Todavia, esse respeito precisa ser mútuo, porque a plateia está entregando seu tempo e sua disposição para ir ao cinema. Neste sentido, falar sobre A Chuva Não Me Viu Passar é um exercício árduo, porque todos os problemas técnicos que se pode apontar em um filme estão ali, dançando na tela, rindo da cara da plateia.

As atuações são tão boas quanto as de um teatro infantil amador – perdão ao teatro infantil amador, porém vocês sabem do que estou falando. Dona Célia (Berna Sant’Anna) é uma caricatura de uma idosa. Ela performa aquela senhorinha de um espetáculo C de Chapeuzinho Vermelho.

Os coadjuvantes de A Chuva Não Me Viu Passar não ajudam e parecem declamar seus diálogos, apontando para o não orgânico em cada fala. Mas, sendo justa, o roteiro não auxilia o elenco. Com frases expositivas e com uma construção que não ajuda a desmitificar a ideia clichê de velhice – lentidão, falta de percepção temporal ou vivência atual da vida etc. -, a sessão também não constrói camadas para as personagens ou traz elementos visuais bem realizados.

A decupagem deflagra a falta de compreensão sobre audiovisual. Os enquadramentos não conversam com a narrativa, não fomentam visualmente o que deveria/poderia estar no roteiro. A fotografia entrega uma luz chapada e o resultado final é um curta-metragem que poderia ser um trabalho de conclusão de curso mal feito.

Falta compreender mais sobre envelhecimento e o lugar da mulher neste espaço. Falta ter noção de técnica cinematográfica para elaborar sentido com imagem. Falta cinema, falta discurso. Ainda assim, a sequência final de A Chuva Não Me Viu Passar é um bálsamo dentro desta lógica etarista. Finalmente, o poder é dado para a protagonista. Ainda assim, este é um filme difícil de acompanhar.

Direção: Leonardo Gatti

Elenco: Berna Sant’anna, Nanda Hermes, Denise Farber

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Em seguida, chegou o momento do anúncio dos vencedores d0 27º Cine PE. Com três mostras competitivas, a lista de premiados foi extensa e uma plateia animada celebrava quando os nomes eram lidos em cima do palco. Algumas produções apareceram de forma mais expressiva. Entrelinhas, do paranaense Guto Pasko, recebeu 05 prêmios: Melhor Diretor, Melhor Montagem, Melhor Edição de Som, Melhor Direção de Arte e Melhor Atriz (Gabriela Freire).

Já Agreste, de Sérgio Roizenblit,  parece ter agradado ao júri oficial, pois venceu em quatro categorias: Melhor Roteiro, Melhor Fotografia, Melhor Ator Coadjuvante (Roberto Rezende) e Melhor Atriz Coadjuvante (Luci Pereira).  Nas categorias voltadas para os curtas, os grandes destaques foram Eu Nunca Contei a Ninguém, de Douglas Duan e Quebra Panela, de Rafael Anaroli. A animação de Duan, além de levar 4 Calungas para casa, foi agraciado com o Prêmio Canal Brasil de Curtas. A ficção de Anaroli, também obteve 04 Calungas.

Após todos os anúncios e discursos, Nínive encerrou a edição de 2023 chamando todos os ganhadores para uma foto coletiva, como uma forma de guardar a recordação daquele momento. A lista completa de produções agraciadas na festa do sábado está logo abaixo. Confira!

Lista Completa de Prêmios

Prêmio da crítica (Abraccine) –  Longa-meragem: Frevo Michiles, de Helder Lopes. Curta-metragem: Moventes, de Jefferson Cabral.

Prêmio Canal Brasil de Curtas – Eu Nunca Contei a Ninguém, de Douglas Duan

Prêmio do Júri Popular –  Curta-metragem pernambucano: Invasão ou Contatos Imediatos do Terceiro Mundo; curta-metragem nacional: Essa Terra É Meu Quilombo, de Rayane Penha. Longa-metragem Agreste, de Sérgio Roizenblit.

