Em seguida, chegou o momento do anúncio dos vencedores d0 27º Cine PE. Com três mostras competitivas, a lista de premiados foi extensa e uma plateia animada celebrava quando os nomes eram lidos em cima do palco. Algumas produções apareceram de forma mais expressiva. Entrelinhas, do paranaense Guto Pasko, recebeu 05 prêmios: Melhor Diretor, Melhor Montagem, Melhor Edição de Som, Melhor Direção de Arte e Melhor Atriz (Gabriela Freire).

Já Agreste, de Sérgio Roizenblit,  parece ter agradado ao júri oficial, pois venceu em quatro categorias: Melhor Roteiro, Melhor Fotografia, Melhor Ator Coadjuvante (Roberto Rezende) e Melhor Atriz Coadjuvante (Luci Pereira).  Nas categorias voltadas para os curtas, os grandes destaques foram Eu Nunca Contei a Ninguém, de Douglas Duan e Quebra Panela, de Rafael Anaroli. A animação de Duan, além de levar 4 Calungas para casa, foi agraciado com o Prêmio Canal Brasil de Curtas. A ficção de Anaroli, também obteve 04 Calungas.

Após todos os anúncios e discursos, Nínive encerrou a edição de 2023 chamando todos os ganhadores para uma foto coletiva, como uma forma de guardar a recordação daquele momento. A lista completa de produções agraciadas na festa do sábado está logo abaixo. Confira!

Lista Completa de Prêmios

Prêmio da crítica (Abraccine) –  Longa-meragem: Frevo Michiles, de Helder Lopes. Curta-metragem: Moventes, de Jefferson Cabral.

Prêmio Canal Brasil de Curtas – Eu Nunca Contei a Ninguém, de Douglas Duan

Prêmio do Júri Popular –  Curta-metragem pernambucano: Invasão ou Contatos Imediatos do Terceiro Mundo; curta-metragem nacional: Essa Terra É Meu Quilombo, de Rayane Penha. Longa-metragem Agreste, de Sérgio Roizenblit.

Júri Oficial

MOSTRA COMPETITIVA DE CURTAS-METRAGENS PERNAMBUCANOS

MELHOR FILME – “Quebra Panela”, de Rafael Anaroli;

MELHOR DIRETOR – Rafael Anaroli, por “Quebra Panela”

MELHOR ROTEIRO – Virgínia Guimarães, por “Filhos Ausentes”

MELHOR FOTOGRAFIA – Breno César, por “Coração da Mata”

MELHOR MONTAGEM – Priscilla Maria, Victória Drahomiro e André Hora, por “Coração da Mata”

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – Matheus Mota e Jeff Mandú, por “Depois do Sonho”

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE – Lia Letícia, por “Quebra Panela”

MELHOR TRILHA SONORA – Antônio Nogueira, por “Depois do Sonho”

MELHOR ATOR – Paulo César Freire, por “Invasão ou Contatos Imediatos do Terceiro Mundo”

MELHOR ATRIZ – Geraldine Maranhão, por “Alto do Céu”

MOSTRA COMPETITIVA DE CURTAS-METRAGENS NACIONAIS

MELHOR FILME – “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE), de Douglas Duan

MELHOR DIRETOR – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR ROTEIRO – Paola Veiga, Roberta Rangel e Emanuel Lavor, por “Instante” (DF)

MELHOR FOTOGRAFIA – Lucas Loureiro, por “Fossilização” (RJ)

MELHOR MONTAGEM – Arthur B. Senra, por “Virtual Genesis” (DF)

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – João Milet Meirelles, por “Quintal” (BA)

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR TRILHA SONORA – Douglas Duan, por “Eu Nunca Contei a Ninguém” (PE)

MELHOR ATOR – Edmilson Filho, por “Única Saída” (RJ)

MELHOR ATRIZ – Ju Colombo, por “Fossilização” (RJ)

MOSTRA COMPETITIVA DE LONGAS-METRAGENS

MELHOR FILME – “Porto Príncipe”, de Maria Emília de Azevedo (SC/RJ)

