Contudo, no início da sessão esta característica funciona, sendo que o tempo para contar os detalhes sobre Lynsey é mais forte no primeiro ato, pois é quando se tem menos diálogos e quando as imagens são um tanto misteriosas, em sua decupagem e montagem. Um exemplo é o começo da produção, quando o público vê apenas o rosto de Lawrence lateralmente. Aos poucos, a situação na qual ela se encontra vai sendo desvendada, tanto o aconteceu com ela quanto quem são as pessoas perto dela é contado pouco a pouco.

Este caminho é também percorrido pela trajetória da própria personagem principal, que entende mais sobre ela mesma, enquanto a narrativa se desenvolve. Entre tons de melancolia e oscilações qualitativas, o que há de mais especial no longa-metragem, no entanto, é a construção da relação entre Lynsey e o seu novo conhecido James (Brian Tyree Henry). Existem dois pontos principais para que a interação desta dupla funcione tanto. O primeiro elemento basilar para que o sucesso da dinâmica de Lynsey e James aconteça está nos diálogos entre eles que, assim como a obra inteira, possuem revelações lentamente convocadas.

Assim, eles vão se conhecendo, aproximando-se, afastando-se etc. A lógica de contenção de informação versus compartilhamento exagerado delas traz um tom realista, que gera uma espécie de empatia, principalmente para quem já vivenciou algum momento muito difícil e doloroso e encontrou algum interlocutor com tantas semelhanças de experiências. E são nestas dualidades individuais e do próprio relacionamento deles que camadas elaboradas são colocadas, conectando quem assiste ainda mais com o enredo.

Além disso, as atuações de Jennifer e Brian ajudam a fomentar esta química dos intérpretes na tela, que não é sobre um estabelecimento de romance, porém de uma cumplicidade intensa. Essa característica trazida pelos atores está nos jogos cênicos dos dois, nos silêncios, nas movimentações corporais, que jogam com a dúvida sobre qual é, de fato, o envolvimento entre Lynsey e James. No entanto, faz-se necessário apontar que é justamente neste desejo de focar nesta dubiedade que o filme se perde. Existiam, na verdade, algumas opções de encaminhamento narrativo aqui.

Explorar mais o passado de James ou investigar melhor a razão da obsessão principal de Lynsey (voltar para a guerra) seria uma forma de tornar o longa mais coeso, talvez. O tom da dúvida, até o confronto derradeiro entre eles, acrescenta complexidade para as personagens, porém a questão é o tempo gasto nesta confusão de Lynsey. A metade da sessão também parece um tanto truncada, quando o comportamento obsessivo dela não consegue ser tão justificável, porque não há um investimento em tratar sobre as verdadeiras tensões de sua vida, como a razão da casa dela ser tão opressiva ao ponto de a colocar neste lugar de desespero interno tão forte.

O enfoque passa a ser apenas até onde Lynsey vai no seu jogo com James, por isso falta ao roteiro uma compreensão de quais os reais problemas da jovem e qual é o conflito central da trama. Todavia, essas dispersões não atrapalham de forma tão profunda o resultado geral. A direção de Lila Neugebauer (Room 104) ajuda a equilibrar estas quedas de qualidade presente na história, pois a cineasta consegue ampliar os sentidos interpretativos do filme, criando um paralelo do que é mostrado nos enquadramentos com o que Lynsey e James querem mostrar um para outro de quem eles são e vivenciaram antes de se conhecerem.

O trabalho da equipe de arte e da fotografia também ajudam nesta ampliação de transcrição dos significados, porém há certo exagero em alguns signos, como a cor azul, que aparece exageradamente nas roupas e ao redor de Lynsey, reforçando uma melancolia presente nela e essa saudade que ela possui do seu trabalho anterior, que já é intensa em toda a projeção: nos diálogos, nos planos, nas músicas e na arte. Mas, dentro de alguns exageros, Passagem consegue emocionar e prender a atenção na maior de sua duração.

Direção: Lili Neugebauer

Elenco: Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Jayne Houdyshell

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Vindo da comédia, o roteirista e diretor, sabe como jogar com a dinâmica da suspensão, do absurdo e do timing cômico. O resultado, geralmente, é um nó na garganta. Talvez, o título que havia chegado mais perto de alcançar este efeito com êxito, anteriormente, tenha sido o seu A Grande Aposta. Agora, com Não Olhe para Cima, Adam McKay aumenta o seu potencial de contar histórias e dosa com uma habilidade mais intensa os efeitos colocados na tela, seja em sua direção ou nos encaminhamentos da sua narrativa.

