Del Toro teve o primeiro contato com o romance quando o ator Ron Perlman, que está no filme como uma figura paterna para a personagem de Rooney Mara, o presenteou com um exemplar do livro em 1992 no set de Cronos, primeira parceria dos dois nas telas antes mesmo de Hellboy.

O romance de Gresham é um material que faz todo sentido cair nas mãos do diretor. Toda a sua trama de corrupção apresenta uma atmosfera sobrenatural, mesmo que paire uma dúvida sobre a presença dessas manifestações na tela. Além disso, um dos cenários de O Beco do Pesadelo é um circo na tradição freakshow, tipo de atração bem comum na primeira metade do século passado e que rendeu obras do horror como Monstros de Todd Browning e a quarta temporada de American Horror Story. E lidar com essa temática é uma das especialidades do diretor, vide seu último longa, o vencedor do Oscar A Forma da Água.

O Beco do Pesadelo acaba sendo um conto moral à moda antiga, no qual o cineasta reverencia obras do passado, a própria primeira adaptação do romance e o cinema noir, trazendo essa história de um homem que cai em desgraça a partir do momento em que cede à ambição e ao enriquecimento a partir da exploração da fé alheia.

Bradley Cooper vive um rapaz que vai trabalhar em um circo e aprende alguns truques com um grande ilusionista interpretado por David Strathairn (Boa Noite e Boa Sorte). Mesmo alertado pelo seu mentor de que o uso indevido desse conhecimento pode levá-lo à desgraça, o personagem de Cooper utiliza tudo o que aprende para enganar gente poderosa quando vai para cidade grande. Só que ele acaba se encrencando cada vez mais, sobretudo quando ele começa a se deparar com figuras mais ardilosas que ele.

Desde que migrou em definitivo para o grande esquema de produção cinematográfica hollywoodiano, o cinema de Del Toro passou por uma adaptação. É evidente que filmes como A Forma da Água, A Colina Escarlate ou O Beco do Pesadelo estão à sombra de obras como A Espinha do Diabo ou O Labirinto do Fauno, indubitavelmente mais espontâneos e menos pasteurizados. Ainda assim, Del Toro consegue encontrar brechas em O Beco do Pesadelo.

Aqui, Del Toro acerta sobretudo por não ter grandes ambições com sua história, querer extrair grandes temáticas ou se preocupar excessivamente em mostrar o poder de fogo do cineasta com composições imagéticas mais estilísticas. Em O Beco do Pesadelo, Del Toro não tem vergonha alguma de abraçar o clássico. Mesmo que no começo, o momento em que o protagonista tem sua experiência no circo, o filme soe perdido em suas diversas histórias paralelas, sempre em busca de algum fiapo de trama central, O Beco do Pesadelo acaba nos levando a um resultado claramente mais satisfatório que títulos como A Forma da Água e A Colina Escarlate.

Um dos pontos altos do longa é o desempenho de Bradley Cooper, que faz um sujeito completamente desprezível. É interessante como Del Toro segura até o fim a verdadeira natureza desse personagem, tudo para nos seduzir com aquela figura. Desde trabalhos como O Lado Bom da Vida, Sniper Americano e Nasce uma Estrela, Bradley só se supera. Aqui o ator tem a oportunidade de interpretar um grande vilão, um homem inescrupuloso e sem redenção, mostrando assim uma faceta inesperada para o público. No fim das contas, através desse personagem tão bem delineado pelo ator, Del Toro nos apresenta o processo gradual de bestificação do homem em uma jornada desenhada com muito esmero e didatismo por Cooper.

O filme tem no elenco três atrizes formidáveis: Rooney Mara, Toni Collete e Cate Blanchett, mas as todas elas são subaproveitadas pelo tratamento raso que o roteiro dá as suas personagens. Entre elas, Blanchett tem os seus momentos como uma psicóloga que seduz o personagem do Cooper, mas é um tipo de papel que a gente já espera ver a atriz dominar como ninguém na tela e é um pouco frustrante para o espectador notar que ela não extrapola essa expectativa. Ainda assim, há momentos brilhantes da atriz, sobretudo quando Del Toro sequer registra o rosto de Blanchett no quadro e ela só tem a voz como instrumento de expressão nas sessões de análise do personagem de Cooper.

De uma maneira geral é um super-produção, um ótimo entretenimento adulto fugindo das opções usuais do cinema atual, como filmes de super heróis e derivados. O Beco do Pesadelo é bem dirigido por Guillermo Del Toro e, sobretudo, confirma Bradley Cooper como um intérprete versátil.

