Uma delas perdeu o emprego e a outra, a atriz Karoline, vai em busca do auxílio emergencial, para tentar conseguir manter as despesas da casa, enquanto a situação sanitária do país não melhora – o que sabemos que tem sido muito difícil de alcançar. A grande questão aqui é o equilíbrio das aflições da dupla, juntamente com a exposição dos sentimentos delas e, ainda, a presença de uma discussão social profunda, por meio de diálogos cuidadosos.

Entre revelar a falta de apreço com a cultura no Brasil, sobretudo neste governo genocida e cruel, a dificuldade de mobilidade para chegar aos lugares com poucos recursos financeiros e a resistência do povo brasileiro, Bauer é bem sucedido por trazer todo este mundo de informação através de um texto que não é expositivo e contando mais sobre as personagens através das imagens.

Para tal, o realizador é econômico em movimentos de câmera e o curta-metragem possui poucos cortes, o que traz para o espectador um tempo maior de fruição de cada emoção impressa na tela. Um exemplo é a sequência na qual as irmãs estão no banco e conversam com o atendente. O desconforto pela falta de preparo, respeito e ignorância dele tomam o tempo necessário para que um nó fique na garganta.

Além disso, a dinâmica das atrizes Isabela Catão e Karol Medeiros fomenta ainda mais a força do filme. O ponto alto de suas interpretações está no jogo de velocidade que elas dão ao texto. Intercalando entre o mais rápido e devagar, os diálogos ganham conotações específicas. Medeiros e Catão direcionam o público a prestar atenção  a algumas falas mais intensamente, como na cena em que elas discutem no pátio de casa ou no retorno da Caixa.

O único incômodo no curta são alguns elementos de som. Talvez, a captura não tenha sido tão bem realizada como poderia. Alguns barulhos nas externas interferem na escuta, o que quebra um pouco da conexão com a produção. Além disso, a mixagem também é um tanto falha. Ruídos e sonoridades ficam desnivelados e até assustam em certas cenas, por estarem desbalanceadas ali.

No entanto, estas questões não interferem na qualidade total de Terra Nova. A partir de uma narrativa que fala de uma situação quase particular, a obra dialoga com toda uma população, uma bastante específica, que trabalha e luta para resistir. Esta é uma nação que viu uma parcela enriquecer durante a pandemia e outra comendo osso. As disparidades são convocadas no ecrã, por meio de um enredo afetivo, que trabalha uma relação fraternal, de forma íntima.

Também são encontrados aqui os perrengues de ser artista no Brasil, mesmo que formado, mesmo que galgando espaço no ramo – inclusive, ainda que esta que vos escreve abomine cartelas explicativas, o aviso de quantos empregos foram gerados com o curta é de emocionar e foi um acerto da equipe.  Nesta junção de elementos, Terra Nova é uma realização eficiente e que merece ser vista.

Direção: Diego Bauer

Elenco: Karol Medeiros, Isabela Catão, Ítalo Almeida

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Isto porque existe tempo de tela e com planos mais longos, o público consegue observar e compreender o que Jaiane está passando em sua volta, quais são as configurações e conflitos presentes em seu cotidiano. Neste universo, também habita o medo e uma atmosfera de suspensão em instaurada. Algo ronda a jovem, que procura encontrar proteção e alegria no que a cerca, como seu trabalho e sua família.

No entanto, uma quebra é criada na trama e quem assiste é levado a seguir por outro rumo. Por alguns minutos, Aíssa ganha o protagonismo dentro do longa-metragem. É necessário algum tempo para começar a se ambientar por esta nova lógica, mas a história passa a fluir novamente. Contudo, até que esta fluidez se estabeleça outra vez, tudo parece truncado e resetado. Além disso, o filme fica um tanto óbvio a partir desta virada no roteiro.