A inserção e retirada de diálogos e a maneira como os textos podem chegar entrecortados são os maiores ganhos do enredo. Há toda uma gama de sentidos criados entre o não dito e o que é explicitado verbalmente, inclusive com gritos. Esta estrutura revela a compreensão de McKay sobre a própria condição humana, seja por sua tolice e egoísmo, ou por seu caráter forte, mesclado ao desejo de sacudir o mundo e clamar para ser escutado de uma vez só.

Além disso, é curioso de observar como, ainda que não realize uma progressão linear de ações nítidas – existem idas e vindas de intensidade nos acontecimentos da trama –, a obra vai se tornando cada vez mais angustiante para quem assiste. Aqui, novamente, pode-se abordar a consciência sobre o uso da comicidade. Gradativamente e sutilmente, a graça se transforma em riso nervoso para, em seguida, virar melancolia e pânico.

Mesmo rindo de si e da humanidade, o desprezo por uma parte da sociedade e o respeito por outra, ganha espaço e não há retorno dentro da história. É notável – e até óbvio – o que McKay deseja convocar em seu longa-metragem. Este é sim um retrato de um país tolo e autocentrado, que enxergou um pouco da verdade sobre si, a partir de 2016. Ao invés dos grandes heróis, salvadores do Planeta, este é um reduto de diversos tolos, ignorantes políticos, preconceituosos e egocêntricos.

O que McKay desconhece é que esta realidade se assemelha a de múltiplos locais da Terra, incluindo o Brasil, com seu presidente genocida e seus apoiadores cruéis e desonestos. Ao se deparar com a sessão de Não Olhe para Cima, seu público pode sim se identificar com todo aquele conteúdo, por mais insano que seja o plot, seu desenvolvimento e desfecho. É justamente isto que Adam faz em sua produção: toma posse do impossível para retratar as pessoas da contemporaneidade.

Todavia, o que falta nele é uma visão menos “estadunidense centrada”, por assim dizer. Com um olhar tão voltado para si, ainda que seja para abordar seu país com um olhar cheio de ironia, a salvação de todos os seres humanos continua nas mãos de um único lugar: os Estados Unidos. Nenhum outro local foi capaz de encontrar uma solução eficaz para a catástrofe anunciada.

Além disso, ainda que a tragédia afete a humanidade inteira, somente uma nação é retratada. Este é um incômodo intenso em Não Olhe para Cima, visto que este umbiguismo é recorrente no audiovisual hollywoodiano, desde a sua criação. No entanto, apesar deste engasgo, vale ressaltar outras qualidades presentes no longa. A direção de McKay fomenta a qualidade do projeto.

A decupagem serve ao que está sendo contado com precisão e provoca sensações precisas no público, como na escolha em fechar mais certos planos e utilizar câmera na mão, nos instantes nos quais Kate (Jennifer Lawrence) e Randall (Leonardo Di Caprio) se sentem pressionados ou em pânico. Os enquadramentos e movimentos, juntamente com uma mise-en-scène – que mistura uma marcação caótica e desorganizada, com extremamente limpa ou diversos objetos, com pouquíssimos elementos de cena – contribuem para as interpretações.

As atuações de Meryl Streep (Mamma Mia!) e Di Caprio (Titanic) – que vinham pesando a mão nas suas construções, nos últimos tempos –, chegam aqui firmes e sutis. O jogo de câmera, bem como a montagem de Hank Corwin (Vice), barram certos exageros que a dupla poderia cometer. Neste sentido, também é necessário dar créditos para Streep e Di Caprio, veteranos talentosos, ainda que passem do ponto em alguns de seus papéis. Aqui, ambos imprimem tônus no corpo e na voz, se pôr peso ou sujeira em seus movimentos.

Ambos captam com segurança as intenções do roteiro e criam nuances e camadas para suas personagens. Talvez, este destaque seja tão visível por estas serem as figuras mais complicadas no filme, por possuírem características um tanto estereotipadas, mas que são bem conduzidas, suavizando estes tipos: o cientista estressado e a política egocêntrica. Contudo, Cate Blanchett (Carol) e Jennifer Lawrence (Jogos Vorazes) também trazem boas performances, que geram repulsa ou empatia, a depender da personalidade de cada uma delas.

Em seu resultado geral, Não Olhe para Cima é eficiente em registrar e analisar a contemporaneidade, em todo o seu ilogismo, suas compulsões, suas vaidades. Com uma equipe talentosa, quase nada de seu potencial é desperdiçado. Para ser completo, de verdade, bastava apenas erradicar o pensamento tão alto centrado dos EUA.