Direção: Guillermo del Toro

Elenco: Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman, Mary Steenburgen

Assista ao trailer!

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Vindo da comédia, o roteirista e diretor, sabe como jogar com a dinâmica da suspensão, do absurdo e do timing cômico. O resultado, geralmente, é um nó na garganta. Talvez, o título que havia chegado mais perto de alcançar este efeito com êxito, anteriormente, tenha sido o seu A Grande Aposta. Agora, com Não Olhe para Cima, Adam McKay aumenta o seu potencial de contar histórias e dosa com uma habilidade mais intensa os efeitos colocados na tela, seja em sua direção ou nos encaminhamentos da sua narrativa.

A inserção e retirada de diálogos e a maneira como os textos podem chegar entrecortados são os maiores ganhos do enredo. Há toda uma gama de sentidos criados entre o não dito e o que é explicitado verbalmente, inclusive com gritos. Esta estrutura revela a compreensão de McKay sobre a própria condição humana, seja por sua tolice e egoísmo, ou por seu caráter forte, mesclado ao desejo de sacudir o mundo e clamar para ser escutado de uma vez só.

Além disso, é curioso de observar como, ainda que não realize uma progressão linear de ações nítidas – existem idas e vindas de intensidade nos acontecimentos da trama –, a obra vai se tornando cada vez mais angustiante para quem assiste. Aqui, novamente, pode-se abordar a consciência sobre o uso da comicidade. Gradativamente e sutilmente, a graça se transforma em riso nervoso para, em seguida, virar melancolia e pânico.

Mesmo rindo de si e da humanidade, o desprezo por uma parte da sociedade e o respeito por outra, ganha espaço e não há retorno dentro da história. É notável – e até óbvio – o que McKay deseja convocar em seu longa-metragem. Este é sim um retrato de um país tolo e autocentrado, que enxergou um pouco da verdade sobre si, a partir de 2016. Ao invés dos grandes heróis, salvadores do Planeta, este é um reduto de diversos tolos, ignorantes políticos, preconceituosos e egocêntricos.

O que McKay desconhece é que esta realidade se assemelha a de múltiplos locais da Terra, incluindo o Brasil, com seu presidente genocida e seus apoiadores cruéis e desonestos. Ao se deparar com a sessão de Não Olhe para Cima, seu público pode sim se identificar com todo aquele conteúdo, por mais insano que seja o plot, seu desenvolvimento e desfecho. É justamente isto que Adam faz em sua produção: toma posse do impossível para retratar as pessoas da contemporaneidade.

Todavia, o que falta nele é uma visão menos “estadunidense centrada”, por assim dizer. Com um olhar tão voltado para si, ainda que seja para abordar seu país com um olhar cheio de ironia, a salvação de todos os seres humanos continua nas mãos de um único lugar: os Estados Unidos. Nenhum outro local foi capaz de encontrar uma solução eficaz para a catástrofe anunciada.

Além disso, ainda que a tragédia afete a humanidade inteira, somente uma nação é retratada. Este é um incômodo intenso em Não Olhe para Cima, visto que este umbiguismo é recorrente no audiovisual hollywoodiano, desde a sua criação. No entanto, apesar deste engasgo, vale ressaltar outras qualidades presentes no longa. A direção de McKay fomenta a qualidade do projeto.

A decupagem serve ao que está sendo contado com precisão e provoca sensações precisas no público, como na escolha em fechar mais certos planos e utilizar câmera na mão, nos instantes nos quais Kate (Jennifer Lawrence) e Randall (Leonardo Di Caprio) se sentem pressionados ou em pânico. Os enquadramentos e movimentos, juntamente com uma mise-en-scène – que mistura uma marcação caótica e desorganizada, com extremamente limpa ou diversos objetos, com pouquíssimos elementos de cena – contribuem para as interpretações.

As atuações de Meryl Streep (Mamma Mia!) e Di Caprio (Titanic) – que vinham pesando a mão nas suas construções, nos últimos tempos –, chegam aqui firmes e sutis. O jogo de câmera, bem como a montagem de Hank Corwin (Vice), barram certos exageros que a dupla poderia cometer. Neste sentido, também é necessário dar créditos para Streep e Di Caprio, veteranos talentosos, ainda que passem do ponto em alguns de seus papéis. Aqui, ambos imprimem tônus no corpo e na voz, se pôr peso ou sujeira em seus movimentos.

