Suncoast narra a história de Dóris, uma adolescente que mora com a mãe e o irmão, que vive com cuidados paliativos em virtude do seu quadro de paralisia cerebral. Em casa, Dóris sempre foi relegada a segundo plano pela mãe em decorrência da atenção que o irmão requer constantemente, sobretudo no momento em que os acompanhamos no longa, onde ele se encontra nos seus últimos dias de vida. Acompanhando o irmão e a mãe no mesmo hospital que Terri Schiavo está internada (jovem que foi símbolo do movimento a favor da eutanásia), Dóris aproveita a ocasião para fazer algumas reuniões com os colegas de escola em sua casa e viver um pouco a adolescência.

Suncoast é um filme com boas intenções e boas ideias em torno de discussões sobre a vida de pacientes em estado vegetativo e a situação dos seus entes, estabelecendo um contraponto interessante entre a morte e a vontade de viver que é típica da juventude, algo negado a sua protagonista. Por força das circunstâncias, Dóris teve que assumir responsabilidades muito cedo e se anular no seio da própria família, uma situação estimulada pela própria mãe da personagem.

O filme também é marcado por boas atuações. A jovem Nico Parker desenvolve com correção essa protagonista e explora bem os seus conflitos ao longo do filme. Laura Linney, por sua vez, exibe a competência que lhe é habitual no desenvolvimento de uma mulher se desdobrando em mil para dar atenção ao filho, mas que não consegue fazer o mesmo com Dóris. A personagem de Linney não consegue equilibrar o afeto da sua maternidade entre os dois filhos, sendo extremamente afetuosa e dedicada com o rapaz, mas omissa e muitas vezes cruel com Dóris. Linney imprime uma objetividade e secura, mas também sabe utilizar as emoções à flor da pele a favor da personagem sempre que lhe é requerido, nunca colocando aquela mulher como vilã ou como um modelo materno, localizando aquela figura apropriadamente em uma zona cinzenta cheia de humanidade.

O grande problema de Suncoast é aquele que afeta a maior parte das produções similares a ela. Mesmo sendo um filme independente, é curioso perceber como Suncoast segue um padrão narrativo para se tornar palatável: a típica cartilha do “drama familiar leve sobre a adolescência com pitadas de temas urgentes”, contendo a contundência e a gravidade das suas questões com um “freio” para não afugentar um público que poderia rejeitar qualquer tipo de abordagem mais realista e menos pasteurizada daquela realidade. Trata-se de um approach replicado em tantos outros títulos estadunidenses que parecem formatados para a seleção de uma edição qualquer do Festival de Sundance, evento cinematográfico conhecido por receber muito bem esse tipo de projeto.

Com um roteiro e uma direção sem muito brilho, mas disposto a conferir pontualmente momentos bem recompensadores, Suncoast está longe de ser um filme ausente de méritos, mas também não faz muito para buscar qualquer tipo de singularidade no contexto da produção cinematográfica. É um filme que, para o bem e para o mal está em uma zona de conforto, podendo render uma sessão descompromissada e satisfatória nesses termos, mas que pode decepcionar quem espera qualquer tipo de personalidade nesse tipo de história ou quem já está mais do que cansado desse tipo de produção.

Direção: Laura Chinn

Elenco: Woody Harrelson, Laura Linney, Nico Parker, Ella Anderson, Daniella Perkins

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Particularmente, não fui uma espectadora que gostou do primeiro filme. Caótico demais e sem um roteiro bem fundamentado, o primeiro capítulo não deixou vontade de dar continuidade à história e até um sentimento de frustração. Se levava a sério demais, quando o personagem exigia o completo oposto.

Aqui em Venom – Tempo de Carnificina este problema é sanado rapidamente. Extremamente divertido e despretensioso, o filme desenvolve uma narrativa que envolve o espectador com facilidade, até mesmo aquele que não conferiu o primeiro episódio da história. Eddie tem a chance de entrevistar o grande serial killer Cletus Kasady (Woody Harrelson, Zumbilândia – Atire Duas Vezes)e isso acaba alavancando a sua carreira. No entanto, a situação acaba induzindo ainda mais o assassino ao corredor da morte.

A partir daí, o longa toma o caminho da vingança, nos apresentando ainda ao surgimento de Carnificina, mais um simbionte que se conecta justamente em Cletus. O roteiro vai traçando os dois caminhos principais: o de Eddie completamente atrapalhado com Venom e o de Cletus se afeiçoando a todas as possibilidades que Carnificina oferece.

