Willard (Bill Skarsgård) retorna da Segunda Guerra Mundial com traumas de combate e vai para sua cidade natal, um pequeno vilarejo nos EUA. Logo ele se apaixona e se casa com uma garçonete, se mudando com a família para uma casa distante da cidade. Seu filho Arvin, quando crescer, se tornará Tom Holland, o nosso protagonista aqui. Paralelo a eles, temos a constituição de um casal de psicopatas que age sem a menor dificuldade matando viajantes que pedem carona nas estradas, com um ar de sadismo e humilhação. O terceiro núcleo se completa com a mãe religiosa de Willard, que coloca a fé acima de tudo e está sempre na igreja.

Adaptado do livro homônimo do escritor Donald Ray Pollock, O Diabo de Cada Dia não tem pressa em construir o cenário em que os personagens estão inseridos e os episódios que levam eles a tomar determinadas decisões, mesmo que estranhas. Somos pincelados o tempo todo com as consequências diretas da fé ou da ausência dela. Como forma crítica, o filme quer nos mostrar muito mais o diabo nas ações (como já sugere o título) do que efetivamente pontuar a presença de Deus.

Ao começar a entrelaçar histórias que parecem distintas, o filme constrói os personagens em volta da aura de decepção e falha do divino. Funciona como pequenos capítulos de uma história que pretende se unir em algum momento – e de fato o faz. O atrativo, no entanto, acaba sendo muito mais o todo das narrativas aplicadas do que efetivamente pelo desfecho de cada uma, individualmente.

O elenco é o ponto alto e a causa de O Diabo de Cada Dia. Dando um aprofundamento ainda maior na personalidade dos personagens, cada um vai expressando todo o incômodo e consequências negativas que a religiosidade pode empregar. São papéis completamente diferentes do comum para Skarsgård, Holland e Pattinson, que acabam se tornando o cerne do roteiro. O que deixa à desejar é o aproveitamento efetivo de alguns atores, especialmente Bill e Robert. Eles deixam o longa rápido demais, sem a exploração adequada de seus personagens.

A medida que a trama evolui, vemos que o diabo é, de fato, a própria natureza do ser humano e sua capacidade de distorção dos eventos que o rodeia. Diferentes motivações levam as pessoas a agirem da maneira errada como agem, mas a exploração disso é rasa. Falta aprofundamento das nuances de interpretação e consequências espirituais e O Diabo de Cada Dia acaba passando muito tempo em elementos que não são tão importantes assim. A finalização do filme deixa a desejar neste sentido, pois vai para um lugar comum e usual, ao invés de seguir o rumo mais observativo e monótono da trama.

Mesmo com alguns tropeços, o que vemos em O Diabo de Cada Dia é uma construção intrigante e bem feita da religiosidade utilizada na sua distorção. Uma ótima escolha para o fim de semana!

Direção: Antonio Campos
Elenco: Tom Holland, Robert Pattinson, Haley Bennett, Bill Skarsgård, Sebastian Stan, Jason Clarke, Harry Melling, Mia Wasikowska, Riley Keough, Eliza Scanlen

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A história gira em torno de uma família que acaba de se mudar para o interior, por conta do trabalho do pai. O casal e os dois filhos, uma garotinha e um bebê, procuram uma vida mais pacata e sem os estresses da cidade grande. No entanto, assim que se estabelecem na casa que compraram, descobrem que um cemitério de animais domésticos faz parte da propriedade. A partir daí, eventos estranhos começam a se suceder na residência e na vizinhança.

Com um enredo que traz elementos do passados dos protagonistas, em especial a mãe, vivida por Amy Seimetz (Alien: Covenant), o filme vai se desenrolando e criando uma atmosfera de terror e suspense que envolve o espectador. Com cenas repugnantes e nojentas, a narrativa caminha para o desdobramento principal, que é a questão da morte e sua permanência.

A morte é o principal elemento de confronto com os protagonistas, que querem driblar o destino final da forma como podem, mesmo que isso signifique a perda da alma e da essência daqueles que conhecem. A cegueira conferida aos personagens é natural ao se pensar que fariam tudo para agradar a quem ama e tê-los de volta.

Jason Clarke (A Maldição da Casa Winchester) no papel de pai é tão comum e trivial quanto poderia ser. Embora seja um bom ator, não entendo exatamente o hype em cima dele, especialmente com filmes de terror. Falta um pouco mais de alma na sua atuação, embora ele tenha bons momentos.

