Para contar a história de Pisque Duas Vezes, Kravitz reúne um elenco muito interessante, a começar pelos seus protagonistas. Naomie Ackie tem outra grande oportunidade de brilhar depois de ter vivido Whitney Houston na cinebiografia I wanna dance with somebody – aliás, se aquele filme se salvava em algum ponto era graças ao desempenho da atriz. No filme de Kravitz, Ackie dá vida a uma mulher insegura que gradualmente lida com o retorno da memória dos seus traumas e utiliza uma falsa naturalidade e submissão como estratégia de sobrevivência em um contexto perigosamente misógino. Channing Tatum é outro destaque do elenco naquela que provavelmente é a melhor atuação da sua carreira desde Foxcatcher. Em Pisque Duas Vezes, Tatum interpreta um milionário cínico, frio e manipulador e mantém muito bem o mistério sobre a verdadeira natureza do seu personagem, por vezes seduzindo o próprio espectador com aquela persona de “homem dos sonhos”.

Acontece que Pisque Duas Vezes não é exitoso apenas na escolha dos seus protagonistas. Mesmo quem tem poucas falas está muito bem no suspense. Kravitz foi extremamente perspicaz na escolha dos seus coadjuvantes que vão da estrela em ascensão Adria Arjona (de Assassino por Acaso de Richard Linklater), passando por nomes veteranos que não têm aparecido em produções badaladas nos últimos anos como Christian Slater, Geena Davis e o ex-astro mirim de Sexto Sentido e A.I.: Inteligência Artificial Haley Joel Osment. Todos estão excelentes em cena e funcionam muito bem como coletivo.

Para além do ótimo elenco e do direcionamento certeiro que Kravitz dá a suas atuações, Pisque Duas Vezes é um longa que destaca uma diretora cuja principal qualidade é saber dosar os variados humores da sua trama. O filme funciona como thriller, cheio de momentos de tensão, dando vazão ao teor sombrio de sua história, mas também sabe inserir altas doses de ironia, não se levando tão a sério assim ao encontrar humor nos momentos mais insuspeitos. Existe muita personalidade na direção de Zoë Kravitz, que se revela uma cineasta completamente desapegada de qualquer cartilha na forma como a ação deve transcorrer na tela. Pisque Duas Vezes tem uma abordagem para seus temas que parece ser apenas dele, equilibrando muito bem gêneros e recursos que parecem opostos ou, na teoria, inconciliáveis, mas que aqui fazem perfeito sentido quando se combinam.

O mote feminista faz parte da proposta e o roteiro e Kravitz e E.T. Feigenbaum trazem isso para a narrativa de forma muito inteligente. Conceitos como sororidade e o próprio plot da vingança da vítima de assédio, que se transformou em um subgênero no próprio terror/thriller, é construído de forma multidimensional pela história na medida em que as personagens de Ackie e Arjona se articulam na sua “virada de mesa” contra os personagens masculinos.

Com boas atuações, uma direção original e um roteiro muito bem construído, Pisque Duas Vezes é um acerto e tanto de Zoë Kravitz. O filme tem ousadia na sua narrativa e muito frescor na forma como conta sua história, indicando que a diversificação das funções de Kravitz no cinema não é mero capricho, mas completa vocação artística.

Direção: Zoë Kravitz

Elenco: Naomi Ackie, Channing Tatum, Alia Shawkat

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Além da TV, Berlanti já esteve na função da direção de filmes com trabalhos de relativo sucesso, como Com Amor, Simon em 2018. No entanto, Como Vender a Lua é um projeto repleto de hesitações e confuso a respeito do tom que a narrativa deseja adotar. Em determinados momentos, Berlanti quer empregar na história um tom mais leve, investindo na comédia. Em outros momentos, o cineasta parece apostar na comédia romântica centrando suas atenções na dinâmica de “gato e rato” da sua dupla de astros, Johansson e Tatum. Ocasionalmente, parece existir em Como Vender a Lua um comprometimento com fatos históricos, debruçando-se ainda sobre o lugar da publicidade na recepção pública externa e interna sobre os feitos do governo americano. Em outros momentos, por sua vez, Berlanti ainda parece querer ironizar ou fazer algum comentário crítico a respeito das ações de políticos com a presença de um agente interpretado por Woody Harrelson. Enfim, parecem existir muitas direções para um só filme. No fim das contas, Como Vender a Lua soa muito mais como o rascunho de uma sala de roteiristas do que um projeto propriamente acabado com uma orientação firme sobre o que de fato o filme é.