Os melhores momentos do filme são, definitivamente, a interação de protagonista e simbionte. Uma vez que o roteiro (que conta com Tom Hardy na assinatura) assumiu que a leveza é o melhor caminho, a narrativa se tornou muito mais atraente e interessante. O público se diverte com a tentativa de controle constante entre um e outro.

O que falta em qualidade, no entanto, é o desenvolvimento do vilão. Ele não inflige tanto medo quanto deveria ou como é naturalmente apresentado nos quadrinhos. Falta foco e força na presença de Carnificina. Atribuo isso, inclusive, a outro problema do filme que é o tempo de duração. Pouco menos de 100 minutos não é o suficiente para desenvolver algumas subtramas e o sentimento que fica no espectador é que poderia ver mais daquelas dinâmicas.

Ainda que tenha alguns problemas e não possa ocupar o lugar de grande filme, Venom – Tempo de Carnificina acerta bastante ao se levar menos a sério. Mais divertido que o primeiro, o roteiro ainda é muito mais coerente e preciso. A conexão da cena pós-crédito com o universo do Homem-Aranha instiga, de fato, o espectador a querer acompanhar mais deste personagem tão caótico e tão bem interpretado por Tom Hardy.

Direção: Andy Serkis

Elenco: Tom Hardy, Stephen Graham, Woody Harrelson, Michelle Williams, Naomie Harris, Reid Scott, Sean Delaney

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Esta junção de ausência de elaboração de universo ficcional e de exploração das personagens, que acontece na parte inicial da projeção, deixa que a obra perca o seu ritmo. Da mesma maneira que sequências arrastadas são enfadonhas, cenas que imprimem gratuitamente uma velocidade intensa obtêm o mesmo resultado. Desta maneira, enquanto Kate (Mary Elizabeth Winstead), que dá nome ao título do longa-metragem, corre desesperadamente para solucionar seu problema – um envenenamento por uma substância mortal –, pouco se sabe sobre ela, sobre seu mentor, Varrick (Woody Harrelson) ou da família de mafiosos que ela deseja matar.

Para tentar alcançar o mínimo de proximidade com a vida pregressa de Kate e Varrick, a escolha aqui é inserir flashbacks que revelam parte dos treinos de Kate, desde a sua infância. No entanto, esta estratégia acaba comprometendo a fluidez do desenvolvimento do enredo, retirando o público da imersão com o presente de Kate, que está sendo mostrado. Além disso, não há uma mudança de tom nesta apresentação do passado, o que acaba convocando a sensação de cansaço novamente.

A virada da história,  porém, acaba por trazer um ganho significativo para o longa. A entrada de Ani (Miku Patricia Martineau) transforma a dinâmica anterior. Adolescente falastrona, a menina consegue equilibrar as tonalidades e a lógica tonal do filme. A partir da chegada de Ani, parece que as pancadarias ganham uma nova roupagem, pois Kate vai ampliando suas motivações. A relação quase maternal entre a dupla faz com que quem assiste conheça mais sobre ambas e as suas ações recebam alguma justificativa mais palpável. A complexidade da protagonista, finalmente, passa a aparecer.

A partir do momento que a conexão de Kate com Ani cresce, as brigas ficam mais emocionantes e a torcida por um desfecho positivo também. A camada cômica impressa por Ani também alivia os momentos de tensão das lutas, o que, novamente, aumenta a potencialidade da exibição. São novos contornos e dimensões dadas para Kate. Ao mesmo tempo, as outras personagens também vão demonstrando outras facetas e sendo colocadas de uma forma menos maniqueísta. Sem impor a questão do bem e do mal, a previsibilidade que surgia antes na tela vai se desfazendo.

Por esta razão, o desfecho do enredo acaba por ser a sua parte mais satisfatória. Sem medo de arriscar, pondo todas as personagens em seu limite, as suas trajetórias acabam por fazer sentido e seu encerramento também. Sem revelar spoilers, é possível dizer que a finalização deixa o conteúdo de Kate amarrado e conclui a jornada da protagonista. Assim, a sessão pode ser árdua no princípio, mas vai se tornando divertida.

Direção: Cedric Nicolas-Troyan

Elenco: Mary Elizabeth Winstead, Woody Harrelson, Miku Patricia Martineau

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Já plenamente acostumados com as realidades de Zumbilândia, Tallahassee, Columbus, Wichita e Little Rock seguem caçando zumbis e buscando um lugar para se acomodar com segurança. Depois que eles finalmente chegam à Casa Branca e conseguem criar uma realidade praticamente normal, outros problemas de relacionamento vão surgindo. Paralelo a isso, os zumbis estão igualmente evoluindo, tornando-se cada vez mais difíceis de matar.

