Todavia, lenta e progressivamente, este questionamento começa a se esvair, dando lugar para o entendimento da razão de tal lentidão. Para conseguir evidenciar qual é realmente o plot desta produção, com toda força que ele merece, é necessário que o engajamento naquele universo de imagem granulada e sombria seja lento e gradual. É preciso que quem assista ao longa se sinta como o protagonista Fontaine: perdido, oprimido e solitário, mas com sede de descobrir a verdade.

É por isso que tanto o roteiro, quanto a direção de Juel  investem em criar uma atmosfera de suspense gradativo e de tom absurdista. A decupagem revela este aspecto de uma forma profunda, com movimentos de câmera e enquadramentos que vão se tornando mais arriscados  e menos convencionais, à medida que a trama avança. Os super closes, com zoom outs lentos, imprimem na fruição a sensação de que é necessário olhar bem de perto, e para cada detalhe, o que está sendo mostrado, para que o todo seja compreendido completamente. 

O mesmo pode ser dito das escolhas de temperaturas, que iniciam no bege, em tons pasteis, que casam com a ambientação de cotidiano repetitivo; passando pelo ciano, para ilustrar a melancolia e angústia de Fontaine, até ganhar tons mais saturados, conotando toda a libertação do trio central. No entanto, o mais relevante aqui é como o estético/imagético, combinado às pinceladas de ficção científica, dialogam com a construção discursiva desta história.

As pautas raciais e de classe estão todas ali, permeando os diálogos e as ações das personagens em Clonaram Tyrone!. O debate sobre questões complexas e graves, como a eugenia e o falso discurso de igualdade de raça, são postas em cena através de metáforas ou até mesmo de maneira direta. É forte e avassalador – como na cena em que  Fontaine conversa com o cientista e entende o que está sendo planejado para a população negra no mundo, ainda que comece em seu bairro -, porém são trazidas costuradamente com a premissa e a construção de personagens e mundo ficcional. 

Todavia, esta intensidade temática é deglutível somente porque todos os assuntos são equilibrados com momentos cômicos ou de intimidade e aproximação das personagens. Inclusive, este é um dos maiores ganhos do filme: a relação de Fontaine, Slick e Yo-Yo. Além da escrita destas figuras ser bem elaborada – com camadas e personalidades distintas bem estabelecidas em seus atos e falas –, os intérpretes mostram que conhecem bem seus papéis, criando dimensões amplas para eles.

Seja indo para os arquétipos de traficante, cafetão e prostituta, até a quebra destes estereótipos, os atores fazem com que a dinâmica entre os três amigos, e deles enquanto indivíduos, seja permeada de gradações, de graus de emoções, sentimentos e desejos, que são captados por olhares, respirações, silêncios e formas de caminhar. É bonito vê-los em cena, jogando com o texto e criando uma cumplicidade que cresce em cada sequência. 

Assim, Clonaram Tyrone! é ousado em colocar no ecrã um mundo quase distópico, sem temporalidades definidas. Com uma premissa e um desenvolvimento arriscados, ele vai além do que se é visto em termos de cinema na contemporaneidade. Vê-se nele a combinação ideal dentro do audiovisual: é político, porém com amor à técnica cinematográfica. Ainda que peque em demorar de engatar, quando o ritmo deslancha, uma sessão prazerosa e instigante é entregue.

Ah! Sobre quem é Tyrone! Bom, sem spoilers!! É preciso assistir ao filme para entender quem é este homem citado no título. Mas, você, caro leitor, pode embarcar nesta projeção sem medo, pois não irá se arrepender de fazê-lo!

Direção: Juel Taylor

Elenco: John Boyega, Jamie Foxx, Teyonah Parris

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Mas por que será então que nunca ouvimos falar nessa história? Porque ela é oriunda da África e sabemos muito bem o que o mundo inteiro faz com os países africanos, em termos de esquecimento e anulação cultural. E é justamente esse ponto que A Mulher Rei decide resgatar e presentear o espectador. Somos imersos na cultura de Daomé do século 17, onde as tribos lutavam entre si para conseguir escravizar uns aos outros e vender para os europeus que chegavam o tempo todo em navios. Cada detalhe vai sendo explorado com cuidado e apreço pela talentosa diretora Gina Prince-Bythewood, que tem um repertório bem eclético na carreira, com longas como The Old Guard e A Vida Secreta das Abelhas.