MELHOR DIRETOR – Guto Pasko, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR ROTEIRO – Newton Moreno e Marcus Aurelius Pimenta, por “Agreste” (SP)

MELHOR FOTOGRAFIA – Humberto Bassanello, por “Agreste” (SP)

MELHOR MONTAGEM – Lucas Cesario Pereira, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR EDIÇÃO DE SOM – Kiko Ferraz, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR TRILHA SONORA – Jota Michiles, por “Frevo Michiles” (PE)

MELHOR DIRETOR DE ARTE – Isabelle Bittencourt, por “Entrelinhas” (PR)

MELHOR ATOR COADJUVANTE – Roberto Rezende, por “Agreste” (SP)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE – Luci Pereira, por “Agreste” (SP)

MELHOR ATOR – Diderot Senat, por “Porto Príncipe” (SC/RJ)

MELHOR ATRIZ – Gabriela Freire, por “Entrelinhas” (PR)

MENÇÃO HONROSA – Ijó Dudu, Memórias da Dança Negra na Bahia” (BA), de José Carlos Arandiba,

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Quando Selma e Diderot estão em cena juntos, a câmera permanece parada, em um enquadramento médio, na maioria das vezes, fazendo com que as sequências da dupla ganhem uma movimentação metafórica. São nos diálogos que as personagens Bertha e Bastide revelam suas forças e fragilidades. Os intérpretes parecem improvisar os silêncios, os sorrisos, as pausas. É emocionante ver o jogo criado pela dupla, que não tem pressa para investigar e demonstrar as emoções de seus papéis.

Maria Emília ao notar esta dinâmica bonita, vinda de seus atores, deixa que a sua criação esteja completamente voltada para a narrativa. Ao lado do fotógrafo Marx Vamerlatti, a cineasta elabora camadas imagéticas, que expressam os sentimentos e pensamentos das figuras principais da história, como nas transições de estado das personagens. As sombras vão se dissipando e a tela ficando cada vez mais iluminada, mudando o estado da vida de Bertha e Bastide, que crescem em suas jornadas, ganhando mais liberdade e confiança para alcançar seus sonhos.

Além deste particular e íntimo das relações humanas, que são investigados a partir desta amizade, o roteiro de Marcelo Esteves não deixa de explorar questões políticas e sociais. Bastide é um homem haitiano, um homem negro e imigrante, que vai morar em Santa Catarina. Assim, o enredo traz o racismo e o elitismo deste Estado, que se vê superior por ter descendentes de alemães, revelando todo o fascismo e comportamento hipócrita de uma região.

O filho de Bertha é quem mais representa este tipo de gente, que vem com uma postura de protetor da família, apenas para não escancarar o preconceito e a atitude criminosa perante os negros. Mas, tanto na escrita quanto na mise-en-scène, é notável a articulação e a movimentação deste branco sulista para oprimir, com falas violentas, tanto a sua mãe, por ser mulher, quanto Bastide, por ser estrangeiro e um rapaz preto. Talvez, a discussão pudesse ser um pouco mais firme, mais corajosa, porque ela se esvai e não toma um desfecho direto. Fica mais pelo não dito.

Bastide também demora demasiadamente de se impor. Somente a partir da virada da trama, quando ele e Bertha brigam é que o escutamos proferir tudo que foi um incômodo na postura de Bertha, durante a sessão inteira. A postura dela de white savior e a permissividade dada ao seu filho é angustiante. Este comportamento da personagem serve para criar sua complexidade, porém a produção cresceria se o olhar crítico de Bastide estivesse presente na obra desde o começo.

Além disso, depois da discussão entre os dois, existe uma sequência muito forte vivida por Bastide. Todavia, uma grande elipse temporal é criada, apagando todo o conflito que foi estabelecido progressivamente na exibição. A resolução do maior nó do longa é dada de forma tão fácil, que parece um ausência de habilidade em trabalhar o próprio conteúdo criado pela equipe. Há esta quebra de expectativa, que compromete um tanto do resultado geral aqui.