Jaiane e Aíssa vão se conhecer. Este fato está nítido. Todavia, o que incomoda são as voltas que a obra dá até que isto aconteça. É a partir do segundo ato que a falta de equilíbrio narrativo se torna forte ao ponto de afetar o seu resultado geral. Se no início da projeção as coisas tomavam tempo para serem desenvolvidas, do meio em diante são convocados diversos saltos temporais, que podem tornar a fruição da produção um pouco confusa.

Algumas situações são abandonadas no meio do caminho e não há retorno para elas, como na inserção da figura de uma amiga que pede para que Jaiane cuide de seu cachorro, porém, apesar de ter concordado em ficar com este pet, o animal jamais aparece. Talvez, se não fosse dada tanta importância ou espaço para esse diálogo delas no longa, este dado não incomodasse de forma tão intensa.

Mas, A Matéria Noturna peca em saber transmitir o que deseja contar a final e o caminho é tortuoso. Esta é sim uma história de amor, sobre duas pessoas quebradas que se encontram e dão algum sentido para suas existências neste processo. No entanto, falta liga neste material, para criar uma coesão e uma força. Questões técnicas geram desconfortos em algumas sequências também.

A câmera parece sempre instável, o foco se perde e a iluminação tem variações qualitativas. A fotografia poderia ser melhor executada e este fator nem sempre é um problema, se o filme se sustenta, de alguma maneira. Contudo, quando o espectador é retirado do mundo ficcional, quando a tecnicidade interfere na recepção e há uma ruptura na imersão, estes pontos se tornam um defeito.

Ainda assim, algumas coisas mantém possível a conexão com a obra. A primeira é qualidade das atuações de Shirlene e Welket. Ambos possuem uma construção de personagem firme, consciente e que investe em olhares e movimentações de cena para fomentar as emoções das suas personagens. Quando os intérpretes estão juntos no ecrã, esta potencialidade aumenta ainda mais.

O jogo de cena de Shirlene e Weilket permite uma aproximação da plateia com Jaiane e Aíssa. Há uma química forte entre o casal e isto ocorre também porque eles brincam com as intenções do texto, deixando abertura para que o outro crie, ao mesmo tempo em que eles parecem aproveitar as invenções um do outro. Um exemplo é o banho entre Jaiane e Aíssa, quando o rapaz se bate no vidro do chuveiro e a namorada dá risada, a identificação com a situação é imediata, elevando a ligação do público com o que está sendo mostrado.

Desta maneira, A Matéria Noturna possui um potencial alto, porém que não foi bem explorado. A ausência de um apuro estético ou zelo com o próprio conteúdo que se tinha em mãos, fez com que a qualidade da obra fosse sendo reduzida a cada minuto.

Direção: Bernard Lessa

Elenco: Shirlene Paixão, Welket Bungué, Altamir Furlane

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Não existe texto verbal no curta-metragem. “É tudo angustura impossível de verbalizar”, explica Sales ao decorrer da projeção. Talvez, este seja o maior impacto da obra. Seja no golpe da presidenta eleita Dilma Rousseff, no resultado das eleições de 2018, no isolamento social de quase 2 anos, a aflição somente cresce. A angústia aumenta tanto que fica tudo entalado na garganta.

Por isso, só existe um momento no qual escutamos alguma voz e é quase no desfecho do curta, em um vídeo de Itamar Assunção cantando. Neste instante, o espectador consegue respirar e encontrar algum alívio diante de tantos pensamentos sufocantes passados na exibição. Contudo, apesar da intensidade de Angustura, há um conforto presente nele: a identificação.

É nisto que o filme ganha força e ultrapassa até a própria dimensão da “peste e da bomba”, como chama o Sales. É possível que alguém assista e vá além do contexto geral e consiga, ainda, sentir que está lendo na tela, em meio aquela luz forte e estourada, que não está sozinho em sua causa tão particular. Este é um material que cria diálogos, que conta um segredo para plateia como se fosse para uma pessoa apenas.