Nanisca (Davis) é a chefe da tribo de mulheres guerreiras Agojie, que integram a guarda do rei Ghezo (John Boyega, Star Wars: A Ascensão Skywalker). Ela tem o interesse em parar de escravizar os inimigos que perdem suas batalhas e começar a investir o tempo no cultivo de dendê, que acredita que pode render muitos frutos, além de não alimentar o absurdo de subjugar semelhantes e dar aos brancos. Ela conta com duas parceiras importantes, Izogie (Lashana Lynch, 007 – Sem Tempo Para Morrer) e Amenza ( Sheila Atim, Doutor Estranho no Multiverso da Loucura), que treinam as novatas para virarem combatentes.

Como disse lá em cima, este é um longa que os espectador aprende muito sobre história e cultura, sem perder o ritmo de um filme de entretenimento. Temos contato com novos nomes típicos da região, costumes, alimentos, roupas, forma de se relacionar. É dada humanidade aos escravos que tanto ouvimos falar desde a época da escola, mas que não tinha cara nem nomes. Eles eram pessoas comuns, com ofícios, família, amigos, que foram retiradas de seus lugares e forçados a servir como escravos. Tudo isso A Mulher Rei deixa bem claro, sem dar meias voltas para tocar no assunto.

Claro que falar da majestade que é a presença de Viola Davis é algo factível, mesmo que desnecessário. Ela tem uma presença de cena impressionante e está completamente despida de qualquer outro papel que tenha realizado. O seu empenho em adquirir o perfil físico da líder se mostrou num resultado impressionante, em cenas de lutas bem arquitetadas e ensaiadas. Dito isso, ela não é o único ponto alto do elenco. Aliás, toda a equipe foi escolhida a dedo e com muita assertividade. Não tem uma única cena em que não somos ofertados com performances incríveis e intensas.

Ainda que fale sobre muitas temáticas importantes e pesadas, o longa não se furta de oferecer humor e leveza ao espectador, tornando a experiência ainda mais agradável. É o tipo de filme que não percebemos o passar o tempo e lamentamos quando chega ao fim. Existe um equilíbrio adequado em A Mulher Rei sobre os momentos de drama, dor, luta, ação, acolhimento, cultura, etc. Prince-Bythewood foi bem coerente em suas escolhas, mostrando uma condução exemplar do roteiro, também assinado por ela.

A Mulher Rei é um filmaço em muitos sentidos, mas certamente o maior deles é o fato de ser uma reverência à cultura africana, aos negros e sua rica história. É uma produção que vem num momento muito importante, onde o racismo está cada vez mais perceptível nos atos diários e nas notícias dos jornais. Uma devoção à comunidade negra e uma lição aos brancos, que deveriam aproveitar essa oportunidade para aprender bastante sobre os diferentes povos e culturas. Nas cenas finais, vemos um singelo tributo aos mortos vítimas de racismo mais recentes e notórios, como é o caso de George Floyd. Excelente escolha para o fim de semana!

Direção: Gina Prince-Bythewood

Elenco: Viola Davis, Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim, Hero Fiennes Tiffin, John Boyega, Jayme Lawson, Adrienne Warren

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Quando Martin Scorsese (O Irlandês) afirmou que os filmes da Marvel não eram verdadeiramente cinema e mais como uma montanha-russa, o cineasta não mentiu em sua argumentação. Apesar disso, acredito que mesmo um gênio da sétima arte não tem poder para ditar o que deve ser ou não cinema. Todavia, o que é inegável é o quanto ele foi preciso em suas palavras — e aqui peço paciência do leitor, pois vou parafrasear o mestre:

“Muitos dos elementos que definem o cinema como eu conheço estão ali nos filmes da Marvel. O que não está é a revelação, o mistério ou o perigo emocional genuíno. Nada está em risco. Os filmes são feitos para satisfazer uma leva específica de demandas, e são desenhados como variações em um número finito de temas.

