Del Toro teve o primeiro contato com o romance quando o ator Ron Perlman, que está no filme como uma figura paterna para a personagem de Rooney Mara, o presenteou com um exemplar do livro em 1992 no set de Cronos, primeira parceria dos dois nas telas antes mesmo de Hellboy.

O romance de Gresham é um material que faz todo sentido cair nas mãos do diretor. Toda a sua trama de corrupção apresenta uma atmosfera sobrenatural, mesmo que paire uma dúvida sobre a presença dessas manifestações na tela. Além disso, um dos cenários de O Beco do Pesadelo é um circo na tradição freakshow, tipo de atração bem comum na primeira metade do século passado e que rendeu obras do horror como Monstros de Todd Browning e a quarta temporada de American Horror Story. E lidar com essa temática é uma das especialidades do diretor, vide seu último longa, o vencedor do Oscar A Forma da Água.

O Beco do Pesadelo acaba sendo um conto moral à moda antiga, no qual o cineasta reverencia obras do passado, a própria primeira adaptação do romance e o cinema noir, trazendo essa história de um homem que cai em desgraça a partir do momento em que cede à ambição e ao enriquecimento a partir da exploração da fé alheia.

Bradley Cooper vive um rapaz que vai trabalhar em um circo e aprende alguns truques com um grande ilusionista interpretado por David Strathairn (Boa Noite e Boa Sorte). Mesmo alertado pelo seu mentor de que o uso indevido desse conhecimento pode levá-lo à desgraça, o personagem de Cooper utiliza tudo o que aprende para enganar gente poderosa quando vai para cidade grande. Só que ele acaba se encrencando cada vez mais, sobretudo quando ele começa a se deparar com figuras mais ardilosas que ele.

Desde que migrou em definitivo para o grande esquema de produção cinematográfica hollywoodiano, o cinema de Del Toro passou por uma adaptação. É evidente que filmes como A Forma da Água, A Colina Escarlate ou O Beco do Pesadelo estão à sombra de obras como A Espinha do Diabo ou O Labirinto do Fauno, indubitavelmente mais espontâneos e menos pasteurizados. Ainda assim, Del Toro consegue encontrar brechas em O Beco do Pesadelo.

Aqui, Del Toro acerta sobretudo por não ter grandes ambições com sua história, querer extrair grandes temáticas ou se preocupar excessivamente em mostrar o poder de fogo do cineasta com composições imagéticas mais estilísticas. Em O Beco do Pesadelo, Del Toro não tem vergonha alguma de abraçar o clássico. Mesmo que no começo, o momento em que o protagonista tem sua experiência no circo, o filme soe perdido em suas diversas histórias paralelas, sempre em busca de algum fiapo de trama central, O Beco do Pesadelo acaba nos levando a um resultado claramente mais satisfatório que títulos como A Forma da Água e A Colina Escarlate.

Um dos pontos altos do longa é o desempenho de Bradley Cooper, que faz um sujeito completamente desprezível. É interessante como Del Toro segura até o fim a verdadeira natureza desse personagem, tudo para nos seduzir com aquela figura. Desde trabalhos como O Lado Bom da Vida, Sniper Americano e Nasce uma Estrela, Bradley só se supera. Aqui o ator tem a oportunidade de interpretar um grande vilão, um homem inescrupuloso e sem redenção, mostrando assim uma faceta inesperada para o público. No fim das contas, através desse personagem tão bem delineado pelo ator, Del Toro nos apresenta o processo gradual de bestificação do homem em uma jornada desenhada com muito esmero e didatismo por Cooper.

O filme tem no elenco três atrizes formidáveis: Rooney Mara, Toni Collete e Cate Blanchett, mas as todas elas são subaproveitadas pelo tratamento raso que o roteiro dá as suas personagens. Entre elas, Blanchett tem os seus momentos como uma psicóloga que seduz o personagem do Cooper, mas é um tipo de papel que a gente já espera ver a atriz dominar como ninguém na tela e é um pouco frustrante para o espectador notar que ela não extrapola essa expectativa. Ainda assim, há momentos brilhantes da atriz, sobretudo quando Del Toro sequer registra o rosto de Blanchett no quadro e ela só tem a voz como instrumento de expressão nas sessões de análise do personagem de Cooper.

