Assim, elementos das religiões de matriz africana se encontram com a mitologia dos vampiros, em uma trama que entrega, na maior parte do tempo, um resultado de alta qualidade. É curioso observar como os flashs – backs e forwards – funcionam e empregam mais fluidez para a trama, além de diluir essa noção de cronologia, claro.

Em um longa-metragem que mescla terror com drama, o público vai encontrar dois estabelecimentos de atmosfera, que funcionam  mais como uma metáfora construída por Coogler. Se nas pontas do filme, a ambientação é de tensão, supensão e medo, no “recheio” da obra se tem a construção de um longa de drama.

Três elementos marcam essa característica. O primeiro é a direção, que investe, quando constrói o terror, em uma decupagem com mais efeitos e movimentos de câmera que dão uma ideia maior de urgência, confusão mental e pânico. 

Um exemplo é a sequência inicial, com o plano geral da porta da capela, que usa um traveling para aumentar a impressão de que o protagonista está desnorteado. Neste sentido, a encenação fomenta esta elaboração de Coogler, com o abarrotamento maior de pessoas e objetos quando necessita imprimir na tela a tensão.

Da mesma forma, no meio do filme, tem-se suspensão também, porque ela permeia a obra inteira, porém há mais planos fechados e longos. Assim, a plateia pode investigar mais as relações das personagens e criar um laço de empatia com elas. Essa é a maior chave para que Pecadores dê certo, essa proximidade que o público sente ter com a história e os participantes dela.

Desta maneira, o segundo elemento que revela esse trabalho consciente da equipe é o seu som. Observando as sonoridades presentes na obra é possível, inclusive, saber quando o perigo está por vir e qual é o grau de periculosidade que será oferecido. A sequência da cobra é um bom momento para notar esse trabalho de desenho e mixagem de som.

A música e os efeitos sonoros anunciam que há um ataque por vir, mas os irmãos conversam calmamente. O espectador pode estranhar a situação por alguns minutos, porém, em poucos minutos, entende-se o porquê do estabelecimento de tensão: tinha uma cobra no carro.

Assim, som e imagem são carregados de coesão e de sentidos plurais, que se completam. Por fim, é possível perceber que a montagem também se insere nesta lógica. Mais frames por minuto ou o oposto disso, a depender da intenção de uso de gênero cinematográfico.

Frenesi e respiro, terror e drama. No entanto, são nestes respiros que Pecadores se perde um pouco e a qualidade cai levemente. Antes da festa iniciar, os irmãos gêmeos Smoke e Stack (ambos feitos por Michael B. Jordan) recrutam um time que vai trabalhar na abertura do bar de Delta Blues que eles estão fundando.

Todavia, toda essa parte que não está nas pontas passa a ficar cansativa até o início da festa. De certa maneira, existe aqui até uma metáfora interessante de que a comunidade negra não tem paz, nem respiro, que não podem relaxar que os vampiros vêm. Contudo, talvez, uma pequena enxugada em algumas sequências ajudariam o longa a não ter uma desaceleração tão intensa que afeta o seu ritmo, cansando o espectador.

De toda forma, a obra volta para seus trilhos, no início do terceiro ato e é importante ressaltar como o elenco dá conta de tantos elementos fílmicos e metafóricos. A contracena é o que mais impressiona e os atores trazem algo difícil de se fazer atuando que é a sensação de intimidade.

As personagens realmente parecem se conhecer há muitos anos e isso vem tanto na forma que eles se deslocam, como na maneira que se olham e se tocam. As camadas da narrativa se aprofundam com as construções de sentido criadas pelo elenco.

Mas, o que realmente impressiona é o trabalho Jordan em Pecadores. O intérprete cria as semelhanças e distinções de Smoke e Stack não apenas na composição física e na visual – que também é um mérito da figurinista Ruth E. Carter (Pantera Negra) -, mas da construção psicóloga que Jordan elaborou, através da forma como ele trabalha nas intenções de texto.

