EmMickey 17, Robert Pattinson interpreta o personagem-título, uma das cópias dispensáveis de Mickey Barnes, um sujeito que se alista para uma missão espacial empreendida por um político de inclinações duvidosas. A cada novo teste perigoso realizado pela expedição que resulta na morte do personagem de Pattinson, uma nova versão dele é impressa e um outro ciclo de experimentos é iniciado em prol da colonização de um planeta invernal.  Acontece que durante o processo um movimento revolucionário acaba sendo fomentado quando Mickey 17 é dado como morto e uma nova cópia do personagem é feita.

Mickey 17 consegue preservar aquele tom peculiar entre comédia e crítica social e política peculiar nos trabalhos de Bong Joon-ho. Ainda assim, é um filme que parece disperso entre os seus diversos núcleos de personagens e a jornada do próprio protagonista, não aprofundando seu comentário nos tópicos que coloca em discussão como a ética de experimentos científicos, a colonização e o uso de crenças para a manipulação política.

O longa tem um ótimo elenco, mas não consegue trazer mais desses personagens para além de suas funções na crítica social e na ação que o realizador propõe. Robert Pattinson até que se esforça, mas a polarização da personalidade entre as cópias do seu personagem me parece o caminho mais simples, ainda que seja curiosa a “mediocridade” que tenta imprimir nos personagens, fazendo de Mickey Barnes uma espécie de herói ordinário que se adequa bem às pretensões de Bong Joon-ho. Sua parceira de cena Naomi Ackie (nome em ascensão pelas suas boas interpretações em filmes como I wanna dance with somebody e Pisque Duas Vezes) até tem os seus momentos, mas a escrita da personagem não extrapola a superfície. Com figuras que desde o princípio pareciam marginais na história, Mark Ruffalo e Toni Collette acabam roubando a cena como o casal por trás de todo o programa de colonização da narrativa.

Mickey 17 tinha diversos elementos que prometiam um retorno promissor de Bong Joon-ho pós-Parasita. É possível que o filme agrade a alguns fãs do gênero e do diretor. Particularmente, ainda que tenha os seus bons momentos, o longa é um trabalho morno do cineasta, bem distante da efervescência criativa, do discurso enérgico e da complexidade psicológica de seus trabalhos anteriores.

Direção: Bong Joon Ho

Elenco: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun

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OJ (Kaluuya) perde misteriosamente o seu pai depois de um acidente e tem que assumir o negócio da família de treinador de cavalos, junto com a irmã Emerald (Keke Palmer, As Golpistas). Morando em um rancho distante da cidade grande, eles começam a presenciar fenômenos estranhos de OVNI e resolvem tentar filmar para ganhar dinheiro em cima disso. No entanto, as coisas são muito mais perigosas do que parecem e o objeto estranho não é exatamente uma nave espacial extraterrestre.

Os elementos vão sendo inseridos na narrativa de maneira cautelosa e expositiva. Vamos entendendo aos poucos a construção de todos os cenários e motivações dos personagens. Como surge o possível OVNI, quais os elementos que levam o protagonista a desconfiar disso e por quê ele e sua irmã decidem tentar filmar a situação.

Emerald lidou de maneira completamente diferente com a morte do pai. Enquanto OJ ficou mais pra baixo e reflexivo sobre as finanças da família, ela, com sua personalidade mais altiva, está focada em dar a volta por cima e ser bem sucedida na sua carreira. A jovem tem características, inclusive, que a tornam engraçada. Um detalhe sempre presente nos filmes de Peele: o humor sarcástico em algum personagem específico.

Diferente dos outros longas, no entanto, Não! Não Olhe! não aprofunda no quesito horror e tensão. Ele tem lá seus momentos angustiantes, como na cena em que vemos as pessoas dentro da “espaçonave”. São poucos segundos, mas completamente claustrofóbicos. Porém são raros. Não é que o cineasta não pincele isso ao longo da trama, ele só não deu foco total, como costuma fazer. A sensação que fica é que esse é um filme mais comum.

A medida que avançamos no tempo (e esse passa sem que possamos perceber, pois a história nos envolve sem esforço), os personagens vão tomando decisões caóticas e previsíveis. O espectador mais atento e que acompanha o trabalho de Peele desde o começo consegue antecipar diversas ações. Até mesmo o que vai dar certo no final. Isso não impede que o longa nos entretenha, mas também não o torna surpreendente, como foi Corra! e Nós.

A temática que ele utiliza como crítica social, mas muito en passant, é a busca pelo dinheiro a qualquer custo. Isso surge na pele de Jupe (Steven Yeun, Em Chamas) e seu trauma de infância que poderia tê-lo paralisado, mas acabou virando motivação para enriquecimento de moral duvidosa. A dupla principal de irmãos também podemos ter essa leitura, já que mesmo com o perigo batendo na porta, eles preferem seguir na tentativa de capturar imagens da situação, do que simplesmente salvar a própria pele.