Não havia necessidade de uma continuação, é verdade. Mas ao menos eles conseguiram cumprir vários quesitos importantes com esse longa. O primeiro foi conseguir reunir o elenco original e o mesmo continuar funcionando tantos anos depois. Especialmente porque Abigail Breslin (Pequena Miss Sunshine) era uma criança na época e agora é adulta. Ou seja, mudou não apenas o físico como o estilo de atuação.

O quarteto principal foi apoiado por um ótimo grupo de coadjuvantes, que surgiam de repente e sempre com um elemento para acrescentar. A melhor de todas, definitivamente, é Zoey Deutch (Artista do Desastre), no papel da boba Madison. Poderíamos ter um problema aqui de subjugar a mulher e o esterótipo da loira burra. No entanto, o filme é debochado e o personagem acaba funcionando como uma alfinetada no que ele representa.

Aliás, o deboche e o humor ácido é o que sustenta Zumbilândia – Atire Duas Vezes. Há algum tempo eu não dava tanta risada como neste filme. Risada sincera e divertida. É exatamente o que o longa é. Não vá esperando um grande roteiro, pois esse é bem clichê. Como a maioria das continuações não pensadas, ele começa com tudo certo (como foi deixado no filme anterior) e aí surge um problema, que foi uma criação aleatória do roteiro, que acaba desencadeando os eventos futuros. No que isso resulta? Um claro problema de ápice na história.

É exatamente esse o problema mais sério do longa. Ele caminha com muita linearidade, quando era para ser uma escalada para a glória, por assim dizer. Desta forma, o espectador tem uma impressão de monotonia, que não existe efetivamente. Mas é o que o ritmo nos induz.

Nada disso impede que Zumbilândia – Atire Duas Vezes funcione plenamente. É um filme que com certeza segue o caminho do antecessor e se apoia na sua trajetória, mas, ao mesmo tempo, tem função independente. Traduzindo: se você assistiu ao primeiro, excelente; mas se não assistiu, não vai deixar de entender o que acontece ali na narrativa. O que é muito bom, especialmente para uma continuação que surge tanto tempo depois, com novos públicos de interesse.

O compromisso claro deste filme é com a diversão e isso ele consegue cumprir com qualidade. Com a mistura de muito sangue, tiro, porrada e risada, Zumbilândia – Atire Duas Vezes consegue se tornar leve. Uma distração despretensiosa para o fim de semana, que certamente vai agrada muitas gerações.

Direção: Ruben Fleischer
Elenco: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, Rosario Dawson, Zoey Deutch, Luke Wilson, Bill Murray

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Dirigido por Ron Howard, de obras tão díspares, mas reconhecíveis pelas marcas melodramáticas das suas narrativas e pela estética no tratamento da imagem, como Uma Mente Brilhante e Rush: No Limite da Emoção, Han Solo seria  comandado por Phil Lord e Christopher Miller, da animação Uma Aventura Lego. Com a contratação da dupla a Disney queria conferir um tom mais despojado ao filme. Acontece que por divergências criativas Miller e Lord abandonaram o comando com alguns dias de filmagens já iniciado, assumiram apenas a produção do filme e Howard foi chamado às pressas para substituí-los. 

O que Ron Howard faz aqui é um trabalho extremamente burocrático, adaptando a direção do seu filme a orientações do estúdio que certamente visavam uma padronização do produto ao blockbuster americano corrente e aos filmes da saga Star Wars também. Isso é perceptível pelo tom do filme, que destoa da polêmica atmosfera de seriedade que dominou o derivado anterior da franquia, Rogue One, e que, por sinal, foi criticado negativamente por fãs e alguns críticos. Nesse sentido, o trabalho de Howard em Han Solo é tão protocolar que faz um diretor com uma assinatura tão sensível ao público quanto ele praticamente desaparecer na tela para dar lugar a um típico exemplar da franquia Star Wars com pouquíssima intervenção criativa, uma condução descompromissada e interessada em ofertar um longa moldado clássicas matinês. E isso não é demérito de Han Solo em momento algum. Por se adaptar ao “esquemão” de um grande estúdio com tanta organicidade, os méritos do trabalho de Howard precisam ser reconhecidos. 