Direção: Adam McKay

Elenco: Jennifer Lawrence, Leonardo Di Caprio, Meryl Streep, Jonah Hill, Cate Blanchett, Mark Rylance, Tyler Perry, Ariana Grande, Rob Morgan, Timothée Chalamet

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Para minha grata surpresa, o resultado foi mais positivo do que o esperado. O foco em um único personagem já se mostrou uma decisão acertada nos X-Men, vide Logan, que é um dos melhores filmes de super-heróis de todos os tempos. Esse aqui não chega ao nível de Logan, é bem verdade, mas não faz feio também. Tem um tom certeiro ao tratar da origem de Jean, uma das personagens mais fortes e de importância da trama.

O filme se passa em 1992, quando Charles Xavier (James McAvoy) curte o fato dos X-Men serem bem aceitos na sociedade e considerados heróis nacionais. Tudo isso devido a uma missão no espaço em que eles resgatam astronautas. No entanto, durante o processo de resgate, Jean Grey (Sophie Turner) precisou chegar ao seu limite para garantir a segurança de todos e foi exposta ao que parecia ser uma explosão solar. Desde então, ela lida com uma força ainda mais poderosa dentro de si e a incapacidade de controlar suas emoções.

A construção do roteiro é um dos pontos altos do filme. Ele vai, gradativamente, tecendo a trama e conectando os fios da evolução da protagonista, mostrando desde a sua infância até o momento atual, em que lida com crises internas e conflitos emocionais. Tudo isso acompanhado dos demais X-Men, que dão suporte ao enredo, sem roubar a cena da personagem principal.

O espectador sabe que essa parceria entre a sociedade e os mutantes é algo muito furtivo e pode acabar a qualquer momento. Eles aceitam o diferente enquanto é conveniente para eles. Mas ao sinal de qualquer erro, serão questionados e rechaçados. E isso fica suspenso no ar o tempo inteiro. Então, quando Jean começa a ter reações estranhas depois da explosão, o primeiro medo de Xavier é justamente colocar essa relação com a sociedade em risco.

O que me incomoda em X-Men: Fênix Negra é que ele não faz uso completo de todos os artifícios que a franquia X-Men oferece. Para mim, é uma das sagas mais interessantes e atraentes, do ponto de vista dos personagens e da criação de enredo. E este longa me parece ficar mais na superfície, no quesito de utilizar as ferramentas que estão postas na mesa.

A parte de maquiagem e efeitos especiais, por exemplo, é muito boa e acertada. No entanto, certos questionamentos são feitos, como a necessidade de Jennifer Lawrence (Mãe!), no personagem Mística, ficar aparecendo como pessoa normal dentro da casa dos X-Men. Ainda mais depois que a sociedade já passou a aceitar os mutantes.

O filme apresenta ainda ótimas cenas de luta, como a do trem no final, que envole a maioria dos personagens. Vemos, no entanto, um subaproveitamento da vilã Vuk, interpretada por Jessica Chastain (A Hora Mais Escura). Um grande potencial de ser alguém realmente apavorante, mas que é renegada a cenas curtas, com poucas falas e momentos pouco marcantes. O mesmo poderíamos dizer de Sophie Turner, no papel da protagonista. Ela tem pouco espaço para efetivamente se mostrar como atriz e só podemos culpar o roteiro por isso.

Ainda assim, X-Men: Fênix Negra é um bom filme que traz uma história competente sobre a construção de uma das principais personagens deste universo. Tem ser percalços e quedas no caminho, mas com certeza é superior a outros longas, como X-Men: Apocalipse, por exemplo. Vale a pena conferir nos cinemas!

Direção: Simon Kinberg
Elenco: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, Evan Peters

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Dirigido por Francis Lawrence, que já havia trabalhado com a atriz nos três últimos capítulos da franquia Jogos Vorazes (Em Chamas e A Esperança partes 1 e 2), o filme acaba exibindo fragilidades pelos diversos ângulos que o espectador deseje observá-lo, revelando-se uma obra desarmônica, apática e que exibe fragilidade nos caminhos que opta trilhar. Há descompassos sensíveis por toda a narrativa.

