No entanto, não é isto que acontece. No meio da projeção até há uma esperança de melhora, mas, pelo contrário, a situação piora bastante. Todo o incômodo vivido durante as 1h30 de exibição pode começar a ser justificado pelo roteiro que é completamente perdido. Clara Gabrielle (Nada em Comum) e a Laurin (A Criatura) não demonstram saber que história elas desejam contar. Os diálogos são expositivos e/ou tiram o espectador da própria realidade criada naquele universo ficcional. Um exemplo é na passagem do velório. Cercando a personagem intensamente, a questão entre Cleo e seu pai é abordada com nenhuma delicadeza e num rompante que não faz sentido algum. Isto porque o passado não foi suficientemente explicado, para um problema que tão grave e que é jogado na tela de supetão, com uma gritaria aleatória.

Além disso, os elementos vão sendo postos no enredo numa espécie de pistas falsas, chegando mais do que no texto e aparecendo em quase todas as searas da produção. Um local que mais chama atenção é a confusão com uso das temperaturas. No início, as escolhas parecem coerentes. A melancolia de Cloe combina com suas vestes azuis e com a luz ciano que a cerca. Quando o rapaz de seu interesse amoroso entra em cena, o vermelho e o magenta vão crescendo. Até que tudo isso some e os elementos ficam todos misturados e não soa como algo proposital.

O mesmo pode ser dito sobre a montagem. Em algumas sequências, fica uma sensação de que há um buraco entre uma situação e outra. Utilizando fades in e out constantemente, uma cena nega a outra imediatamente, deixando um pensamento sobre quais as intenções da equipe com aquelas seleções artísticas para a obra. O ápice desta percepção chega principalmente quando a figura da filha da personagem principal, a Sophie (Anna Maiche) surge na trama. Em certo momento, as duas estão jantando e brigam sem nenhum motivo aparente ou que tenha sido bem construído. Logo depois, elas estão tranquilas, papeando sobre amenidades. Esses tipo de ação é repetido o tempo inteiro até o desfecho do longa, sempre com uns cortes sem muita ligação e atuações sem um pingo de organicidade. Mas, claro, não dá para culpar os atores que precisam tirar repentinamente emoções, pausas, gritos e respiros.

O arremate final para o desagrado ao assistir The French Teacher – Um Amor a Três é o fato de que existe uma tentativa de evocar um triângulo amoroso entre Cleo, seu crush e a sua filha. Além da surpresa em consumir um trabalho com tanta mulheres envolvidas e a aposta central para o conflito ser a rivalidade feminina, é um tanto desconcertante como é realizado o atrito entre eles. Um exemplo é a cena da cama, em que os três dormem juntos e depois tomam café em silêncio. No mínimo, esquisito e totalmente desnecessário.

Direção: Stefania Vasconcellos
Elenco: Marie Laurin, Anna Maiche, Sean Patrick McGowan, Maude Bonanni, Michelle Arthur, Roberto Bonanni, Sean Patrick McGowan, Tina Masafret

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Com uma trama que revela gradativamente a intenção de chamar a atenção dos espectadores, principalmente das crianças, sobre a importância da leitura e da imaginação, há  certa coragem de Rincón em tratar de temas pesados, como a morte e o luto, através de alegorias e cenas delicadas. A passagem que estabelece a relação de Ramón com sua mãe, seguida da perda dela, é um dos momentos chaves dessa sensibilidade da realizadora.

A construção de Lila, a diferença dela e de seu mundo para aqueles que vivem fora da ficção também é um destaque. Algumas características são óbvias, como as cores vibrantes do universo da protagonista ou seu cabelo lilás. Outros traços são mais sutis, como a maneira que ela fala, os seus diálogos e a forma de encarar as situações. Estas características transmitem um reforço para o tom de fantasia presente nela, para além da própria construção ficcional da animação em si.

No entanto, alguns incômodos aparecem durante a projeção. A primeira questão que salta aos olhos é a justificativa para Lila precisar de Ramón. Esta soa um tanto fraca e arbitrária. No longa é dito que os dois têm uma ligação, porque o menino lia a historinha que foi furtada. Depois da partida de sua mãe, ele foi a esquecendo gradativamente. Contudo, qualquer outra criança poderia ocupar aquele cargo e é estranho como a explicação acontece. Após este direcionamento, fica uma sensação de que caminhos mais fáceis para encurtar o trabalho do texto estão sendo tomados, como a concha que contém todas as soluções para a personagem principal, adiantando o desfecho do conflito.

