Para entender Armageddon Time é importante compreender um pouco o seu contexto histórico. O governo Reagan ficou conhecido por sua política extremamente conservadora, marcada sobretudo pela redução de gastos com programas sociais, aumento da desigualdade entre as classes, alto investimento no exército e luta contra o comunismo no mundo. Para um país recém-saído da década de 1970 e do governo do democrata Jimmy Carter foi um baque e tanto, especialmente para a geração de imigrantes europeus que ainda assimilavam os espólios da guerra, como o avô de Paul interpretado por Anthony Hopkins, e uma outra mais jovem que vivia sob a frustração da não realização do “sonho americano”, especificamente, os pais do protagonista vividos por Anne Hathaway e Jeremy Strong.

Armageddon Time tem qualidades natas dos primeiros trabalhos de James Gray, a economia de recursos visuais e narrativos e a profunda humanidade das suas histórias. Em tese, o filme tem um enredo simples sobre ritos de passagem, mas, aos poucos, vai revelando outras camadas. Gray trabalha de maneira sutil e efetiva com o contexto histórico de Armageddon Time, fazendo com que a trajetória dos seus personagens gradativamente “conversem” com a chegada do conservador Ronald Reagan na presidência dos EUA. É interessante sobretudo como o longa cria para o protagonista conflitos éticos que o fazem se perceber como parte de uma “minoria social” e a emergência da consciência dessa identidade como fonte de força para superar contextos mais duros como os que virão. E o diretor faz tudo isso sem muito alarde, redundância dramática, é tudo sempre tão elegante, sensível, orgânico, como em seus melhores filmes (Amantes, por exemplo).

Armageddon Time também conta com ótimos atores. O garoto Banks Repeta que dá vida ao protagonista Paul tem uma maturidade cênica impressionante. Anne Hathaway e Jeremy Strong estão excelentes como os pais do protagonista. Com a chegada da adolescência de Paul e as expectativas que ambos nutrem sobre o futuro do garoto (que ao menos sua geração tenha mais sucesso do que a deles), Esther (Hathaway) e Irving (Strong) às vezes perdem as estribeiras, erram na condução da educação do menino, mas fazem tudo acreditando acertar. É muito honesto e crível esse olhar de James Gray para os pais. O diretor vai na contramão daquela visão idílica de maternidade ou paternidade. Ao mesmo tempo, com anos nas constas, o avô Aaron Rabinowitz parece ter os conselhos mais lúcidos da família e Anthony Hopkins traz muita doçura para esse personagem.

Afastando-se das epopeias que representaram seus últimos longas, Z: A Cidade Perdida e Ad Astra, James Gray procura na sua infância um relato mais intimista. Armageddon Time quer abordar o despertar para questões que acenam para a vida adulta, mas também conta a história de um país e do mundo, o exato momento em que três gerações entram em confronto com suas expectativas sobre a vida, avaliam sua caminhada até aqui e elaboram o que podem fazer a seguir. James Gray faz um filme tocante, com um elenco afiado, marcado pela sua habitual maestria e elegância como diretor e roteirista.

Aparentemente, perde um pouco da sua universalidade ao contar uma história particularmente estadunidense, com elementos de contexto que, talvez, somente eles possam entender instantaneamente. Todavia, ao compreendermos todo esse background sutilmente sugerido pelo realizador ao longo da história, Armageddon Time adquire empatia e demonstra dedicação a questões identificáveis sobre conhecer-se, não reproduzir os erros do passado e manter-se fiel a sua identidade e princípios em contextos políticos não tão humanos.

Direção: James Gray

Elenco: Anne Hathaway, Jeremy Strong, Banks Repeta, Jaylin Webb, Anthony Hopkins, Ryan Sell

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Assim que Ad Astra começa, um letreiro vermelho diante de um fundo escuro anuncia o recorte temporal da narrativa, o futuro: um lugar de esperança e conflitos. Posteriormente, essa imensidão preta permanece e estamos diante de Roy McBride (Brad Pitt, Era Uma Vez em Hollywood) trabalhando em uma estação espacial, com a azulada Terra ao fundo. Após o acidente, a câmera de James Gray (Z: A Cidade Perdida, Era Uma Vez Em Nova York) capta a queda do astronauta à Terra, alternando entre contemplativos planos gerais, que demonstram sua pequenez diante do espaço, e frenéticos planos subjetivos, que rodopiam e chacoalham que nem o astronauta.