Já a garotinha interpretada por Jeté Laurence (Boneco de Neve) é uma grata surpresa que conduz a trama com muita naturalidade. Podemos dizer o mesmo de Seimetz, que interpreta uma mulher traumatizada e assustada com seu passado, que parece ser a pessoa mais consciente da casa e das redondezas (embora tome atitudes duvidosas).

O que peca no filme, no entanto, é o ritmo. Ele demora a engrenar e tem um início lento demais para uma história que é predominantemente assustadora. A trilha sonora dá um bom adicional de suspense à situação, mas isso não muda a informação anterior.

Apesar de tudo, Cemitério Maldito é uma ótima adaptação cinematográfica do livro homônimo de Stephen King, mesmo que não seja a melhor delas. Vale a pena conferir, especialmente para os amantes de um bom terror sangrento!

Direção: Kevin Kölsch, Dennis Widmyer
Elenco: Jason Clarke, Amy Seimetz, John Lithgow, Jeté Lawrence

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Calmaria tem início quando somos apresentados a Baker Dill, personagem de Matthew McConaughey, e sua obsessão por um peixe. Dill tem um barco chamado “Calmaria” cujos clientes, a maioria turistas que estão de passagem pela região litorânea onde mora, parecem pretextos para o solitário marinheiro sair em busca do animal que batiza de “Justiça”. Quando Karen, personagem de Anne Hathaway, retorna na vida de Dill lhe oferecendo muito dinheiro em troca de um serviço sujo ele se vê tentado a aceitar a oferta concretizando sua obstinada procura pelo animal.

Claramente, Steven Knight faz de Calmaria um filme noir ambientado no litoral americano. McConaughey e Hathaway interpretam figuras conhecidas do gênero, o anti-herói enlaçado por uma trama criminosa apresentada a ele pela femme fatale da atriz exibindo uma inédita (?) madeixa loira. A princípio, o realizador parece apostar no gênero e nessa variação alternativa oferecida por essa ambiência, instigando o espectador a perseverar na história a fim de descobrir o que existe por trás da obsessão do seu protagonista pelo tal peixe e o risco que a moça interpretada por Hathaway irá oferecer a sua vida.

Na medida que a trama avança, vem a grande decepção. Como uma “carta na manga”, o realizador traz uma história paralela que faz com que toda a realidade construída até então seja uma verdadeira farsa. No terceiro ato, Knight faz Calmaria aparentar ser inteligente demais, como se tivesse extraído da “cartola” informações para impressionar o público mais desavisado, mas no fim das contas isso tudo só serve para a trama cair na descrença do espectador. Calmaria acaba esquecendo-se de encerrar “nós” da sua história que no final das contas não fazem muito sentido. Fica com a honra de provavelmente ser o filme com o twist mais estapafúrdio do ano.

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Gina é uma mulher que fico cega após um acidente sofrido quando ainda era criança e resultou na morte de seus pais. Ela aprendeu a lidar com essa adversidade da vida e conta com o apoio do amoroso marido, James, que a ajuda em tudo. Eles estão morando na Tailândia por conta do trabalho dele, quando surge uma possibilidade dela voltar a enxergar de um olho, através de uma cirurgia. Animada com essa nova esperança, ela se joga na chance. Afinal, além de tudo, ela está tentando engravidar há algum tempo.

As coisas vão acontecendo de forma gradativa e sem pressa. O que, confesso, é bom no início. Vai dando contexto aos personagens, você cria empatia, além de deixar um estado de tensão constante no espectador, que sabe que algo vai acontecer, só não sabe quando.

A primeira frustração começa quando você olha no relógio e percebe que se passou uma hora sem que absolutamente nada tivesse acontecido. Um bolsão de “sem quê” e “nem pra quê” que entedia, apesar de uma fotografia bem escolhida e estilo de filmagem bem feito. O diretor coloca o espectador dentro da noção da cegueira dela, assim como trás para si também os momentos em que ela começa a enxergar. É realmente muito interessante e um tanto claustrofóbico.

O “ápice”, por assim dizer, de Por Trás de Seus Olhos se dá nos últimos 30 minutos de filme e não poderia ser pior conduzido. É como uma marola que quebra na areia da praia, sem a menor importância e sem chamar a atenção. É duplamente frustrante porque a premissa da história é ótima! Um casal que sofre as consequências da mulher voltar a enxergar porque o casamento se deu completamente no escuro (ela nunca tinha visto ele pois ficou cega antes mesmo de o conhecer). Quando ela começa a despertar para o mundo, isso causa um incômodo no marido, assim como na relação. Como se ele gostasse da dependência que ela tinha dele.