Neste horizonte tão plural de emoções, é um tanto mais complicado trazer um texto coeso, porque Angustura é uma explosão, que arrebata os olhos, a mente e o coração dos desavisados. Guiando a sua narrativa pelo o que chama de “saudade que não se mede no mapa”, Caio Sales se aproxima do público, seja pelo tom do texto, pelo desenho de som que fomenta ou torna mais complexo o que está sendo dito ou por traduzir sem pretensões o que habita o coração de tantos.

Direção: Caio Sales

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O espectador não acompanha a rotina de Marcela. Os seus atos posteriores são justificados quando o que a cerca é mostrado. Há uma secura, um calor que transborda do ecrã, mesmo que não haja cores ali. Existe nos diálogos um machismo e uma presença branca cis masculina forte na história. Além disso, é possível perceber, sem que seja dito explicitamente, a carga de trabalho e pouca remuneração desta mulher.

Toda esta construção é fomentada durante a projeção, dentro do enredo, das escolhas de direção, mas também da interpretação do elenco. O trabalho de ator juntamente com as estratégias de mise-en-scène imprimem quem são aquelas personagens, o local onde moram e as possibilidades de futuro no qual eles estão inseridos imprimem no ecrã uma atmosfera que traz um desconforto em quem assiste.

Neste sentido, há toque especial no desfecho da produção, momento no qual o colorido aparece na tela. Este fator se dá pelo fato de que Marcela, apesar de todas as consequências que irá sofrer, alcançou a sua liberdade, ainda que de forma momentânea. A sua fuga, o seu rompimento com a vida que a enclausura e retirava as cores do seu cotidiano, é deixada para trás e quando os créditos sobem, é isso que público pode sentir com intensidade.

Por fim, pode-se dizer que o desenho e a mixagem de som elevam as potencialidades de Sideral. Cada detalhe de sonoridade é revelado na medida certa, pois o jogo de ruídos, silêncio e textos falados são equilibrados. Eles soam pensados exatamente para este estabelecimento de tensão colocado no curta.

Direção: Carlos Segundo

Elenco: Priscilla Vilela, Ênio Cavalcante, Fernanda Cunha

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Guerrilheira no Araguaia, Edna Rodrigues de Souza foi torturada durante a ditadura militar e sofreu perdas irreparáveis na sua vida. Carregando todas estas marcas e deixando nítido que a batalha não terminou ainda, este documentário carrega um teor de grande impacto consigo. Alguns pontos podem ser listados para explicar esta experiência tão complexa. Para além de toda a relevância, magnitude e denúncia que a produção contém, escolhas técnicas fortalecem a história.

A decupagem intercala planos de estradas, das caminhadas de Edna e da sua rotina. Nesta mescla, aos poucos, o espectador vai mergulhando naquela narrativa, começando pelo cotidiano da protagonista até chegar nos fatos mais impactantes da sua trajetória. Entre quadros mais abertos e fechados, a câmera se movimenta com destreza, possuindo estabilidade ou não à serviço das emoções que precisam ser transmitidas.

Além disso, o desenho de som e a mixagem fomentam esta lógica, provocando sensações múltiplas em quem assiste, seja de dor, compaixão, vontade de chorar etc. Neste sentido, a estratégia de colocar a voz do companheiro de Edna em segundo plano, de vez em quando, e utilizar uma subida progressiva da fala de Edna, em off, enquanto seus olhares estão distraídos, aumenta a perspectiva de intimidade e cumplicidade com ela.

Há também uma vontade da personagem de escapar daquela realidade e neste auge de confissões dolorosas, vêm alguns respiros. Os instantes nos quais se acompanha as caminhadas de Edna e trechos de poesia – muito bem declamados por ela, inclusive – são quando são criados alguns confortos e relaxamentos na plateia. O ponto alto desta lógica do longa é a transição do P&B para o colorido. Algo que, de certa forma, é um tanto óbvio e esperado, mas necessário para a estrutura que foi construída ali.

