Para além da ingenuidade do roteiro, o que realmente incomoda durante a sessão é o trabalho de Ceylão. Apesar do artista se demonstrar empolgado com a linguagem audiovisual, as suas escolhas são exageradas.

Existe o fato da mise-en-scène ser confusa. Em diversas sequencias, há desfoque no rosto de justamente da personagem que está mostrando emoção. Na maioria dos momentos, Ceylão coloca a câmera em algum lugar disruptivo – atrás de uma estante, do corredor, do outro lado parede etc. 

Dentro dessa lógica, falta respiro de tal forma que a fruição fica comprometida. Velocidades distintas fazem o ritmo, já os ângulos e planos plurais são bem-vindos, mas a câmera parada, em um take longo também é importante. 

Esse é o papel de um cineasta, na verdade, saber as doses de cada ação, intenção e do que colocar dentro da narrativa. Mas, para além disso, a luz incomoda em alguns instantes. O rosto das personagens negras não são iluminadas da mesma forma, que das brancas.

Por isso, existem sequências que estes intérpretes não podem ser vistos em sua totalidade. Todavia, é necessário pontuar o esforço do elenco. Eles possuem fé cênica e nitidamente acreditam naquele projeto. Por isso, por mais que as cenas se estendam em planos longos de tal maneira que os atores saem do papel, no geral o resultado é positivo. 

E o que é isso exatamente? Os atores geralmente não param de atuar até o diretor dizer corta. Desta maneira, neste longa, o montador e/ou a direção deixaram o público ver esse pedaço quando o elenco já saiu praticamente do papel:

Assim, Resta Um é um tanto amador. Mesmo que consiga gerar alguma conexão da plateia com o espectador, isso se dá menos pela qualidade da obra em si e mais pelo carisma e talento do elenco.

Direção: Fernando Ceylão

Elenco: Caco Ciocler, Maria Ribeiro, Perla Carvalho

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O que seria a arte cinematográfica se não uma mistura de linguagem e discurso? A técnica audiovisual possui lógicas. É necessário que o público enxergue uma história através de imagem e um som pensados. Existem regras para que tal objetivo seja alcançado, regras essas que podem ser quebradas, caso a prática seja estratégica, lógica e esteja à serviço da narrativa.

Aí, então, tem-se ele, o discurso. Este é imprescindível para qualquer produto midiático que se preze. Ele precisa ser coerente, amarrado e, obviamente, necessita estar embebido do progresso das ideias. Mentalidades ofensivas, visões estapafúrdias e preconceituosas de indivíduos e comunidades são inquestionavelmente dispensáveis e, muitas delas, podem ser até crime (racismo, transfobia, msoginia etc.).

A ofensa em A Vida de cada um não chega a ser violenta ao ponto de ser criminosa, ainda bem, mas ele é um exercício doloroso para as vistas e os ouvidos. Veja bem, leitora* que ainda não desistiu deste texto, a primeira coisa que se nota quando a projeção se inicia é que a saturação está baixa e o contraste alto. Este fator  incomoda, porque ou a luz não foi pensada para aquela setagem ou a equipe queria criar uma sensação de penumbra, que não funciona, porque fica difícil enxergar o que está acontecendo em cena.

O longa também passa uma impressão de baixo valor de produção, justamente por essa escolha de tonalidades. Além disso, inserir essa opacidade e tom sombrio antes de que exista uma relação estabelecida entre produto e público faz com que pareça um efeito pelo efeito, uma vontade de criar tensão, que não foi elaborada.

É importante refletir que encontrar uma exibição com imagem lavada e sem personalidade é frustrante, mas o exagero disso também é incômodo, sobretudo quando ferramentas técnicas não são usadas de forma coesa com a narrativa.

Mas, tá, se esse fosse todo o problema de A vida de cada um essa crítica seria mais enxuta, porém esse só é o começo de um exercício escrito sobre esta produção, pelo assombro, de fato, que acometeu esta crítica de cinema, enquanto a assistia. Dois pontos cruciais, repito: cruciais, do audiovisual são jogados ao léu aqui. Decupagem e montagem.