Sem nem estar totalmente recuperado, Roy descobre uma revelação chocante. A falha na estação havia sido graças a Sobrecarga, uma energia vinda de Saturno e que ameaça toda a vida no sistema solar. Não só isso, mas ela também estaria sendo causada por um veterano e pioneiro astronauta considerado morto, ao sair para buscar vida extraterrestre anos atrás. Sem mais delongas, trata-se de Clifford McBride (Tommy Lee Jones, Jason Bourne), seu pai. Portanto, Roy parte em uma jornada emocional para achá-lo.

A estrutura narrativa de Ad Astra é simples: o protagonista vai pulando de nave em nave e planeta em planeta até chegar ao seu destino, em uma linda jornada. Todavia, isso não significa que o filme seja apenas uma viagem contemplativa e de autoconhecimento. Para trazer dinamismo, o roteiro de Gray encaixa algumas sequências de ação, mostrando a versatilidade do diretor ao filmar tensas sequências, como a da perseguição espacial pirata à la Mad Max: Estrada da Fúria.

Sem dúvidas, um dos motivos de seu sucesso (e o que torna obrigatório assisti-lo no cinema) é a forma como cada cenário é um mundo à parte. Futurista, limpo e até meio depressivo, o excelente design de produção é como um filho entre Blade Runner 2049 e 2001: Uma Odisseia no Espaço. As cores são muito variadas e auxiliam nessa diferenciação: há o azul melancólico de Netuno e da Terra vistos do espaço; o amarelo e o vermelho quentes de Marte; o roxo, verde e laranja se alternando na iluminação interna das espaçonaves. Além disso, em um momento de revelação para Roy, a sala holográfica em que está vai variando de cor conforme seus sentimentos.

Entender o rumo que Ad Astra toma passa por compreender a cosmologia presente na carreira de James Gray. Com 6 trabalhos, os temas sobre uma família disfuncional e, consequentemente, a busca por aprovação, são muito importantes para o diretor. Em Z: Cidade Perdida, juntamente com Amantes (uma obra de arte), ele já trazia um outro tópico crucial que é retomado: a obsessão pelo inalcançável.

Por consequência, a odisseia de Gray vai além de um espetáculo visual. Ela é, principalmente, uma viagem introspectiva na mente de Roy, que vive em conflito interno e na ânsia de conhecer o pai. Como é um protagonista calado e isolado, o filme usa de voice-overs e repetidas cenas em que precisa se autoavaliar emocionalmente para uma inteligência artificial. Apesar da narração em off fazer sentido dentro da solidão do personagem no infinito espacial, ela soa deveras expositiva e, por mais poética que seja, impede a catarse em certos momentos.

Em outras palavras, a atuação de Brad Pitt é fundamental para toda a organicidade de Ad Astra. Provando que é um dos maiores nomes de sua geração, os close-ups de Gray deixam o astro trabalhar a personalidade insegura de Roy. Vivendo às sombras do pai, considerado um ídolo por todos da NASA (o que o roteiro faz questão de exagerar propositalmente), é possível enxergar como ele se encontra perdido em uma encruzilhada. Ao mesmo tempo que quer rever sua figura modelo, ele parece temer a iminência de tal encontro, que acabaria com a imagem idealizada de Clifford.

Já Tommy Lee Jones, guardado para o último ato, consegue em pouco tempo mostrar como seu personagem chegou no ponto que se encontra. Neste sentido, é interessante a forma como Gray apresenta Clifford, mostrado de baixo para cima, ressaltando sua figura idealizada, e atrás de uma grade, representando o afastamento. Quem cumpre a lacuna paterna deixada por ele é Thomas Pruitt (Donald Sutherland, Jogos Vorazes: A Esperança – O Final), servindo de mentor para Roy.

Misteriosa, Helen Lantos (Ruth Negga, Warcraft – O Primeiro Encontro de Dois Mundos) surge como Deus Ex Machina para dar informações cruciais do passado. Entretanto, Eve (Liv Tyler, franquia Senhor dos Anéis), mulher de Roy, é deixada de lado, o que não seria surpreendente se não fosse a escalação de uma atriz desse porte.

Em contrapartida, quem espera que Ad Astra seja repleto de elementos futuristas irá se decepcionar. Antes de tudo, ele é uma belíssima e existencialista obra sobre drama familiar. Neste sentido, é injusto — e perda de tempo — cobrar da narrativa uma fidelidade técnica, que volta e meia é abandonada em detrimento de uma liberdade poética. Aliás, se em Z: Cidade Perdida, Gray mostrou a Amazônia de maneira mais intimista, ele faz o oposto desta vez. O espaço faz um interessante contraste com a busca de Roy, amplificando o sentimento de vazio, solidão e pequenez.