Há uma atmosfera de procura por uma saída dentro de todo o caos e sofrimento causado pela violência sofrida por Edna no passado e a luta constante contra o roubo de terras e massacres que continuam a ocorrer no país. A chegada destas cores é uma virada que confere um poder quase místico para esta figura central. No entanto, é preciso abordar que o espaço para este empoderamento e até mesmo de alívio narrativo é o setor mais frágil da obra.

Talvez, seja, na verdade, uma presença um tanto mal colocada destes momentos poéticos, mas nada que comprometa o resultado total. No geral, o doc é redondo e consegue transmitir quem é esta mulher e como é importante prosseguir falando sobre pessoas como ela, que jamais vão desistir.

Direção: Eryk Rocha

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Príncipe das Sombras é um exemplar desta característica do cineasta. Utilizando um prólogo extenso, coberto de introduções, pistas e uma música incidental insistente, o espectador pode ser perguntar quando virá à tona o pavor ou as tensões. Contudo, o diretor utiliza este momento para captar a atenção do público e deixar marcados os traços de personalidade das personagens, bem como o perigo iminente que está por vir.

A progressão aqui funciona de um jeito, talvez, específico. Ao invés de subir a suspensão, o susto e o pavor lentamente, aqui, existem blocos de viradas, que possuem um aumento do nível dos conflitos das situações. O tom, em cada plot twist, cresce, fomentando a atmosfera do filme. Há o momento de elaboração de universo ficcional, a chegada à antiga igreja, a descoberta do poder do cilindro encapetado etc.

Desta maneira, é por isso que o início da projeção se faz tão importante. Pois, não há retorno para investigar as relações, somente caos que se eleva até o seu clímax. Neste sentido, a decupagem contribui para fomentar o clima de medo e extrapolação do real, advindos do longa-metragem. Os planos tomam seu tempo e deixam que quem assiste observe as emoções das personagens, enquanto elas se deparam com fatos completamente assustadores. Acompanhar estas reações, mais do que os ataques, faz com que o que está por vir seja menos previsível. Neste sentido, também é importante apontar a coragem de Carpenter aqui em Príncipe das Sombras.

Não há uma palavra melhor do que “insana” para descrever a premissa da trama, bem como o seu desenvolvimento. O risco em colocar uma possessão que acontece por meio de um vômito de gosma, insetos que se espalham pelo espaço e zumbis endemoniados é alto. Mas, é através da repulsa que Carpenter direciona o seu terror aqui. Seja nas modificações de como essa rajada de líquido será disparada ou como os bichos vão se proliferando e se tornando maiores etc, os limites situacionais vão sendo ultrapassados, para que as personagens se vejam em momentos de horror e choque. Esta construção deixa a sessão cada vez mais provocativa e forte.

E a força das sensações transmitidas vem também da interpretação do elenco, principalmente do ator Jessie Lawrence Ferguson (Tudo em família). O seu trabalho de ator, que perpassa não apenas pelas intenções conscientes de texto, mas também de movimentação e tônus corporal, entregam as cenas mais horripilantes da obra. O que eleva esta potencialidade é a transformação de seu Calder, que vai de um homem pacífico e tranquilo, para um possuído ser, cheio de sarcasmo e poder de perseguição.

Príncipe das Sombras se faz, assim, como um perturbador título de seu gênero. Com coesão e uma tecnicidade em função de provocar sentimentos profundos no público, ele consegue impactar, mesmo depois de tanto tempo de seu lançamento (1987). Ainda que demore um pouco para engatar, quando o mesmo ocorre, é possível compreender porque segurar tanto para iniciar as sequências de medo.

