Oeste Sem Lei é o longa de estreia do diretor John Maclean, que nos apresenta um material bem interessante. O romântico e intenso jovem Jay Cavendish (Kodi Smit-McPhee, X-Men: Fênix Negra) resolve cruzar os EUA em busca de seu amor, que fugiu para terras distantes após ser acusada de cometer um crime. Ao longo da jornada, ele conhece Silas Selleck (Michael Fassbender, Boneco de Neve), um misterioso caubói que lhe fará companhia e ajudará a enfrentar o trajeto.

Diferente do que estamos acostumados com a paleta de cores de faroeste, onde os tons de marrom prevalecem, Oeste Sem Lei é muito colorido e vívido. As belíssimas fotografias que surgem ao longa da trama são um presente fruto da locação escolhida para gravação, que foi a Nova Zelândia. Mora aí também um problema que é a ambientação errada em diversos momentos, com montanhas verdes demais para a paisagem comumente árida e monocrômica do oeste americano.

Ainda que a intenção seja honesta, já que há uma construção temática em cima das cores, que realmente tem o objetivo de fugir do padrão, Maclean se priva de brincar um pouco mais com este elemento, que poderia ser associado às personalidades dos personagens. Algumas cenas são prejudicadas pois revelam uma vivacidade que não vemos nas emoções dos personagens.

A evolução da história caminha sem pressa e, ao mesmo tempo, sem enrolação. A apresentação dos personagens acontece a medida que a jornada vai acontecendo, em cada cena nova que surge. Então é interessante como vamos descobrindo nuances e objetivos de cada um, minuto após minuto. Além disso, o clima de mistério por trás das histórias ajuda a sustentar a atração do espectador.

Existe uma dificuldade, no entanto, de aprofundar nos personagens coadjuvantes. Ao focar em Jay e Silas, o diretor esquece que a garota alvo da paixão, Caren Pistorius (A Luz Entre Oceanos), vai ter o foco voltado para si no futuro. Seu pai, vivido por Rory McCann (série Game of Thrones), também carece de construção. O que fica é uma grande dificuldade de ter empatia com o destino dos personagens coadjuvantes, que tem seus corpos amontoados ao final.

Este detalhe, inclusive, é uma característica marcante do western, que nos apresenta a morte como algo rotineiro e pouco chocante. Em Oeste Sem Lei, a intensidade fica por parte de Jay, que nos mostrar a cada cena que teve um relacionamento muito mais imaginário do que verdadeiro. Em contraponto a isso, Silas é taciturno e frio. Suas personalidades se cruzam ao final do filme e isso é um elemento bem positivo da construção do roteiro.

Ainda que tenha uma boa proposta, Oeste Sem Lei não se aprofunda o suficiente e perde a chance de explorar o bom roteiro que tem em mãos. Mesmo tendo menos de 1h30, parece ter muito mais tempo por focar nos elementos errados da trama. Ainda assim, é um ótimo entretenimento que vale a pena ser conferido!

Direção: John Maclean
Elenco: Michael Fassbender, Ben Mendelsohn, Rory McCann, Caren Pistorius, Kodi Smit-McPhee, Alex Macqueen, Jeffrey Thomas, Andy McPhee

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Para minha grata surpresa, o resultado foi mais positivo do que o esperado. O foco em um único personagem já se mostrou uma decisão acertada nos X-Men, vide Logan, que é um dos melhores filmes de super-heróis de todos os tempos. Esse aqui não chega ao nível de Logan, é bem verdade, mas não faz feio também. Tem um tom certeiro ao tratar da origem de Jean, uma das personagens mais fortes e de importância da trama.

O filme se passa em 1992, quando Charles Xavier (James McAvoy) curte o fato dos X-Men serem bem aceitos na sociedade e considerados heróis nacionais. Tudo isso devido a uma missão no espaço em que eles resgatam astronautas. No entanto, durante o processo de resgate, Jean Grey (Sophie Turner) precisou chegar ao seu limite para garantir a segurança de todos e foi exposta ao que parecia ser uma explosão solar. Desde então, ela lida com uma força ainda mais poderosa dentro de si e a incapacidade de controlar suas emoções.