Um dos elementos mais esquisitos de Operação Red Sparrow talvez seja aquilo que lhe confira uma certa singularidade se comparado com exemplares semelhantes, a especialidade da sua agente secreta interpretada por Jennifer Lawrence: seduzir seus alvos. Do treinamento da protagonista às suas primeiras ações em campo, o filme procura convocar uma sensualidade que não está em cena e que, por vezes, toma conta da primeira hora do filme de maneira excessiva. Todos parecem inescapavelmente vulneráveis e ter como ponto fraco a sua sexualidade, fazendo com que a premissa da obra se perca em situações artificiais que parecem viver entre a tensão de ousar com a liberdade sexual das suas personagens, mas também contê-la em função de uma audiência que não pretende afugentar.

Em outro momento, Operação Red Sparrow se rende a uma trama de “gato e rato” que oferece a protagonista a possibilidade de não mais atuar como sparrow. Nesse instante, o filme oferece uma trama de suspense que se desenrola de maneira arrastada ficando óbvio que quase duas horas e vinte de duração são demais. Ao mesmo tempo, acompanhamos um envolvimento amoroso protocolar e frio entre a personagem de Lawrence e do australiano Joel Edgerton, que se junta ao grupo de ótimos atores completamente desperdiçados pelo roteiro raso do filme (de Charlotte Rampling a Jeremy Irons). Não servindo como entretenimento e nem mesmo oferecendo novos horizontes criativos para seus envolvidos, Operação Red Sparrow não passa de um desperdício dado o porte classudo de sua produção.

Assista ao trailer:

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O que sabemos por ora sobre a história de Mãe! é que o longa acompanha um casal, formado por Lawrence e Javier Bardem (007: Operação Skyfall), e alguns convidados não desejados em sua casa. No elenco ainda estão Michelle Pfeiffer (A Família), Ed Harris (Noite sem Fim), Domhnall Gleeson (Brooklyn) e Kristen Wiig (Caça-Fantasmas).

O melhor de tudo é que o público brasileiro nem esperará muito para conferir o resultado do novo trabalho de Aronofsky. O filme estreia em 21 de setembro nos cinemas do Brasil.

Assista ao trailer legendado do filme: 

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Jennifer Lawrence nasceu nos Estados Unidos, em 1990. A carreira da atriz começou com algumas participações em séries e filmes para TV, como Monk e Company Town. Em 2007, ela foi integrante de um seriado pouco conhecido do grande público intitulado The Big Engvall Show. O programa ficou no ar por dois anos e foi a primeira personagem de destaque da artista.

O próximo papel que Lawrence faria seria Ree, em Inverno da Alma (Winter’s Bone, 2010). A interpretação lhe rendeu a sua primeira indicação ao Oscar, em 2011, e é considerada por alguns críticos como uma das melhores interpretações de sua carreira. Naquele ano, o prêmio ainda não foi seu. A estatueta foi para Natalie Portman, por Cisne Negro.

Depois da indicação, a atriz bombou nas telonas, mesclando participações em sucessos de público e filmes prestigiados pela crítica. No que diz respeito aos blockbusters, Jennifer têm dois longas importantes: a nova trilogia X-Men e a saga Jogos Vorazes. No primeiro, ela interpreta a já conhecida personagem Mística. Porém, diferentemente de Rebecca Romijn (X-Men, 2000-2006), na encarnação da atriz a sensualidade não é o único elemento explorado na “vilã”.

Lawrence trouxe diversas camadas para a personagem, fazendo uma Mística – também conhecida como Raven Darkhome – sem muitos maniqueísmos, demonstrando inseguranças, balanceando o peso e a leveza na interpretação. Essas características a humanizam, deixando o público mais próximo da Raven do que da sua figura de Mutante do passado. A atriz tem força em cena e possui uma grande química com os dois principais parceiros de cena: James McAvoy (Professor Xavier) e Michael Fassbender (Magneto). É quase impossível não shippar Mística com os dois, principalmente em X-Men – Primeira Classe (2011).

Outro longa com múltiplos ships de uma personagem da Jennifer é Jogos Vorazes, no qual a intérprete faz Katniss Everdeen. Os fãs se dividiam entre torcedores de Peeta Mellark (Josh Hutcherson), de Gale Hawthorne (Liam Hemsworth) e Finnick Odair (Sam Claflin). A película foi um estrondoso sucesso de público, com destaque para Em Chamas (2013), que arrecadou quase 900 milhões de dólares, mundialmente, durante seu tempo de exibição nos cinemas.