Direção: John Carpenter

Elenco: Donald Pleasence, Lisa Blount, Jameson Parker

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A atmosfera de tensão e pavor, mesclada ao tom adolescente das personagens, de um lado tensiona o espectador e, do outro, o aproxima daquela realidade. Neste jogo de empatia e susto, o roteiro de Carpenter – escrito juntamente com Debra Hill (A Bruma Assassina) – brincam com a crença do público e surpreende por saber jogar com a suspensão e o relaxamento. Devido ao fato das mortes demoraram de acontecer, quando o primeiro assassinato ocorre, o impacto chega ainda maior.

A partir dali, do falecimento de Annie (Nancy Kyes), o massacre é sequencial e, ainda assim, o temor vai crescendo a cada minuto. A incerteza da sobrevivência das personagens é o que causa esta sensação. Já sem saber quais os limites do vilão Michael Myers (Tony Moran), a vítima fatal posterior é sempre uma dúvida. Até o destino da final girl, Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), é posto em questão em diversas sequências, bem como a mortalidade do próprio Myers.

Nesta lógica, outros elementos técnicos fortalecem esta estrutura. Em seu decupagem e fotografia, Halloween tem um jogo de iluminação, enquadramento e movimentação de câmera que ampliam ou especificam o olhar para o ponto de tensão. É quase como se Michael fosse um Wally a ser procurado, para evitar se assustar com a sua presença que chega e some repentinamente.

Os momentos ápices desta estratégia é quando o serial killer está bem do lado de alguém e a pessoa não nota, até que seja tarde ou quase tarde demais. Esta apreensão contínua também é fomentada pelo fato das histórias que formam o enredo completo acontecerem de maneira paralela. Enquanto o Dr. Loomis, por exemplo, está na antiga residência de Myers e pode ser atacado a qualquer instante, Laurie cuida de duas crianças sozinhas. Onde Michael chegará primeiro?

Por fim, em termos positivos, pode-se dizer que o arremate final para a o longa ser bem sucedido é a sua música original, composta pelo próprio Carpenter. Atualmente é icônica, justamente por ela ser tão significante em transmitir as emoções que John parece desejar passar. Ela que marca as movimentações de Myers na tela, as viradas da narrativa, os respiros, o clímax e o desenlace.

Na verdade, toda a sonoridade presente na produção eleva a sua potencialidade, por este anúncio situacional bem colocado. No entanto, ainda que o longa seja tão bem executado, existem aspectos que envelheceram mal. A intenção não é retirar mérito algum seu, porém é necessário compreender que algo que foi lançando em 1978 pode conter um olhar desatualizado. Ao mesmo tempo, é importante convocar o ponto de vista de alguém que está fazendo uma crítica em 2021.

Dentre alguns fatores como diálogos sexistas, talvez, o maior desconforto seja mesmo a objetificação do corpo feminino, principalmente nas cenas de morte. Esta é uma característica insistente dentro do terror que, lentamente, vem sendo reconsiderada e atualizada. Contudo, a sexualização das mulheres nos momentos em que elas vão morrer é um tanto desagradável de acompanhar, sobretudo na contemporaneidade.

Halloween: A Noite do Terror continua sendo um marco para seu gênero e conseguiu em suas tantas continuações encaminhar a figura da mulher para locais um pouco menos machistas, principalmente nas sequências de 2018 e 2021. Todavia, ao menos, com todos o questionamentos que possam ser feitos, há sempre Laurie Strode para torcer até o último segundo.

Direção: John Carpenter

Elenco: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Nancy Kyes.

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Com uma quantidade maior de planos gerais, imagens que tremem pela instabilidade do aparelho e uma narração que explica para os espectadores o que estes estão acompanhando, Eu Espero o Dia da Nossa Independência é bem sucedido, onde ele poderia ter falhado. Estes elementos presentes na decupagem e a ausência de equipamentos mais elaborados guiam o curta-metragem para um caminho de intimidade e proximidade com os eventos trazidos no enredo. É como se o público estivesse dentro dos trens, da passeata, dentro de algumas daquelas casas mostradas.

