Pensando na temática, o Coisa de Cinéfilo traz, agora, uma lista com as melhores dicas de filmes sobre Mulheres LGBTQ+! Confira!!!

5 – Livrando a Cara (2004):

Muitos aspectos das escolhas narrativas fazem com que o filme ocupe um lugar nesta lista. A começar pelo fato da produção contar com a direção e o roteiro de uma artista mulher, a Alice Wu – que, por enquanto, apenas comandou este longa em sua carreira. O segundo destaque é o fato do protagonismo elevado feminina. Com a temática voltada para tradições familiares chinesas, a produção mostra o moralismo que é perpetuado na família das personagens. A história mostra uma mãe, Ma (Joan Chen), que, aos 40 anos, se vê grávida e solteira e sua filha, Wil (Michelle Krusiec) que é lésbica e namora uma mulher. A representação das angústias delas, juntamente com o tom de comédia romântica, equilibram a projeção.

4 – Flores Raras (2013):

Sob a direção de Bruno Barreto, o filme conta a história da arquiteta brasileira, Lota (Glória Pires). A mulher se apaixona por uma estrangeira, Elizabeth (Miranda Otto), e as duas vivem uma história de amor intensa, mas também cheia de delicadeza. A impressão de que elas possuem estas características citadas, além de uma conexão profunda, se dá por algumas questões postas durante a projeção. Primeiramente, o roteiro – que é baseado no livro Flores Raras e Banalíssimas – A História de Lota de M. Soares e Elizabeth Bishop, de Carmen Lucia Oliveira, obra baseada em fatos reais – revela em seus diálogos a inteligência discursiva feminina, que distancia as palavras do óbvio. Em seguida, os recursos estéticos utilizados são bem executados. A direção de arte, o figurino e a fotografia brincam com as nuances sentimentais próprias de quem está em um relacionamento amoroso, principalmente com jogos de temperatura. Porém, a permanecia de tonalidade é a azul, o que carrega uma melancolia para tela.

3 – Transamerica (2005):

Estrelado por Felicity Huffman (Magnólia), o filme conta a história de Bree, uma mulher transgênero que precisa encarar alguns conflitos de sua vida pregressa para se tornar a pessoa que sonha ser. Dois pontos chaves estão presentes aqui: a interpretação de Huffman – que lhe rendeu indicação ao Oscar e o prêmio de Melhor Atriz de drama no Globo de Ouro, ambos em 2006 -; a trajetória dela com o recém-descoberto filho e a relação que a personagem tem com seu corpo. Aqui, a utilização das cores também é importante. As paletas do que a sociedade chama de femininas estão presentes durante toda projeção (rosa, roxo, lilás)  e os símbolos do que se é dito como masculino são evocados para deixá-la desconfortável. Apesar da atriz ser cisgênero, a maneira como a temática é discutida em 2005 já possui alguma relevância.

2 – Desobediência (2017):

O filme mostra duas mulheres da comunidade judeu ortodoxa. Ronit (Rachel Weisz), acabou sendo afastada do grupo por “mau comportamento”; Esti (Rachel McAdams), permaneceu por lá. As duas foram amigas de infância e apresentam sentimentos românticos uma pela outra. Porém, possuem diversos empecilhos no caminho delas. Com as cores mais sóbrias e enquadramentos mais fechados, a equipe do filme consegue transmitir a sensação de sufocamento, angústia e pressão que a dupla passa, bem como o nível de sentimentos reprimidos que têm. As construções das personagens também entram em um dos fatores de qualidade do longa. Os olhares de Weisz para McAdams são o ponto alto desta dinâmica.

1 – A Criada (2016):

Dirigido por Chan-wook Park (Oldboy), o filme conta a história de uma herdeira, Lady Hideko (Min-hee Kim). Ela sente atração por mulheres e, mesmo sem ser dito, existem pessoas que sabem disso. Visando roubar sua fortuna, um grupo infiltra uma criada, Sook-Hee (Tae-ri Kim), na casa dela. O primeiro elemento destacável é a forma como a narrativa acontece. O espectador tem contato com ângulos diversos, de personagens distintas e isto vai acontecendo lentamente. Inclusive, a fotografia de Chung-hoon Chung (Oldboy) é inteligente ao usar as mudanças enquadramentos combinadas com as transformações das perspectivas que estão sendo mostradas na tela. Os elementos da história vão sendo revelado aos poucos. Outro fator importante é a forma como a contradição entre os cenários belos e bucólicos e toda a trama armada durante o longa é utilizada.