Além disso, a conexão criada entre os dois é um dos pontos altos do filme. A contracena de Smoke e Stack é sempre intensa e é o mesmo ator que faz uso da consciência sobre as suas personagens para elevar a sensação de proximidade da dupla. Nesta lógica, a relação deles com o primo Sammie (Miles Caton) é mais fraca.

Caton não convence tanto neste relacional com Jordan, mas a sua voz e a fisicalidade que o jovem criou em seu papel ajudam a diminuir essa ausência de conexão entre Caton e Jordan. Inclusive, a musicalidade representa muito para a história. Coogler, que também assina o roteiro aqui, não só faz uma homenagem ao Delta Blues, mas conecta ele com a trama.

A ideia de traduzir a potência da música para a espiritualidade, para a cultura e para as lutas políticas elevam a potencialidade da obra de Ryan Coogler. Desta forma, há muito o que ser dito, analisado e fruído em Pecadores. De certo, esse é o maior trabalho do cineasta até o momento. Contundente, o longa merece atenção, ser visto e revisto.

Direção: Ryan Coogler

Elenco: Michael B. Jordan, Delroy Lindo, Wunmi Mosaku

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Adonis Creed (Michael B. Jordan, Pantera Negra) está fora do ringue há alguns anos, depois que optou por se aposentar e dedicar tempo e energia à sua família. O que ele não poderia imaginar, no entanto, é que o passado retornaria para te assombrar sobre episódios que aconteceram ainda na sua infância. Damian (Jonathan Majors, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania) passou 18 anos na prisão por conta de algo que ele e Adonis passaram juntos. Agora ele quer retomar o tempo perdido, seja na amizade ou na oportunidade do ringue, algo que lhe foi tirado com a detenção.

Na estreia de B. Jordan como diretor, já podemos afirmar que essa é uma posição que lhe cabe muito bem. Ele é cuidadoso em trazer fatos do personagem a todo momento, nos fazendo envolver em todas as cenas. Claro que o ideal é que o espectador tenha visto os dois primeiros filmes, mas caso isso não tenha acontecido, ele não se sentirá perdido, tamanha é a intenção do diretor em nos inserir na trama.

Ele não faz uso de exageros e dosa na medida certa a tomada de câmeras e trilha sonora. Acompanhamos Creed envolto com a família, mas sentindo falta do lugar onde ele se sente mais em paz: no ringue. Ainda assim, não é algo que ele lamenta, já que foram escolhas pensadas e acertadas. Sua rotina de milionário campeão é interrompida com o surgimento de um amigo do passado. Damian é a personificação de uma situação que o protagonista fez questão de esquecer. O amigo traz todo o amargor de quase duas décadas na prisão, algo que não tem como ser recuperado do dia para a noite.

Enquanto vemos claramente Adonis cair nas garras nada bem intencionadas do ex-amigo, sua esposa Bianca (Tessa Thompson, Thor: Amor e Trovão) e filha Amara (Mila Davis-Kent) são a base de seu suporte, mas sem parecer algo condescendente. Elas não estão ali apenas como acessórios de um protagonista forte. A dupla tem um papel importantíssimo em toda a trama e força de Creed. Assim como sua mãe Mary Anne (Phylicia Rashad, O Limite da Traição).

Envolto em cenários bem escolhidos, Creed III vai nos imergindo novamente na vida do lutador de sucesso, suas dores e dificuldades. A medida que o antagonista se revela, o caminho óbvio da retomada ao ringue não é particularmente a escolha mais inesperada. É um clichê que sabemos que estava por vir, mas que foi feito da melhor maneira possível. Nada contra repetição de estilos de roteiros, quando isso é bem feito. E esse é o caso!