De uma maneira geral é um super-produção, um ótimo entretenimento adulto fugindo das opções usuais do cinema atual, como filmes de super heróis e derivados. O Beco do Pesadelo é bem dirigido por Guillermo Del Toro e, sobretudo, confirma Bradley Cooper como um intérprete versátil.

Direção: Guillermo del Toro

Elenco: Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman, Mary Steenburgen

Assista ao trailer!

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Categoricamente denominada como prostituta e pecadora, Maria Madalena foi execrada pela Igreja Católica com o simples propósito de manter os princípios patriarcais, impedindo que mulheres pudessem fazer parte do clero. Em 2016, contudo, após diversos estudos sobre os textos do Velho Testamento, o Papa Francisco reconheceu a figura de Maria Madalena como uma apóstola de Jesus, apagando toda a mentira criada nos primórdios da Igreja sobre a vida dela. E a partir do ano de 2018, o mundo conhecerá esta inspiradora e poderosa história nas telonas.

Nascida em Magdala – daí vem o “Madalena” (em inglês, “Magdalene”) –, Maria (Rooney Mara) nunca se comportou de acordo com os padrões. Destinada a algum muito maior e além da sua imaginação, Maria Madalena não se adaptava aos costumes machistas e opressores que lhes eram impostos. Contrariando a todos, Maria Madalena decide seguir um caminho completamente diferente do que os costumes previam. Após se encantar com a palavra e os milagres Jesus (Joaquin Phoenix), Maria decide largar sua família e para seguir o profeta e ajudar espalhar a palavra dele como um de seus apóstolos.

Em seu segundo longa-metragem, Garth Davis (diretor de Lion – Uma Jornada para Casa, de 2016), levará para as telonas a verdadeira história sobre a apóstola de Jesus Cristo, tendo Rooney Mara – cujo trabalhou com Davis em Lion – estrelando essa película. Maria Madalena é um veredito de absolvição para essa mulher que tanto foi caluniada durante milhares de anos. Com uma narrativa muito bem elaborada, Mara emociona com sua força e simplicidade ao encenar uma das histórias mais conhecidas no mundo.

Assinado por Helen Edmundson e Philippa Goslett, o roteiro da película se mostra preciso em seu propósito maior que é recontar a história desta mulher, dando uma outra perspectiva sobre esse momento. E, mesmo remetendo a um momento bíblico, Maria Madalena está longe de ser um filme religioso; ele representa muito mais que isso. A humanização de personagens como Maria Madalena e Judas – interpretado por Tahar Rahim – permite que o espectador crie um olhar mais sensível aos significados da mensagem espiritual que está por trás desse cenário. E, para isso, o público repensa as mensagens de Jesus através do olhar de Madalena, causando a identificação de quem assiste com a personagem.

Com um elenco incrível, as passagens sobre fé, força e perseverança se tornaram algo ainda melhor. As cenas de confronto entre as personagens de Rooney Mara e Chiwetel Ejiofor (cujo interpreta o apóstolo Pedro) são as mais tocantes possíveis, uma vez que elas representam a luta contra a opressão criada pelo patriarcado. Além deles, Tahar Rahim emociona o público com o seu Judas humano e saudoso. Para completar, o talento de Joaquin Phoenix ajuda a criar uma atmosfera ainda maior de paz e compaixão nas sequências onde Jesus e os apóstolos estão disseminando os pensamentos de Deus.

Maria Madalena funciona como uma lição de vida em diversos aspectos. E, mesmo visando a correção mostrar a verdadeira Madalena, o filme não perde o seu aspecto bíblico dando, durante um breve momento do filme, protagonismo para a personagem de Phoenix. Contudo, há um cuidado nítido e uma precisão ao retomarem o foco para Maria. Do início ao fim como figura central, Maria Madalena é um drama bíblico diferente de tudo o que já foi feito nesse subgênero. Sua função social de estabelecer justiça e ressignificar palavras de compaixão e fé são fundamentais num momento onde isso é o que mundo mais precisa ouvir e abraçar.

