Gladiador II marca dois momentos importantes na carreira do diretor Ridley Scott. O primeiro é a sua nova tentativa de produzir um drama épico nos moldes clássicos – coisa que veio tentando fazer nos últimos anos com O Último Duelo (2021) e Napoleão (2023), mas falhou. O segundo marco é o retorno de Scott com uma de suas histórias de maior sucesso sendo continuada por ele próprio, diferente do que vimos em Blade Runner 2049 (2017) ou de Alien – Romulus (2024). Essa união de fatores colocou o cineasta numa posição de acertos que geraram resultados positivos que há muito não ocorriam em sua carreira.

Ainda que a existência de sua narrativa não se justifique, Gladiador II não vive única e exclusivamente por conta de seu antecessor. Na verdade, ele funciona perfeitamente dentro da lógica de um épico clássico – inclusive por certas obviedades narrativas tanto da tragédia, quanto do melodrama -, e isso faz com que o filme não tenha apenas uma sobrevida. Mesmo que possa se questionar a razão de fazer uma continuação agora, tantos anos depois, o resultado fílmico acerta onde precisa e entrega uma narrativa coesa e grandiosa como seu antecessor.

O roteiro de David Scarpa (Todo o Dinheiro do Mundo, de 2017) permite que a história tenha três frentes narrativas principais e, com isso, dá oportunidade para que boa parte do elenco central tenha momentos de destaque e entregue performances poderosas. Esse é um dos pontos altos do filme. Gladiador II é um drama épico que se constroi a partir de uma teia estelar de intérpretes. E são essas performances e seus arcos narrativos que conduzem a atenção do espectador do início ao fim do longa. Com todas as suas liberdades históricas que considero desimportantes, Scarpa entrega um roteiro amarrado e bem conduzido para boas performances.

Quando se fala das três frentes narrativas de Gladiador II, em primeiro lugar está Paul Mescal (Desconhecidos, de 2023). Ele comanda o eixo principal da história com sua jornada de vingança pela morte da esposa e de confronto com o seu passado. Do outro lado, Connie Nielsen (Mulher-Maravilha 1984, de 2020) e Pedro Pascal (Robô Selvagem, de 2024) embarcam numa busca pela mudança política de Roma, enquanto a personagem de Connie ainda precisa também se confrontar com seu passado.

A terceira frente é – e essa merece um destaque especial – a linha narrativa de Denzel Washington (O Protetor: Capítulo Final, de 2023) com sua ascensão e desejo de poder. Denzel é um show à parte. Ele está claramente usando sua experiência com o teatro shakespeariano para dar vida a sua tragédia particular dentro da narrativa macro de Gladiador II. E é com isso que o ator entrega uma das melhores performances masculinas do ano, até então – ao lado de Nicolas Cage em Longlegs – Vínculo Mortal (2024).

Gladiador II é uma surpresa positiva tanto para os fãs do original como do diretor. Esse longa foi feito para agradar gregos e troianos por carregar em si uma estrutura e narrativa bem definidas e amarradas, ao mesmo tempo que agrada com o entretenimento do star system e a escolha do elenco. Ao final da sessão, a pergunta sobre a necessidade ou não de uma continuação do filme de Scott de 2000 passa a ser desimportante. O que fica e se torna relevante é que o cineasta foi capaz de entregar uma continuação à altura do original e do subgênero.

Direção: Ridley Scott

Elenco: Paul Mescal, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Connie Nielsen e Denzel Washington

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Com tanto peso e vigor que parece sair das páginas de Shakespeare, é curioso observar a leveza que Coen imprime na tela. Em preto e branco e com uma névoa presente quase a projeção inteira, são as personagens e o que elas têm a dizer que ganham destaque aqui.  A direção é assertiva e está ali a serviço dos intérpretes que, com suas caminhadas e gestos meticulosamente marcados, são quem criam a maioria das movimentações. Um exemplo é a sequência na qual Lady Macbeth (Frances McDormand) está no fundo do quadro, em um plano geral.

Enquanto McDormand caminha, é como se o quadro fosse fechando, até ficar em close. Esta estratégia não é nova, porém neste contexto é destacável, pois se trata de uma produção shakesperiana, que consegue, assim, englobar a teatralidade, juntamente com a técnica cinematográfica. Isto porque o foco é o texto e a atuação em cima dele. A câmera de Coen parece observar atentamente as ações filmadas, deixando que a seleção do tamanho dos quadros e que a mise-en-scène sejam pensadas para dar destaque ao que precisa ser mostrado: as emoções das personagens, a sordidez de seus atos e o grau de intimidade que possuem.

