Quando Martin Scorsese (O Irlandês) afirmou que os filmes da Marvel não eram verdadeiramente cinema e mais como uma montanha-russa, o cineasta não mentiu em sua argumentação. Apesar disso, acredito que mesmo um gênio da sétima arte não tem poder para ditar o que deve ser ou não cinema. Todavia, o que é inegável é o quanto ele foi preciso em suas palavras — e aqui peço paciência do leitor, pois vou parafrasear o mestre:

“Muitos dos elementos que definem o cinema como eu conheço estão ali nos filmes da Marvel. O que não está é a revelação, o mistério ou o perigo emocional genuíno. Nada está em risco. Os filmes são feitos para satisfazer uma leva específica de demandas, e são desenhados como variações em um número finito de temas.

Eles são sequências no nome mas refilmagens em espírito, e tudo neles é oficialmente sancionado porque não tem como ser de outra forma. Essa é a natureza das franquias cinematográficas modernas: com pesquisas de mercado, testadas pelo público, vetadas, modificadas, vetadas mais uma vez e novamente modificadas, até que estejam próprias para o consumo.” (tradução retirada do AdoroCinema).

Bem, e o que Star Wars: A Ascensão Skywalker tem a ver com a Marvel? Primeiramente, não podemos esquecer que todos fazem parte de uma mesma companhia (Disney), preocupada em monopolizar o mercado de maneira que mais gere lucros e menos riscos possíveis.

Por outro lado, a diferença entre o universo de Kevin Feige e o filme de J.J. Abrams fica gritante quando vemos que, mesmo quando os dois fazem a mesma coisa — entregar fan service —, há uma diferença gritante entre os  resultados. E qual o motivo? Primordialmente, Ultimato é um amálgama de mais de 20 filmes que foram construídos dentro de uma unidade, apesar de cada aventura ter sua particularidade.

De maneira oposta, há um certo momento de A Ascensão Skywalker que C3PO tem sua memória apagada. Logo depois, o robô consegue recuperá-las parcialmente, com exceção de todas as suas aventuras mais recentes. Não há cena que melhor o que é esse filme. Ao estar mais preocupado em anular o legado vanguardista deixado por Rian Johnson em Os Último Jedi, o último capítulo da Saga Skywalker se torna um gigante retcom e esquece que apenas a negação do passado não basta.

O roteiro de J.J. Abrams e Chris Terrio (Batman vs. Superman, o que explica muita coisa) assume tanto seu caráter mercadológico que chega a “matar” CINCO personagens, apenas para desfazer essa ilusão instantes depois. É, literalmente, como uma montanha-russa. Afinal, o filme manipula momentaneamente as emoções do público, apenas para no final desfazer suas ações, mostrando que nunca houve um verdadeiro risco.

Ainda em roteiro — e aqui abro uma grande aspas para falar de temas sociais e não fílmicos — me incomoda profundamente o quanto este filme é conservador, retrógrado e conveniente com uma parte preconceituosa dos fãs de Star Wars. Desde o Despertar da Força, há uma brincadeira na internet falando que o Finn (John Boyega) e Poe (Oscar Isaac) são um casal. Assim, o filme, como uma criança de 10 anos que precisa auto afirmar sua masculinidade diante dos coleguinhas de classe, vai enfiando goela abaixo diversas situações sem nexo apenas para responder a audiência que os dois protagonistas são héteros. Essa é, literalmente, a única justificativa para a existência das as novas personagens femininas, vividas por Keri Russell e Naomie Ackie.

Similarmente, outra covardia que não pode ser omitida é o que Star Wars: A Ascensão Skywalker faz com Rose. Para quem não sabe, a atriz Kelly Marie Tran sofreu um grande assédio moral e ataques xenofóbicos após o filme, a ponto de apagar suas redes sociais. Por isso, é um golpe baixo colocar a personagem quase como uma figurante, mostrando uma subserviência de Abrams aos trolls de internet. Mas ok, vamos botar um beijo entre duas figurantes para fingirmos que nos importamos com essas causas? Tenta outra, J.J.

Bem, e se a gente ignorar todas as decisões arbitrárias, visto que mesmo péssimo roteiro nas mãos de uma boa direção pode resultar em um grande filme? Honestamente, não entendo o que aconteceu com Abrams aqui. Revendo a morte de Han Solo em O Despertar da Força, percebe-se como o timing daquela cena permite que ela seja sentida. Já no filme de 2019, é o inverso. Uma montagem frenética impede a formação de qualquer catarse ou potencialidade dramática. Em particular, há um(a) protagonista importante que se vai e o longa não deixa que o espectador senta aquele momento, já seguindo em frente, como estivesse mais preocupado em encerrar todas as pontas soltas do que criar um vínculo emocional.

Ainda nesta lógica mercadológica de filme como um produto, o terceiro ato de A Ascensão Skywalker reafirma a questão. Desse modo, qualquer pessoa que tenha visto Vingadores Ultimato poderá notar duas gigantes similaridades com ele: a abertura dos portais e frase épica de Tony Stark. Nada mais revelador do que uma empresa bilionária tentar emular os acertos de uma franquia em outra. Mesmo que a gente ignore que Star Wars é cinema, pensando apenas um entretenimento, até nisso ele falha. Em um total anticlímax, sua cena de ação mais original ocorre no segundo ato, justamente por explorar diferentes cenários com a ligação telepática entre Rey (Daisy Ridley) e Kylo (Adam Driver).