Assista ao trailer!

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Saiu o primeiro trailer do filme Carol, protagonizado por ninguém menos que Cate Blanchett e Rooney Mara. As primeiras cenas oficiais mostram o início do relacionamento entre as personagens principais, em uma Nova York dos anos 1950 e com histórias bem diferentes. Blanchett é Carol, uma mulher que tem seu poder de sedução e vive presa em um casamento infeliz e sem amor. Já Mara é Therese, uma jovem de 20 e poucos anos que trabalha em uma loja de departamento e almeja uma vida melhor.

Dirigido pelo diretor Todd Haynes, o mesmo de Longe do Paraíso e Mildred Pierce, o longa foi aclamado pela crítica no Festival de Cannes deste ano e segue tendo alta aprovação dos jornais especializados. Esse primeiro trailer já dá uma pequena mostra do imenso potencial do filme e da certeza de que teremos um show de interpretações. A estreia no Brasil está prevista para dezembro deste ano.

Confira o trailer!

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Baseado no romance homônimo de Andy Mulligan, Trash – A Esperança vem do Lixo expõe uma visão ingênua da sociedade brasileira. O maniqueísmo permeia a disputa entre as classes, os bons são excessivamente honestos e moralmente inquestionáveis, os maus, a “banda podre” representada pela elite de nossa sociedade. A visão do inglês Stephen Daldry não deixa de ter verdades, mas é simplista, ingênua, rasa e sua execução é ainda mais óbvia do que o teor da sua mensagem ao emular o favela movie em seus tiques mais que esperados. No fim, o filme é uma espécie de arremedo mal feito e colorido de Cidade de Deus.

Em Trash – A Esperança vem do Lixo três garotos do lixão encontram uma carteira com algumas notas de dinheiro, uma identificação e algumas fotos do seu suposto proprietário com uma menina contendo no seu verso uma sequência de números. Logo aparecem na região alguns policiais procurando o objeto e os meninos passam a desconfiar que existe algo por trás da busca por aquela carteira. Ajudados por dois americanos, os garotos seguem as pistas deixadas pelo dono do objeto e são levados a um perigoso esquema que envolve um candidato a prefeito do Rio de Janeiro e a polícia local.

Desde Billy Elliot, Stephen Daldry mostrou-se um exímio diretor de atores, especialmente crianças ou adolescentes. Em materiais como As Horas e O Leitor, por exemplo, o inglês, que vem do teatro, sempre soube conduzir com muita delicadeza a construção dos personagens dos seus filmes junto com o elenco. Não que em Trash – A Esperança vem do Lixo isso não ocorra, mas pelo longa manter esse discurso que evita colocar um dedo mais profundo na ferida o diretor não consegue ir adiante na história dos indivíduos que habitam aquela trama. Mesmo o trio central formado pelos garotos Rickson Tevez, Gabriel Weinstein e Eduardo Luís, que se esforçam e conseguem com muita naturalidade provocar empatia na plateia, sofre com a superficialidade do roteiro de Richard Curtis.

Não há em Trash um único vestígio que nos remeta ao realizador que Daldry foi em seus projetos anteriores. Até ai, nada demais, afinal a necessidade da presença do diretor na obra é questionável. No entanto, sai o diretor pulsante e cheio de sensibilidade de As Horas e O Leitor para entrar em cena um realizador pasteurizado, capaz de ceder, sem o menor embaraço, ao impulso de incluir cenas e planos desnecessários que só estão no filme para fazer a propaganda de conhecidas redes de lojas de roupas e de hotéis. Sem alma, Trash parece um subproduto de Cidade de Deus cujo propósito de realização autônoma foi dissolvido em prol do desenvolvimento de um produto para exportação com a embalagem frágil do filme política e emocionalmente engajado.

De engajado Trash não tem nada. O filme de Stephen Daldry oferece uma solução pouco elaborada para a problemática social que sugere ao seu espectador, desperdiça uma dúzia de atores talentosos cujos personagens não possuem personalidades e propósitos bem definidos. Se muitos achavam que Tão Forte e Tão Perto foi a grande derrapada da carreira de Daldry, certamente farão uma revisão de suas conclusões ao assistirem Trash, um filme que segue a monotonia e a obviedade discursiva até o último segundo de sua projeção.