Outro ponto que não encaixa muito em O Livro de Lila são as canções que aparecem na produção. Além de nem todas serem bem performadas, elas são muito espaçadas e um tanto expositivas. Este último fator talvez seja o mais significativo, pois em uma obra na qual o metafórico se sobrepõe e há uma tentativa de evocar discussões e diálogos apostando nos símbolos, uma música que vem para dar uma explicaçãozinha reduz os esforços anteriores e posteriores a elas.

Direção: Marcela Rincón

Elenco: Sofía Montoya, Estefanía Giraldo, Antoine Marín

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O maior ganho do longa está na progressão do estabelecimento da tensão, como as peças do quebra-cabeça vão sendo colocadas e como são desvendadas. Juntamente com a protagonista, o espectador compreende a força da relação das duas personagens principais e o medo da próxima ação nunca abandona o jogo entre eles. As pistas não são falsas e o pacto com o público é estabelecido e respeitado. O que ocorre é uma lenta descoberta ao lado de Ruby. Parte disto vem do trabalho entre Deila e Mortimer, que jogam com os olhares e os gestos de um para o outro.

A movimentação pelo espaço cria esta sensação de suspensão e é difícil prever o passo posterior de cada um. Seria um abraço ou um empurrão? Um beijo ou um ataque? Entre fluidez e e corte, têm as surpresas do que pode vir a aparecer em cada quadro. Contudo, o diretor e roteirista Edward A. Palmer se esforça para não romantizar o possível relacionamento doentio entre os dois, em Até Que Você Me Ame. Sempre é relembrado que Ruby não está se apaixonando por seu sequestrador, como a jovem é sagaz e procura o tempo inteiro tomar de volta o comando.

A produção demonstra grande potencial, principalmente à medida que o passado da dupla vai sendo revelado e pela coragem e efetividade de Palmer em fazer uma obra com tão poucos elementos e que consegue passar tudo o que ele parece desejar transmitir. No entanto, quando o enredo começa a se encaminhar para o final a sua qualidade vai caindo. O não dito, as suposições e dúvidas é que instalavam a atmosfera de apreensão. Além disso, as reais intenções do vilão não interessam muito. A dinâmica criada ali é muito maior do que qualquer coisa que possa ter acontecido no passado.

O caminho de contar explicitamente como eles, teoricamente, chegaram naquele ponto subestima o espectador. Tudo isto é quase jogado fora alguns instantes depois, confirmando mais fortemente que, de fato, todo o discurso do terceiro ato é desnecessário. Alguns elementos da atuação de Stuart Mortimer também chamam atenção negativamente. Ele parece ter uma vontade grande de representar um homem frio e é precisamente quando ele perde a organicidade que o papel precisa. A obviedade das tonalidades fortes que tomam toda a tela é uma característica forte no começo da exibição. Vermelho como sendo o perigo, por exemplo. Mas, estes significados vão sendo diluídos e ressignificados, equilibrando melhor as escolhas de Palmer para Até Que Você Me Ame.

Direção: Edward A. Plamer

Elenco: Ingvild Deila, Stuart Mortimer

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No filme, o espectador já começa com a informação de que Jonathan (Kirk Douglas) deseja  rodar um longa-metragem com três pessoas de seu passado: o cineasta Fred Amiel (Barry Sullivan), a atriz Georgia (Lana Turner) e o escritor James (Dick Powell). Desta maneira, tem-se, assim, três núcleos diferentes. Durante a projeção, o ponto de vista de cada peça do trio é revelado e as facetas, defeitos e armadilhas da personagem de Douglas vão sendo mostrados. Para exibir tal enredo, a direção de Minnelli é inventiva. Juntamente com o fotógrafo Robert Surtees (Ben Hur), diversos planos e movimentos de câmera são colocados a favor das cenas. Um exemplo são as panorâmicas que deixam uma sensação de proximidade com a realidade que está sendo mostrada. Também há os plongées e contra-plongées que mostram quem está em situação de vantagem em determinadas sequências.