Eles são sequências no nome mas refilmagens em espírito, e tudo neles é oficialmente sancionado porque não tem como ser de outra forma. Essa é a natureza das franquias cinematográficas modernas: com pesquisas de mercado, testadas pelo público, vetadas, modificadas, vetadas mais uma vez e novamente modificadas, até que estejam próprias para o consumo.” (tradução retirada do AdoroCinema).

Bem, e o que Star Wars: A Ascensão Skywalker tem a ver com a Marvel? Primeiramente, não podemos esquecer que todos fazem parte de uma mesma companhia (Disney), preocupada em monopolizar o mercado de maneira que mais gere lucros e menos riscos possíveis.

Por outro lado, a diferença entre o universo de Kevin Feige e o filme de J.J. Abrams fica gritante quando vemos que, mesmo quando os dois fazem a mesma coisa — entregar fan service —, há uma diferença gritante entre os  resultados. E qual o motivo? Primordialmente, Ultimato é um amálgama de mais de 20 filmes que foram construídos dentro de uma unidade, apesar de cada aventura ter sua particularidade.

De maneira oposta, há um certo momento de A Ascensão Skywalker que C3PO tem sua memória apagada. Logo depois, o robô consegue recuperá-las parcialmente, com exceção de todas as suas aventuras mais recentes. Não há cena que melhor o que é esse filme. Ao estar mais preocupado em anular o legado vanguardista deixado por Rian Johnson em Os Último Jedi, o último capítulo da Saga Skywalker se torna um gigante retcom e esquece que apenas a negação do passado não basta.

O roteiro de J.J. Abrams e Chris Terrio (Batman vs. Superman, o que explica muita coisa) assume tanto seu caráter mercadológico que chega a “matar” CINCO personagens, apenas para desfazer essa ilusão instantes depois. É, literalmente, como uma montanha-russa. Afinal, o filme manipula momentaneamente as emoções do público, apenas para no final desfazer suas ações, mostrando que nunca houve um verdadeiro risco.

Ainda em roteiro — e aqui abro uma grande aspas para falar de temas sociais e não fílmicos — me incomoda profundamente o quanto este filme é conservador, retrógrado e conveniente com uma parte preconceituosa dos fãs de Star Wars. Desde o Despertar da Força, há uma brincadeira na internet falando que o Finn (John Boyega) e Poe (Oscar Isaac) são um casal. Assim, o filme, como uma criança de 10 anos que precisa auto afirmar sua masculinidade diante dos coleguinhas de classe, vai enfiando goela abaixo diversas situações sem nexo apenas para responder a audiência que os dois protagonistas são héteros. Essa é, literalmente, a única justificativa para a existência das as novas personagens femininas, vividas por Keri Russell e Naomie Ackie.

Similarmente, outra covardia que não pode ser omitida é o que Star Wars: A Ascensão Skywalker faz com Rose. Para quem não sabe, a atriz Kelly Marie Tran sofreu um grande assédio moral e ataques xenofóbicos após o filme, a ponto de apagar suas redes sociais. Por isso, é um golpe baixo colocar a personagem quase como uma figurante, mostrando uma subserviência de Abrams aos trolls de internet. Mas ok, vamos botar um beijo entre duas figurantes para fingirmos que nos importamos com essas causas? Tenta outra, J.J.

Bem, e se a gente ignorar todas as decisões arbitrárias, visto que mesmo péssimo roteiro nas mãos de uma boa direção pode resultar em um grande filme? Honestamente, não entendo o que aconteceu com Abrams aqui. Revendo a morte de Han Solo em O Despertar da Força, percebe-se como o timing daquela cena permite que ela seja sentida. Já no filme de 2019, é o inverso. Uma montagem frenética impede a formação de qualquer catarse ou potencialidade dramática. Em particular, há um(a) protagonista importante que se vai e o longa não deixa que o espectador senta aquele momento, já seguindo em frente, como estivesse mais preocupado em encerrar todas as pontas soltas do que criar um vínculo emocional.