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Uma das principais sensações dos festivais de Sundance e Cannes no ano passado (ambos ocorrem no primeiro semestre de cada ano), Amor Fora da Lei só chega aos cinemas brasileiros agora – e ainda teve sorte de chegar nos cinemas, já que a maioria desses títulos sempre correm o risco de irem direto para DVD ou Blu-Ray. No fundo, como narrativa, o longa de David Lowery é uma cria de Sundance mesmo, apresentando todos os tiques que ficaram notórios no cinema “independente” norte-americano: a montagem e os diálogos entrecortados, os finais abruptos e inconclusivos e por ai vai. Junto a esses fatores, Amor Fora da Lei acaba sendo um western com alusões ao cinema de Terrence Malick, sobretudo em sua fotografia. A soma desses elementos traz ao filme alguns acertos, mas também erros que o transformam em uma obra amarrada e artificial em sua abordagem.

Com o título original Ain’t them bodies saints (e mais uma vez as distribuidoras nos fazem o favor de dar títulos nacionais vergonhosos e que nada condizem com a proposta do filme), Amor Fora da Lei traz a história do jovem casal Bob e Ruth. Eles se envolvem em uma ação criminosa e Ruth acaba atirando em um policial. Bob assume a culpa por Ruth e fica preso por um bom tempo, tempo o suficiente para não conhecer a sua filha Sylvia. Após 5 anos, Bob foge da prisão e parte em uma jornada para reencontrar sua família.

Lowery faz de Amor Fora da Lei um western contemporâneo, toda a atmosfera do longa denuncia isso. A trilha sonora, as caracterizações dos personagens e suas dinâmicas nos dão pistas desse flerte aberto do diretor com o gênero. Contudo, um dos elementos principais do western faltam a Amor Fora da Lei, ritmo, e não é por não seguir essa norma do gênero que o filme derrapa, mas simplesmente porque sua abordagem contemplativa, com diálogos entrecortados e apreço a uma fotografia “natural” faz do longa uma história que se arrasta no seu tempo de projeção, cansando o seu espectador em seus silêncios e nas suas conclusões subentendidas. A sensação que fica é de que o realizador quer conferir valor a sua obra através de um gramática pretensiosa, “superior” a capacidade cognitiva do espectador, mas que no fundo revela-se pouco profunda. E, como sabem, o tropeço não está nessa pouca profundidade da história, mas por ela se apresentar como complexa e metafórica quando, nas suas entranhas, oferece muito pouco nesse sentido.

O trio de atores do longa, por sua vez, compensam esses equívocos, apesar de terem um material questionável em sua densidade nas mãos para trabalhar. A dupla central Rooney Mara e Casey Affleck conferem credibilidade a seus personagens e Ben Foster, na pele de um policial que se aproxima de Ruth, está soberbo como sempre. No mais, como já dito, Amor Fora da Lei sofre com suas repetições, pretensões e seu ritmo “devagar quase parando”, o que, no seu caso, é fatal para a experiência cinematográfica em si.

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#01. Millennium

Filme: Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres

Orçamento: 90 milhões de dólares

Bilheteria: 102 milhões (EUA) + 130 milhões (outros) = 232 milhões de dólares

Críticas: 86% dos críticos aprovaram

Baseado na trilogia policial Millenium, do escritor sueco Stieg Larsson, que transformou-se em best-seller mundial logo após a morte do autor, Os Homens que não Amavam as Mulheres ganhou uma versão cinematográfica pelas mãos do norte-americano David Fincher, diretor já familiarizado com as tramas de assassinatos e investigações policiais semelhantes aquelas protagonizadas pelo jornalista Mikael Bomkvist e pela hacker Lisbeth Salander.

A primeira – e única – produção foi lançada nos cinemas em dezembro de 2011 e contava a história do desaparecimento de uma mulher na Suécia. O caso passa a ser investigado pelo jornalista Mikael Blomkvist, que trabalha em uma famosa revista no país, a Millennium. Ele é ajudado por uma hacker anti social chamada Lisbeth Salander. O filme de Fincher foi antecedido por uma trilogia cinematográfica sueca relativamente bem sucedida e que tornou conhecido o nome de Noomi Rapace, intérprete local de Salander. No entanto, não foi a existência de uma outra versão para a história que interrompeu o andamento de Millenium.