Júri Oficial

MOSTRA COMPETITIVA DE CURTAS-METRAGENS PERNAMBUCANOS

MELHOR FILME – “Quebra Panela”, de Rafael Anaroli;

MELHOR DIRETOR – Rafael Anaroli, por “Quebra Panela”

MELHOR ROTEIRO – Virgínia Guimarães, por “Filhos Ausentes”

MELHOR FOTOGRAFIA – Breno César, por “Coração da Mata”

MELHOR MONTAGEM – Priscilla Maria, Victória Drahomiro e André Hora, por “Coração da Mata”

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – Matheus Mota e Jeff Mandú, por “Depois do Sonho”

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE – Lia Letícia, por “Quebra Panela”

MELHOR TRILHA SONORA – Antônio Nogueira, por “Depois do Sonho”

MELHOR ATOR – Paulo César Freire, por “Invasão ou Contatos Imediatos do Terceiro Mundo”

MELHOR ATRIZ – Geraldine Maranhão, por “Alto do Céu”

MOSTRA COMPETITIVA DE CURTAS-METRAGENS NACIONAIS

MELHOR FILME – “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE), de Douglas Duan

MELHOR DIRETOR – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR ROTEIRO – Paola Veiga, Roberta Rangel e Emanuel Lavor, por “Instante” (DF)

MELHOR FOTOGRAFIA – Lucas Loureiro, por “Fossilização” (RJ)

MELHOR MONTAGEM – Arthur B. Senra, por “Virtual Genesis” (DF)

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – João Milet Meirelles, por “Quintal” (BA)

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR TRILHA SONORA – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR ATOR – Edmilson Filho, por “Única Saída” (RJ)

MELHOR ATRIZ – Ju Colombo, por “Fossilização” (RJ)

MOSTRA COMPETITIVA DE LONGAS-METRAGENS

MELHOR FILME – “Porto Príncipe”, de Maria Emília de Azevedo (SC/RJ)

MELHOR DIRETOR – Guto Pasko, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR ROTEIRO – Newton Moreno e Marcus Aurelius Pimenta, por “Agreste” (SP)

MELHOR FOTOGRAFIA – Humberto Bassanello, por “Agreste” (SP)

MELHOR MONTAGEM – Lucas Cesario Pereira, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – Kiko Ferraz, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR TRILHA SONORA – Jota Michiles, por “Frevo Michiles” (PE)

MELHOR DIRETOR DE ARTE – Isabelle Bittencourt, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR ATOR COADJUVANTE – Roberto Rezende, por “Agreste” (SP)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE – Luci Pereira, por “Agreste” (SP)

MELHOR ATOR – Diderot Senat, por “Porto Príncipe” (SC/RJ)

MELHOR ATRIZ – Gabriela Freire, por “Entrelinhas” (PR)

MENÇÃO HONROSA – Ijó Dudu, Memórias da Dança Negra na Bahia” (BA), de José Carlos Arandiba,

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Estes elementos todos se dão pela junção do universo do stop-motion – que foi todo feito com algodã0 -, que cria este mundo fantástico e imaginativo da criança, mas com interpretações na dublagem que carregam as tonalidades do realismo. Desta maneira, cria-se aqui uma atmosfera rica em sentido e enquanto o público investiga cada detalhe mostrado na tela, ele também passa a se emocionar com os pensamentos de Luca e sua visão sobre os adultos.

Este é o maior ganho do curta, o olhar cuidadoso e detalhista para cada elemento que está sendo posto em cena. A começar pelo roteiro, que convoca diálogos fluidos, sem exposição óbvia das circunstâncias, porém sem tentar esconder o que está acontecendo. Em poucas falas verbais, a plateia entende o protagonista e as pessoas que lhe cercam estão passando.

Há um tom adulto, que vem da escrita de Duan, mas com uma sensibilidade infantil – no melhor significado da palavra! -, carregando consigo uma espécie de pureza da infância. Este sentimento tão bonito, que se esvai com a dureza da vida adulta, continua com Douglas Duan de alguma forma.

Isto porque o artista capta esta imensidão, presente dentro da percepção que as crianças têm da vida, com propriedade, como na sequência na qual Luca está no carro e reflete sobre como os mais velhos mentem constantemente.

Outro fator tratado com zelo é a direção de arte e de fotografia, realizadas por Duan. Cenografia e figurinos estão em coesão com a iluminação, que trafegam pelas sensações da personagem principal, que vai da dúvida, passando pela empolgação, melancolia e mudança de estado (de tristeza para proteção).