Ainda nesta lógica mercadológica de filme como um produto, o terceiro ato de A Ascensão Skywalker reafirma a questão. Desse modo, qualquer pessoa que tenha visto Vingadores Ultimato poderá notar duas gigantes similaridades com ele: a abertura dos portais e frase épica de Tony Stark. Nada mais revelador do que uma empresa bilionária tentar emular os acertos de uma franquia em outra. Mesmo que a gente ignore que Star Wars é cinema, pensando apenas um entretenimento, até nisso ele falha. Em um total anticlímax, sua cena de ação mais original ocorre no segundo ato, justamente por explorar diferentes cenários com a ligação telepática entre Rey (Daisy Ridley) e Kylo (Adam Driver).

Neste sentido, lamento que A Ascensão Skywalker não trabalhe mais a fundo o único elemento que J.J. recicla de Rian Johnson: a tensão sexual entre os dois protagonistas. Curioso que provavelmente a cena que mais incomodou a todos no cinema é a que mais me agrada. Enxergo a trilogia sequel não como uma simples dualidade maniqueísta entre bem e mal, como as duas anteriores, mas como uma grande tragédia grega de amor. Da mesma forma, até enxergo algumas coisas shakespearianas nesta lógica de uma alma se sacrificando pelo outra.

No fim, o novo (e, certamente, não o último) fim da saga Star Wars é como uma montanha russa sem looping. Retomando os questionamentos do primeiro parágrafo, nada mais significativo do que um blockbuster encerrar os anos 2010-2019 se mostrando totalmente refém de executivos engravatados e sua própria fan base tóxica. Pelo menos os bonecos do Baby Yoda vão vender muito, não é?

Direção: J.J. Abrams
Elenco: Carrie Fisher, Mark Hamill, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Anthony Daniels, Naomi Ackie, Domhnall Gleeson, Richard E. Grant, Lupita Nyong’o, Keri Russell, Joonas Suotamo, Kelly Marie Tran, Ian McDiarmid

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A continuação de Círculo de Fogo chega apenas em 2018 nos cinemas com um outro diretor no comando, Steven S. DeKnight (de alguns episódios das séries Demolidor e Dollhouse), e ambições levemente modestas. Longe das pretensões autorais do primeiro filme, que ainda que fosse um projeto comercial de del Toro apresentava algumas das marcas estéticas de sua filmografia, Círculo de Fogo: A Revolta é uma típica continuação que existe graças à proatividade exclusiva do seu estúdio. Diferente do anterior, o longa é mais despojado e se renova ao trazer como protagonista John Boyega, o carismático intérprete de Finn da atual saga Star Wars, que ainda arranjou espaço para ser produtor do novo exemplar da franquia.

Não há o apuro estético que del Toro imprimiu no longa de 2013, mas ao menos o tempo de amadurecimento da continuação trouxe para Círculo de Fogo: A Revolta um plot que justificasse sua pertinência, nem que seja aparente, já que sabemos que a verdadeira razão de existir do projeto é financeira e tudo o que vem a rebote é mero pretexto. A história dá um salto de dez anos e Boyega interpreta o filho do personagem de Idris Elba, parte essencial do primeiro longa. Na continuação, a Terra vive um período de paz após ter se livrado dos monstros que a ameaçavam, mas a presença de robôs piratas tão perigosos quanto as criaturas de outrora ameaçam a integridade de muitas cidades e é nessa hora que as antigas máquinas combatentes do filme anterior têm que voltar à ação. Mais adiante o público será surpreendido com algumas reviravoltas na história que a fazem escapar de algumas escolhas óbvias para segundos capítulos de franquias e – lógico – trazem de volta as perigosas criaturas gigantes do primeiro título.

Há alguns problemas, o longa sugere informações sobre alguns dos seus protagonistas, que não são poucos, tentando fugir da superficialidade inerente ao material, o que é uma pena pois o filme é bom quando se contenta em ser um despretensioso escapismo. O elenco funciona em partes, enquanto Boyega segura as pontas como o protagonista e somos apresentados à menina Cailee Spaeny, temos que engolir os exageros do vilão “involuntário” de Charlie Day e a inexpressividade do galã Scott Eastwood, que jamais segura as pontas na química da parceria entre seu personagem e o protagonista que o roteiro sugere. No mais, o público sairá satisfeito com a diversão que o filme pretende oferecer, sem a grife de um grande cineasta por trás, é claro.

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