Bônus: Imagine Eu e Você (2005):

Estrelada por Lena Headey (300) e Piper Perabo (Doze é demais), a comédia romântica é um dos melhores filmes de seu gênero. Isto acontece justamente porque o filme consegue equilibrar as tensões das idas e vindas do entrelaçamento do casal protagonista da história com os momentos fofos de interação entre a dupla. Esta característica faz com que o espectador torça intensamente para que o ship* aconteça. No longa, Rachel (Perabo) está se casando, mas acaba conhecendo o amor de sua vida durante o matrimonio. Ela e Luce passam a sair e tornam-se amigas. Aos poucos, elas vão notando que aquilo é mais do que uma amizade. É uma ótima projeção para ver no inverno, comendo pipoca e doces!

• Ship: vem do inglês “relationship“, que quer dizer relacionamento. O termo é utilizado para denominar pares românticos ou não em narrativas ficcionais ou não, celebridades etc.

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O canadense Xavier Dolan vem se destacando no cinema internacional como um pródigo diretor, roteirista e ator nos últimos anos. Colecionando premiações a cada filme lançado, este ano, o jovem dividiu o prêmio dado pelo júri no 67º Festival de Cannes com o consagrado Jean-Luc Godard graças a sua última produção, Mommy.

Marcado por uma estética bem autoral, tanto nos aspectos narrativos quanto nos audiovisuais, os filmes de Dolan atravessam a temática LGBT a partir de personagens complexos e cinzentos que carregam o fardo da castração de seus desejos – e aqui, destaca-se, não apenas sexuais, mas até mesmo do que eles considerariam uma vida, uma relação familiar e amor ideais.

Talvez, esta seja a maior diferença do diretor quando comparado a outras produções recentes que abordam a temática LGBT. Em Dolan, o tema serve apenas como um plano de fundo, uma base de construção de seus personagens, porém, não é este universo e seus conflitos (a saída do armário, a homofobia, o despertar da sexualidade etc.) o eixo principal de seus filmes.

Apesar desses tópicos também serem tratados em suas obras, eles não são o centro da narrativa. Em Eu Matei Minha Mãe (J’ai tué ma mère), por exemplo, o centro narrativo é a conflituosa relação entre o protagonista e sua mãe; já em Amores Imaginários (Les amours imaginaires), o enfoque se dá sobre a relação de amizade entre um rapaz e uma moça que começa a colapsar a partir do momento em que os dois começam a disputar a paixão por uma mesma pessoa.

Curiosamente, o filme que trato nesta edição da coluna, Laurence Sempre (Laurence Anyways), é o que, como exceção à regra, a sexualidade e a identidade de gênero surge com um peso maior no enredo do filme – apesar de, Dolan, novamente, surpreender pela abordagem original com que ensaia sobre a temática em sua produção (outra curiosidade que vale ressaltar é a ausência dele como ator principal no filme, uma exceção que se repete apenas em Mommy).

No filme, Laurence Alia (Melvil Poupaud) e Frédérique (Fred) Belair (Suzanne Clément) formam um jovem casal de adultos apaixonados que, como a maioria dos casais, possuem seus diversos rituais particulares, como a produção de uma lista de coisas que lhes tiram o tesão. Levam uma vida romântica e feliz, apesar das coisas no emprego (ele é professor, ela é produtora de audiovisual) e com os familiares de ambos não irem tão bem assim.

Porém, Laurence começa a se sentir cada vez mais pressionado a viver uma identidade que sempre reprimiu: sua feminilidade. Em meio aos trinta e poucos anos, ele resolve assumir sua identidade trans e iniciar a transformação para o sexo feminino. Mas ele não quer deixar seu relacionamento com Fred, que passa a se sentir bastante confusa e, ao longo do filme, que atravessa a década de 1990, vai passar por um questionamento de seus padrões identitários talvez ainda maior que os de Laurence. A partir daí, Xavier Dolan realiza um ensaio bastante instigante sobre identidade e desejo, normalidade e marginalidade.

