vão golpeando o público lentamente e o fazendo entender a dimensão dos acontecimentos sem pressa e cuidadosamente, ele consegue criar uma conexão do espectador com a realidade da trama e comover sem se tornar apelativo ou exagerado. O tom do longa é na medida, tem tensão, emoção, bom desenvolvimento das ações e das personagens.

A fotografia, realizada por Jody Lee Lipes (Descompensada), adiciona mais uma camada de melancolia para Manchester. Com imagens bucólicas, que mesclam tristeza com cores frias e acolhimento com cores amadeiradas, o filme consegue ambientar bem o espectador neste universo interiorano que, teoricamente, dá a ideia de sossego e tranquilidade, mas, ao mesmo tempo, pode ser tão coberto de passado devastador ao se olhar mais de perto.

A única questão que incomoda no discurso do filme, que pode ser visto como algo neutro para o que o público decida ou não, é a “bondade” para com o protagonista. É como se, ainda depois de tudo que fez, ele já tivesse sofrido o bastante e está na hora de uma suposta redenção. O que não ocorre com as personagens femininas que, em alguns momentos, parecem chatas, irresponsáveis ou injustas.

Manchester à Beira-Mar é um filme cuidadoso, muito bem executado e que toca profundamente o espectador por trazer uma narrativa que demonstra um cotidiano familiar tão cheio de mazelas e carga trágica, mas sutilmente revelada. Por essas razões, o longa se torna forte candidato no Oscar deste ano e será mais que merecido!

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Uma das principais sensações dos festivais de Sundance e Cannes no ano passado (ambos ocorrem no primeiro semestre de cada ano), Amor Fora da Lei só chega aos cinemas brasileiros agora – e ainda teve sorte de chegar nos cinemas, já que a maioria desses títulos sempre correm o risco de irem direto para DVD ou Blu-Ray. No fundo, como narrativa, o longa de David Lowery é uma cria de Sundance mesmo, apresentando todos os tiques que ficaram notórios no cinema “independente” norte-americano: a montagem e os diálogos entrecortados, os finais abruptos e inconclusivos e por ai vai. Junto a esses fatores, Amor Fora da Lei acaba sendo um western com alusões ao cinema de Terrence Malick, sobretudo em sua fotografia. A soma desses elementos traz ao filme alguns acertos, mas também erros que o transformam em uma obra amarrada e artificial em sua abordagem.

Com o título original Ain’t them bodies saints (e mais uma vez as distribuidoras nos fazem o favor de dar títulos nacionais vergonhosos e que nada condizem com a proposta do filme), Amor Fora da Lei traz a história do jovem casal Bob e Ruth. Eles se envolvem em uma ação criminosa e Ruth acaba atirando em um policial. Bob assume a culpa por Ruth e fica preso por um bom tempo, tempo o suficiente para não conhecer a sua filha Sylvia. Após 5 anos, Bob foge da prisão e parte em uma jornada para reencontrar sua família.

Lowery faz de Amor Fora da Lei um western contemporâneo, toda a atmosfera do longa denuncia isso. A trilha sonora, as caracterizações dos personagens e suas dinâmicas nos dão pistas desse flerte aberto do diretor com o gênero. Contudo, um dos elementos principais do western faltam a Amor Fora da Lei, ritmo, e não é por não seguir essa norma do gênero que o filme derrapa, mas simplesmente porque sua abordagem contemplativa, com diálogos entrecortados e apreço a uma fotografia “natural” faz do longa uma história que se arrasta no seu tempo de projeção, cansando o seu espectador em seus silêncios e nas suas conclusões subentendidas. A sensação que fica é de que o realizador quer conferir valor a sua obra através de um gramática pretensiosa, “superior” a capacidade cognitiva do espectador, mas que no fundo revela-se pouco profunda. E, como sabem, o tropeço não está nessa pouca profundidade da história, mas por ela se apresentar como complexa e metafórica quando, nas suas entranhas, oferece muito pouco nesse sentido.

O trio de atores do longa, por sua vez, compensam esses equívocos, apesar de terem um material questionável em sua densidade nas mãos para trabalhar. A dupla central Rooney Mara e Casey Affleck conferem credibilidade a seus personagens e Ben Foster, na pele de um policial que se aproxima de Ruth, está soberbo como sempre. No mais, como já dito, Amor Fora da Lei sofre com suas repetições, pretensões e seu ritmo “devagar quase parando”, o que, no seu caso, é fatal para a experiência cinematográfica em si.

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