A construção do roteiro é um dos pontos altos do filme. Ele vai, gradativamente, tecendo a trama e conectando os fios da evolução da protagonista, mostrando desde a sua infância até o momento atual, em que lida com crises internas e conflitos emocionais. Tudo isso acompanhado dos demais X-Men, que dão suporte ao enredo, sem roubar a cena da personagem principal.

O espectador sabe que essa parceria entre a sociedade e os mutantes é algo muito furtivo e pode acabar a qualquer momento. Eles aceitam o diferente enquanto é conveniente para eles. Mas ao sinal de qualquer erro, serão questionados e rechaçados. E isso fica suspenso no ar o tempo inteiro. Então, quando Jean começa a ter reações estranhas depois da explosão, o primeiro medo de Xavier é justamente colocar essa relação com a sociedade em risco.

O que me incomoda em X-Men: Fênix Negra é que ele não faz uso completo de todos os artifícios que a franquia X-Men oferece. Para mim, é uma das sagas mais interessantes e atraentes, do ponto de vista dos personagens e da criação de enredo. E este longa me parece ficar mais na superfície, no quesito de utilizar as ferramentas que estão postas na mesa.

A parte de maquiagem e efeitos especiais, por exemplo, é muito boa e acertada. No entanto, certos questionamentos são feitos, como a necessidade de Jennifer Lawrence (Mãe!), no personagem Mística, ficar aparecendo como pessoa normal dentro da casa dos X-Men. Ainda mais depois que a sociedade já passou a aceitar os mutantes.

O filme apresenta ainda ótimas cenas de luta, como a do trem no final, que envole a maioria dos personagens. Vemos, no entanto, um subaproveitamento da vilã Vuk, interpretada por Jessica Chastain (A Hora Mais Escura). Um grande potencial de ser alguém realmente apavorante, mas que é renegada a cenas curtas, com poucas falas e momentos pouco marcantes. O mesmo poderíamos dizer de Sophie Turner, no papel da protagonista. Ela tem pouco espaço para efetivamente se mostrar como atriz e só podemos culpar o roteiro por isso.

Ainda assim, X-Men: Fênix Negra é um bom filme que traz uma história competente sobre a construção de uma das principais personagens deste universo. Tem ser percalços e quedas no caminho, mas com certeza é superior a outros longas, como X-Men: Apocalipse, por exemplo. Vale a pena conferir nos cinemas!

Direção: Simon Kinberg
Elenco: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, Evan Peters

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A história se passa em Oslo, capital da Noruega, e começa com o sumiço e assassinato de mulheres de forma muito misteriosa. De cara, o personagem de Michael Fassbender é introduzido, mostrando que ele que será o fio condutor das investigações que irão se seguir.

O filme possui um ótimo elenco. Além de Fassbender, que conduz muito bem as cenas, temos Charlotte Gainsbourg e Rebecca Ferguson, ambas estão bem nos papéis e complementam bem a trama. Em dado momento, temos ainda J.K. Simmons, como o magnata que todos desconfiam, e Val Kilmer, como um policial das antigas.

Acho que o principal problema de Boneco de Neve é a aleatoriedade de sua trama. Ela começa muito bem, com um clima de mistério e introdução bem feitas dos personagens. No entanto, isso se perde rapidamente e o que nos é apresentado é um longa com personagens dispensáveis e histórias que não se conectam. Sabe aquele momento em que você diz: “Nossa, se isso não existisse, não faria a menor diferença”? Então, este momento se repete várias vezes ao longo dos 120 minutos.

A sensação que o espectador fica é de incompletude. É como se o filme abrisse várias possibilidades e finalizasse sem nenhum esforço de compreendê-las. É possível ver o potencial escondido da história e como este poderia ser um filme bom. Mas a forma como foi realizada é decepcionante e frustra muito no quesito continuidade e finalização. Ele ameaça ser inusitado, mas nos frustra ao entrar em clichês tão previsíveis quanto qualquer outro filme de suspense meeiro.

Para piorar o cenário, o fim do filme é bizarramente sem graça e sem motivação. Aliás, a escolha do assassino torna grande parte do longa dispensável, porque faz com que os personagens se conectem menos ainda. Além disso, apenas o personagem de Fassbender é devidamente aprofundado. Os demais são superficiais, incluindo o serial killer, que deveria ser tão explorado quanto o protagonista. É verdadeiramente um anticlímax.