Porém, Jennifer Lawrence não fica apenas nos filmes blockbusters. Com O Lado Bom da Vida (2012), Trapaça (2013) e Joy – O Nome do Sucesso (2015), a atriz foi todas as três vezes ao Oscar e ganhou uma estatueta na edição de 2013 do prêmio. Além da Academia, a intérprete recebeu diversos outros prêmios, como Globo de Ouro e SAG Awards. Apesar de todas essas películas serem comandadas pelo mesmo cineasta, David O. Russell, Lawrence demonstrou uma versatilidade em sua atuação nesses papéis.

Seja em longas de ação, drama ou aventura, Jennifer Lawrence se tornou um nome importante em Hollywood, conquistando o coração do público, dos críticos e da Academia. As suas próximas estreias são X-Men: Apocalipse, em maio desse ano, e Passengers, ao lado de Chris Pratt, previsto para dezembro. Com o gancho da indicação da moça ao Oscar 2016 por Joy – O Nome do Sucesso, o Coisa de Cinéfilo traz um perfil de duas de suas personagens: Katniss Everdeen e Joy Mangano.

Qual a sua preferida?

Katniss Everdeen

Filmes: Jogos Vorazes (2012); Jogos Vorazes – Em Chamas (2013); Jogos Vorazes – A Esperança: Parte 1 (2014); Jogos Vorazes – A Esperança: Parte 2 (2015)

Personagem vinda da trilogia de livros Jogos Vorazes, Katniss Everdeen é o Tributo mais amado e odiado da narrativa. Pertencente ao Distrito 12, a menina se sacrifica para proteger sua irmã, se voluntariando para participar da 74ª edição dos Jogos, criados pelo vilão Snow (Donald Sutherland), presidente da Capital. Ao lado do seu parceiro, o padeiro Peeta Mellark (Josh Hutcherson), ela passa por muitos sufocos, batalhas, sofrimentos e indecisões amorosas durante a saga.

Pontos positivos da personagem: Guerreira, corajosa, inteligente, sagaz, honesta, protetora, madura, sensível.

Pontos negativos da personagem: Teimosa, arrogante, impulsiva.

Joy Mangano

Filmes: Joy – O Nome do Sucesso (2015)

A personagem interpretada por Lawrence nesse terceiro filme da atriz com David O.Russell foi baseado na inventora Joy Mangano, que construiu um império bilionário por meio de suas criações. No filme, o público tem contato com passagens breves da infância da moça, pulando para sua na fase adulta, na qual ela luta para não cair na mediocridade e alcançar seus sonhos. Com produtos criados para facilitar o cotidiano doméstico, Joy, com muito carisma e personalidade, trilha o caminho de seus sonhos. Mas, claro, antes de tudo isso, a garota precisou lidar com os problemas familiares, os parceiros desonestos e muitas dúvidas que passavam por sua cabeça. Por esse papel, Jennifer Lawrence com o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Comédia Musical e é indicada ao Oscar 2016 na categoria Melhor Atriz.

Pontos positivos da personagem: Honesta, dedicada, inteligente, engraçada, carismática.

Pontos negativos da personagem: Insegurança.

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Quando começou sua carreira nos anos de 1990 com filmes como Procurando Encrenca ou Três Reis, David O. Russell não dava sinais do tipo de diretor que se tornaria com títulos como O Vencedor, O Lado bom da Vida e Trapaça, longas que lhe renderam três indicações quase que consecutivas ao Oscar de melhor filme e melhor diretor. Naquela época, O. Russell tratava-se “apenas” de uma promessa do circuito indie que começava a cair nas graças da crítica e chamar a atenção da mídia especializada pelo seu temperamento forte e por suas constantes discussões com seus atores nos sets dos seus longas, como aquela que protagonizou com George Clooney em Três Reis e a mais famosa com Lily Tomlin em Huckabees – A Vida é uma Comédia. Desde que começou a seguir um certo tipo de fórmula que tem agradado os votantes do Oscar, os filmes do O. Russell parecem não ser mais os mesmos, mas também adquiriram uma estranha constância nas suas estruturas e apresentações de narrativas e personagens. O mais novo título dessa safra do realizador, Joy – O Nome do Sucesso, contudo, parece não ter agradado tanto a Academia quanto os filmes anteriores do diretor, tanto que dele apenas a sua protagonista mereceu uma indicação ao prêmio. A exclusão é merecida, mas não podemos deixar de mencionar que Joy – O Nome do Sucesso apresenta na sua estrutura e abordagem narrativa riscos muito maiores que os títulos anteriores do diretor.

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O final de uma saga épica, que levou milhares de pessoas, jovens e adultos, aos cinemas. Esse era o nível de expectativa de qualquer pessoa que fosse assistir a última parte de Jogos Vorazes, acredito. Talvez por isso também que algumas coisas tenham sido meio frustrantes. Mas vamos lá.