Mesclando sabiamente ação, luta, romance, família, Creed III oferece ao espectador muito além do que poderia se esperar em um terceiro filme de franquia. É surpreendente e empolgante ao mesmo tempo. O tipo de longa que vai agradar a maioria das pessoas e que nos instiga a ver novamente, pela conjunção de ótima trilha sonora, cenas incríveis, tomadas de câmera muito bem escolhidas e um elenco tão afinado que não precisa de esforço para nos convencer de nada.

Direção: Michael B. Jordan

Elenco: Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Jonathan Majors, Wood Harris, Phylicia Rashad, Mila Davis-Kent, José Benavidez, Selenis Leyva

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O filme de Destin Daniel Cretton, o mesmo do hit indie Temporário 12, responsável por impulsionar a carreira de Brie Larson (Capitã Marvel), que também está nesse longa, em 2013, segue todo um protocolo de dramas jurídicos históricos, com uma trama de tratamento linear, pouco afeito a firulas estéticas e um roteiro repleto de frases de efeito. Esses traços do longa beneficiam, mas também banalizam o filme, que apesar de mostrar-se relevante em sua temática, se banaliza com essa clivagem mais pasteurizada.

Além disso há um evidente excesso de duração (chega próximo de duas horas e meia de metragem) com passagens da trama que poderiam facilmente ser retiradas sem prejuízo da essência da história. O elenco tem atuações discretas e eficientes, mas nada que se revele um ponto fora da curva. Como o condenado no corredor da morte, Jamie Foxx rende algumas das cenas mais emocionantes, mas Michael B. Jordan segura bastante como o protagonista.

Luta por Justiça acaba impondo sua importância mesmo pela ressonância do caso que narra. Poderia se beneficiar mais caso Cretton optasse pelo documentário, mas sabemos como a dramatização desse tipo de material acaba sendo a preferência de grandes estúdios. O resultado é satisfatório e tem uma força como discurso crítico que reflete sobre as injustiças do sistema penitenciário, mas a obra é protocolar e pálida como realização artística.

Direção: Destin Daniel Cretton
Elenco: Michael B. Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, Michael Harding, Rafe Spall, Tim Blake Nelson, J. Aphonse Nicholson

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Creed 2 não tem a mesma urgência do seu antecessor, contudo, se mantém na maior parte do tempo como uma competente sequência. Como “filme de boxe”, o longa resgata uma série de temáticas recorrentes a esse tipo de produção e que foram cimentadas pelo próprio Rocky em 1976, criando uma jornada de amadurecimento pessoal para Adonis Creed que inclui a derrota e uma subsequente volta por cima.

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Em 1976, conhecemos em Rocky – Um Lutador a história de Rocky Balboa (Sylvester Stallone), um lutador de boxe novato que consegue a luta de sua vida com ninguém menos que Apollo Creed, campeão invicto de peso pesado. Após 40 anos e outros seis longas sobre esse ícone de uma geração, chega a hora de mais um sonhador entrar no ringue para provar que merece estar ali. Em Creed: Nascido para lutar, o enredo gira em torno de Adonis Johnson (Michael B. Jordan), filho de Apollo, que possui Rocky como seu treinador.

Durante mais de duas horas de projeção, a película, dirigida por Ryan Coogler (de Fruitvale Station), vai construindo o perfil da personagem central e estabelecendo a conexão dele com Rocky. O roteiro vai crescendo e se demonstrando eficaz e sólido no desenvolvimento das relações de Balboa e Johnson, trazendo percalços e complicações no caminho que demonstram a dificuldade da profissão e da própria vida.

O filme consegue tocar o coração dos espectadores mais sensíveis, com momentos de reflexão que, ainda que rápidos, podem balançar o público. Porém, em alguns momentos, Creed incomoda por tentar forçosamente arrancar as lágrimas da plateia, principalmente com uma trilha sonora mais sugestivas ao choro. No entanto, o incômodo logo passa quando Coogler traz cenas do ringue de tirar o fôlego, com direito a câmera lenta de sangue, olhos inchados de socos firmes e provocações entre lutadores.