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Alien: Covenant traz um grupo de exploradores que estão numa nave com o objetivo de colonizar um novo planeta que foi descoberto, o Origae-6. No meio do caminho, eles captam um sinal que parece humano e resolvem investigar do que se trata. Eles acabam parando no mesmo mundo que acontece a narrativa de Prometheus.

A falta de senso começa quando os exploradores resolvem mudar a rota de colonização super planejada há anos e investida por vários futuros colonos, para checar que som estranho é esse que eles estão captando pelo rádio. Extremamente prudente mudar a rota de uma nave imensa, não é?!

Seguindo em frente, a reunião de bizarrices continua quando a nave pousa no novo planeta e os exploradores resolvem sair com a cara limpa, sem máscaras nem trajes espaciais. Por mais que o planeta seja idêntico à Terra e a nave tenha identificado a presença de oxigênio suficiente, não me parece uma boa ideia chegar num lugar desconhecido sem um pouco de cautela.

Esses fatos, no entanto, são apenas detalhes no que diz respeito à trama como um todo. No contexto maior, o roteiro é falho e pouco empolgante. Este episódio da franquia Alien foca no questionamento de como surgiu a humanidade, como fomos criados no universo. Ridley Scott consegue conectar alguns laços que Prometheus não conseguiu, mas ainda assim, não é o suficiente.

O longa sofre de alguns problemas como o uso excessivo de efeitos visuais e digitais, o que não contribui positivamente para o resultado final. O foco da tensão acaba se perdendo e essa é uma das maiores falhas do roteiro. São diversos aliens que surgem ao longo da história, mas mesmo assim o espectador não fica tenso pela próxima cena. O diretor não consegue criar um clima de thriller digno da franquia. O que é muito decepcionante, especialmente com o filme Vida sendo lançado tão próximo e sendo tão tenso.

Alien: Covenant consegue ser ainda mais apático de Prometheus (e olhe que este último dividiu muito as opiniões na época). Mostra um enfraquecimento da franquia Alien e uma falta de empolgação notória do diretor Ridley Scott em criar tramas mais tensas e atrativas.

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No caso de Assassin’s Creed, o protagonista Callum Lynch experimenta as memórias genéticas de seu ancestral, Aguilar, na Espanha do século XV, através de uma tecnologia revolucionária. Callum descobre que é descendente de uma misteriosa sociedade secreta, os Assassinos, e acumula conhecimentos e habilidades incríveis para enfrentar a organização opressiva e poderosa dos Templários nos dias de hoje.

A história por si só teria um gancho interessante, mas é conduzida de forma muito superficial e pouco eloquente. Para se ter uma ideia, chega a ser entediante. E quando se imagina que um filme de ação e batalha é entediante a ponto do espectador lutar contra o sono, o problema certamente vai além do enredo.

A narrativa não é tão atrativa, os personagens, por mais que sejam protagonizados por excelentes artistas, não conseguem cativar o espectador. Tudo isso cria um verdadeiro combo para que o filme não seja nem perto de bom.

O diretor Justin Kurzel, conhecido pelo ótimo trabalho em Macbeth: Ambição & Guerra, traz uma boa condução de cenas e consegue recriar o universo do jogo de forma fiel. No entanto, falta empatia com os personagens. O que realmente salva este aspecto é o elenco de peso. Marion Cotillard, Jeremy Irons e o próprio Michael Fassbender se esforçam em todos os momentos para criar o melhor em cada cena, em cada fala. Mas há um limite que os prende, que os define.

A equipe gráfica conseguiu criar um cenário muito bom, principalmente levando em conta a necessidade de inserir o mundo espanhol da narrativa de séculos passados. E isso realmente contribui de forma positiva para o longa. Mas ainda assim, não consegue desviar o foco dos diálogos entediantes. Infelizmente, o trailer consegue causar mais alvoroço que o próprio filme.