Neste sentido, lamento que A Ascensão Skywalker não trabalhe mais a fundo o único elemento que J.J. recicla de Rian Johnson: a tensão sexual entre os dois protagonistas. Curioso que provavelmente a cena que mais incomodou a todos no cinema é a que mais me agrada. Enxergo a trilogia sequel não como uma simples dualidade maniqueísta entre bem e mal, como as duas anteriores, mas como uma grande tragédia grega de amor. Da mesma forma, até enxergo algumas coisas shakespearianas nesta lógica de uma alma se sacrificando pelo outra.

No fim, o novo (e, certamente, não o último) fim da saga Star Wars é como uma montanha russa sem looping. Retomando os questionamentos do primeiro parágrafo, nada mais significativo do que um blockbuster encerrar os anos 2010-2019 se mostrando totalmente refém de executivos engravatados e sua própria fan base tóxica. Pelo menos os bonecos do Baby Yoda vão vender muito, não é?

Direção: J.J. Abrams
Elenco: Carrie Fisher, Mark Hamill, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Anthony Daniels, Naomi Ackie, Domhnall Gleeson, Richard E. Grant, Lupita Nyong’o, Keri Russell, Joonas Suotamo, Kelly Marie Tran, Ian McDiarmid

Assista ao trailer!

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Mahershala Ali, por Green Book: O Guia

Mahershala Ali segue ganhando todos os prêmios da temporada como o pianista Don Shirley de Green Book: O Guia (Globo de Ouro, SAG Awards e Critic’s Choice Awards). Caso vença o Oscar, esse será o segundo prêmio do ator na categoria, anteriormente ele havia vencido por Moonlight: Sob a Luz do Luar. No longa, o ator incorpora o estudioso e exímio pianista durante uma temporada em que viaja pelos EUA na companhia de um motorista recém contratado de quem se torna amigo, o italiano Tony Lip de Viggo Mortensen. Ali é tão protagonista do filme quanto seu principal colega de cena, mas por razões estratégicas o estúdio responsável pela distribuição do filme o inscreveu nas premiações como coadjuvante assim o ator tem sido imbatível numa temporada de prêmios levemente morna em sua categoria. A vitória virá num momento bom para a carreira de Ali, que estrela a atual temporada da série True Detective da HBO.

Richard E. Grant, por Poderia me Perdoar?

Após anos de uma carreira prolífica que inclui filmes como Assassinato em Gosford Park e Os Desajustados, o suíço Richard E. Grant finalmente consegue o reconhecimento da Academia por interpretar Jack Hock, o melhor amigo da escritora Lee Israel de Melissa McCarthy no drama Poderia me Perdoar?. O ator tem ótimos momentos na companhia da atriz, mas também tem cenas marcantes no filme, compondo um sujeito extremamente safo nas ruas novaiorquinas. Grant é um coadjuvante magnético em cena, compondo com precisão cirúrgica os trejeitos do seu personagem e dando sabor a cada um das suas ótimas falas no filme. Após anos passando despercebido em filmes que chamaram a atenção do público recentemente como Jackie e Logan, a expectativa é que a merecida indicação renda ainda mais oportunidades ao ator.

Adam Driver, por Infiltrado na Klan

O terreno para uma indicação de Adam Driver ao Oscar vinha sendo construído gradualmente nos últimos anos. Trabalhando com diretores consagrados como Steven Soderbergh (Logan Lucky), os irmãos Coen (Inside Llewyn Davis), Jim Jarmusch (Paterson)  e Martin Scorsese (Silêncio), Driver passou de galã cult da TV por sua presença na série Girls a estrela do universo geek na pele do vilão Kylo Ren na nova trilogia Star Wars. Em Infiltrado na Klan, Driver é dirigido por mais uma lenda do cinema, Spike Lee, num de seus melhores filmes em anos, interpretando um policial judeu que serve como instrumento no plano de infiltragem da Ku Klux Klan engendrado pelo parceiro vivido por John David Washington. A primeira indicação ao prêmio pode ser um indicativo de vitórias futuras, mas esse não parece ser o momento ainda que o filme seja um dos mais badalados e queridos da temporada.

Sam Elliott, por Nasce Uma Estrela

Sam Elliott é uma das figuras mais conhecidas de Hollywood e está na ativa desde os anos de 1960. Esteve em longas como Matador de Aluguel, protagonizado por Patrick Swayze em 1989, no clássico dos irmãos Coen O Grande Lebowski e no blockbuster A Bússola de Ouro. Em 1995, o ator chegou na temporada de prêmios com indicações ao Globo de Ouro pelo telefilme O Aventureiro do Oeste e ao mesmo prêmio e ao Emmy por sua atuação em Buffalo Girls, minissérie protagonizada por Anjelica Huston e Mellanie Griffith. Na temporada passada, Elliott chegou a gerar algumas especulações na temporada de premiações por sua performance no ainda inédito no Brasil The Hero. Na estreia de Bradley Cooper como diretor, Elliott interpreta o tio do personagem do músico Jack, uma figura paterna importante na sua vida e carreira. Elliott tem poucos momentos no drama, contudo, são três cenas cortantes que definem o personagem de Cooper. Como ocorrido com E. Grant, a expectativa é que a indicação renda mais convites ao ator.