Após O Curioso Caso de Benjamin Button  e A Rede Social, um retorno de David Fincher ao gênero que o tornou célebre era esperado com muita expectativas, afinal ele ganhou visibilidade no meio com Seven. Atrizes como Keira Knightley e Scarlett Johansson disputaram a tapa o papel de Lisbeth, que acabou nas mãos de Rooney Mara, dirigida por Fincher em A Rede Social. A dedicação de Mara na caracterização da hacker impressionava a cada foto oficial, transformando sua Salander em uma personagem visualmente mais crível que a versão sueca. Além disso, os primeiros teasers da produção ao som de “Immigrant Song”, de Led Zeppelin, na interpretação de Karen O. e dos inseparáveis Atticus Ross e Trent Reznor, deixaram os cinéfilos com grandes expectativas. Quando lançado, o filme recebeu excelentes críticas, mas enfrentou problemas nas bilheterias. Com orçamento de U$S 90 milhões, o longa encontrou dificuldades para superar esse valor nas bilheterias nas primeiras semanas, sobretudo por ter sido lançado em pleno Natal (conseguir publico para um filme tão denso e sombrio em dezembro foi um desafio imposto à produção que nem mesmo as cinco indicações ao Oscar, uma delas a de melhor atriz para Rooney Mara, fez concretizar). Resultado? As duas continuações, A Menina que Brincava com Fogo e A Rainha do Castelo de Ar, permaneceram no limbo por um bom tempo. O roteirista do primeiro longa Steve Zaillian esteve vinculado às continuações, mas David Fincher descartou a ligação e já engatou a adaptação de outro best-seller, Garota Exemplar, que chega aos cinemas esse ano, e sua versão de 20.000 Léguas Submarinas. Em entrevistas concedidas a alguns veículos, a atriz Rooney Mara afirmou que a probabilidade das continuações acontecerem é bem pequena.

# 02. Fronteiras do Universo

Filme: A Bússola de Ouro

Orçamento: 180 milhões de dólares

Bilheteria: 70 milhões (EUA) + 302 milhões (outros) = 372 milhões de dólares

Críticas: 42% dos críticos aprovaram

A Bússola de Ouro é um dos típicos casos em que a interferência de um estúdio que julga saber tudo sobre todos os departamentos sabotam um projeto promissor. Primeira parte da trilogia Fronteiras do Universo do inglês Philip Pullman, A Bússola de Ouro (o livro), trazia a trama de uma órfã criada em uma Universidade que descobre um universo paralelo ao seu ocultado por um grupo de fundamentalistas religiosos chamado de Magistério. Ao longo de seus livros, Pullman faz críticas severas ao catolicismo e sua relação com a Ciência e com as altas esferas de poder político, através da atuação do Magistério. Em virtude desse teor, Fronteiras do Universo foi execrado em algumas instâncias e recebeu inúmeras ações de boicote, inclusive quando chegou ao conhecimento de todos que um filme baseado na série literária estava sendo realizado em Hollywood.

Os direitos de adaptação foram comprados pela New Line, em ascensão na época após o êxito da trilogia O Senhor dos Anéis, de Peter Jackson, e um elenco encabeçado por Nicole Kidman, Daniel Craig e Eva Green foi escalado. Mais do que qualquer outra obra de fantasia, Fronteiras do Universo foi anunciada de cara como a trilogia sucessora de O Senhor dos Anéis. Toda a campanha de marketing salientava que o mesmo estúdio responsável pela trilogia de Tolkien, que ressucitou o interesse do público por fantasias, estava trazendo para a audiência A Bússola de Ouro. O primeiro teaser trailer do filme reforçava essa associação ao transformar o Um Anel de Gollum e Frodo na bússola de Lyra, protagonista de Fronteiras.