O vermelho e seus tons próximos se fazem presentes durante toda projeção. Esta cor, que permeia a tela e toda mise-en-scène, mostra como esta é uma obra afetiva, que tem calor humano, saltando do ecrã. É uma produção sobre amor incondicional e cumplicidade. O rubro constante vem então fomentar esta emoção, que encontra com o azul claro persistente.

O azulado suave convoca o desalento da perda, juntamente com a serenidade de saber que somos eternos enquanto houver sentimento verdadeiro e possibilidade de reencontro. São notáveis também as atuações do elenco, formado por Douglas, Kadydja e Apollo, com destaque para o último citado, pois ele é um garoto de cinco anos, que demonstra em sua interpretação uma compreensão profunda sobre seu texto.

O artista mirim apresenta carisma, porém ele vai além disso. Apollo reúne a ingenuidade, que vem da sua própria fase de vida, com a firmeza de quem já tem certeza de tudo em tão tenra idade. Douglas e Kadydja ajudam nesta construção, mantendo a impressão de que desejam proteger e fortalecer os laços com este menino, que eles sabem que passa por um momento difícil.

São nas pausas e oscilações das vozes dos atores, que interpretam os adultos nesta trama, que a seriedade do que está ocorrendo é compreensível. Esta noção é colaborada pela montagem. O olhar do público é direcionado pelos cortes, que ampliam as definições do que está ocorrendo. Além disso, há um pequeno espaço criado entre um momento e outro, que pode ser ínfimo, mas que aumenta a criação narrativa, na cabeça de quem de assiste.

É como se existisse uma elaboração conjunta, na qual nem tudo é estampado no ecrã, porém é digerido e imaginado durante a sessão. E é por isso que Eu Nunca Contei a Ninguém contém maestria, entregando cinema de qualidade e arrancando algumas lágrimas dos mais sensíveis.

Direção: Douglas Duan

Elenco: Apollo Angelo, Kadydja Erlen, Douglas Duan

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Todavia, o grande ganho aqui é que a diretora, roteirista e produtora Camila Martins – que assina a escrita e a produção ao lado de Daniel Edmundson – vai além da questão cultural, que já é em si riquíssima. Camila abre espaço para a discussão de gênero, dando visibilidade para a história e as vivências de Tina, Sônia e Luiza, que são personagens cheias de pluralidades, mas que se unem através do amor pelo carnaval. A mescla de imagens do cotidiano delas, com as performances do Maracatu elevam a potencialidade da narrativa.

Há uma estratégia de aproximar os espectador contando detalhes íntimos sobre aquelas figuras, com menções sobre suas jornadas, desafios, sofrimentos e reflexões sobre a sociedade, fazendo com que o distanciamento com a plateia se reduza progressivamente. Ao mesmo tempo,  a qualidade técnica e o talento delas e suas companheiras de arte é acompanhado, através de sequências com as danças, movimentos e cortejo dos festejos carnavalescos. Neste sentido, existe um elemento que chama a atenção na direção de Martins.

A cineasta consegue provocar emoção e “manipula” este sentimento em quem assiste sob um olhar muito mais aberto e amplificado. Camila Martins parece evitar os closes, por exemplo, revelando na tela o espaço onde estas mulheres vivem, transitam, costuram, cozinham, dançam e celebram a vida. O contexto geral é o mais essencial neste cenário, para que esta conexão com as personagens se firmem e não abandonem mais o público. Dentro deste universo, a equipe do documentário conta também com o carisma e a disponibilidade das personagens.

Elas se expõem e marcam a presença delas com falas conscientes, como no discurso sobre os homens não deixarem elas terem o protagonismo, colocando-as apenas para costurar e cozinhar. As tarefas são dignas, obviamente, mas é notável a angustia deste grupo em querer a chance da escolha, pois elas repetem diversas vezes “lugar de mulher é onde ela quiser”. Assim, seja em suas profissões, casas ou hobbies, a mensagem deste grupo de Nazaré da Mata é simples: elas existem, resistem e vão ocupar os espaços que desejarem, não importando os olhares masculinos de opressão.