Além disso, quando a narração conta sobre dificuldades da Argélia, as semelhanças com o cenário político brasileiro, a amizade de Laboissière e Almeida com uma das militantes argelinas, todos estes fatores sensibilizam e tornam aquela realidade menos distante. Pelo contrário, revela as semelhanças e deixa uma chama dentro da vontade de que brasileiros façam o mesmo. Ainda que a pandemia tenha barrado os avanços dos protestos, os argelinos foram às ruas e lutaram por alguma mudança. O filme chega, inclusive, a mencionar o desejo de Laboissière e Almeida de que no Brasil algo parecido ocorresse.

Este sonho fica grudado na mente durante a sensação, o que conduz quem acompanha a história a se emocionar intensamente com cada grito de pedido de mudança e transformação que surge na narrativa. Desta maneira, o curta consegue imprimir uma dinâmica equilibrada, no geral. Entre relatar a luta do povo argelino, as sensações delas diante de um local novo, mas familiar, de alguma forma e criar relações com as situações brasileiras garante que a obra seja coesa e uma experiência intensa. Talvez, somente algo chegue como um incômodo, pois faz com que o ritmo seja irregular.

O tom de Eu Espero o Dia da Nossa Independência é igual na maior parte do tempo, não há criação de progressão, tanta gradação na tonalidade das vozes na narração ou novos elementos estilísticos que deem uma guinada nas velocidades, imagens e sons. Caso estes pontos fossem revistos, ele poderia ser ainda melhor.

Direção: Brunna Laboissière e Bruna Carvalho Almeida

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Logo depois do treino, Janaína é agredida em uma típica intervenção policial racista, algo que, infelizmente, é uma realidade recorrente no Brasil. A situação é revoltante e forte, mas a decupagem revela um cuidado das diretoras, não apenas em ir mostrando gradativamente o estrago físico e psicológico causado pelo PM, como também na escolha de não revelar na tela, imageticamente, o que de fato aconteceu. Desta maneira, há um tom de denúncia, sem que isso exponha a figura de uma menina negra, como se é feito diversas vezes no audiovisual.

Além disso, Janaína ganha contornos complexos, quando outros fatores de sua vida são explorados, como a sua relação com seu pai – que um policial militar e possui diversas tensões com ela –, com a sua namorada, seu cotidiano de nadadora, questões raciais e de performatividade de gênero. Assim, a construção desta personagem principal é um dos pontos altos da obra.

Existem questões da atuação de Raphaella Rosa, como o fato de que, em alguns momentos, ela carrega no tom e o texto soa um tanto artificial. Todavia, no geral, Raphaella apresenta uma consciência dos sentimentos de sua personagem, trabalhando o texto com pausas e intenções que captam a empatia do espectador. Algo que pode ter interferido na organicidade de sua fala são alguns diálogos um pouco didáticos.

Contudo, aqui, este didatismo não é necessariamente negativo. Certas coisas precisam ser evocadas de forma mais óbvia, como uma afirmação nítida, que não cause nenhuma dúvida. Este fator, na verdade, acontece com o curta inteiro. Ele possui inconstâncias qualitativas, cambaleando entre a sutileza e a obviedade, indo em direção de uma constância rítmica e, de repente, ficando truncado e se perdendo em algumas partes de seu próprio enredo.

O plot inicial afeta as personagens, mas ele vai se dissolvendo e a sua força se perde ainda mais quando o desfecho é abrupto, sem que os acontecimentos sejam amarrados. Falta um tempo de desenvolvimento dentro das relações de Como Respirar Fora D’água. Este é um filme que sabe explorar os sentimentos internos de sua protagonista, porém que falha nesta externalização das emoções dela e de como Janaína seguirá dentro do mundo diante de todo o cerco que se formou ao seu redor. O resultado geral é na média, por assim dizer. Mas, a produção poderia crescer caso as suas próprias premissas fossem trabalhadas amplamente.

Direção: Júlia Fávero e Victoria Negreiros

Elenco: Raphaella Rosa, Dárcio de Oliveira

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