Claro que, os problemas emocionais, o vício pelas drogas e a relação tóxica com o ex-marido Blake Fielder foram combustíveis para a Amy Winehouse falecer de forma tão trágica ainda muito jovem, mas o sensacionalismo com que a mídia especializada abordou a vida privada da artista foi um grande gatilho para suas maiores crises, ofuscando o seu grande talento e sua contribuição artística para a música. Back to Black parece endossar a todo momento a perspectiva de grandes tablóides sensacionalistas sobre Amy Winehouse.

Abordando parte da vida e da carreira de Amy Winehouse, do seu surgimento com o álbum Frank em 2003 a sua meteórica ascensão com Back to Black, obra que lhe rendeu cinco Grammys, Back to Black passa a impressão de não ter o menor apreço ou cuidado pela sua biografada. O filme de Sam Taylor-Johnson resume a história da artista a inúmeros episódios de recaídas e “loucuras” com o ex Blake Fielder.

Sam Taylor-Johnson parece hipnotizada pelos momentos mais tristes da trajetória de Winehouse, sequer contextualizando sua contribuição artística, algo completamente dissolvido e explicado de forma breve no primeiro ato do longa. No momento em que Amy conhece Blake, a narrativa de Back to Black parece obcecada em capturar os pontos mais baixos da vida da artista, resumindo a trajetória de Winehouse a um relacionamento fadado à tragédia por ser marcado pela toxicidade. É certo que este é um episódio da vida da artista, mas Winehouse não é apenas isso e como pretensa cinebiografia da vida da cantora Back to Black falha nesse intento.

Para piorar o cenário, o olhar de Taylor-Johnson para a condição de um dependente químico é o mais estereotipado possível, fazendo o longa soar como uma obra concebida por um grupo de senhoras conservadoras pertencentes a alguma liga religiosa defensora da moral e dos bons costumes, obstinado em retratar a vida de Amy Winehouse como um alerta para os jovens não caírem no mesmo erro daquela celebridade sabotada pelo “descaminho” das drogas. No final das contas, não há muita diferença entre Back to Black e um especial do Fala que eu te escuto que abordaria a fama como um componente maléfico que leva jovens para o caminho sem volta das drogas. É difícil encarar em 2024 uma visão tão quadrada e insensível sobre a dependência química, a depressão e relacionamentos amorosos tóxicos como a que vemos Taylor-Johnson empregar em Back to Black.

O elenco faz o que pode com uma obra com tantos deslizes. Marisa Abela incorpora com dedicação Amy Winehouse, dentro e fora dos palcos. A veterana indicada ao Oscar Lesley Manville (Trama Fantasma) tem bons momentos ao lado da jovem atriz como a tia que foi fonte de inspiração para Winehouse. Jack O’Connell também está bem como Blake Fielder, trabalhando com sintonia ao lado de Abela. Contudo, nenhum deles é capaz tornar Back to Black um filme leve ou denso em seu olhar para a trajetória da cinebiografada.

A tese de Taylor-Johnson (“as drogas são um caminho sem volta”) e sua perspectiva condenatória para Amy Winehouse parece consumir qualquer lampejo de positividade na obra. Mesmo nos momentos em que Taylor-Johnson valoriza o desempenho de Abela como Amy Winehouse nos palcos, ensaiando momentos positivos sobre a vida da artista, algo que parece rememorar ao público a potência musical que foi a cantora, a montagem do filme imediatamente interrompe esses esforços para privilegiar algum instante mais down da sua protagonista. Enfim, difícil defender.

Se longas como Bob Marley: One Love e I wanna dance with somebody falharam por abafar polêmicas dos seus protagonistas, preferindo adotar uma narrativa de “colcha de retalhos” que parecia mais um clipe cheio de reconstituições de momentos das vidas dos seus cinebiografados, Back to Black vai em um caminho oposto, mas igualmente ruim. O longa de Sam Taylor-Johnson sobre Amy Winehouse é escandaloso e tem um olhar impiedoso para uma artista cujos escândalos injustamente sufocaram sua contribuição na música.

Se a intenção do projeto era prestar uma homenagem, o resultado visto na tela não é este. Back to Black até disfarça com um momento ou outro de respiro na vida de Amy Winehouse, mas no fundo, quer mesmo explorar sua derrocada e observa isso com um olhar conservador impiedoso que potencializa um juízo condenatório sobre sua protagonista.