O grande trunfo do diretor aqui é problematizar a questão identitária de maneira mais ampla do que apenas centrar-se na transição de gênero realizada por Laurence, que serve apenas como estopim do centro narrativo, que é o relacionamento extremamente passional entre ela e Fred, assim como a própria crise de identidade que esta começa a viver.

Apesar de a princípio tomarmos Laurence como protagonista, é a crise identitária vivenciada por Fred que acaba roubando a cena. Tanto é que nos lapsos temporais que marcam as fases da transformação de Laurence, pouco nos é mostrado de suas questões internas – Laurence surge como uma trans confusa e insegura no início do filme, mas se torna determinada com o avançar do longa, e pouco é problematizado sobre isso. Em curtos momentos (e nem por isso, menos importantes para a nossa compreensão da personagem), temos uma visão de seu relacionamento com a mãe, com quem compartilha uma conflituosa relação, em princípio, mas uma terna cumplicidade posteriormente, assim como sua vivência com um clã de senhoras – as Rose – que a integra como membro da família.

Assombrada pelos padrões identitários normalizados pela sociedade do que é ser mulher, de seus desejos e do que se espera de uma (casar, ter filhos etc.), Fred se encontra dividida entre viver seu amor com Laurence ou seguir uma vida “normal”. E Suzanne Clément nos entrega uma interpretação próxima do sublime com Fred – a atriz consegue representar de forma maravilhosa a culpa e o medo da personagem, assim como sua confusão entre viver aquilo que sempre acreditou ser uma mulher ideal ou se libertar de suas amarras identitárias e se permitir viver sua paixão por Laurence.

No começo, a moça ainda tenta dar continuidade ao seu relacionamento com Laurence, servindo, inclusive com um dos principais apoios na transformação dela – é Fred que incentiva Laurence a ir trabalhar vestida de mulher pela primeira vez na escola – aliás, pontos para a excelente cena da entrada de Laurence em sala de aula e em seguida sua caminhada pelos corredores do colégio (que também faz referência a outra ótima cena da abertura do filme), encarando os olhares de espanto, surpresa, cumplicidade, e outros mais variados sentimentos pelos alunos e funcionários do colégio que indicam o jogo identitário que envolve a indiferença, a aceitação ou a repulsa ao diferente.

O ponto decisivo para Fred se dá, no entanto, quando se descobre grávida e decide fazer um aborto justamente por se sentir culpada e confusa com relação aos seus papéis identitários enquanto mulher e o papel de pai de Laurence, que não mais se identifica enquanto homem. Fred entra em depressão e o relacionamento com Laurence começa a decair até o momento em que, após sofrerem um constrangimento num restaurante e conhecer um outro homem em um baile, ela decide romper a relação. Daí em diante, encontros e desencontros entre as duas protagonistas seguem até o final do longa, com uma tensão cada vez maior entre elas.

Mais do que falar sobre a identidade trans, Dolan parece querer discutir algo mais amplo que é a noção de feminilidade, ou o que nossa sociedade e cultura considera enquanto feminino e modos de vida femininos. Isso se evidencia tanto pela centralidade em tornos dos personagens femininos quanto do modo com que ele projeta essas vivências femininas: temos Fred que vê sua vida se confrontando com o que sempre considerou ser mulher ao amar uma pessoa que nasceu homem mas tem uma identidade feminina; temos Laurence numa busca de uma identidade feminina que sempre reprimiu na sua vivência masculina; temos a mãe de Laurence que se vê aprisionada a um casamento infeliz e o papel de dona de casa, mas encontra outra maneira de viver sua feminilidade a partir da coragem da filha; temos a mãe e a irmã de Fred que tentam defender um padrão ideal do que é ser mulher.

Com Laurence Sempre, em suas quase três horas de duração, Xavier Dolan entrega um filme belo, complexo e profundo que, com a premissa de seu enredo, poderia facilmente cair numa proposta batida do amor impossível, mas acaba tomando o caminho contrário e apresenta uma odisseia das diversas formas de vivências femininas dentro de uma sociedade sexista que, em grande parte, reprime, subalterniza e violenta essa identidade.

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