Sim, é realmente uma boa história, mas muito mal conduzida. Não há ápice, o antagonista não convence como tal e não é criado um clima de tensão digno da história. O espectador fica esperando o tempo inteiro algo emocionante acontecer, o que simplesmente não é realizado.

Por Trás de Seus Olhos é um filme com ótimo potencial, mas que virou um compilado de vários nadas que culmina em mais um nada. Extremamente frustrante.

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A narrativa começa com um médico sendo contratado por empresários para dar o atestado de insanidade de uma viúva que ainda é dona de uma grande empresa de armamentos. Mas ela é uma pessoa muito estranha e reclusa. Para conseguir avaliar a paciente, o doutor tem que ir na casa dela e fazer o diagnóstico in loco. Claro que, ao chegar lá, ele se depara com uma série de coisas estranhas, especialmente a própria mansão em que a viúva mora.

A premissa é interessante, mas o esforço imenso em tentar fazer o filme ser assustador resulta, na verdade, em algo bastante amador. Eu venho falando há algum tempo sobre minha frustração com filmes de terror. A boa maioria se preocupa em dar susto e não meter medo no espectador, enquanto eu acredito que devia ser justamente o contrário. O susto é apenas uma consequência do estado de tensão constante que o roteiro consegue manter o espectador. Quando se tem medo, um alfinete caindo no chão assusta.

Mas é justamente o contrário que a boa maioria dos longas de terror faz. E este não é diferente. A Maldição da Casa Winchester traz um contexto simples e  história boa, mas peca pelo esforço. É como se cada cena fosse feita para assustar o espectador. Cada olhar macabro e desnecessário que só faz a pessoa se questionar do por quê o personagem não é ligeiramente mais inteligente.

O roteiro não apresenta nenhum elemento curioso e intrigante que pudesse atrair mais a atenção do espectador. Ao invés disso, segue numa série de clichês sem graça e sem propósito. Porque assim, até um bom clichê pode ser algo interessante, se for bem trabalhado. Mas não é o caso desse aqui.

O que se tem ao final é um filme insosso com desperdício de elenco e potencial. Algo como se os roteiristas e diretores tivessem tido certa preguiça em pensar em algo mais elaborado. Não acho que valha a pena conferir.

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Seguindo a tradição de filmes com um elenco estelar subaproveitado, Evereste não consegue sustentar toda a sua qualidade técnica com personagens e trama que jamais envolvem emocionalmente o público. Assim, todo o seu drama humano, que é sugerido como o foco do filme de Kormákur, é absolutamente oco, estéril e genérico. Entre outras questões mal resolvidas do roteiro, não dá para simplificar a motivação dos personagens para enfrentar o que enfrentam rumo ao Evereste como um insano tesão pelo perigo, tampouco sustentar duas horas de filme com conflitos amorosos tão rasos.

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O Exterminador do Futuro – Gênesis chega aos cinemas com a insustentável obrigação de superar o seu legado. Quanto a isso, não tem como ele escapar. Aliás, nenhuma continuação, reboot ou remake consegue sair dessa esfera de julgamento, as comparações do público e da crítica são praticamente automáticas. No caso desta franquia específica, as comparações chegam a ser injustas quando os filmes anteriores, sobretudo o primeiro e o segundo, ambos dirigidos por James Cameron, revolucionaram a própria indústria do cinema. Infelizmente, a repercussão deste quinto capítulo da franquia, O Exterminador do Futuro – Gênesis, não tem sido boa, na verdade, decepcionante. As cotações do filme nos sites estão baixas e o boca-a-boca confirma as comparações que mencionamos a pouco, Gênesis está anos luz dos seus predecessores, dizem os especialistas. Está sim, mas apesar dos seus equívocos e derrapadas, o filme consegue ser bem divertido, satisfatório até. O seu grande “porém” talvez seria o visível desgaste da série, evidenciado por um final que demonstra pouco fôlego para as futuras continuações.

O filme é beneficiado por um elenco interessante, que inclui a icônica figura de Arnold Schwarzenegger, sempre a vontade como o exterminador, e os novos rostos de Sarah Connor (Emilia Clarke), Kyle Reese (Jai Courtney) e John Connor (Jason Clarke), todos muito eficientes em suas respectivas funções (a exceção de um J. K. Simmons recém-saido de um Oscar e que aparece completamente avulso em cena). No mais, o longa fica em uma zona cinzenta à procura de uma razão para a sua própria existência ao mesmo tempo em que se justifica por ser funcional aos anseios contemporâneos – e momentâneos –  de uma indústria que sempre que pode tenta retornar ao passado no intuito de perpetuar o que já é conhecido e está na zona de conforto do espectador – e esse ano isso parece mais forte do que nunca. O Exterminador do Futuro – Gênesis entretém e satisfaz o espectador em momentos isolados, mas não chega a surpreender ou revelar uma nova faceta sobre uma história que já conhecemos.