Claro que o longa poderia abarcar todas as suas pretensões, acontece que aqui essas diversas facetas da história não soam orgânicas e muitas vezes prejudicam a experiência do espectador que, subitamente, é surpreendido por mudanças na “chave de comunicação” do filme e dificultam sua leitura como uma experiência que de alguma forma faça sentido.

O diretor também não consegue fazer com que a dupla de protagonistas tenha sinergia em cena. Juntos, Johansson e Tatum não dão liga. Scarlett Johansson ainda tem bons momentos sozinha como a relações públicas Kelly Jones, demonstrando um carisma na sua persona pública que contrasta com a triste história sobre sua infância, algo que a personagem procura deixar para trás. O problema é que o filme apresenta hesitações na exploração do lado mais ácido e antiético da personagem de Johansson. Logo, o roteiro cede à tentação de convertê-la em uma mocinha banal e isso prejudica bastante o trabalho de uma atriz que poderia atenuar muitos dos problemas da história. Já Channing Tatum tem muita dificuldade para imprimir a nobreza de caráter do militar Cole Davis. Inexpressivo, Tatum não consegue acessar momentos que demandariam mais emoção e que seriam fundamental para construir uma simpatia do público pelo drama do personagem. Juntos, os atores parecem sempre fora de sintonia, algo que não ajuda muito quando você tem uma direção que vacila tanto na definição do tom que o relacionamento dos dois deve adotar.

Para o público internacional, Como Vender a Lua ainda apresenta o grande incomodo de soar como aquele filme cheio de mensagens patriotas sobre a história dos EUA, ressaltando a nobreza dos ditos heróis americanos. Como Vender a Lua perde a oportunidade de trazer um olhar mais crítico para o seu pano de fundo histórico, preferindo o “lugar comum” de um tradicionalismo que o transforma em mais um entre tantos filmes que já abordaram o assunto. No fim das contas, Berlanti oferece uma colcha de retalhos de linhas narrativas e opta por encerrar sua obra com o mais seguro e banal dos seus possíveis direcionamentos, perdendo grandes oportunidades.

Direção: Greg Berlanti

Elenco: Scarlett Johansson, Channing Tatum, Jim Rash

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Com um elenco bem interessante, composto ainda por Jodie Comer (Killing Eve), Lil Rel Howery (Corra!), Joe Keery (Stranger Things) e Taika Waititi (Jojo Rabbit), o longa evolui com um roteiro bem interessante e construído. É preciso abstrair alguns elementos do absurdo, mas a própria história propõe isso ao espectador. E não estamos falando aqui sobre um filme que força a inserção de Inteligência Artificial. Free Guy – Assumindo o Controle não subestima o espectador em hora nenhuma, apresentando uma história coerente e atrativa.

Além disso, as cenas de ação são bem propícias e orquestradas, sempre ao som de uma bela trilha sonora e alguns refrescos no meio do caminho. Vários atores como Channing Tatum, Chris Evans, Dwayne Jonhson, Tina Fey, John Krasinski, Hugh Jackman têm super breves participações, porém bem interessantes. É mais um atrativo aos olhos do espectador, a essa hora já bem conquistado.

Guy é um cara positivo e desconfiado da realidade onde vive. O seu envolvimento com a Garota do Molotov é construído de maneira a induzir uma relação verdadeira, mesmo que impossível de acontecer. Enquanto isso, observamos o amor de Keys pela colega de criação e como Guy, na verdade, funciona como seu alter ego apaixonado e silencioso.