Todavia, é um tanto árduo afirmar com exatidão qual foi o maior erro neste contexto. O que é possível dizer é que os quadros e movimentos de câmera, salvo em raras sequências, não ajudam na criação de universo ficcional ou a traduzir as emoções das personagens. Os pontos de corte são escolhidos da pior maneira possível. E o que isso quer dizer, professora? Quer dizer que a plateia perde a noção de continuidade da cena, não apenas de temporalidades, porém do que está efetivamente acontecendo.

E quando essas situações constrangedoras de edição ocorrem, não pense você, cara leitora*, que aparece no ecrã algo disruptivo, que elabora um sentido plural e profundo.  Não, é erro mesmo, de você olhar para tela e perceber que algo está estranho. Essa percepção pode chegar também porque os eixos são invertidos.

Em um dado momento, no qual a protagonista conversa sobre um esquema com seu paquera, a troca de eixos fica insuportável e já não se sabe o que se passando de fato, se o tempo vai passar, se algo vai acontecer, ou se o troca-troca de lado é apenas uma fatídica escolha. Nesse sentido, as mudanças de época são desconfortáveis também, porque não são feitas de forma fluida e coesa.

As informações de passado e presente não aparecem de maneira a entregar pistas da vida da personagem principal. Esse quebra-cabeça deveria ser para compreende as motivações dela e o que supostamente ocorreu com sua mãe. Não, na realidade, nem mesmo quando as situações se passam na mesma linha temporal existe uma coerência.

Talvez, a intenção fosse não subestimar o espectador e isso é louvável, mas faltou criar sentido conexo. O pai de Flávia  vai fugir, vai morrer, vai matar, vai se vingar, vai o quê? Flávia (Bianca Comparato, Irmã Dulce) vai vender cocaína, já vendeu, não vai mais vender, mas vai sim vender, só que agora vai ser vereadora, porém vai vender cocaína, não, pera, não vai mais não, porque…é, porque…

Ninguém sabe exatamente qual o motivo de enfiarem tantas ações amontoadas no roteiro, de Salles com  Leo Garcia, que não desenvolvem as figuras dramáticas e nem a trama. Mas, para não abusar do espaço digital que abriga esta critica, caminhemos para o desfecho deste material observando o quanto o discurso de A vida de cada um é problemático.

Apesar de fazer um esforço hercúleo para ser progressista, quem assiste observa aqui uma visão branca e elitizada do tráfico de drogas e da favela. Longe desta que vos escreve palpitar sobre a vida pregressa de Salles e Garcia, mas a história aqui parece refletir quem eles são. Assim, a impressão que a obra passa é de que ela foi escrita por pessoas que não conhecem o ambiente retratado.

A sensação é de que Tropa de Elite encontrou Cidade de Deus, eles ficaram confusos e não souberam o que fazer, porque os diálogos são permeados de gírias e palavrões e ninguém saber o que está dizendo ou fazendo, mas estão ali no morro, com policiais corruptos, brigas por boca e…? Quem são essas pessoas? Ninguém sabe. Essas discussões de certo renderiam longas conversas, mas vamos fazer um exercício socrático e deixar nesta crítica perguntas que podem iluminar o pensamento sobre qual é a razão do longa de Salles convocar tanta angústia.

Como são representadas as personagens negras? Qual o objetivo da produção ao passar o bastão do homem branco corrupto para a mulher branca corrupta, pensando no sentido de avaliação sobre o patriarcado em relação às mulheres? Por que todos os arquétipos de quem nasceu e sobe o morro são negativos? Cadê as mulheres moradoras do morro?

Ou, ainda, não há saída para quem mora em comunidade? Por que não há nenhuma representação aprofundada dos sentimentos das figuras dramáticas que estão na tela, a não ser a do pai da “mocinha”? Por que em 2026 lançaram um filme de brancos sobre brancos que sobem o morro? Por que fizeram isso e ainda fizeram mal e porcamente?

São muitas perguntas, mas para não dizer que 110 minutos foram surrupiados da plateia, é importante enaltecer a construção de papel feita por Bianca Comparato. Ela é uma excelente intérprete em tudo que faz, mas aqui ela merece uns pontos a mais, por tudo que está ao seu redor. A

inda que a direção de elenco não tenha visto os buracos enormes e as quedas de dinâmica de contracena, Comparato sustenta a sua Flávia. A artista imprime uma mistura de carisma e odiosidade para Flávia, que, de certa maneira, prende a atenção de quem acompanha o enredo. Assim, A vida de cada um é ruim, mas, é melhor assistir a filme ruim nacional do que estrangeiro, ok?