O filme é um grande desserviço ao legado artístico de uma cantora cujo talento era tão fora da curva que a tornou insubstituível. Quer conhecer mais Amy Winehouse, sua vida e obra, sua contribuição artística para o mundo da música, mas também seus percalços pessoais? O documentário Amy de Asif Kapadia lançado em 2015 segue definitivo nesse intuito.

Direção: Sam Taylor-Johnson

Elenco: Marisa Abela, Jack O’Connell, Eddie Marsan

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Esta não é a primeira vez que O Amante de Lady Chatterley ganha uma versão para as telas. Já foram inúmeras adaptações, entre elas, uma minissérie de 1993 estrelada por Joely Richardson, que também está nesta versão da Netflix, porém como a governanta Mrs. Bolton (uma das melhores interpretações do filme, por sinal), e um filme com Sylvia Kristel no papel de Connie em 1981. Para a protagonista clássica do romance, a diretora Laure de Clermont-Tonnerre (de The Mustang) escala Emma Corrin, recém-saída da sua exitosa performance como a jovem princesa Diana na temporada de 2020 de The Crown. Essa versão de Lady Chatterley já acerta com sua escalação principal: Emma Corrin consegue desenvolver todas as nuances e a complexa teia de desejos e descobertas que tomam de assalto o arco de Lady Chatterley na história.

Na condução, Clermont-Tonnerre faz aquilo que recentes e medíocres adaptações de romances eróticos não conseguiram nos últimos anos (nomeadamente Cinquenta Tons de Cinza e 365 Dias): aliar romance e erotismo em um arco consistente, crível e passível de identificação de desenvolvimento psicológico de suas personagens. O Amante de Lady Chatterley de Laure de Clermont-Tonnerre explora toda a odisseia sexual da sua protagonista dando substância à complexa psicologia de personagens que, de fato, se revelam cheias de camadas e se transformam através das suas aventuras sexuais. Tanto Connie, quanto seu amante Oliver, interpretado por Jack O’Connell (de Invencível), de fato se descobrem através de um encontro que, inicialmente. era estritamente sexual e passa a tomar novos sentidos, o do amor.

Além de conseguir sustentar a complexa psiquê das suas personagens, a diretora conduz com realismo cenas de sexo que estão longe da artificialidade dos exemplares já citados. Nesse sentido, é impressionante como uma obra publicada em 1928 consegue inspirar um filme repleto de erotismo de forma que dois romances contemporâneos jamais conseguiram em suas franquias.

Um dos traços positivos desta adaptação de O Amante de Lady Chatterley é a maneira madura com a qual ela consegue problematizar a dissociação entre sexo e amor na mentalidade da nossa sociedade. Enquanto parte das produções audiovisuais explora a sexualidade como algo sujo e que, por uma lógica reducionista, não consegue combinar com o amor, tido como algo puro, etéreo, O Amante de Lady Chatterley transita entre essas duas chaves com uma organicidade impressionante. Aqui, o amor também é matéria, orna com o desejo carnal de Connie e Oliver. Em momento algum, sua diretora parece reservar olhares condenatórios para a maneira como sua protagonista explora sua sexualidade ao longo da sua jornada no filme. É libertador perceber a naturalidade com a qual Clermont-Tonnerre retrata sem pudores os desejos carnais e afetivos da sua heroína. Delicadeza, naturalidade e maturidade são ideias que sintetizam a condução de Clermont-Tonnerre para esse clássico romance erótico, reverencia assim a personagem e a obra de D. H. Lawrence como de fato merecem.

Direção: Laure De Clermont-Tonnerre

Elenco: Emma Corrin, Jack O’Connell, Matthew Duckett

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Seberg contra Todos quer mostrar os danos que as ações persecutórias do FBI legaram a Seberg, contribuindo com sua morte precoce aos 40 anos. Em virtude da sua passagem pelos EUA, Seberg adquiriu uma série de problemas de ordem psicológica que a levaram ao aborto e a ter graves crises pessoais. A atriz, como retrata o próprio longa, foi uma vítima desse sistema, claro, mas há um grupo cuja história é incomodamente abafada em prol desse fascínio do longa pela celebridade biografada e sua trágica trajetória.