Ambos captam com segurança as intenções do roteiro e criam nuances e camadas para suas personagens. Talvez, este destaque seja tão visível por estas serem as figuras mais complicadas no filme, por possuírem características um tanto estereotipadas, mas que são bem conduzidas, suavizando estes tipos: o cientista estressado e a política egocêntrica. Contudo, Cate Blanchett (Carol) e Jennifer Lawrence (Jogos Vorazes) também trazem boas performances, que geram repulsa ou empatia, a depender da personalidade de cada uma delas.

Em seu resultado geral, Não Olhe para Cima é eficiente em registrar e analisar a contemporaneidade, em todo o seu ilogismo, suas compulsões, suas vaidades. Com uma equipe talentosa, quase nada de seu potencial é desperdiçado. Para ser completo, de verdade, bastava apenas erradicar o pensamento tão alto centrado dos EUA.

Direção: Adam McKay

Elenco: Jennifer Lawrence, Leonardo Di Caprio, Meryl Streep, Jonah Hill, Cate Blanchett, Mark Rylance, Tyler Perry, Ariana Grande, Rob Morgan, Timothée Chalamet

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O enredo traz a história de Lewis, um garotinho que perdeu os pais em um acidente de carro e tem que ir morar com um tio desconhecido. Ao chegar na estranha casa de tio Jonathan, o menino logo percebe que a dinâmica é bem diferente. Unido a isso, a dificuldade de Lewis em fazer amizades e se sentir pertencente ao ambiente em que se insere.

O filme cria um universo muito interessante e atraente de mistério e excentricidade. A casa onde tudo acontece é assustadora e desperta curiosidade, tanto no personagem quanto no espectador. É bom ir descobrindo aos poucos as infinitas possibilidades. Com uma linguagem que atende às crianças, mas sem infantilizar, O Mistério do Relógio na Parede é o tipo de filme que agrada pais e filhos, independente da idade.

O problema, no meio do caminho, é a queda da narrativa. Enquanto a atmosfera é muito bem construída, a história, em si, perde a mão e fica arrastada. Embora a curiosidade atraia a atenção do espectador, isso não é o suficiente. Logo ficamos ansiando para que algo efetivamente aconteça.

O bom, contudo, é que acontece. Seguindo na linha de terror com mistério e uma dose de fofurice, o filme começa a, enfim, criar o caminho de seu ápice e construir seu herói. Consigo perceber um toque de Jumanji e ele é bem-vindo. Lewis vai criando coragem aos poucos, inicialmente porque quer fazer amizades. Depois ele realmente ganhavautoestima e enfrentando seus medos.

O elenco, embora relativamente reduzido, é excelente. Jack Black assume o papel do tio excêntrico e que deixa tudo, enquanto Cate Blanchett é a vizinha simpática e igualmente excêntrica que mais parece que mora na casa. No papel do garotinho, temos Owen Vaccaro. Ele não teve papéis de destaque no cinema ainda, mas provavelmente O Mistério do Relógio na Parede será uma porta se abrindo. Além de natural, o menino sabe criar uma ótima química em cena com o restante do elenco.

Este filme pode ter alguns desvios, mas nada que chegue a comprometer o resultado final. Ele é agradável de assistir, tem ótimas atuações, uma história interessante e uma construção de enredo boa. Vale a pena assistir e levar toda a família!

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Debbie Ocean é irmã do famigerado Danny Ocean, interpretado por George Clooney na película sitada acima. Ela acaba de sair da cadeia e já planeja um novo golpe para faturar milhões. Ela conta com a ajuda da parceira Lou e, juntas, elas reúnem outras mulheres para executar o plano de roubar uma joia durante o Baile do Met.

Desta introdução você já percebe que o filme é bem parecido com a versão masculina. Mas isso não seria problema algum se o roteiro deste aqui inovasse e fosse menos previsível. Cada cena, cada ato, é facilmente identificável pelo espectador, que começa a se entediar com a falta de elementos novos. Até o clímax do filme é perdido no meio de tantos clichês.

O diretor Gary Ross se limita, infelizmente, a reproduzir o roteiro masculino, sem dar corpo e identidade à esse. Ao invés de aproveitar a premissa e trabalhar em cima disso, ele simplesmente copiou e colou, sem adequar direito à questão feminina. Estamos falando de um elenco forte e majoritariamente feminino. Tudo isso poderia ser muito bem explorado. As possibilidades são infinitas. Mas Ross se contentou em trazer o básico do básico.

