Maria Callas é o terceiro longa do diretor Pablo Larraín (Jackie, de 2016, e Spencer, de 2021) que foca seus esforços em recriar momentos cruciais da vida de figuras femininas reais. A diferença neste projeto é que o roteirista Steven Knight (Serenidade, de 2019 e Spencer) utiliza da fantasia e de flashbacks constantes para preencher as vivências de Callas, emaranhado a sua vida e morte em números musicais. Essa escolha traz uma estética visual e narrativa de fantasia para o filme, permitindo que sua história vá além de uma simples narração dos últimos dias de vida.

Seja a partir dos devaneios pelos remédios ou através de suas memórias afetivas e dolorosas de vida, a personagem de Angelina teve muito o que viver em seus momentos finais. E esse pastiche de vivências reais e ficcionais permitiram que Maria Callas fosse um projeto um pouco diferente de Larraín. Apesar disso, existe uma estrutura de condução muito clara desse tipo de filme para o diretor. Se o espectador já assistiu Jackie ou Spencer, é possível de imaginar certas escolhas ou encaminhamentos que serão tomados no trabalho do cineasta chileno visto em tela.

Atrelado ainda a ideia de fantasia presente no filme por meio dessas digressões e dos devaneios de Maria, o longa ganha muito nos departamentos de arte e fotografia. Talvez os pontos mais altos de Maria Callas sejam justamente os resultados dos dois departamentos. A arte brilha na composição de sets de época, no figurino e como ele conta a história da personagem-título, tal qual o cabelo e maquiagem finalizam essa composição visual com maestria.

Da mesma forma, o departamento de fotografia de Maria Callas, comandado por Edward Lachman (O Conde, de 2023), mergulha nas possibilidades narrativas mediadas pela fantasia e memória da personagem de Angelina. A composição estética visual do filme se complementa com essa tríade entre os dois departamentos e a força motriz do roteiro que é a fantasia e as memórias de Callas. Com isso, o espectador tem um espetáculo visual mais interessante dentre as três biografias femininas da carreira de Pablo Larraín.

Auxiliando o diretor a apontar a direção do barco da produção, Angelina Jolie vem como uma força em cena. Talvez um de seus melhores trabalhos dramáticos da carreira, Maria Callas permite que a atriz ande em outros tons e camadas de desenvolvimento que talvez não tenha tido a oportunidade – ou ao menos uma boa oportunidade – de desenvolver. O resultado de sua performance no longa merece elogios e louros, no entanto, ela se fragiliza nas cenas onde o enfoque em números musicais são maiores. A dublagem da atriz, por vezes, quebra a vivência do público por soar como uma nítida dublagem.

Com algumas poucas indicações na temporada de prêmios, Maria Callas tem como foco da campanha a indicação de Jolie ao Oscar e, talvez, menções nas categorias dos departamentos de arte e fotografia. Se as chances de indicação ao prêmio de Melhor Atriz já são pequenas por conta do ano disputadíssimo, as vitórias se tornam ainda melhores. Suas chances maiores de indicações e até mesmo possíveis vitórias se concentram nos departamentos de visualidades do longa. No entanto, as expectativas são baixas para o filme despontar como favorito ao Oscar.

Direção: Pablo Larraín

Elenco: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haluk Bilginer e Kodi Smit-McPhee

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Entre tiros e sangues presenciados, é na poesia dos dias de sol e da bola de futebol batida no chão que o longa-metragem posiciona seu foco. Mais ainda, é na relação de Valério e seu novo amigo Christian (Francesco Gheghi) que o público passa a entender os sentimentos mais profundos, intensos e espontâneos de seu protagonista. Além do medo de perder ou se afastar do pai, o ciúme e a rebeldia são traços que surgem na tela, tornando a figura do menino mais complexa e explorada.

A dinâmica entre o emocional de Valério e o perigo que cerca sua família são bem elaboradas narrativamente. O jogo de suspensão com relaxamento imprime uma mescla que faz com o que o espectador nunca esqueça duas coisas: esta é a perspectiva de Valério e a qualquer momento o jogo pode virar e algo de ruim pode acontecer. Neste sentido, os atores conseguem colaborar para a instauração destas atmosferas.

A dinâmica de contracena é algo que chama atenção em Irmãos à Italiana, pois os intérpretes parecem imersos naquela realidade, evocando uma organicidade que traz fluidez para as cenas. A contenção é algo bastante trabalhado aqui, o que faz com que os rompantes e sensações mais fortes se destaquem quando acontecem. Um bom exemplo disto é na cena em que Valério e Christian conversam sobre pular de um abismo, após o plot twist do enredo. Alfonso surge desesperado e abraça o filho.

Neste momento, existem gradações nas tonalidades utilizadas pelos artistas, o que confere um equilíbrio para toda sequência, elevando seu potencial. Além disto, a decupagem, ainda que seja bastante tradicional e até pouco arriscada, dialoga diretamente com o roteiro. Parece que o objetivo ali é fazer com que a história se sobressaia mais do que qualquer outro elemento da obra, algo que é alcançado em sua totalidade. Ainda assim, a sua fotografia acaba saltando aos olhos.

A presença constante de uma forte iluminação, com cores mais abertas, passa a sensação de leveza e inocência. Este fator reforça esta ideia de que tudo é visto e sentido por Valério, é o seu olhar para o mundo, a sua infância repleta de sol, mesmo com o temor do desconhecido e do futuro de seus parentes. Em paralelo a isso, os instantes nos quais são mostrados a vida adulta de Valério são mais cinzentos e azulados, como se aquela luz inteira estivesse nos olhos daquele garoto.

Talvez, o único incômodo em Irmãos à Italiana seja o final de seu segundo ato até o início do terceiro, quando as situações parecem se esgarçar. Não é nada que comprometa a sua totalidade, porém parte da produção fica truncada e repetitiva, quando situações são recorrentes e há uma demora em avançá-las.

Direção: Claudio Noce

Elenco: Mattia Garaci, Francesco Gheghi, Pierfrancesco Favino

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