Por conseguir retratar tão profundamente os sentimentos e lutas de um mundo corroído por tensionamentos diários das integrantes femininas de um movimento cultural tão importante para os pernambucanos, sem perder a poesia e a beleza imagética do Maracatu, que Coração da Mata se torna um belo trabalho, que emociona, cativa e faz o coração disparar, aquecido pela presença destas personagens tão intensas e pelas cenas cheias de figurinos bonitos e expressões artísticas bem performadas.

Direção: Camila Martins

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Todavia, esta história é atemporal e quanto mais ela se mostra universal e sem demarcação de tempo, mais ela funciona na tela. Primeiramente, existe uma ausência de retratação fiel na cenografia e no figurino, que trazem um pouco de incômodo para o espectador. No entanto, é preciso ressaltar que esta falha do curta somente ficará mais intensa, podendo interferir na fruição, se a plateia tiver a consciência do período que Bardot quis mostrar. Do contrário, a narrativa cresce e tem a capacidade de causar um impacto maior no público.

Isto porque as dinâmicas sonoras e visuais trabalham para imprimir as sensações daquelas figuras ficcionais em quem acompanha aquela trama. Na decupagem há menos movimento de câmera e o foco fica com a mise-en-scène. Os movimentos do elenco e as proximidades dos mesmos entre si, fazem com que a suspensão se eleve. A atmosfera criada por Anderson Bardot é de mistério, de mundo das bruxas, do qual Gita faz parte e se coloca através dele para ter força para quebrar com um destino que parece ser inevitável.

O poder de Gita sobre seu futuro é reforçado progressivamente e reafirmado pela estratégia de retirar o preto e branco, colocando as cores nas sequências finais. É bonito de acompanhar a jornada deste heroína e de suas companheiras “bruxas” que, em uma espécie de ritual, vão quebrando a maldição do patriarcado repressor. Ainda que o curta seja um tanto pretensioso, pois se vale de complexidades demasiadas – técnica e discursos não tão deglutíveis, talvez? -, esta suposta prepotência se desfaz na qualidade do conteúdo em si, revelando como Bardot utiliza direção e montagem à serviço de seu roteiro.

A tecnicidade apurada não está ali somente para floreios, mas para fomentar as emoções discursivas e dos sentimentos das personagens. Desta forma, Procuro Teu Auxílio Para Enterrar Um Homem é visualmente impactante e constrói reflexões plurais. Mesmo sem o zelo de pesquisa maior da equipe de arte, o fato de ser no Brasil Imperial não importa tanto para o contexto convocado. Por isso, é no sensorial e visual que Bardot ganha qualidade para seu trabalho e faz com que a plateia, do início ao final da sessão, se conecte com aquele universo ficcional.

Direção: Anderson Bardot

Elenco: Erik Martincues, Guaja, Higor Campagnaro, Thelma Lopes

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A vontade de impactar o público, para lembrar a todes que a democracia não é algo dado como eterno e invencível, mas algo que pode ser perdido a qualquer momento, existe uma criação sombria e melancólica criada dentro da narrativa. No entanto, a técnica falha ao não saber como criar, verdadeiramente, tensão em uma obra.

A começar pela ideia de ritmo. Esta que vos escreve é insistente em explicar em críticas diversas a falsa ideia que perambula a mente da sociedade de que ritmo é velocidade acelerada. Ora, ritmo nada mais é do que equilíbrio, não apenas de velocidade, como de tom da cena — recomendo a leitura do livro Ritmo e dinâmica no espetáculo teatral, de Jacyan Castilho.

Assim, o longa-metragem, de Paulo Nascimento, tem em seu maior pecado a ausência de respiros e de dosagem desta tonalidade. Se o tempo inteiro alguém grifa uma emoção, esta emoção se esvai porque é como se a mesma não estivesse grifada. Neste sentido, a música é um dos elementos que mais contribui para esta ausência de ritmo.

A mesma sonoridade é repetida desde o início da projeção e está sempre presente, em qualquer ação das personagens, diluindo o impacto do que é colocado na tela. Além disso, a equipe de arte, juntamente com o diretor de fotografia, falhou na criação da unidade visual. Ainda que seja possível perceber que há um desejo em mostrar este Chile abalado e esta embaixada soturna, existem dissonâncias no que eles mesmos criaram.