Ainda assim, Porto Príncipe vale por encantar com sua estética, que mescla o particular e o universal, por apresentar intérpretes carismáticos e talentosos e por deixar uma sensação de que é sempre possível recomeçar, em uma nova terra, em qualquer idade ou circunstância. O filme não traz uma fala “polianesca” sobre o enfrentamento das dificuldades, mas apresenta um tom de renovação e força, que deixam os olhos marejados, ao final da projeção.

Direção: Maria Emília de Azevedo

Elenco: Selma Egrei, Diderot Senat, Léo Franco

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A vontade de impactar o público, para lembrar a todes que a democracia não é algo dado como eterno e invencível, mas algo que pode ser perdido a qualquer momento, existe uma criação sombria e melancólica criada dentro da narrativa. No entanto, a técnica falha ao não saber como criar, verdadeiramente, tensão em uma obra.

A começar pela ideia de ritmo. Esta que vos escreve é insistente em explicar em críticas diversas a falsa ideia que perambula a mente da sociedade de que ritmo é velocidade acelerada. Ora, ritmo nada mais é do que equilíbrio, não apenas de velocidade, como de tom da cena — recomendo a leitura do livro Ritmo e dinâmica no espetáculo teatral, de Jacyan Castilho.

Assim, o longa-metragem, de Paulo Nascimento, tem em seu maior pecado a ausência de respiros e de dosagem desta tonalidade. Se o tempo inteiro alguém grifa uma emoção, esta emoção se esvai porque é como se a mesma não estivesse grifada. Neste sentido, a música é um dos elementos que mais contribui para esta ausência de ritmo.

A mesma sonoridade é repetida desde o início da projeção e está sempre presente, em qualquer ação das personagens, diluindo o impacto do que é colocado na tela. Além disso, a equipe de arte, juntamente com o diretor de fotografia, falhou na criação da unidade visual. Ainda que seja possível perceber que há um desejo em mostrar este Chile abalado e esta embaixada soturna, existem dissonâncias no que eles mesmos criaram.

Um exemplo é uma sequência que o ator Edson Celulari está em um quarto com uma paleta de verde que foge completamente dos outros tons que aparecem na exibição inteira. Para piorar a situação da equipe, é perceptível a troca de luz na mudança ou transição de alguns planos. Existem três possibilidades aqui: erro de continuidade na hora da captação da imagem, problema na sala de edição quando foram fazer a correção de cor ou ambos.

E não é apenas a temperatura que muda de quando em quando na mesma cena que incomoda. A montagem é também um dos pontos mais frágeis do filme. O raccord é totalmente ignorado e esquecido no churrasco e não é nem propositalmente. Falta fluidez na condução da passagem de cena. Mesmo que exista elipse temporal, é preciso lembrar que os cortes descontínuos podem contar com uma estrutura amarrada.

Por fim, dentro das questões negativas, há o fato de que as atuações não são das melhores. Há um exagero na construção dos papéis, que não são estudados e tridimensionais, mas representações que habitam o imaginário do senso comum. Todavia, o elenco não está ruim, em um sentido geral. Alguns momentos, como na cena de um parto que o protagonista faz, os intérpretes demonstram talento e entrega.

A grande questão de Ainda Somos os Mesmos é que falta algo para uma boa condução técnica. Nascimento é um cineasta experiente, porém seu novo projeto é verde, ingênuo e fraco. No entanto, é necessário salientar dois pontos. Apesar de seus defeitos operacionais, esta é uma obra que dialoga com um consumidor geral, por possuir momentos que podem emocionar e enganchar a atenção da plateia.

O que nos leva ao segundo ponto! Ao observar a história do mundo, mas principalmente no Brasil, que é de onde este longa sai, a certeza da permanência da democracia nunca existiu e deixar registrado no cinema um momento difícil e criminoso que foi a Ditadura militar no Brasil, mas também no Chile, faz com que seja relevante assistir a sessão. Não é um bom filme, porém o acontecimento em si que é ali narrado é absurdamente importante de ser visto.

Direção: Paulo Nascimento

Elenco: Lucas Zaffari, Edson Celulari, Carol Castro

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