O grande suporte que esse filme tem, de fato, é o elenco. Uma atriz mais impecável que a outra e que funcionam muito bem juntas. Além de grandes atuações, temos uma unidade forte na equipe. Todas têm seus momentos de glória, mas se destacam entre a multidão também. Destaque especial para Rihanna, que mostra amadurecimento na atuação e está ótima no papel da hacker Bola Nove. Mas é claro que a dinâmica entre Sandra Bullock e Cate Blanchett é única e deliciosa de assistir.

Não menos importante, temos Helena Bonham Carter, Sarah Paulson, Anne Hathaway, Mindy Kaling e a mais novata Awkwafina. É tanta mulher retada junto que a gente até esquece o roteiro fraco. Elas valem a pena todos os momentos e as quase 2h de duração do filme.

Mesmo dentro de todos esses moldes pré-arranjados, Oito Mulheres e Um Segredo é um filme com começo, meio e fim, e funciona razoavelmente bem. O público se diverte, dá risada, fica animado. Tudo que é de se esperar desta proposta. O que decepciona mesmo é que ele poderia ir muito além disso, mas prefere ser apenas um longa comum. Vale a pena, sim, mas perdeu a chance de ser lembrado no futuro como algo inovador.

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Manter recorrências temáticas e abordagens técnicas, estéticas e narrativas em uma filmografia sempre foi encarado no cinema como indício de integridade artística, sobretudo quando nos voltamos para analisar a carreira de um diretor. Ao longo de toda a sua caminhada, o, até então, recluso realizador norte-americano Terrence Malick fora conhecido por inserir em seus filmes preocupações de cunho existencialista, talvez uma herança da sua própria formação como professor de Filosofia, colocando o homem em sua relação de conflito com a natureza e com sua própria função na Terra. Malick gosta do universo interno das suas personagens, mas também os explora na perspectiva do que lhe é externo, suas indagações em meio aos espaços que os mesmos habitam. O diretor não é grande fã das narrativas, prefere realizar um espécie ensaio pictórico com insights esparsos que dão pistas sobre quem os seus protagonistas são, suas trajetórias, suas relações e suas principais indagações ao universo e a alguma entidade religiosa.

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Em 2016, a Academia pode ter que fazer uma “escolha de Sofia”: escolher entre indicar Cate Blanchett por sua performance no melodrama Carol de Todd Haynes ou nomeá-la por sua interpretação no drama Truth de James Vanderbilt (roteirista de Zodíaco), filme que foi exibido recentemente no Festival de Toronto e trouxe muitos elogios para o desempenho da vencedora de dois Oscars. Já divulgamos o trailer de Carol e agora noticiamos a chegada do trailer de Truth, que traz Blanchett ao lado de nada mais nada menos que Robert Redford.

No longa, Cate interpreta uma produtora de telejornal que junto ao seu âncora (Redford) investiga uma denúncia de que o presidente George W. Bush usou sua influência para escapar do alistamento na Guerra do Vietnã. Eles decidem levar a informação ao público, mas acabam enfrentando uma série de riscos com altas esferas do poder que podem abalar suas próprias carreiras.

Ao lado dos atores está um elenco formado por Elizabeth Moss (da série Mad Man), Dennis Quaid (Longe do Paraíso) e Topher Grace (Interestelar).

Assista ao trailer de Truth abaixo:

Voltando ao tópico “Oscar”, especula-se que os responsáveis pela campanha do Oscar de Carol pode realizar esforços para conseguir que Cate entre no páreo como coadjuvante pelo filme, podendo concorrer tranquilamente a uma vaga na categoria melhor atriz por Truth (a Academia tem como regra não indicar atores duplamente em uma mesma categoria) o que pode trazer para a atriz um novo recorde, a segunda dupla indicação em uma mesma cerimônia do Oscar. Em 2008, Cate Blanchett já tinha sido protagonista desse feito com uma indicação como melhor atriz por Elizabeth – A Era de Ouro e como melhor atriz coadjuvante por Não Estou Lá.

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A atriz Cate Blanchett é a cotada para viver Lucille Ball em uma cinebiografia produzida pelo diretor Aaron Sorkin, mesmo de Steve Job e A Rede Social. Ball foi uma famosa artista dos anos 1950 e ficou conhecida por seu papel na série I Love Lucy. O longa vai contar sua história, focando principalmente no casamento com o também ator Desi Arnaz, com quem ficou por 20 anos. Eles contracenavam juntos na série e formavam o par romântico principal.

A cinebiografia contará com a produção de dois filhos do casal famoso, Lucie Arnaz e Desi Arnaz Jr.. Essa não é a primeira vez que Blanchett interpreta outra atriz no cinema. Em O Aviador, ela viveu Katharine Hepburn, o que, inclusive, lhe rendeu o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante.