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O enredo traz a história de Tom, um veterano de guerra que aceitou um trabalho em um farol isolado em uma ilha, que orienta a navegação dos navios nos oceanos Pacíficos e Índicos. Na cidade onde ele embarca, acaba conhecendo Isabel, uma bela jovem por quem se encanta e vive uma linda história de amor. Com a evolução da convivência deles e da criação de sua própria família, eles vão passando por situações em que colocam à prova a honestidade e o amor de ambos. Eles sofrem dois abortos, que afetam muito a relação do casal e a emoção de Isabel. Depois do segundo episódio, com a esposa extremamente abalada, eles são surpreendidos com a chegada de um barco na isolada ilha. Dentro do barco, um homem morto e um bebê ainda vivo. Inicia-se então o real do drama do filme.

De forma muito natural e não forçada, o diretor Derek Cianfrance apresenta ao espectador um cenário de real contemplação da natureza e do amor, ao mesmo tempo em que envolve a pessoa com os sentimentos das personagens. De forma emotiva, mas não apelativa, ele consegue criar empatia com o público, o que é importantíssimo para a temática.

À medida que a história vai se desdobrando, o espectador vai ficando mais confuso quanto à posição que deve tomar naquela situação. Até perceber que talvez a melhor escolha seja não tomar posição nenhuma. Rachel Weisz faz o papel da mãe de sangue do bebê perdido e pondera bem a dualidade do casal principal (que inclusive forma um casal na vida real – curiosidade). O trio, fechado por Alicia Vikander e Michael Fassbender equilibra muito o filme e interage com o espectador do começo ao fim.

É um estilo de filmagem mais clássica, menos audaciosa, porém sem perder a qualidade. A narrativa envereda por uma trajetória em que a dualidade entre a culpa, a responsabilidade, o bem e o mal, o correto e o errado, mostram sua linha tênue e quanto é difícil escolher qualquer desta posições. O espectador fica extremamente dividido e angustiado com o avançar da história, pois é realmente muito complicado e uma fatalidade tudo que aconteceu.

Apesar de ter uma tendência dramática um pouco mais forte, Cianfrance consegue equilibrar de forma que não fique forçado nem parecendo um dramalhão barato. É um filme muito sensível, que traz reflexões importantes e vale a pena ser conferido. Além de ter atuações muito boas de um elenco incrível.

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Para começar, o longa beneficia-se pelo incrível roteiro escrito pelo sempre afiado Aaron Sorkin, baseado no livro de Walter Isaacson. Por mais que o diretor Danny Boyle faça aqui um dos seus trabalhos mais equilibrados da sua recente filmografia, fica evidente que o realizador interfere muito pouco no trabalho do seu roteirista ao transformar Steve Jobs em uma grande peça de teatro filmada. Boyle interfere muito pouco em cena e demonstra muita maturidade ao entender que  no caso de Steve Jobs quanto menos interferência visual, melhor.

Com o roteiro usualmente verborrágico de Aaron Sorkin (tal qual seus trabalhos em A Rede Social de David Fincher ou na série West Wing) e a interessante estrutura em três atos, Steve Jobs funciona como uma encenação teatral na qual os atores ocupam praticamente um mesmo espaço, basicamente os interiores dos grandes auditórios e salas de apresentação que Jobs escolhia para fazer os seus anúncios empresariais. Dessa forma, o que se vê são atores entrando e saindo de cena em três décadas diferentes e todas as ações e dinâmicas centradas nos relacionamentos dos seus personagens com o Steve Jobs interpretado por Michael Fassbender. Assim, Steve Jobs beneficia-se pela estrutura do seu roteiro, que soube dar conta das principais questões que rondaram a vida do seu biografado sem recorrer à clássica cartilha das biografias cinematográficas: o nascimento, a vida, a obra e a morte do protagonista. O roteiro do filme, aliado ao tom da interpretaçao dos seus atores, também acerta ao evitar transformar seus personagens em vilões ou mocinhos, ou seja, não se perde em meio a um “fascínio adolescente” pela figura de Steve Jobs. Tanto ele, quanto os demais personagens da obra tem muitas camadas e cada um traz em si defeitos e qualidades que os tornam humanos e por isso mesmo fascinantes para o público nos três atos do filme.