O conhecido diretor Taika Waititi entra como um vilão mesquinho e ganancioso, que visa apenas o dinheiro acima de qualquer coisa. Sua dualidade de atuação histérica com o equilíbrio dos outros personagens dá o tom perfeito dessa relação.

A história do filme é muito original e ainda dá pequenas alfinetadas no estilo de vida dos gamers, ainda que trate tudo com muito humor e diversão. Ele consegue equilibrar muito bem a distopia nerd com a alma de envolvimento naquele enredo familiar. O longa propõe ainda uma ideia de assumir o controle de sua própria vida, mesmo que isso implique em perder algumas benesses que já estamos acostumados, como a segurança de um lar entediante.

Free Guy – Assumindo o Controle é, no final das contas, uma grata surpresa para quem assiste. Divertido, interessante, com ótimas atuações, cenas de ação de qualidade e uma trilha sonora deliciosa, com certeza vale a experiência do cinema, pelos benefícios que a grande tela oferece em termos de percepção do CGI, utilizado exaustivamente.

Direção: Shawn Levy

Elenco: Ryan Reynolds, Jodie Comer, Lil Rel Howery, Joe Keery, Taika Waititi, Channing Tatum, Chris Evans, Dwayne Jonhson, Tina Fey, John Krasinski, Hugh Jackman

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Em Logan Lucky, os azarados irmãos Jimmy e Clyde, interpretados por Channing Tatum e Adam Driver, decidem empreender um roubo durante a corrida Nascar na Carolina do Norte após constatarem que precisam dar um basta nas suas vidas fracassadas. Para a ação criminosa eles procuram a ajuda de um presidiário vivido por Daniel Craig. Envolvendo a irmã e uma outra dupla de sujeitos completamente sem noção, os Logan acabam arquitetando um plano que aos poucos evidencia suas dificuldades de execução.

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Em O Círculo Dourado, o Kingsman é exterminado por um ataque de mísseis, fazendo com que os únicos remanescentes da equipe sejam Eggsy (Taron Egerton) e Merlin (Mark Strong). Em busca de ajuda, os dois chegam a Statesman, agência americana nos moldes da Kingsman, e descobrem que devem derrotar a traficante de drogas Poppy Adams (Julianne Moore), que vive numa espécie de exílio fabricando suas aparentemente inofesivas armas de destruição em massa.

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No filme, os Coen nos insere nos bastidores do cotidiano dos estúdios de cinema Capitol Pictures na Hollywood dos anos de 1950. Em meio às filmagens de produções grandiosas da época de ouro do cinema norte-americano e o temperamento instável de estrelas e diretores de cinema, acompanhamos a rotina de Edward Mannix (vivido por Josh Brolin), “cabeça” do estúdio que, entre suas várias funções, afasta as principais atrações da casa de escândalos midiáticos que possam arruinar suas carreiras e manchar a imagem da Capitol Pictures. Acontece que Mannix não terá um dia de trabalho nada fácil quando descobre que o famoso astro da produção épica “Ave, César!”, cujas filmagens estão em andamento, desapareceu misteriosamente após uma ação bem sucedida de uma organização secreta chamada “Futuro”.

Funcionando muito bem em duas frentes específicas, a comédia e o suspense policial (ambos adaptados às perspectivas que os cineastas possuem dos dois gêneros, claro), Ave, César! é uma verdadeira ode ao cinema do período que pretende retratar. Além dos gêneros com os quais sua trama central dialoga, Ave, César! oferece ao espectador uma compilação de homenagens interessantes a produções populares do período, como os westerns, os musicais com sapateado, os épicos históricos/religiosos, os melodramas, os filmes com acrobacias e coreografias aquáticas etc. Tudo está em Ave, César! na medida em que acompanhamos a rotina da Capitol Pictures em sequências produzidas com disciplina pelos Coen (cujo estudo de elementos como a fotografia, o tipo de performance dos atores etc. é visível na execução dessas cenas), que contam com o suporte do competente diretor de fotografia Roger Deakins, da equipe de direção de arte e dos figurinos de Mary Zophres.