Desta maneira, o cenário contribui para fomentar a forma como esta narrativa será transmitida. Existem dois aspectos marcantes neste sentido. O primeiro é o fato da cenografia remeter ao que se é feito em um palco teatral, pois, novamente, direciona o foco para as interpretações e para outras sensações presentes na dramaturgia de Macbeth, como a fragilidade e artificialidade das relações. A segunda é a escolha de se pautar na geometria para pensar todo o espaço cênico.

A lógica da perspectiva joga com a profundidade dos locais, principalmente nas sequências de encontros entre o Macbeth (Denzel Washington) e a Lady. É como se o espectador de A Tragédia de Macbeth conseguisse ir fundo na trama, no que a dupla esconde e planeja a cada ato escuso. Ao mesmo tempo, ao redor deles e todos os coadjuvantes que os cercam, estão as formas geométricas literalmente. Quadrados, retângulos e arcos fazem os sentidos borbulharem na tela e aumentam as possibilidades de construção dos papéis dentro do longa-metragem.

Quem está em posição de fragilidade? E de poder? Quem mente ou quem está cercado? Ao tempo, o recurso também configura a clausura ainda mais intensificada de alguma figura dramática* ou um destaque para ela. Com a razão de aspecto mais restrita (4×3), quando os quadrados surgem no ecrã, eles se sobressaem ainda mais, como na última aparição das três bruxas, num contra-plongée. Macbeth, aqui, já está esmagado por suas ações e quase sem escapatória, ainda que sem notar a proximidade de sua derrota.

São nestes caminhos que Joel e seu diretor de fotografia, Bruno Delbonnel (Eterno Amor), conseguem ampliar os significados transmitidos no filme. Bruno, ainda, trabalha a iluminação com sagacidade, também investido na investigação dos sentimentos e intenções das personagens, bem como na conferência de poder e a sua ausência. Onde a luminosidade estará alocada é uma pista do quão perdido, bem ou mal estão todes.

Por fim, mas não menos relevante, pode-se apontar as interpretações de Frances McDormand (Nomadland) e Denzel Washington (Um Limite entre Nós) em A Tragédia de Macbeth. Ambos demonstram uma consciência espacial e corporal ao tensionar os músculos corretos e ao se deslocarem com bastante precisão. O corpo trágico possui as suas especificidades e o tônus da cintura para cima é uma delas.

Com as tensões postas nos lugares exatos, com olhares que mal piscam e uma tonalidade na fala, que mescla imponência e pavor, a dupla capta a complexidade do casal Macbeth. Há um jogo de velocidades na forma de dizer o texto, que diversas vezes está quase “cuspido”, juntamente com os passos lentos, corpo retilíneo e teso que os deixam com mais camadas.

É neste trabalho de Frances e Denzel que o público pode captar o caráter dos Macbeth e como eles são pérfidos e cruéis. O que eles sentem não combina com o que eles expõem para os inimigos, nem mesmo na morte, nem mesmo na loucura derradeira. Ainda assim, falta um pouco de tempo para que a dinâmica entre o casal ganhe um contorno maior. Talvez, este seja um dos poucos defeitos do longa, a presença menor da Macbeth e da Lady arquitetando na serenidade e menos no caos.

A loucura dos Macbeth é progressiva, bem como o desespero que vai se instalando na trajetória dele. Aqui não, ela está constante, desde o início da exibição e poderia ganhar uma subida, porque da forma como Joel a adapta em seu texto, a derrota deles já está anunciada e o triunfo soa passageiro demais. Além disso, na metade de A Tragédia de Macbeth, alguns efeitos ficam repetitivos, como as caminhadas para a mudança do enquadramento. Contudo, estas questões não comprometem a totalidade da produção.

Direção: Joel Coen

Elenco: Denzel Washington, Frances McDormand, Brendan Gleeson.

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*Dramático aqui no sentido aristotélico.

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Genericamente existem dois tipos de resultados alcançados quando o assunto é uma sequência do gênero ação. O primeiro é bem cruel e termina com um fracasso colossal que, normalmente, põe fim a possibilidade de uma continuidade da franquia. Já o outro, é uma tentativa de renovação que pode implicar numa surpresa agradável para os espectadores, fazendo com que a produção ganhe em diversos aspectos – incluindo o aumento do seu potencial de vingar no futuro. A própria franquia Missão: Impossível já viveu ambos resultados. O primeiro aconteceu por conta do fracasso criativo que foi Missão: Impossível II (2000); já Missão: Impossível – Efeito Fallout – o mais recente dos longas – foi uma bela surpresa para os fãs da série de filmes e se tornou o melhor dentre as histórias de Ethan Hunt.