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Longa que encerrou as atividades da última edição do Festival de Cannes, Macbeth – Ambição e Guerra não anda conseguindo a repercussão que merecia, pelo menos nos EUA. Dirigido pelo australiano Justin Kurzel, que possui pouquíssimos filmes no currículo mas que já anda nas altas rodas hollywoodianas por ser o realizador da adaptação do game Assassin’s Creed (também protagonizada por Fassbender e Cotillard), Macbeth – Ambição e Guerra não é só um filme muito interessante e visualmente instigante, como também trata-se de uma das melhores adaptações cinematográficas daquele que é o mais interessante e soturno dos trabalhos do dramaturgo William Shakespeare.

Nem mesmo o fato de Kurzel cair na tentação de usar o slow motion à la Zack Snyder nas sequências de batalha estragam o resultado de Macbeth – Ambição e Guerra pois tudo, no geral, é tão bem executado. O realizador mostra-se avesso ao entendimento de que para atualizar Shakespeare faz-se necessário alterar a trama e sua linguagem drasticamente. Kurzel faz um filme contemporâneo sem grandes afetações, permitindo que seus atores ofereçam interpretações intensas e longe das afetações. Ao final, deixa-se claro que poucas tramas como Macbeth conseguiram dar conta de maneira tão rica de lugares nada nobres da natureza humana.

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01. Johnny Depp favorito aos prêmios de melhor ator por Aliança do Crime

Ao que tudo indica, Johnny Depp é o candidato a ser batido nas categorias de melhor ator. Depp deixou todos estarrecidos com sua interpretação no longa Aliança do Crime (no original, Black Mass), de Scott Cooper (Coração Louco). O filme saiu do Festival de Veneza com ótimas cotações para o desempenho do ator, tido por alguns como um dos melhores da sua carreira em anos.

Ao lado de um elenco formado por Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson, Joel Edgerton e Kevin Bacon, Johnny Depp interpreta um violento criminoso de Boston que era irmão de um senador e tornou-se informante do FBI.

Depp promete enfrentar pela frente Eddie Redmayne, de A Garota Dinamarquesa, e Leonardo DiCaprio, de O Regresso, novo filme de Alejandro Gonzalez-Iñarritu, que sequer foi visto ainda. Como a vitória de Redmayne surge com uma certa dúvida, tendo em vista que o ator ganhou vários prêmios na temporada passada com A Teoria de Tudo, e Depp é um dos atores mais celebrados da indústria que ainda não tem uma estatueta, o protagonista de Aliança do Crime tem tudo para levar alguns prêmios.

02. Spotlight é comparado a Todos os Homens do Presidente

O filme sobre um grupo de jornalistas de Boston que investigaram um caso envolvendo padres pedófilos foi comparado a um dos maiores filmes do gênero, Todos os homens do presidente. Spotlight pode ser um novo Zodíaco ou Os Suspeitos (2013) e ser cultuado apenas pela crítica e por cinéfilos, mas pode também ser uma espécie de Sobre Meninos e Lobos e conquistar alguns prêmios.

No trabalho do diretor Tom McCarthy (O Visitante), as performances de Michael Keaton, Mark Ruffalo e Rachel McAdams foram exaltadas. É possível que, por ser um “filme de elenco”, eles concorram como coadjuvantes, o que será ótimo. McAdams pode conseguir fazer sua carreira cinematográfica finalmente decolar (merecidamente, diga-se de passagem) e Keaton não teria a sombra da concorrência de Eddie Redmayne pelo segundo ano consecutivo, tendo até mesmo chances de vencer um Oscar como coadjuvante.

03. Eddie Redmayne transforma A Garota Dinamarquesa em material para Oscar

A Garota Dinamarquesa, como os filmes anteriores de Tom Hooper (O Discurso do Rei e Os Miseráveis) não foi uma unanimidade da crítica. Ao ser exibido em Veneza, o filme foi questionado por um certo excesso de didatismo ao trazer para o público as questões de gênero.

O longa que traz a história da primeira mulher trans que se submeteu a uma cirurgia tem o vencedor do Oscar do ano passado Eddie Redmayne no papel principal. Ao contrário do filme em si, os seus atores saíram ilesos. As performances de Redmayne e Alicia Vinkander foram bastante elogiadas. A dúvida é se Vinkander concorreria como coadjuvante ou atriz.