Construída gradualmente, a catarse através da dor chega tanto para o protagonista quanto para o público. Não é de hoje que o gênero de ficção científica é usado como pano de fundo para explorar a natureza humana. Felizmente, James Gray compreende perfeitamente isso. Por fim, Ad Astra é emocionante para todos aqueles que buscam uma aprovação que nunca precisaram, além de trazer uma mensagem para toda a humanidade. O ser humano é um fim em si mesmo, até que ponto a busca pelo inatingível irá acrescentar algo? Menos foco no além e mais foco no que está ao nosso redor.

Direção: James Gray
Elenco: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Liv Tyler, Ruth Negga, Donald Sutherland

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Era uma vez em Nova York é o tipo de projeto que já nasce com grandes chances de dar certo. O filme tem um excelente diretor, o pouco reconhecido James Gray, mas que dirigiu filmes cultuados por instâncias da crítica como Amantes e Os Donos da Noite e aqui, assim como fez no primeiro longa citado, assina o roteiro com Ric Menello. Além disso, o longa conta com o elenco dosado pela sensibilidade de Marion Cotillard e pela entrega de Joaquin Phoenix. Para completar, uma equipe competente formada, entre outros, pelo diretor de fotografia Darius Khondji (Seven) e pela figurinista Patricia Norris (12 Anos de Escravidão), que fazem uma reconstituição de época apurada, com escolhas que não só nos leva a uma viagem no tempo, mas também dialogam com as emoções dos personagens e com os caminhos que o realizador pretende percorrer na história. No entanto, ao contrário do que vinha acontecendo na carreira de Gray até então – como já sinalizado, apesar do aval da crítica, a carreira do diretor parecia permanecer em alguma zona desconhecida do grande público -, a morna recepção a Era uma vez em Nova York parece ser justa. Não se trata do melhor exemplar da carreira do seu realizador.

Nova York, 1921. Ewa (Cotillard) é uma polonesa recém chegada que é afastada da irmã pois esta contraiu uma doença pulmonar durante a viagem e, por motivos de segurança, teve que ser isolada em quarentena. A vinda de Ewa para os EUA é obstacularizada ainda por suspeitas de que ela seja uma mulher de “vida fácil”. A polonesa é salva por Bruno Weiss (Phoenix) que consegue a liberação dela no país. Contudo, para permanecer em Nova York e vislumbrar a possibilidade de se reencontrar com sua irmã, Ewa terá que trabalhar para Bruno como cortesã junto ao grupo que ele agencia nos becos da cidade. O destino de Ewa se transforma quando ela conhece Orlando (Jeremy Renner), um jovem mágico que se apresenta na casa de shows onde Bruno leva suas garotas. Logo, Bruno e Orlando disputam Ewa, que fica dividida entre a possibilidade de libertar-se daquela vida e a oportunidade de ver novamente Magda, sua irmã doente.

O que mais impressiona em Era uma vez em Nova York é como James Gray se perde nas armadilhas do melodrama de tal maneira que chega um momento do filme em que ele passa a sensação para o espectador de que não sabe resolver sua trama e de que não tem segurança sobre a natureza ou sobre as transformações dos seus personagens. Na dúvida, o cineasta recorre ao clichê da “moça sofrida” e joga toda a responsabilidade do filme nos colos de Marion Cotillard, que a despeito da tentativa de construir um personagem minimamente multidimensional (e ela tenta ao retratar Ewa como uma mulher simples e, por vezes, submissa), acaba “caindo” em armadilhas que a tornam aborrecida.

Gray até que se redime na sua cena final e consegue, com um duelo entre Joaquin Phoenix e a própria Cotillard, conferir uma certa substância a sua história, mas até chegar a esse momento, o realizador se perde tanto e arrasta tanto a sua trama que o desfecho acaba se tornando um insight tardio. Entre os esforços de Marion Cotillard e Joaquin Phoenix (louváveis), está um Jeremy Renner completamente dispensável, cujo personagem não diz a que veio. Como já mencionado no parágrafo de abertura, o longa vence pelo seu rigor estético, técnico, mas carece de um rumo mais consistente.

Curioso notar que um diretor que fez um dos filmes mais maduros e realistas sobre os relacionamentos amorosos do cinema contemporâneo, Amantes, evitando por completo o sentimentalismo, mas não abandonando a sensibilidade, tenha sido seduzido pelas teias de um melodrama mal feito em Era uma vez em Nova York. Talvez não seja um terreno para James Gray, talvez ele tenha que retornar a seus dramas policiais familiares ou a simplicidade dos relacionamentos humanos… Com esse filme, a sensação que fica é de que a responsabilidade de atender a tantas demandas – demandas essas que talvez nem ele mesmo esperava – o levou a um labirinto sem saída.

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