Acontece que tudo isso é adorno – um belíssimo e interessante adorno, é preciso reconhecer – diante do que parece ser a força motriz de Ave, César!. Através da sua trama policial, os Coen, com a inteligência e perspicácia que lhes são peculiares, nos insere em uma rede de conspirações a respeito dos “braços” comunistas que se “infiltraram” nos estúdios naquela época, os roteiristas. Nesse mesmo ano, o tema foi tratado no filme que rendeu uma indicação ao Oscar para Bryan Cranston, Trumbo, de uma maneira bem burocrática, é verdade, mas em Ave, César! ganha um tratamento mais interessante e inusitado. A fusão entre a homenagem à era de ouro de Hollywood e o deboche dos realizadores com a paranoia comunista que tomou conta dos EUA naquele período faz de Ave, César! um interessante mosaico sobre a produção cinematográfica do período, mas também da sociedade norte-americana da época e o do modus operandi dos estúdios de cinema.

Com um elenco muito bem em cena, composto por antigos colaboradores dos diretores, como George Clooney (funcionando sempre na medida para os tipos que os realizadores costumam escalá-lo), Josh Brolin, Scarlett Johansson (cada vez mais saindo da moldura na qual foi colocada nos primeiros anos da sua carreira), Frances McDormand e Tilda Swinton, como também novas adições em seus currículos, é o caso de Ralph Fiennes, Christopher Lambert (!!!!), Jonah Hill e Channing Tatum (excelente em sua breve mas importante participação), o destaque ficou para o novato do grupo, o jovem ator de nome praticamente impronunciável, Alden Ehrenreich, conhecido por sua participação em Tetro, filme de Francis Ford Coppola de 2009. Ehrenreich interpreta uma jovem estrela de westerns, marcada por sua inocência e pela sua dificuldade de interpretar, mas que passa a ser a “galinha dos ovos de ouro” da Capitol Pictures dirigida pelo personagem de Josh Brolin. Alden Ehrenreich faz um tipo interessante que não só funciona bem no universo dos Coen, atuando na mesma voltagem dos restante dos personagens do filme, como também consegue conferir uma dimensão humana ao criar uma forte empatia com o público desde a sua primeira sequência.

Entre a reverência à antiga Hollywood e a crítica à paranoia comunista, Ave, César! consegue ser mais um acerto de Joel e Ethan Coen. Nada fora da curva, mas nem precisava ser. O filme é coerente com tudo o que os realizadores têm feito até aqui com seus comentários irônicos sobre a sociedade americana e com suas apropriações bem particulares da gramática cinematográfica. É preciso ter muito fôlego, coragem e repertório para chegar tão longe e com tanta maturidade na constância produtiva que os Coen vêm apresentando desde que surgiram no cinema e Ave, César! é outro momento muito bom dos realizadores.

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Em seu anunciado oitavo longa-metragem, Quentin Tarantino reitera elementos que são marcas do realizador ao longo de toda a sua carreira: os diálogos afiados, a estrutura narrativa por vezes acronológica, muita violência e as dezenas de referências a todos aqueles filmes que são cultuados pelo realizador. Os Oito Odiados fortalece suas origens tarantinescas ao trazer para sua trama todos esses recursos. É bem verdade que o longa acaba não sendo o mais memorável da carreira do diretor e em determinadas situações suas marcas de autoria soam como repetição, mas em mais de três horas de projeção, o realizador mantém o espectador atento a sua história e a seus personagens trabalhando um domínio narrativo que poucos cineastas contemporâneos possuem.

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Enfim o aguardado trailer de Os 8 Odiados, novo filme de Quentin Tarantino, acaba de ser divulgado. Além dele, um pôster estampado pelos protagonistas do filme também foi lançado.

Dirigido e roteirizado por Tarantino, Os 8 Odiados conta a história de uma diligência que desvia da sua rota por conta de uma tempestade de neve. Esse incidente faz com que um grupo de oito estranhos fique preso em um saloon no meio do nada. O grupo é composto por uma dupla de caçadores de recompensa, um ex-soldado, uma ex-presidiária, entre outros. O longa tem sido “vendido” como um encontro entre Sete Homens e um Destino e Os Doze Condenados.