Além do mais, em tempos de red pills e jogo do tigre, é melhor ver o esforço de Salles para denunciar mazelas da sociedade do que ver qualquer coisa de pessoas contemporâneas que são realmente ofensivas no sentido criminoso da palavra.

*leitore/leitor

Direção: Murilo Salles

Elenco: Bianca Comparato, Caco Ciocler, Drico Alves

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Minha, toda minha

Juntos, essa noite

Quero te dar todo meu amor*

Conhecido por suas canções intensas e apaixonadas, Sidney Magal, o maior amante latino do Brasil, ganha uma cinebiografia, que vibra no tom de sua personalidade. Ainda que Meu Sangue Ferve por Você, o longa-metragem de Paulo Machline (Trinta), não seja dos melhores, a energia do romance, do brega, de amores infinitos – possíveis ou impossíveis –, das dores de corno, das lamentações e alegrias das paixões das canções de Magal estão todas ali, impressas no ecrã.

Através de um musical que narra como Magal (Felipe Bragança) conheceu, apaixonou-se e começou um relacionamento com a sua atual esposa, Magali West (Giovana Cordeiro), a produção transforma o casal em uma dupla de mocinhos alegres, que dançam e cantam, pelas ruas de Salvador. Sim, estamos falando de um musical (mais um acerto da obra), passado em terras soteropolitanas!

Apesar de alguns sotaques sofríveis (até mesmo quem é baiano dá aquela forçada), a exploração da geografia da cidade acontece de forma eloquente, algo que deveria ser óbvio, mas que é geralmente deturpado no audiovisual nacional. Neste lógica, as dinâmicas de contracena do elenco, junto com a química do par romântico central, ajudam a construir um senso de empatia e torcida para as personagens.

Toda, minha vida (sim)

Eu, te procurei (nanananana)

Hoje, sou feliz

Com você que é tudo o que sonhei…

Também é preciso reconhecer o esforço de Felipe Bragança e Caco Ciocler, que fazem Magal e seu agente, respectivamente. Com uma escrita tão farsesca e exagerada, o seus papéis corriam o (sério) risco de beirarem ao ridículo, o que não ocorre aqui. Por estas razões que, majoritariamente, a sessão é divertida. No entanto, os tropeços são maiores que os acertos.

Não tem trabalho de ator talentoso e consciente da criação de gênese e relação de personagem que salve execuções ruins da técnica. O roteiro é básico, aposta não apenas em uma narrativa clássica, como em clichês de filmes de romance, alguns diálogos expositivos, um desenvolvimento que não explora camada das personagens, todos são arquétipos rasos e a trama é completamente previsível. Aí, o leitor pode pensar: e os números musicais, Enoe?

Bom, depois de uns 10 segundos de iniciados, eles ficam bons, porém acabam, imediatamente quando isso ocorre. Sim, é abrupto. Nem o início e nem o final das canções possuem coesão visual, textual – verbal ou não – com a história. A montagem também não colabora – bem, talvez não houvesse um bom ponto de corte, mas só é possível julgar o resultado, não é mesmo? O impacto destas interrupções desconectam e cansam o público, tanto no início quanto no final das canções.

Ah, eu te amo

Ah, eu te amo meu amor

Ah, eu te amo

E o meu sangue ferve por você

Além disso, a mise-en-scéne (coitada) é completamente confusa. De certo havia um frisson da equipe que, contaminados pelo espírito do ritmo “magalzesco”, se deixou levar por uma intuição falha – ou é o que esta que vos escreve prefere acreditar -, pois a aceleração é confundida com ritmo. Além disso, direção e direção de coreografia se equivocam, deixando espaços abertos, criando uma sensação de pouco ensaio, falta de noção espacial e de enquadramento.

Esse último elemento citado é o pior de todos. Distribuição de elenco e objetos de cena é criação artística 101! Seja no teatro amador ou profissional, no cinema experimental, hollywoodiano, indie ou de guerrilha, não importa… A construção estética e imagética das cenas (ou sequências) precisa funcionar!!!! E o que isto quer dizer? É preciso que exista uma concepção de direção (de todas elas, geral, de fotografia, de arte etc), que pense em como serão as ações de atores, colocação de câmera, distribuição de material cênico nos espaço, entre outros.