O longa ainda não previsão para iniciar a produção.

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Saiu o primeiro trailer do filme Carol, protagonizado por ninguém menos que Cate Blanchett e Rooney Mara. As primeiras cenas oficiais mostram o início do relacionamento entre as personagens principais, em uma Nova York dos anos 1950 e com histórias bem diferentes. Blanchett é Carol, uma mulher que tem seu poder de sedução e vive presa em um casamento infeliz e sem amor. Já Mara é Therese, uma jovem de 20 e poucos anos que trabalha em uma loja de departamento e almeja uma vida melhor.

Dirigido pelo diretor Todd Haynes, o mesmo de Longe do Paraíso e Mildred Pierce, o longa foi aclamado pela crítica no Festival de Cannes deste ano e segue tendo alta aprovação dos jornais especializados. Esse primeiro trailer já dá uma pequena mostra do imenso potencial do filme e da certeza de que teremos um show de interpretações. A estreia no Brasil está prevista para dezembro deste ano.

Confira o trailer!

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Cinderela é o tipo de filme que já chega encantando muito antes de sua estreia. A expectativa era enorme, principalmente do fiasco que foi Malévola no ano passado, que frustrou muitos fãs com uma história completamente distorcida daquela conhecida da Disney. Muito diferente disso, Cinderela seguiu à risca o conto de fadas e trouxe todo o deslumbramento que lhe é característico.

A história é uma velha conhecida e fala sobre uma jovem que perde a mãe e seu pai decide se casar com outra mulher, que tem duas filhas. Eles têm uma relação superficial desde o começo, mas com o falecimento do pai, a situação se agrava e Cinderela passa a viver como criada da madrasta e das duas irmãs postiças. Ela trabalha duro na mansão, limpando, cozinhando e servindo as três, mas sempre com o sonho e a doçura de qualquer jovem comum. Ela acaba conhecendo acidentalmente o príncipe na floresta, sem saber de quem ele se trata. Quando surge o baile real, ela vê como uma oportunidade para conhecer o castelo e vivenciar uma noite de sonhos.

O diretor Kenneth Branagh surpreendeu com o filme, uma vez que não tinha experiência anterior com contos de fadas. A história consegue seguir no gênero infantil e encantar os adultos, ao mesmo tempo. É encantadora e emocionante. Ele fez questão de destacar os aspectos de cada personagem e trabalho as possibilidades muito bem. Associado à direção de arte, que também fez um excelente trabalho e compôs cores incríveis e contrastes visuais que deixam um filme muito variado.

Devemos destacar também que a edição de som também teve um trabalho destacável, que já começou desde o trailer que fazia qualquer pessoa mais sensível se arrepiar com a intensidade da música. Essa aposta foi repetida no filme e casou perfeitamente com todo o deslumbramento causado pelas vestimentas. Aliás, capricharam no figurino. O vestido da Cinderela para o baile é de chamar a atenção, destacando em cada passada que ela dar. Parece que foram usados 200 metros de pano para fazer todas as camadas. Incrível!

No quesito atores, não poderia haver escolha melhor. Lily James traz toda a inocência e gentileza que a personagem sugere, além de ser linda e delicada. O príncipe é representado por Richard Madden, que os fãs da série Game of Thrones podem se lembrar como Robb Stark, e também assume muito bem o papel, com toda a virilidade e olhar apaixonado. Mas ninguém melhor que a Madrasta, vivida por ninguém menos Cate Blanchett, que rouba todas as cenas que parece e finaliza com um solo incrível. É inebriante como ela consegue ser má e perfeitamente linda, ao mesmo tempo. Tem também Helena Bohan Carter como a Fada Madrinha. Como sempre, simplesmente perfeita.

Vale lembrar que, embora a história seja uma cópia bastante fiel daquela contada pela Disney, dá umas justificativas melhor explicadas, como a relação de Cinderela com o pai, que é bem explorada no começo. Além disso, mostra o motivo pelo qual a Madrasta odeia e inveja tanto a menina, trazendo seu passado como explanação. Isso dá ainda mais sentido na história.

Cinderela é um filme encantador, leve e apaixonante, que faz com que o espectador sai da sala de cinema sonhando e sorrindo para as possibilidades de contos de fadas que a vida traz. A filmagem em live-action do clássico foi muito acertada e tem agradado a gregos e troianos, recebendo críticas positivas ao redor do mundo. Não deixe de conferir!

O post Crítica: Cinderela apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.