Sam Rockwell, por Vice

Vencedor nessa mesma categoria ano passado por Três Anúncios para o Crime, Sam Rockwell aproveita o bom momento da sua carreira e está mais uma vez no Oscar. Em Vice, o ator interpreta o ex-presidente americano George W. Bush na biografia do político Dick Cheney, seu vice vivido por Christian Bale. Da maneira mais debochada possível, Rockwell pega todos os trejeitos de Bush, mas também sabe estabelecer limites para não cair na caricatura, entendendo precisamente o que o diretor Adam McKay quer com seu longa. Podemos interpretar a indicação como um “respingo” dos louros passados do ator, que levou todos os prêmios na categoria temporada passada, mas há méritos.

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Poderia Me Perdoar? é o novo longa-metragem da Fox Searchlight Pictures que se baseia num livro de mesmo nome escrito pela própria Lee Israel. Depois de ser descoberta e julgada, Lee escreveu uma autobiografia confessional, declarando não só o acontecido como a mudança que isso fez em sua vida. Dez anos após o lançamento da obra literária, a Fox lança sua adaptação para o cinema e emplaca como um produto de qualidade.

O filme é um relato dos dias de falsificadora da renomada autora de biografias. O longa, com toda a sua simplicidade, se atenta aos detalhes mais íntimos da personagem principal e constrói uma narrativa na qual o público se vê ao lado da contravenção. Israel passa a ser uma espécie de anti-heroína da história que conquista o coração e a atenção do espectador desde os primeiros minutos.

Após fazer sucesso durante décadas com suas biografias, a jornalista e escritora Lee Israel caiu no esquecimento. Tentando lidar com a falta de espaço no mercado, contas atrasadas e a sua dificuldade de se relacionar com outras pessoas, Israel se vê completamente desacreditada de seu trabalho. Para arranjar dinheiro, a escritora vende uma das cartas antigas de Fanny Brice – comediante na qual Lee pretendia fazer uma biografia. Nesse momento, ela tem uma ideia para se salvar: Lee passaria a forjar cartas de personalidades já falecidas para vendê-las. Assim, a jornalista começou um lucrativo negócio criminoso. Tudo ia bem com as vendas e as falsificações até que suspeitas começaram a ser levantadas e o FBI resolveu ir atrás da escritora.

A partir dessa narrativa de confissão, a diretora Marielle Heller (O Diário de uma Adolescente, de 2015) criou uma história sensível e real. A direção dela é muito precisa e sem firulas, o que tornam as cenas simples. Ou seja, o trabalho de Heller nessa produção é a composição do ambiente e das imagens, para que as atuações e o roteiro ganhem profundidade pelos seus próprios meios. E tudo isso se amplifica por não existir nenhuma barreira da direção que tire a atenção do foco principal do acontecimento. Heller coordena essa biografia com um olhar verdadeiro e inteligente.

O roteiro é admirável. Uma adaptação que soube escolher e desenhar muito bem os momentos característicos da vida de Israel. Os roteiristas Nicole Holofcener e Jeffrey Daniel Whitty criaram uma narrativa que prende a atenção do espectador de imediato. A figura da jornalista já fala por si só, mas as escolhas de Holofcener e Whitty deram ainda mais espaço para a atriz principal e sua personagem brilharem. Dessa forma, o filme é extremamente verossímil e delicado. Uma cinebiografia que soube usar os relatos da personagem-título.

A força de Can You Ever Forgive Me? (título original) está no elenco. A história tem as suas personagens secundárias que colaboram positivamente para a composição da emoção e dos nuances da narrativa, mas quem encorpa as cenas é a dupla Melissa McCarthy e Richard E. Grant. A performance de McCarthy é poderosa. Lee Israel foi o papel perfeito para Melissa. A atriz pôde mostrar as suas múltiplas facetas como a figura da escritora com momentos fortes e divertidos. Já o seu parceiro de cena está ali para desenvolver ainda mais a dose de humor ácido do longa. A personagem de Grant completa a diversidade de sentimentos de Israel com as sua lábia e vivências. Quando ambos estão em cena, o público se deleita com uma cumplicidade e qualidade artística impressionante.

Como o ponto alto da película são Melissa e Richard, a maior parte das nomeações está veiculada a suas interpretações. Devido a isso, ambos foram indicados, respectivamente, nas categorias “Melhor Atriz” e “Melhor Ator Coadjuvante” dos principais prêmios do cinema (Globo de Ouro, Critics’ Choice Awards, SAG Awards, BAFTA Awards e Oscar). Independentemente dos resultados, é inegável a qualidade das performances de Melissa e Richard, as quais fizeram da cinebiografia de Lee Israel um filme marcante.

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