Não! Não Olhe! tem um cuidado impressionante com a parte técnica, especialmente os efeitos visuais. O tal OVNI tem toda uma transformação ao longo da trama, culminando numa mudança drástica ao final, e é incrível a riqueza de detalhes e o apreço por criar fotografias bonitas e informativas. O equilíbrio de cores, a escolha de cenários, de sons, de figurinos. Tudo cuidadosamente definido pelo perfeccionismo de Jordan.

A proposta em si é bem interessante e rendeu de fato um filme bacana. O que acredito que aconteceu foi uma frustração da minha parte ao esperar algo muito grandioso e cheio de significados, quando na verdade é apenas um thriller interessante e bem dirigido. Peele escolheu aqui o feijão com arroz e isso não é necessariamente algo ruim. Só é algo como comer um PF executivo em um restaurante de chef de cozinha renomado. No mínimo, frustrante. Parece loucura dizer, mas ele é muito bom e meeiro ao mesmo tempo.

Direção: Jordan Peele

Elenco: Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Steven Yeun, Michael Wincott, Keith David, Barbie Ferreira

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Nos anos 1980, Jacob (Steven Yeun, Em Chamas) é um pai de família que decide se mudar para ir em busca do seu sonho, que é a criação de uma fazenda produtiva, que pode dar uma vida mais confortável para sua família. A transição é acompanhada de perto pela esposa, Monica (Ye-Ri Han, Um Sonho Tranquilo), que lida com os dois filhos e ainda trabalha no mesmo emprego de Jacob. David (Alan S. Kim), o caçula, sofre de doença cardíaca e requer constante atenção, enquanto Anne (Noel Cho), no início da adolescência, acumula uma responsabilidade que é maior que sua idade.

Com a mudança, Monica sente que precisa do apoio emocional da mãe, que mora na Coreia do Sul. A nova morada em um trailer velho, a nova cidade sem amigos ou conhecidos e o emprego igual ao anterior, que não evolui em nada, faz com que ela se sinta isolada e cansada. É então que surge Soonja (Yuh Jung Youn, A Dama de Baco), que foge do estereótipo da vovó nos primeiros momentos. Elas não se viam a tanto tempo que a avó não conhecia o neto caçula ainda.

O roteiro de Minari puxa esse gancho da inesperada presença da avó para aprofundar as raízes coreanas e a questão da sensação de pertencimento. Embora eles morem há alguns anos nos EUA e os filhos tenham nascido em solo estadunidense, o comportamento segue sendo de costumes da terra natal, indo desde a alimentação, rotinas, até a própria língua que eles utilizam, 90% do tempo. O uso do inglês é mais para socializar com outras pessoas ou quando a conversa se inicia pelos filhos.

Enquanto o pai luta com o esforço de trabalhar e tentar criar uma fazenda no solo inexplorado em que agora vivem, ele precisa lidar também com a decepção constante de não poder dar uma condição de vida melhor para a família, além do medo de investir todas as economias em um projeto sem garantias. O sonho americano de ter uma vida próspera para todos é pincelado ao logo do filme, assim como o estilo de vida tradicional sulista. Isso fica muito bem sinalizado quando Jacob sugere que eles frequentem a igreja local para que a esposa consiga fazer novos amigos.

A crise no relacionamento do casal vai se acentuando a medida que a rotina deles sofre com os investimentos de Jacob. Monica não tem essa crença convicta de que a fazenda dará certo e ela tende a preferir permanecer no lugar onde estão, ganhando o suficiente para ter uma vida honesta. Um receio de arriscar, que claramente o marido não nutre.

Ainda que as relações em Minari sejam muito bem explanadas, o grande destaque vai para o pequeno David na descoberta da avó. A forma como o roteiro evolui neste sentido, com ele inicialmente estranhando o comportamento dela (já que esperava que fosse estilo as vovós americanas) e em seguida se tornando o melhor amigo de Soonja, traz um cuidado e carinho comoventes. O filme abraça o espectador com este enredo.

Toda esta delicadeza e intensidade de emoções só é possível pela excelente escolha de elenco, desde os principais aos mais coadjuvantes. Passeamos pelas nuances das emoções de todos, sem o excesso que poderia tornar a narrativa apelativa e sem tornar a mesma rasa e sem aprofundamento. Todos os personagens principais recebem a atenção necessária para a construção da trama como um todo, criando um elemento de unicidade.

O diretor Lee Isaac Chung, em sua estreia na direção, nos apresenta em Minari um resultado amoroso do olhar de diversas dores que surgem nos personagens, sem nos privar de adentrar nestas temáticas importantes. A sutileza com que ele homenageia as tradições de sua origem, nesta jornada envolvente, definitivamente justifica todas as indicações que o filme teve em premiações. Considero, particularmente, um dos nomes fortes para vencedores do Oscar 2021.

Direção: Lee Isaac Chung
Elenco: Steven Yeun, Ye-Ri Han, Alan S. Kim, Yuh Jung Youn, Noel Cho

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