Katniss Everdeen está se recuperando de um ataque da Capital e, ao mesmo tempo, tentando compreender e aceitar o novo estado de Peeta, que sofreu uma lavagem cerebral do presidente Snow e agora solta palavras de ódio contra ela. Por outro lado, ela tem que lidar com a relação estranha com Gale e com a desconfiança com a presidente da resistência, Coin. Após se recuperar, Everdeen decide ir atrás de Snow, para mata-lo pessoalmente. Mas uma espécie de novo jogo foi implantado, dificultando o acesso à Capital.

É preciso deixar claro que este longa é muito superior ao anterior, que tinha longos momentos de monotonia. Eu sou fã de filme monótono, mas ainda assim o Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 1 me incomodou, porque não é esse o propósito do filme, da história. Faltou ação e ficou a sensação de que o final dividido em duas partes foi muito mais por uma manobra econômica do que por necessidade do volume de história. As distribuidoras adotaram esse costume depois que Harry Potter tomou essa decisão no sétimo livro, mas neste caso, era realmente necessário.

Muito melhor, é bem verdade, porém não maravilhoso como poderia ser. É a sensação que este filme deixa. Katniss conduz todo o filme praticamente sozinha e um pouco melancólica demais. Sim, a realidade do momento é de dor, mas a conduta da protagonista mudou. Ela quer vingança, acima de qualquer coisa, talvez acima da própria justiça. Mas o fato é que ela é uma excelente personagem interpretada por uma excelente atriz. Então, toda vírgula pronunciada é um show de atuação e isso já é o suficiente para qualquer fã.

A relação do trio principal é, talvez, o núcleo mais estranho. Não que o relacionamento deles tenha sido muito explorado nos filmes anteriores, mas nesse a conduta é diferente. Gale é ainda mais passivo e inerte ao lado de Katniss. Um digno “corno manso”, que está vendo o “amor de sua vida” correndo atrás de outro e nem ao menos luta por esse sentimento, ou expressa de maneira mais incisiva. Ele apenas aceita e pronto. Difícil acreditar nesse amor.

Já Peeta está meio vegetativo, com rompantes de ódio por Katniss e de lembranças do passado. Fica claro que ela é apaixonada por ele, mas a interação também não é bem trabalhada. O romance definitivamente é um segundo plano do enredo, embora o grande final seja protagonizado por ele. Um final clássico clichê, mas que muito me agradou, já que a história precisava de um desfecho a nível romântico.

O elenco que apoia o núcleo principal é realmente muito bom e se destaca. Julianne Moore rouba a cena quando surge como Alma Coin, enquanto Elizabeth Banks conquista nossos corações como Effie. Philip Seymour Hoffman, no entanto, falecido no ano passado, fez falta. Muita falta. Seu personagem perdeu certa importância na história e teve um final muito breve e adaptado à realidade de que ele morreu antes de terminar de gravar os filmes. Uma pena, porém não existia muito o que fazer quanto a isso.

O roteiro tem muita ação e deixa o espectador tenso. Definitivamente é implantado um novo tipo de Jogos Vorazes não declarado, em que diversas minas são colocadas a caminho da Capital, para dificultar o acesso dos rebeldes. Mesmo assim, Katniss e seu grupo seguem rumo ao objetivo de matar Snow e tomar o poder. As cenas são muito boas e trazem um pouco da adrenalina do primeiro filme que foi perdida nos seguintes.

A tomada da Capital porém é definitivamente decepcionante. Talvez o ponto mais fraco do filme. Depois de todo um alvoroço nos dois longas anteriores, criando a tensão nos espectador, a tomada do poder acontece de forma muito simplória, rápida e pouco empolgante. Poderia dizer que “absolutamente do nada”. Não posso responder pelo livro, uma vez que não li, mas quero crer que foi diferente na obra original, porque no filme foi realmente triste.

Ainda assim, esses pontos não impedem que a saga seja finalizada com louvor. O filme como um todo é muito bom, com excelente escolha de elenco e de equipe por trás das câmeras. Muito bem produzido e com direção contundente. No entanto, não sei afirmar se pela expectativa ou pela história original mesmo, mas faltou o fator “maravilha”, que faria com que os espectadores saíssem do cinema falando “que saga fantástica” e não apenas “ah, legal o final”.

O post Crítica: Jogos Vorazes: A Esperança – O Final apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.