No elenco, parceiros habituais do diretor como Samuel L. Jackson (Pulp Fiction, Jackie Brown e Django Livre), Tim Roth (Cães de Aluguel), Kurt Russell (À Prova de Morte), além de novos rostos na filmografia do diretor, como Jennifer Jason Leigh (eXistenZ), Bruce Dern (Nebraska) e Channing Tatum (Magic Mike).

O longa estreia no final do ano nos EUA, aqui no Brasil a previsão de estreia é para janeiro de 2016.

Veja o pôster e assista ao trailer abaixo:

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Se você está esperando um grande roteiro ou uma história bem fundamentada e cheia de sentido, melhor procurar outro filme para ver. Agora, se a sua intenção é apenas se divertir, rir bastante e melhorar o humor, pode apostar que Magic Mike XXL é a sua melhor escolha do momento. Bom, pelo menos se você for mulher ou gay.

Eu serei sincera ao afirmar que não sei até agora qual o enredo deste filme. De forma superficial e reduzida, o que posso dizer é que o grupo de strippers retorna mais uma vez neste longa. Mike largou a profissão e resolveu seguir a carreira de design de móveis. Ele criou uma empresa, que vai levando com certa dificuldade, porém muita motivação. Depois de uma brincadeira de mau gosto, ele acaba se reencontrando com seus antigos colegas da noite, que vão seguir em uma última turnê até a convenção em Miami. Chateado e deprimido, depois que a mulher recusou seu pedido de casamento, Mike resolve acompanhar os amigos para se divertir um pouco.

Bom, é basicamente isso. Daí pra frente é o óbvio. O filme é a jornada deles até chegar na convenção e se apresentar. Mas gente, me perdoem a informalidade, não é preciso mais nada. O grupo é extremamente divertido e tem uma dinâmica interessante.

É preciso deixar claro uma coisa. A ideia de uma sequência é puramente mercadológica. O primeiro filme foi o maior sucesso de bilheteria, então era natural que uma sequência fosse produzida. Porém, diferente do primeiro, esse não tem vergonha de mostrar o que propõe e não fica fazendo rodeios.

Enquando o primeiro filme tenta (sem sucesso) criar uma história, mixar drama com ação com suspense com romance, o segundo simplesmente vai ao ponto: um monte de homem tirando a roupa e sensualizando na frente da telona. Provavelmente por isso, o segundo consegue se sair melhor. Ao assumir seu objetivo, ele o cumpre muito bem.

A narrativa, como um todo, venera o mundo feminino. Os protagonistas falam sempre em dar prazer às mulheres, deixá-las felizes e tudo mais. Como se eles fossem psicólogos sexuais. E é bem isso que acontece. Em uma sala de cinema grande, 80% era mulher, 18% gay e os outros 2% eram de homens perdidos ou que foram obrigados pelas namoradas. Dois saíram no meio da sessão. Paciência.

O fato é muito simples. Pouco enredo, pouca narrativa, nenhuma atuação fantástica (não são ruins também, vale deixar claro), mas isso não torna o filme ruim. Ao contrário, é extremamente agradável, leve e entretém. A pessoa sai da sessão dando risada à toa. Então, acredito eu, ele já é suficientemente bom, só por isso.

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Os acontecimentos de Foxcatcher – Uma História que chocou o Mundo têm como força condutora a insegurança do seu protagonista, o lutador Mark Schultz (Channing Tatum). O fio condutor desse filme sombrio de Bennett Miller é a carência desse personagem, suprida em níveis diferentes pelo seu irmão mais velho David Schultz (Mark Ruffalo) e pelo seu pretenso treinador, o milionário John du Pont (Steve Carell). Bennett Miller constroi toda a atmosfera necessária para fazer de Foxcatcher um filme denso psicologicamente, além de intrincado e coerente como narrativa. As sensações criadas no espectador são fluidas, nada é antecipado, os personagens e suas relações são críveis e a condução é ritmada. Enfim, o melhor trabalho da carreira do diretor de Capote e O Homem que mudou o Jogo, até então.

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