Como o gosto do Oscar muitas vezes não coincide com as escolhas da crítica é bem possível que ele figure nas categorias principais como filme e por ai vai, afinal a Academia adora filmes com fortes desempenhos por ter muitos atores no seu quadro de votantes.

04. Suffragette torna Carey Mulligan favorita aos prêmios de melhor atriz

Em Telluride, a primeira exibição de Suffragette trouxe muitos elogios à performance de Carey Mulligan, que desponta, até o momento, como uma grande favorita aos prêmios de melhor atriz. Nem mesmo a presença de Helena Bonham Carter e Meryl Streep no elenco ofuscou o brilho da performance de Mulligan, dizem os críticos. Sobre la Streep, todos afirmam que a participação dela na história é muito pequena e praticamente se resume ao que pode ser visto no trailer da produção. Ainda assim, não está descartada uma possível indicação para elas como coadjuvantes.

O filme conta a história do início do movimento feminista na Inglaterra e é dirigido por Sarah Gavron, de Brick Lane.

05. Aaron Sorkin e o roteiro engenhoso de Steve Jobs

Biografias não têm tido muita sorte nos últimos anos, mas o roteiro de Aaron Sorkin (vencedor do Oscar por A Rede Social e criador de séries como The West Wing e The Newsroom) e a direção de Danny Boyle (Quem quer ser um milionário?) transformaram Steve Jobs em material para Oscar, passando longe do péssimo Jobs com Ashton Kutcher.

Exibido em Telluride, Steve Jobs rendeu elogios à performance de Michael Fassbender, que pode ser indicado a prêmios na pele do protagonista, e Kate Winslet, séria candidata na categoria coadjuvante por interpretar Joanna Hoffman, integrante da equipe que criou o Macintosh.

06. Room é o indie do ano. Será que agora Brie Larson decola?

Todo ano temos um indie que se destaca. Por enquanto, esse título é do drama Room, de Lenny Abrahamson (diretor de Frank). No longa, a atriz Brie Larson vive uma mulher que cria o seu filho em um quarto, o que faz com que a única percepção que ele tenha do mundo seja a daquele cômodo.

Larson, que anos atrás surgiu como uma revelação em Temporário 12, mais uma vez desponta no circuito “alternativo” e recebeu algumas das mais calorosas críticas por seu desempenho nesse longa. Se o filme fizer uma boa campanha, é possível que ela seja indicada a prêmios de melhor atriz. O mesmo se aplica a Joan Allen, um forte palpite como atriz coadjuvante. William H. Macy também faz parte da produção.

07. Netflix pode abocanhar o Oscar com Beasts of no Nation

A Netflix promete marcar presença na temporada com o primeiro filme produzido por eles, Beasts of no Nation, de Cary Fukunaga ( de Jane Eyre e da primeira temporada de True Detective). O longa conta a história de um jovem que luta durante a Guerra Civil em um país africano.

Idris Elba interpreta um militar e chamou a atenção por sua performance. O filme como um todo recebeu elogios rasgados em Telluride. O grande empecilho, dizem alguns, é a violência da história que pode afastar um setor mais conservador da Academia. No entanto, Beasts of no Nation é apontado por alguns críticos como um filme a ser superado na temporada. A questão é que nem sempre o gosto da crítica coincide com o gosto das comissões de votantes do Oscar, do Globo de Ouro, do SAG… É só ver o destino de O Ano mais Violento na temporada passada.

A Netflix pretende lançar o filme primeiro nos cinemas para somente depois de algum tempo disponibilizá-lo no site.

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Foi divulgado esta semana um novo trailer do filme Macbeth, com Michael Fassbender e Marion Cotillard. Com direção de Justin Kurzel (Assassin’s Creed), o longa traz a história de um militar que trai o seu rei após ouvir uma profecia de três bruxas que afirmam que ele será o novo líder da monarquia. Exibido no Festival de Cannes, o filme teve boas críticas, principalmente à atuação de Cotillard, que cogitasse uma indicação ao Oscar do ano que vem, como a manipuladora esposa de Macbeth.

O trailer traz um belíssimo exemplo da fotografia do filme. O elenco conta ainda com David Thewlis, Paddy Considine, Sean Harris e Elizabeth Debicki. Macbeth deve chegar aos cinemas brasileiros em novembro deste ano.

Confira o trailer abaixo!

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