O que se sabe é que, nos bastidores, as relações entre aqueles que estavam por trás das câmeras foram muito complicadas. Dois anos após o lançamento do primeiro e único filme da trilogia, o diretor inglês Chris Weitz, realizador do longa, contou como foram tensas suas reuniões com os executivos da New Line, que faziam inúmeras exigências no tom da abordagem do filme sobre o Magistério e deletaram inúmeras cenas que poderiam ter transformado A Bússola de Ouro em outro filme. Uma das exclusões mais lamentadas, por exemplo, foi o desfecho da trama que traria o esperado encontro entre a grande vilã da história, a Sra. Coulter (Nicole Kidman), e do cientista Lord Asriel (Daniel Craig). A cena, que faz mais sentido como encerramento de um episódio da história, é substituída no longa que assistimos por uma conversa ingênua entre Lyra e Roger que sugeria uma continuidade dos eventos (algo como “aguardem nossas próximas aventuras!”, o que, ironicamente, nunca aconteceu).

Quando estreou em 2007 com um marketing massivo, A Bússola de Ouro foi um grande desastre comercial, ficando menos tempo que o esperado em cartaz nos cinemas norte-americanos, o que, por si só, já encerra qualquer sobrevida de futuros projetos. A tragédia financeira só não foi maior porque o longa encontrou sucesso em outras praças de exibição na Europa, América Latina etc. No entanto, a arrecadação não foi o suficiente para a New Line bancar a continuidade, que teria que ser engatada logo, afinal, sua protagonista Dakota Blue Richards estava crescendo e a história de Pullman não tem uma evolução tão drástica assim no tempo. No final, ficou tudo por isso mesmo e não houve continuidade na trama. De saldo positivo, somente a vitória surpreendente no Oscar de 2008 na categoria efeitos especiais, derrubando o grande favorito da época Transformers.

#03. Príncipe da Pérsia

Filme: Príncipe da Pérsia – As Areias do Tempo

Orçamento: 200 milhões de dólares

Bilheteria: 90 milhões (EUA) + 245 milhões (outros) = 336 milhões de dólares

Críticas: 36% dos críticos aprovaram

O caso de A Bússola de Ouro permite que a gente entenda um pouco outros casos semelhantes em que os estúdios pensam que podem aplicar “fórmulas” de êxito de outras produções em novas franquias e as coisas acabam não saindo conforme combinado. Príncipe da Pérsia, por exemplo, “morreu na praia” de forma parecida.

A Disney bancou a adaptação do popular game como uma possibilidade de colher os mesmos frutos que colheu com o estrondoso retorno financeiro dos três longas de Piratas do Caribe, trilogia que reativou o interesse do estúdio no desenvolvimento de filmes em live action. Tradicionalmente, a Disney é a casa das animações, mas entre o final dos anos de 1990 e o início dos anos 2000 enfrentou a baixa popularidade de suas empreitadas em razão do desgaste da tradicional narrativa do estúdio (as clássicas animações musicais) e a agressiva concorrência das novas animações em 3D. Quando Piratas do Caribe – A Maldição do Pérola Negra foi lançado em 2003, com faturamento em bilheteria que ultrapassou largamente o seu orçamento, o estúdio vislumbrou uma tábua de salvação que se firmou nas duas continuações da franquia.

Com Príncipe da Pérsia – As Areias do Tempo as desconfianças surgiram desde o início, apesar da inicial aprovação do público com a contratação do inglês Mike Newell (que foi muito bem em Harry Potter e o Cálice de Fogo). A escalação de Jake Gylenhaal como o príncipe fugitivo do título gerou reclamações de fãs mais fervorosos do game e de cinéfilos em geral. Gylenhaal não correspondia exatamente a descrição física de um persa. No entanto, não podemos atribuir ao ator a culpa do fiasco de Príncipe da Pérsia. O primeiro e único filme até que faturou bem para garantir uma possível continuação, mas como tem acontecido com as grandes produções nos últimos anos, o orçamento (o que inclui as campanhas de divulgação do longa) foi muito alto e não compensou os lucros. Assim, todos os planos iniciais de uma trilogia foram abortados.