Os dois pontos altos do longa são os treinos e as lutas. Quando não há o boxe envolvido, a película tende a atingir as emoções dos mais desavisados e inclusive traz a criação de um casal que pode ser vista como desnecessária. Apesar de aliviar um pouco as tensões dos embates de Johson em suas lutas, a presença da namorada do jovem, Bianca (Tessa Thompson), só não é completamente inútil porque a atriz tem uma bela voz e se afasta um pouco do estilo de mocinha convencional, aquela que aceita tudo dentro do relacionamento.

Creed: Nascido para Lutar poderia ser um spin-off fraco e caça níqueis, mas ele convence, emociona e dá de presente aos fãs mais um episódio da saga de Rocky, agora com um sucessor que promete gerar muitos outros longas pela frente.

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A impressão que fica é que existiu o toque impertinente e equivocado de um estúdio sempre interessado em simplificar tudo através de uma subestimação da inteligência e do gosto do seu público, mas isto é só especulação de quem já assistiu esta novela se repetir em tantos outros longas promissores e que mudam de tom da água para o vinho no meio do caminho. O que quer que tenha acontecido no processo de concepção do novo Quarteto Fantástico, o que fica é uma promessa abandonada precocemente para abraçar um amontoado de cafonices que já foram superadas, não cabem mais nos exemplares da temporada de blockbusters e que só mancham a credibilidade tradicionalmente questionada deste tipo de produção.  

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Em tempos de discussões sobre o machismo e feminismo, o diretor Tom Gormican (“Para Maiores”) traz um filme que passeia nesta seara com certo cuidado. A distinção já acontece no nome do filme (digo na tradução brasileira) que coloca em polos opostos a possibilidade de um relacionamento e o ato de manter a liberdade. Durante todo o filme, este duelo é mostrado de uma forma bem realista e objetiva. O longa peca, no entanto, por não conseguir se definir como comédia exclusiva, sua proposta inicial. Com cenas de romance, ele torna-se facilmente uma comédia romântica, o que pesa negativamente para seu enredo base.

A história fala sobre dois amigos (Zac Efron e Miles Teller) que resolvem fixar uma aposta com um terceiro colega (Michael B. Jordan), depois que este foi traído pela esposa. Eles se unem e afirmam que vão ficar solteiros pelo maior tempo possível, apoiando o recém-corno. Para eles, que já possuíam um histórico de cafajestagem, não foi tão difícil assim continuar fazendo o que eles já faziam. No entanto, como esperado, todos começam a se envolver e esconder os relacionamentos dos outros para não perder a aposta.

Machista define grande parte das cenas do filme, no entanto, o que declina mais é que é um machismo extremamente mal trabalhado. O diretor não assume o filme como masculino e resolve salpicar momentos de fofura ao longo do roteiro. O resultado é um meio termo indeciso que tenta agradar a homens e mulheres, mas não cumpre exatamente seu objetivo. Existem algumas cenas forçadas e desnecessárias, como o atropelo de um dos rapazes, quando ele corre para se desculpar da namorada, numa alusão clara sobre como aquela seria uma má decisão. Logo depois, o jovem se declara para a amada arrancando um “ohn” dela. Em cima do muro define.

Surpreende no contexto, no entanto, o uso de uma trilha sonora bem interessante e combinada com os momentos, trazendo mais suavidade e romantismo às cenas. Ponto positivo por um lado, já que agrada a quem aprecia este componente técnico, mas negativo por outro, já que, novamente, tira o foco da proposta do diretor, que é uma comédia puramente dita.

Ainda assim, o filme flui com muita naturalidade e é bem amarrado, conseguindo atrair o olhar do espectador e fazendo-o rir em muitos momentos (talvez nem tantos assim). Apesar de não ser um excelente filme, muito menos um excelente filme de comédia, “Namoro ou Liberdade” consegue entreter aqueles que procuram se distrair e relaxar um pouco do estresse do dia a dia.

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