Seberg contra Todos mostra como o envolvimento de Jean com os Pantera Negra foi, inicialmente, uma espécie de capricho e não deixa de frisar a todo instante que a atriz apoia uma causa por um capricho que instintiva e ingenuamente põe em prática por rebeldia. Seberg tinha traumas de Hollywood, a considerava frívola e nunca se sentiu muito bem no papel de estrela de cinema no qual insistentemente tentavam enquadrá-la, mesmo depois das suas escolhas profissionais, todas na contramão do ideal hollywoodiano. Nesse sentido, Seberg assume como sua uma causa que não lhe é própria e acaba sendo alvo do FBI. Hoover e companhia a usam para atingir o movimento dos Pantera Negra, mas no fim das contas a vítima do filme acaba sendo única e exclusivamente a atriz.

Mesmo que frise o tempo inteiro que as ações do FBI têm consequências para além da esfera pessoal da estrela de cinema biografada no drama, no fim das contas Seberg contra Todos se esquece de um contexto macro e absorve as lógicas dos tabloides que durante boa parte da trama critica. Ao fim, os Pantera Negra são deixados de lado e o trágico conto de Seberg assume o protagonismo com toda sorte de trivia desse tipo de material que acaba impressionando o público dada a singularidade da história da atriz. Até um agente do FBI cheio de remorso está presente na história para frisar o drama de Seberg.

As intenções da obra são boas, mas há um efeito colateral incomodo pelo apagamento de outros personagens, que ficam à sombra da protagonista. O desempenho de Kristen Stewart é bom, não tão bom quanto trabalhos como Acima das Nuvens ou Na Estrada, a atriz se empenha nas nuances da personagem ainda que o roteiro a sabote inúmeras vezes com construções vagas e romantizadas sobre Jean Seberg, algo que não contribui em momento algum para destacar as contradições de suas ações. É um longa cheio de ruídos no tratamento da sua história, do seu contexto e dos personagens de uma maneira geral.

Direção: Benedict Andrews
Elenco: Kristen Stewart, Jack O’Connell, Anthony Mackie, Yvan Attal, Vince Vaughn, Margaret Qualley, Colm Meaney, Stephen Root

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Tecnicamente, Invencível proporciona o espetáculo que se espera dele. Jolie conta com um dos melhores diretores de fotografia em exercício, Roger Deakins (Onde os fracos não têm vez, 007 – Operação Skyfall e Um Sonho de Liberdade), que se aqui não faz o seu melhor trabalho, ao menos nos entrega algumas belas composições de imagens que neutralizam os elementos mais incômodos do filme em certos momentos. Na condução da sua história, Jolie parece ainda tatear esse seu novo ofício, existe em Invencível uma certa dificuldade de lidar com flashbacks, por exemplo, e torná-los fluidos e interessantes na narrativa “presente” (a passagem da infância e da vida de atleta de Louie é imersa em clichês, como frases de efeitos, emoções artificiais etc.).

O melhor momento de Invencível é aquele em que o seu protagonista fica à deriva no mar com seus amigos, talvez uma das passagens que salvam o filme de maiores embaraços, já que o terceiro ato da trama é problemático com direito à interpretação canastrona de Takamasa Ishihara, um vilão que mais parece ter saído do pior dos animes japoneses, tamanha a sua falta de motivações. O protagonista do longa, o jovem Jack O’Connell, é o menor dos problemas do filme de Angelina Jolie, ao menos ele consegue evitar uma atuação over, um caminho possível já que o filme opta pela grandiloquência.

Ao final, completando a coleção de clichês hollywoodianos, Invencível ainda se revela um filme de inclinações cristãs (e, repito, é difícil pensar Angelina Jolie dirigindo um filme assim). Com uma lição moral sobre o perdão e sobre a importância do sofrimento e do esforço pessoal para se alcançar a vitória (sério que ainda tem gente que acredita nesse discurso?), Invencível termina da pior maneira possível. O filme era bem melhor enquanto acompanhávamos a penúria de três soldados em um bote salva-vidas no meio do oceano.

P.S.: O roteiro, cuja co-autoria é atribuída aos irmãos Coen, parece mais fruto do trabalho de Richard LaGravenese (de P.S. Eu te Amo) e de William Nicholson (Os Miseráveis), do que de Joel e Ethan Coen. Os realizadores de Fargo e Onde os fracos não têm vez entraram em um estágio avançado do filme, dando polimento ao trabalho já finalizado de LaGravenese e Nicholson. Resultado, assim como o filme tem mais a cara de um estúdio do que da sua diretora, o roteiro também não tem nada dos Coen e sim dos seus outros roteiristas menos badalados. É “gato por lebre”.

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