Um exemplo é uma sequência que o ator Edson Celulari está em um quarto com uma paleta de verde que foge completamente dos outros tons que aparecem na exibição inteira. Para piorar a situação da equipe, é perceptível a troca de luz na mudança ou transição de alguns planos. Existem três possibilidades aqui: erro de continuidade na hora da captação da imagem, problema na sala de edição quando foram fazer a correção de cor ou ambos.

E não é apenas a temperatura que muda de quando em quando na mesma cena que incomoda. A montagem é também um dos pontos mais frágeis do filme. O raccord é totalmente ignorado e esquecido no churrasco e não é nem propositalmente. Falta fluidez na condução da passagem de cena. Mesmo que exista elipse temporal, é preciso lembrar que os cortes descontínuos podem contar com uma estrutura amarrada.

Por fim, dentro das questões negativas, há o fato de que as atuações não são das melhores. Há um exagero na construção dos papéis, que não são estudados e tridimensionais, mas representações que habitam o imaginário do senso comum. Todavia, o elenco não está ruim, em um sentido geral. Alguns momentos, como na cena de um parto que o protagonista faz, os intérpretes demonstram talento e entrega.

A grande questão de Ainda Somos os Mesmos é que falta algo para uma boa condução técnica. Nascimento é um cineasta experiente, porém seu novo projeto é verde, ingênuo e fraco. No entanto, é necessário salientar dois pontos. Apesar de seus defeitos operacionais, esta é uma obra que dialoga com um consumidor geral, por possuir momentos que podem emocionar e enganchar a atenção da plateia.

O que nos leva ao segundo ponto! Ao observar a história do mundo, mas principalmente no Brasil, que é de onde este longa sai, a certeza da permanência da democracia nunca existiu e deixar registrado no cinema um momento difícil e criminoso que foi a Ditadura militar no Brasil, mas também no Chile, faz com que seja relevante assistir a sessão. Não é um bom filme, porém o acontecimento em si que é ali narrado é absurdamente importante de ser visto.

Direção: Paulo Nascimento

Elenco: Lucas Zaffari, Edson Celulari, Carol Castro

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Nesta sexta-feira, 28, foi divulgada a lista das obras que serão exibidas nesta edição, em suas diferentes mostras, sendo elas:

CURTAS PERNAMBUCANOS

Alto do Céu, de Leo Tabosa

Coração da Mata, de Camila Martins

Depois do Sonho, de Ayodê França

Filhos Ausentes, de Jansen Barros e Virgínia Guimarães

Invasão ou Contatos Imediatos do Terceiro Mundo, de Hugo Barros Aquino e Maria Eduarda Soares Gazal

Mestra Juditaenga, de Daniel Edmundson e Tuca Siqueira

Quebra Panela, de Rafael Anaroli

CURTAS NACIONAIS

Cadim (SP), de Luiza Pugliesi Villaça

Céu (PB), de Valtyennya Pires

Eles não são estrangeiros (SC), de Pedro Bughay

Essa terra é meu quilombo (AP), de Rayane Penha

Eu Nunca Contei a Ninguém (PE), de Douglas Duan

Fossilização (RJ), de João Folharini

Instante (DF), de Paola Veiga

Moventes (RN), de Jefferson Cabral

Procuro teu auxilio para enterrar um homem (ES), de Anderson Bardot

Quintal (BA), de Mariana Netto

Solidariedade (SP), de Fernanda Pessoa

Única Saída (RJ), de Sérgio Malheiros

Virtual Genesis (DF), de Arthur B. Senra

LONGAS

Agreste (SP), de Sergio Roizenblit

Chumbo (MT), de Severino Neto

Entrelinhas (PR), de Guto Pasko

Frevo Michiles (PE), de Helder Lopes

Ijó Dudu, Memórias da Dança Negra na Bahia (BA), de Jos arlos Arandiba “Zebrinha”

Porto Príncipe (RJ), de Maria Emília de Azevedo

SESSÃO MATINÊ

Apocalypses Repentinos (CE), de Pedrokas

Bizarros Áudios (CE), de Diego Akel

Contraplano (BA), de Débora Bukanowsky

Geração Cinemateca (PR), de Miriam Karam

Papel de Parede (PE), de Duda Cavalcanti

Quem me quer? (PE), de Tiago Pinheiro

A última vez que saímos do armário (MG), de Bruno Tadeu

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