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Frances McDormand vive a protagonista Mildred Hayes. Aliás, o faz de maneira formidável. Toda a brutalidade necessária para aquela mãe, assim como a suavidade de seu sofrimento, são explorados muito bem por Frances, cena após cena deste filme que prende o espectador com muita facilidade. Ela traz muita força para Mildred.

Não apenas a história é interessante e cativante, como a maneira como a narrativa é conduzida. O enredo vai crescendo de maneira gradativa e bem explicada, dando cada ponto nos personagens, sem deixar nenhum fio solto. Não é à toa que o longa foi indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original. Aliás, Três Anúncios Para Um Crime acumula boas indicações, como Melhor Filme, Melhor Atriz para Frances, Melhor Ator Coadjuvante para Woody Harrelson e Sam Rockwell, além de Melhor Edição e Melhor Trilha Sonora Original.

O roteiro conduz a história com um toque de humor negro. Apesar de uma temática pesada e cenas fortes, o espectador consegue rir (às vezes um pouco de desespero, sim). É preciso dar destaque à Woody Harrelson. Ele vive o xerife da cidade que é acusado por Mildred e intensifica cada momento do personagem com maestria. Vale muito a indicação ao Oscar, assim como Sam Rockwell, que vive o instável policial preconceituoso, que tem uma reviravolta importante na trama.

Aliás, o filme mostra muito a importância de desfecho de um tema, mas também como a vingança não dá conforto à ninguém e ainda pode piorar as coisas. É deixado claro em muito momentos como o ódio só alimenta mais ódio e as questões não serão resolvidas por esse sentimento. Embora tenha uma lição muito importante no filme, esse não é o propósito primordial dele. O que torna tudo muito melhor e menos forçado.

Ainda que muito equilibrado, com roteiro bom e elenco coeso, a alma do filme é realmente Frances McDormand, que respira cada segundo da dor da personagem e seus sentimentos mais fortes. Escolha fundamental para o produto final, que é incrível. Vale cada indicação ao Oscar!

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Brie Larson é Jeanette Walls, uma jovem que relembra a história de sua infância e adolescência a medida que vai enfrentando novos desafios na fase adulta. Ela foi criada em uma família alternativa que não fixava raízes em lugar nenhum. Devido à dificuldade do pai em manter um emprego, a família estava sempre viajando e se mudando, sempre em busca de uma nova oportunidade, que certamente seria frustrada.

Muitas questões são colocadas à prova durante o crescimento da narrativa. Em momento nenhum o amor dos pais pelos filhos é questionado diretamente. No entanto, sua ações depõe contra o que fica implícito. Uma das primeiras cenas do filme é a protagonista se queimando no fogão porque a mãe não quis parar de pintar um quadro para preparar a comida dos filhos. A menina devia ter uns 4 anos. Este é apenas o primeiro ponto de uma sucessão de eventos da mesma natureza que acontecem na história.

É uma dualidade questionável que deixa o espectador intrigado. Ao mesmo tempo em que vemos uma união familiar única, assistimos pais negligentes que deixam os filhos passando fome e priorizando suas próprias necessidades. Enquanto isso, o instável pai alimenta o sonho da construção de um Castelo de Vidro, quando eles finalmente conseguirem plantar um lar fixo. Naturalmente, isso nunca acontece.

Todo o roteiro vai criando uma antipatia nata com os pais e é difícil ter o mínimo de empatia. Ao final, não há uma reviravolta em que a protagonista aceita tudo que aconteceu. Ela segue revoltada e decepcionada com a família. Mas ela percebe que pode amar eles, apesar dos erros que cometeram. Aliás, que amar é perceber esses erros e ainda estar lá, presente. É uma mensagem muito bonita que o roteiro passa.

Brie está muito bem no papel de Jeanette, enquanto Woody Harrelson dá um show no papel do pai. A dinâmica de ambos é bem interessante e a química da família como um todo funciona bem. A escolha do elenco favoreceu e muito a trama, que teve maior veracidade a medida que suas emoções eram vividas de forma visceral.

O longa tem falhas ao tentar manter o ritmo e cai na monotonia com certa facilidade. Algumas reações e conclusões são óbvias, o que não instiga o espectador a saber o que está acontecendo. Mas as boas atuações sustentam a trama, felizmente. No final, é um filme que funciona bem e traz reflexões importantes.