Meu sangue ferve por você parece traduzir o real significado de furdunço para tela. O que seria compreensível, pensando nesta atmosfera caótica de comédia romântica musical, que a equipe parece querer convocar. Mas, na arte, meus caros, o furdunço tem que ser organizado, porque cinema (teatro, dança e assim por diante) não é bagunça. É por isso que a exibição se torna frustrante. Falta know-how, tempo ou talento para criar um bom resultado.

Porque quando a plateia vai ao cinema ver uma farofinha romântica, ela quer se divertir. Não é preciso que uma obra se leve muito a sério ou que traga o roteiro mais inventivo do mundo. Mas, se vão fazer o básico, que façam com cuidado, respeito e dignidade, ainda mais se for uma obra nacional com recursos financeiros mais avantajados do que o de costume.

*Utilizamos trechos da canção Meu Sangue Ferve por Você, de Sidney Magal.

Direção: Paulo Machline

Elenco: Felipe Bragança, Giovana Cordeiro, Caco Ciocler

Assista ao trailer!

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O longa é dirigido por Leonardo Domingues, que estreia na função após ter feito carreira como montador em filmes como Serra Pelada e Onde a Coruja Dorme. A cinebiografia toca em aspectos extremamente controversos da história de Simonal, como sua personalidade difícil, sua aversão à monogamia e, sobretudo, sua relação com a ditadura diante de acusações de que o artista era um delator de colegas no período, algo que custou caro a Simonal até a sua morte.

Como a maioria dos títulos nacionais desse filão com o selo Globo Filmes, Simonal obedece a cronologia linear desse tipo de narrativa, construindo a ascensão e queda do seu biografado. Entretanto, a produção encontra muita dificuldade em seu início para construir a carreira do músico, não conseguindo dimensionar sua singularidade no meio artístico nacional e apelando para alguns chavões presentes em diálogos que sempre parecem artificiais.

O longa é marcado por alguns desempenhos ruins do seu elenco. Entre eles, Leandro Hassum, excessivo como Carlos Imperial, e Isis Valverde, que interpreta Tereza, a esposa de Simonal, no piloto automático. O longa peca ao abordar de maneira tímida o racismo na trajetória de Simonal, que, certamente, deveria incomodar bastante uma sociedade brasileira ainda mais preconceituosa que a atual. Há uma menção numa cena em que Simonal é entrevistado por um jornalista e a vinculação disso às dificuldades do artista ao longo de sua carreira fica subentendido. De excepcional mesmo em Simonal somente a atuação de Boliveira, o único elemento do projeto que consegue dimensionar a grandeza do músico para o espectador.

Direção: Leonardo Domingues
Elenco: Fabrício Boliveira, Isis Valverde, Leandro Hassum, Mariana Lima, Caco Ciocler, Silvio Guindane, Bruce Gomlevsky, João Velho

Assista ao trailer!

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Claustrofóbico, O Banquete é completamente encenado na sala de jantar da casa de Nora, personagem de Drica Moraes, ocasionalmente transferindo sua ação para a cozinha, onde o jovem funcionário de um buffet interpretado por Chay Suede prepara o jantar para o grupo. A princípio, a diretora parece ter em mãos um projeto promissor, construindo gradualmente as tensões desse filme e anunciando um clímax.

O público toma ciência do casamento cheio de problemas entre Nora e Plínio, vivido por Caco Ciocler; o caso extraconjugal de Mauro, um dos homenageados da noite interpretado por Rodrigo Bolzan, com a crítica cultural Maria, de Fabiana Gugli; o interesse sexual do colunista Lucky, vivido por Gustavo Machado, no jovem Ted (Suede) e seu insistente assédio… Contudo, diante de tantos conflitos em potencial, a informação mais curiosa que o público tem acesso – e que promete amarrar todos esses pontos de tensão – é uma carta escrita pelo jornalista Mauro contra o governo Collor. Revelações à parte, com o passar do tempo, Thomas não faz muito sobre o assunto, frustrando o espectador.

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