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É admirável a forma como esse prequel da franquia Planeta dos Macacos vem sendo conduzido. Em seu segundo capítulo, a série cinematográfica reúne elementos , além dos efeitos especiais de última linha, que deveriam ser essenciais aos blockbusters e que os transformam em verdadeiro entretenimento (sim, porque entretenimento, na raiz de sua definição, não deveria ser equivalente a um produto desleixado em seu tratamento como narrativa, como fazem uns e outros diretores por ai): ritmo, um roteiro inteligente e bem costurado e personagens defendidos com segurança e sensibilidade pelo seu elenco. Planeta dos Macacos – O Confronto, como o seu capítulo anterior Planeta dos Macacos – A Origem, preenche todos esses requisitos com larga folga.

O Confronto se passa quinze anos após os eventos do último longa e traz César e os outros símios bem longe dos humanos, vivendo em harmonia e comunidade no meio da floresta de São Francisco. Estranhando a ausência de contato com humanos durante anos, César e seu grupo nem suspeitam que parte da raça foi dizimada pela “gripe símia”, fruto dos experimentos realizados pelos cientistas com os macacos no filme anterior. No entanto, um grupo de sobreviventes da região tenta entrar em contato com outros humanos mas não consegue pois não tem energia elétrica que faça funcionar os aparelhos de comunicação. A única forma de saírem do isolamento é reativarem uma antiga usina localizada na proximidade da aldeia que César e seus companheiros construíram. Novamente, macacos e homens se reencontram e as divergências e proximidades entre as espécies surgem para moderar uma potencial guerra entre os dois grupos.

O diretor Rupert Wyatt, que comandou Planeta dos Macacos – A Origem, cede espaço para Matt Reeves (de Cloverfield – Monstro e do remake Deixe-me Entrar). Em termos de identidade, a franquia não perde absolutamente nada. As características centrais da trama são mantidas. A atmosfera, no entanto, é completamente diferente, o que é bem coerente com o estágio da história. Em Planeta dos Macacos – O Confronto há um tom de realismo na forma como os personagens encaram uns aos outros e um ligeiro pessimismo no futuro das relações entre seres de espécies diferentes e até mesmo entre seres da mesma espécie, o que faz o filme dialogar com muita veemência com o quadro geopolítico atual.

Novamente, Planeta dos Macacos é exemplar para os filmes da temporada pela forma como maneja tecnologia de última ponta e domínio narrativo. O desenvolvimento dos macacos pela equipe de efeitos visuais, aliado a captura de performances in loco valoriza o trabalho não só da equipe técnica mas também de atores como Andy Serkis (o César, que após anos sendo reconhecido por isso finalmente consegue ser o primeiro nome na lista do elenco nos créditos do filme), Judy Greer (Cornélia), Toby Kebbell (Koba) e Nick Thurtson (Olhos Azuis), todos, inclusive, têm mais destaque que o elenco humano formado por ótimos atores como Jason Clarke, Keri Russell, Gary Oldman e Kodi Smit-McPhee. Além disso, Matt Reeves mantém a trama em ascendência e instiga o interesse do espectador pelos personagens e por seus destinos do início ao fim, dando conta de sequências muito bem executadas (a cena da caçada dos símios na abertura é exemplar). Tudo isso sem querer parecer “intelectualoide” com reflexões impertinentes e extensas demais ou oco ao se tornar refém das suas cenas de ação, como muitos de seus colegas que se aventuram nessa temporada de férias do cinema norte-americano fazem. Pelo contrário, tudo é muito bem dosado, equilibrado em Planeta dos Macacos – O Confronto.

Ao ter completo domínio e timing do quanto deve fornecer de espetáculo visual e do quanto deve fazer o espectador refletir sobre a sua própria condição enquanto ser social e espécie humana – sim, porque, em sua essência Planeta dos Macacos é uma alegoria disso – , Planeta dos Macacos – O Confronto é mais uma contribuição referencial para a indústria do entretenimento cinematográfico dos EUA atual, que em alguns momentos é tão carente de lampejos como esse. O filme nos lembra que, para divertir, uma obra não precisa ser vazia de histórias, sentimentos e discussões e de que para ser “arte” não precisa ser excessivamente técnico ou se despir de qualquer simplicidade. Basta encontrar a dose certa para cada elemento.

O post Crítica: Planeta dos Macacos – O Confronto apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.