Agora em Massachusetts, Robert McCall (Denzel Washington) vive sob um novo disfarce: um motorista de um aplicativo de viagens. Dado como morto por todos do seu passado, McCall segue usando o seu treinamento de agente para salvar aqueles que precisam de ajuda – algumas vezes tendo o auxílio de sua amiga Susan Plummer (Melissa Leo). Por ser a única pessoa que sabe do paradeiro de Robert, Susan vai visitá-lo algumas vezes. Pouco tempo depois da última visita, McCall descobre que sua amiga foi assassinada e agora ele está determinado a encontrar as pessoas que a mataram para fazer com que elas paguem por seus crimes.

Quando se fala de EQ2 (abreviação do título original), o resultado é bastante interessante. É evidente o crescimento da produção em diversos aspectos (roteiro, direção, personagens) e esse é o ponto fundamental que eleva a sequência a um patamar acima do seu antecessor. O primeiro longa sobre Robert McCall – que foi baseado numa série de TV da CBS da década de 1980 – contém diversos fatores negativos, como um roteiro confuso e uma narrativa pouco envolvente, que o tornam problemático, aumentando o desafio de fazer uma continuação. Para a surpresa e alegria dos fãs do gênero, o roteirista Richard Wenk deu continuidade à sua história de uma maneira inteligente. A estratégia de aproximar ainda mais o personagem de Denzel foi extremamente eficiente. Durante o novo longa, o público conhece alguém que é muito mais que um vingador/justiceiro; alguém que tem sentimentos mais profundos e é familiarmente humano.

O produto visual final também não deixa a desejar. As cenas de ação são bem coreografadas, mais intensas e coerentes. A direção de Fuqua mostra uma clara evolução de um filme para o outro – em especial na sequência final. Para alavancar ainda mais as cenas, o roteiro permite que Denzel Washington dê o seu melhor dentro da trama, proporcionando – mesmo numa película de ação – momentos belos que só um ator como ele consegue. Além da dramaticidade existente entre as personagens de Denzel e Ashton Sanders – que interpreta Miles Whittaker, o protegido da vez de Robert.

Apesar dos clichês levarem muitos momentos da trama para um lugar comum, a nova dinâmica encontrada pelo diretor e roteirista fizeram que The Equalizer 2 (título original) funcionasse melhor que a anterior, criando um resultado satisfatório. A película será um deleite para aqueles que gostam de ação e não será uma tortura para os que não são muito chegados ao gênero, mas assistirão ao longa. O roteiro, portanto, não ganha o espectador pela originalidade ou por surpreendentes plot twists, mas pela maneira como toda a trama é bem desenvolvida e intrigante.

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O saudoso diretor Mike Nichols conseguiu como poucos adaptar um texto do teatro para o cinema estabelecendo um equilíbrio interessante. Em Closer: Perto Demais, Nichols preservou a natureza verborrágica do teatro, mas, ainda que todo o filme girasse em torno do duelo verbal entre seus atores, o diretor entendia as demandas específicas do cinema, realizando as devidas traduções em imagens do seu texto-fonte. Em Um Limite entre Nós falta esta sensibilidade a Denzel Washington, que assumiu não apenas o posto de protagonista da história que interpretou no teatro como comanda o seu elenco na função de diretor. Quando não traz para si a responsabilidade de pensar audiovisualmente determinadas passagens do texto de Um Limite entre Nós, Washington pode até reverenciar o autor do texto original, o dramaturgo August Wilson, também autor do seu roteiro, e sublinhar o excelente trabalho do seu elenco, boa parte vindo dos palcos, mas esquece de poupar o seu público do exercício de resistência que é assistir ao seu filme, tornando-o uma obra difícil de se acompanhar, ainda que recompensadora em momentos isolados.

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Claro que esta nova perspectiva tem relação com as atuais demandas do mercado vinculadas às palavras de ordem do momento, o “empoderamento” e a “representatividade”,  não sejamos inocentes. Claro também que parte desse ímpeto não é novo e, em outras ocasiões, minorias foram contempladas (o próprio Sete Homens e um Destino de 1960 é prova disso), mas não com o protagonismo simbólico que elas vêm assumindo nessas fitas que outrora eram representantes do machismo, xenofobia e toda sorte de preconceito dos seus próprios consumidores médios. Fora isso, não interessa se partidariamente você é de direita ou esquerda, representatividade importa e é positivo que as grandes produções, aquelas que são consumidas por muitas pessoas, estejam atentas e alertas sobre tais questões, afinal, elas serão referências para as futuras gerações

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