A começar pela própria ideia de aprisionamento duplo, sendo o segundo pior que o primeiro. Quando o filme começa, acompanha-se Liz saindo de uma espécie de casulo, procurando respirar. A vontade imediata é a de que ela consiga fugir o mais rápido possível. No entanto, o que o roteiro entrega é, justamente, o oposto. Entre planos fechados e cores que oscilam entre o azul piscina e o vermelho, a progressão cresce acelerada, trazendo toda a angústia da personagem principal à tona e aumentando as suas expressões e ações corporais. Os tons vêm como alertas e relaxamentos constantes, lembrando que há a iminência de perigo, dividida entre a esperança de fuga.

Esta dinâmica se junta à respiração crescente de Laurent e seus movimentos corporais bruscos, ao lado de quadros fixos e fechados. Assim é construída a atmosfera ideal para este tipo de produção. Estes reforços de foco para esta situação de pânico são fomentados com pistas úteis para a personagem e para quem acompanha a sua aventura mórbida. Até a metade do longa-metragem estas dicas sobre a resolução do mistério da presença de Liz na câmara funcionam e impulsionam a qualidade do roteiro de Oxigênio.

No entanto, estes recursos – como as aparições de ratos de laboratório ou as ligações do policial – se tornam tão repetitivos que deixam de ser um toque sutil e passam a deixar a trama e seu desfecho cada vez mais óbvio. Após a entrada do segundo ato, os elementos que antes pareciam ser um caminho para o alcance de um ápice, até seu desenlace, ficam esgarçados, quebrando a sua velocidade e afetando o ritmo da obra como um todo. O que acontece aqui são idas e vindas desnecessárias.

Talvez, se os diálogos dos telefonemas de Liz ocorressem de forma mais direta, fosse menos cansativo vê-la perceber o que já fica nítido bem antes do final do longa. Um investimento que, provavelmente, funcionaria seria o de deixar os poucos coadjuvantes que existem ali menos rasos. Até mesmo a Liz não apresenta tanta subjetividade. Desta maneira, a produção consegue se fazer efetiva em partes, mas não sustenta a sua própria criação de universo ficcional, seja por colocar contextos pouco explorados – como no caso do colapso mundial que porá fim a humanidade na Terra –,na presença desta corporação que não aparece muito definida em suas intenções ou em Liz e em quem a cerca naquele cenário aterrorizante.

Há, porém, um esforço visível em utilizar a técnica à favor da criação de suspensão. Alexandre Aja (Alta Tensão), que possui uma carreira no gênero terror, chega em Oxigênio mais habilidoso. Desde o seu honesto Predadores Assassinos (2019), o cineasta parece buscar focar com mais intensidade na figura humana do que no que lhes acomete. Seja na precisão na escolha de quando movimentar a sua câmera, como na decupagem no geral, Aja vem numa fase um pouco mais econômica e esta característica tem elevado a potencialidade de sua direção, pois há um equilíbrio maior agora entre os momentos de tensão e relaxamento colocados na tela.

Além disso, um outro ponto destacável em Oxigênio é a interpretação de Laurent, que apresenta dignidade. É notável a sua consciência em imprimir as descobertas e medos de Liz gradativamente. O seu trabalho de corpo também impressiona. Com poucas possibilidades de locomoção e com a tarefa de transmitir a sua atuação, quase completamente, com o rosto, ela não deixa de criar nuances para cada momento distinto de Liz dentro da câmara, tão pouco realiza uma tônica única de pânico. Existem distinções em suas partituras faciais e nas tonalidades vocais, fazendo com  que diversas cartelas de pavor sejam expressadas.

Direção: Alexandre Aja

Elenco: Mélanie Laurent, Mathieu Amalric, Malik Zidi 

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A garotinha de 11 anos vê sua rotina virar de cabeça pra baixo quando ela tem que deixar os amigos para ficar em uma fazenda isolada e sem tudo com o que ela está acostumada. As coisas começam a mudar quando a menina ganha um leão branco de presente e constrói uma relação de verdadeira amizade com o bichinho.

Mesmo com o objetivo sendo o alerta sobre a necessidade de proibir a caça animal e cuidar do futuro dos leões, o filme tem o cuidado de efetivamente construir uma narrativa interessante e atrativa aos olhos do público. Ele faz uso do entretenimento para convocar o espectador à reflexão, além de apresentar informações importantes sobre a situação dos animais na África.

A pequena Mia é interpretada por Daniah De Villiers, uma novata cheia de potencial que cresceu junto com a produção do filme. Sim, o longa demorou mais de 3 anos para ser filmado, pois acompanhou o crescimento dos atores, mas especialmente do leão principal, Charlie.

Esta é, inclusive, a parte mais forte e importante da trama. Nenhuma computação gráfica é utilizada na relação com os animais, especialmente com o protagonista. Vemos com nossos olhos o crescimento do bebê leão, suas brincadeiras e descobertas. Junto com isso, a angústia de ver o quão próximo a atriz fica do bichano. É efetivamente assustador.

Tudo isso dá fôlego à uma trama que, embora atrativa, não tem tantos elementos importantes e inusitados. Todos os passos são meio previsíveis e pouco se acrescenta na narrativa ao longo dos 100 minutos de produção de A Menina e o Leão. O ponto alto é, realmente, a relação da menina e do leão.