#04. Desventuras em Série

Filme: Desventuras em Série

Orçamento: 140 milhões de dólares

Bilheteria: 118 milhões (EUA) + 90 milhões (outros) = 208 milhões de dólares

Críticas: 72% dos críticos aprovaram

Escrita por Lemony Snicket, pseudônimo do autor Daniel Handler, Desventuras em Série é uma série literária composta por treze livros lançada em 1999 e que conta a história dos irmãos Baudelaire que são jogados em uma série de acontecimentos infelizes após a morte de seus pais em um trágico incêndio. A tutela de Violet, Klaus e Sunny passa pelas mãos de amigos e parentes dos seus pais e o caminho das crianças cruza com o do vilão Conde Olaf, um ator que usa suas habilidades dramáticas para enganar os tutores dos Baudelaire a fim de ganhar a guarda dos três e ficar com a fortuna herdada por eles.

A Universal demonstrou interesse na série, seguindo a tendência das adaptações de livros infanto-juvenis inspirada pelo sucesso de Harry Potter, e resolveu transformar as três primeiras obras (Mau Começo, A Sala dos Répteis e O Lago das Sanguessugas) em um único filme. Brad Silberling, diretor de Gasparzinho e do romance Cidade dos Anjos, foi contratado para comandar o longa e Jim Carrey ficou responsável por dar vida ao Conde Olaf, o que animou muita gente já que o ator seria a figura ideal para interpretar um personagem tão multifacetado quanto ele. Meryl Streep, Jude Law, Dustin Hoffman e Catherine O’Hara completaram o elenco com participações pontuais. Emily Browning (de Beleza Adormecida, Pompeia e Sucker Punch, criança na época), Liam Aiken e as gêmeas Kara e Shelby Hoffman foram escalados para viver os irmãos Baudelaire.

O filme recebeu três indicações ao Oscar (direção de arte, figurino e trilha sonora), venceu uma estatueta do prêmio (melhor maquiagem), recebeu críticas moderadas, as crianças foram aprovadas, bem como a interpretação de Jim Carrey, tudo conforme o figurino. Contudo, Desventuras em Série desapontou com sua pálida performance comercial e por isso também não foi adiante como franquia cinematográfica.

# 05. O Guia do Mochileiro das Galáxias

Filme: O Guia do Mochileiro das Galáxias

Orçamento: 50 milhões de dólares

Bilheteria: 51 milhões (EUA) + 53 milhões (outros) = 104 milhões de dólares

Críticas: 60% dos críticos aprovaram

Série de ficção-científica inglesa concebida por Douglas Adams, O Guia do Mochileiro das Galáxias começou como um programete de rádio na BBC Radio, transformou-se em uma série de seis livros, série de TV, jogo de computador, HQ para só então chegar às telonas em 2005.  O Guia do Mochileiro das Galáxias segue a jornada de um grupo incomum pelo espaço a partir da captura de Arthur um inglês completamente azarado. Entre os personagens que o acompanham estão o deprimido e existencialista robô chamado Marvin e Trillian, uma garota que Arthur conheceu em uma festa.

A produção foi uma colaboração entre produtores norte-americanos e ingleses e chegou a eles a partir do êxito que a história tinha nessas diversas plataformas. No entanto, o caráter massivo do cinema, e necessário a esse tipo de produção com orçamento razoável, tornaram O Guia do Mochileiro das Galáxias refém dos números de bilheterias.

Ainda que parte da crítica tenha caído de amores pelo diretor Garth Jennings, que contou com a colaboração do próprio Adams na adaptação, e um elenco de atores promissores na ocasião – e hoje reconhecidos pelos cinéfilos como Martin Freeman (O Hobbit), Zooey Deschannel e Sam Rockwell, contando ainda com as vozes de Stephen Fry, Alan Rickman e Helen Mirren- , em números, o filme não agradou mundialmente. Um dos maiores entraves na popularidade do longa foi o típico humor inglês que funciona tão bem nas fronteiras do país, mas encontra resistência em mercados mundiais.

Fontes: Informações referentes a orçamento e bilheteria foram retiradas do site Box Office Mojo, já as aprovações da crítica correspondem a porcentagem de críticos que deram cotações positivas aos longas no RottenTomatoes.com

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