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Essa nova era de Planeta dos Macacos mostrou para o que veio desde o primeiro filme. É uma história contundente, bem escrita e orientada, trazendo aspectos da relação de humano com os macacos de forma muito sutil e, ao mesmo tempo, forte. Em Planeta dos Macacos: A Guerra, a qualidade do roteiro continua e consegue finalizar essa história com grande maestria.

Neste enredo, César e seus companheiros são forçados a entrar numa guerra que não iniciaram e têm que lidar com a fúria do Coronel. Numa dualidade incrível entre humanidade e animalidade, a narrativa caminha de forma intensa e progressiva, deixando o espectador em estado de constante alerta.

O diretor Matt Reeves já acompanha a série desde o último filme, Planeta dos Macacos: O Confronto. E isso auxiliou muito na continuidade do estilo dos longas. A qualidade de cenas, roteiro, diálogos, mostra que qualquer tipo de filme pode ser muito bem feito, independente de gênero, bastando a capacidade e força de vontade de quem o conduz.

É incrível ver o trabalho minucioso da equipe gráfica em trazer realidade aos símios. Cada jeito, cada piscada, tudo milimetricamente feito com perfeição, dando ao filme um ar ainda mais sério e forte. Associando a isso, uma trilha sonora de qualidade e com coerência, dando intensidade às batalhas. Aliás, as batalhas são muito bem feitas e ensaiadas. Intercaladas com bons momentos de diálogos e construção da narrativa, os embates não se tornam cansativos, nem repetitivos.

É preciso falar, inclusive, no acréscimo para o elenco do ator Woody Harrelson, no papel principal do Coronel. Ele traz uma insanidade realista ao personagem, que é o centro da luta entre símios e humanos. A fúria é notória em sua expressão, contrastando bem com os olhos raivosos que vemos em César, em muitos momentos.

O roteiro deixa claro, porém de maneira sutil, o quanto que os macacos adquirem comportamentos humanos e o quanto que os humanos se tornam primitivos quando o assunto é exterminar uma outra espécie. Essa troca de papéis é o que torna a briga muito mais interessante e empolgante. É o centro do roteiro e é guiada de forma incrível.

Como não poderia deixar de notar, a finalização de Planeta dos Macacos: A Guerra acompanha a qualidade de toda a história. Não é um anti-clímax, como acontece em muitos casos. É um desfecho justo e coerente, colocando cada personagem em seu lugar, todos os pingos nos “is”.

Este Planeta dos Macacos é uma produção certeira, que mescla ação com drama de forma equilibrada e coerente. É um desfecho com chave de ouro, de fato, dando força e energia à franquia.

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No elenco, aparecem figuras como Michael Caine, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Lizzy Caplan, Daniel Radcliffe e Morgan Freeman. Apesar desses e outros nomes bacanas no cast, a interpretação de todos na película é irritante. Os atores criam uma atmosfera fake no tom da fala, não possuem uma boa dinâmica em cena e chegam a irritar ainda mais nos momentos nos quais o filme tenta propiciar um tom de mistério.

O ponto mais negativo é a personagem Thaddeus Bradley, interpretado por Morgan Freeman. O ator pode até ser incrível, mas não no segundo Truque de Mestre. Quem já assistiu a animação South Park deve lembrar da fama do ator de entrar nas cenas para traduzir para o público o que aconteceu na história. Porém, a película é tão óbvia que a função de Morgan Freeman é inútil e acaba por tirar seu espectador do sério.

Se há algum culpado para o fracasso do elenco, contudo, o maior culpado é o roteiro de Ed Solomon (também co-roteirista do primeiro filme) e Pete Chiarelli. Cada frase é uma bomba maior que a outra. Repetição de palavras, frases de efeito, subestimação do público. Como a projeção conta a trajetória de um grupo de mágicos, os Cavaleiros, há uma insistência em explicar constantemente, pelo menos duas vezes, os truques feitos pela equipe ou por seus inimigos. Além de evidenciar como os criadores são pretensiosos e acreditam que construíram uma trama tão elaborada que precisa de diversos relatos do ato (o que não é), a estratégia é maçante e corta o clima de ação do longa.

Se é óbvio, não tem ação. Se não tem roteiro bem construído, não gera interesse. Aliás, nem vale a pena citar a sinopse, porque não faz diferença nenhuma se você entende, desde o início, que eles irão se safar. As atuações vão de ruim até o irritante. Nada de especial sobre a trilha ou qualquer outro quesito técnico. Se você gosta de filme de ilusionismo e magia, o melhor mesmo é esperar esse passar na Sessão da Tarde.

Assista ao trailer do filme:

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