Alguns elementos de canastrice estão presentes, principalmente na relação do pai com um dos seus empregadores. Além disso, colocando uma negra como empregada doméstica engraçadinha é claramente uma falta de cuidado com a necessidade de representatividade positiva atual e um racismo estrutural. Não poderíamos esperar menos com patrocinadores como Rolex. E isso, sim, é que depõe contra o longa.

A finalização do filme, no entanto, não deixa a desejar. Por mais surreal que seja, tem coerência de acordo com a criação da história e dá espaço para inserção de um elemento muito importante, que é a existência de espaços de reservas protegidos por lei contra a caçada dos animais silvestres. Especialmente os leões. O espectador fica surpreso ao descobrir (se já não souber) que a caça de leões é legalizada na África do Sul, embora a mesma esteja dizimando os animais e pode colocá-los na lista de extinção muito em breve.

Direção: Gilles de Maistre
Elenco: Daniah De Villiers, Mélanie Laurent, Langley Kirkwood

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Nesta quinta, entra em cartaz no Brasil o filme Os Oito Odiados, de Quentin Tarantino. Com um elenco composto por atores majoritariamente, uma mulher se destaca dentro da narrativa e é ela quem mobiliza toda a ação da história. A personagem em questão é Daisy Dormegue, defendida pela atriz Jennifer Jason Leigh, uma bandida infame que foi pega pelo caçador de recompensas John Ruth, papel de Kurt Russell.

O longa é dividido em capítulos e em cada etapa Leigh vai demonstrando lentamente as camadas de Dormegue. A noção do grau de vilania da moça vai se tornando mais aparente para o público e, aos poucos, saindo da tensão e do alívio cômico ela se torna uma criatura diabólica e perversa que espera o momento certo para dar o bote.

Esta não é a primeira película de Trantino na qual uma personagem feminina se destaca. O Coisa de Cinéfilo selecionou algumas outras mulheres marcantes na obra do diretor na semana em que mais um filme do realizador entra em cartaz no país:

Mia Wallace (Uma Thurman)

Pulp Fiction – Tempo de Violência

Cocaína, milk-shake e dança icônica. Mia Wallace é uma figura emblemática na história do cinema. Em cartazes, camisetas, canecas, agendas e cadernos, Mia está gravada na cabeça dos cinéfilos. Sua história em Pulp Fiction começa quando Vincent Vega (John Travolta) precisa passar o dia distraindo a moça, enquanto seu chefe viaja. A partir daí, iniciam-se algumas aventuras protagonizadas por Vega e Wallace, com direito a muito álcool, drogas e injeção de adrenalina.

A Noiva (Uma Thurman)

Kill Bill – Volume 1 e 2

Mamba Negra, A noiva, Beatrix Kiddo ou Mamãe. Uma Thurman interpreta aqui a ex-integrante de uma gangue que, depois de acordar de um coma de quatro anos, decide ir atrás de todos os seus antigos colegas, para assassiná-los até chegar ao seu líder, Bill (David Carradine). Isso porque foram eles os responsáveis pela sua longa estadia em um hospital, bem como o seu afastamento da filha que Kiddo nem pôde conhecer. A personagem feita por Thurman é forte e emblemática. Aqui se vê uma assassina paciente, que espera o momento certeiro de realizar sua vingança.

Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent)

Bastardos Inglórios

Determinada e furiosa, Shosanna também se encaixa na categoria “paciente e vingativa”. Disposta a fazer qualquer coisa pela sua causa, a moça queria eliminar os nazistas do comando e estava disposta a arriscar sua própria vida para conseguir isso. Além de ser forte dentro do longa, a personagem é bem lembrada, principalmente pelos cinéfilos, por causa da frase clássica “Good bye, Shosanna!!”, dita por Hans Landa, interpretado pelo ganhador do Oscar Christoph Waltz.

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O casal Jolie Pitt divide mais uma vez as telonas no drama By the Sea, dirigido pela própria Angelina Jolie. O primeiro trailer do longa acaba de ser divulgado e nos apresenta a uma história de uma ex-bailarina e um escritor em crise no casamento. Eles viajam para a França e conhecem um casal de recém-casados, além dos funcionários do hotel onde estão hospedados. Estas novas relações farão com que eles, ao menos, tentem um novo ajuste na relação.

Esta é a primeira vez que Brad Pitt e Angelina Jolie se unem em um filme desde Sr. e Sra. Smith, curiosamente, o longa que proporcionou o encontro dos atores que formaram um dos casais mais poderosos de Hollywood. By the Sea será o terceiro longa metragem dirigido por Angelina Jolie, que no final do ano passado nos entregou Invencível. O filme ainda traz no elenco Melanie Laurent (Bastardos Inglórios) e Niels Arestrup (O Profeta).

O filme estreia no dia 13 de novembro nos EUA, bem a tempo de poder concorrer a alguma vaga no próximo Oscar. Será que dessa vez Jolie emplaca uma indicação em melhor direção?

P.S.: Notem que Angelina já adotou um novo sobrenome, Jolie Pitt.

Assista o trailer de By the Sea abaixo:

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