No entanto, em certos momentos, a mise-em-scène de Assim Estava Escrito parece um tanto bagunçada. Muitos elementos cênicos, juntamente com a quantidade de gente no quadro e movimentos de câmera, “sujam” as sequências e deixam uma sensação de desordem, como na cena da jogatina. Esta questão não é algo que comprometa o todo, mas pode gerar algum desconforto ao espectador. Contudo, existe algo que realmente atrapalha o resultado final da obra: a estrutura narrativa repetitiva. Quando o público segue os múltiplos enredos postos no roteiro, as circunstâncias ficam compreendidas para, em seguida, serem reiteradas. No terceiro ato fica um cansaço pela previsibilidade dos acontecimentos.

É bem verdade que os autores Charles Schnee (A Cena do Crime) e George Bradshaw (Dúvidas de um Coração) procuram imprimir uma nova situação no momento da perspectiva de James, porém o desfecho desta parte é semelhante ao que já foi visto. Assim, a produção vai caindo e resta uma ansiedade para saber qual será a conclusão de tudo. No entanto, a maneira como acontece o encerramento do conflito é seguro. Ele deixa o imaginário aberto para criar e reforça a potencialidade do protagonista diante do contexto que o cerca e seu poder de manipulação. Um dos pontos altos da sequência final de Assim Estava Escrito é também o trabalho de Lana Turner, que cria olhares e gestos precisos e intensos, marcando bem as opiniões de sua Georgia.

Na verdade, toda a construção de Turner é cuidadosa e eficaz. Ela parece compreender bem que Georgia é luz na vida de Jonathan e isto já vem desde o seu figurino e na iluminação da cena. A sensibilidade de Lana vem de saber passar essa característica e equilibrar tudo isto com o lado mais sombrio da personagem. A maneira como ela encarna uma mulher talentosa, mas que vive presa em suas inseguranças e no vício do álcool é cheia de camadas e não se direciona para nada clichê ou representativo. Porque seus olhares são vivos e expressivos, juntamente com a tonicidade corporal necessária para cada momento.

Direção: Vicente Minnelli

Elenco: Lana Turner, Kirk Douglas, Walter Pidgeon

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Com um currículo que traz as funções de atriz, realizadora, escritora e cantora, Anna Karina acumulou talentos em seus longos anos de carreira. Ainda assim, o longa parece se prender bastante ao tempo em que a intérprete passou casada com o cineasta Jean-Luc Godard. Não é a menção em si que incomoda, mas a quantidade de minutos de exibição que são gastos, para que em seguida, mais próximo do final, as coisas pareçam mais corridas. Além disso, mesmo depois de já ter abordado consideravelmente o período de Anna com Godard, ele aparece em algumas menções posteriormente. Quem é a estrela da obra se não a Anna Karina, não é? Eles parecem esquecer deste fato em alguns momentos.

Este elemento é incômodo, porém ele não atrapalha a projeção como um todo. As imagens selecionadas para ilustrar a trajetória de Karina são certeiras, podendo deixar o espectador mais imerso no passado e nos caminhos de sua vida. Outro fator que aproxima o público são as inserções de trechos com entrevistas, principalmente as que foram gravadas para o filme. Além disto, Berry põe capturas de Anna em locais que relembram momentos de sua vida e de cenas suas em trabalhos marcantes. Este encaminhamento marca ainda mais o quanto a energia de Anna Karina é vibrante. As cores que a cercam quando ela está em um cinema, por exemplo, enquanto se vê sequências e fotografias são o ponto alto do longa, justamente pela forma como ela reage e fala sobre si.

No entanto, há um detalhe um tanto negativo que não passa despercebido: a narração, feita pelo próprio Dennis Berry. Esta soa um tanto monocórdica, quase como se ele estivesse lendo um texto do Wikipédia para os amigos. Nessa mescla de figura potente e imagens de força, com desvio de olhar para o homem famoso do passado da protagonista com texto lido em tom entediante, há um equilíbrio no resultado final do filme. No geral, ele é um documento importante, que traz informações relevantes sobre uma persona talentosa, carismática e importante para a história do cinema.

Diretor: Dennis Berry

Elenco: Anna Karina, Dennis Berry, Sophie Pouleau.

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