O título é o nome de sua avó, parteira e curandeira baiana. Mas, vemos muito mais do que a trajetória dela — ainda que a mesma seja profunda e cheia de camadas. Há um encontro do passado, presente e futuro aqui.

Num misto de experiências individuais e coletivas, João aponta questões sólidas como a violência contra mulheres, xenofobia e o racismo, porém sempre misturando offs pesados com imagens leves.

A voz de João é melódica e convidativa. Ao mesmo tempo que há suavidade, há uma força interna, de quem se apropria de sua história e decide contar ela para o mundo. Além disso, apesar de offs serem, geralmente, cansativo e enfadonhos, aqui o seu uso é um acerto.

A assistência de direção, de Marcelo Caetano (Corpo elétrico), parece fundamental para que Torres consiga trabalhar as nuances de sua voz e ser uma narração que conduz o espectador, como quem diz “passei um café e vou te contar uma história, menina…!!”

Neste sentido, outro elementos fomentam essa sensação. O roteiro, também de João — ao lado de Caetano e Deborah Veigas (A árvore) —, ambienta a plateia geograficamente, seja na França, no sudeste ou no interior da Bahia.

João também cria a atmosfera onírica através da encenação. A planificação ajuda nessa conexão do espectador com os espaços mostrados na tela. A duração desses quadros também otimizam a imersão do público.

Há contemplação, há reflexão e uma receptividade intelectualizada (pelo texto e pela lógica de construção de imagem), elementos raros de serem combinados de forma eficaz no cinema, porém aqui entregues com destreza.

A fotografia de Wilssa Esser (Levante) e Camila Freitas (Chão) compõem cenários idílicos e deixam esse discurso ainda mais intenso e fluido. Há calor nas imagens de Aurora. Contudo, há também uma melancolia e uma angústia. Assim, essa é uma sessão sensorial, plural e poética.

Uma poesia coberta de sangue das antepassadas de João, sim. No entanto, há um cuidado, um zelo e uma amor ao audiovisual que são indispensáveis para que o documentário seja profundo e bem realizado.

Talvez, Aurora peque apenas por ser intelectualizado demais, ficando um tanto hermético. Neste sentido, a obra pode não se conectar com um público mais geral. No entanto, ainda assim, esse é um bom doc do cinema nacional.

Direção: João Vieira Torres

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A partir das obras assistidas no CineFantasy, o Coisa de Cinéfilo traz agora um especial com os principais curtas que acompanhamos durante os 14 dias de festival.

Sempre Quando Chove (2020, SP)

Aqui a metáfora sobre os sentimentos, ações e sensações humanas são postas através das cores. A iluminação e as tonalidades múltiplas que surgem na tela revelam as emoções do protagonista que vai, junto com o espectador, descobrindo como funciona um objeto, aparentemente simples, mas que contém uma espécie de poder nele. Este é uma camisa, que o jovem compra pela internet em uma promoção e que muda de coloração o tempo inteiro. Há no filme um balanço equilibrado da progressão e da jornada deste rapaz, pois cada passo de sua rotina é transformado, a partir desta aquisição, até que ele não tem mais para onde ir e tudo vira desgaste.

No entanto, apesar de uma premissa criativa e de ter uma personagem principal carismática, a produção peca por subestimar o espectador e tentar reforçar os signos que foram criados e expostos na projeção. Parece haver um receio do roteiro e da direção em investir e se jogar neste universo do fantástico. Nota: 3 estrelas

Uma Mulher Feliz (2018, Espanha)

Logo nos primeiros minutos de projeção, o espectador já sente o que o filme deseja passar. Com uma narração que contradiz as imagens que estão sendo mostradas, há um clima de ironia revelada. Juntamente com isso, o público vai descobrindo as negações da protagonista, que se anula de maneira tão forte que começa a desaparecer, se tornando quase invisível. Nesta metáfora um tanto literal, o maior ganho são as tiradas nonsense, principalmente nas sequências que mostram o cotidiano sofrido da personagem, preenchido de descaso e imagens fortes, como em um jantar que Ana corta a sua mão, mas ela não sente a dor e continua sangrando na frente da família, que apenas a observa, sem fazer nada.

Neste quesito de transmitir as sensações de Ana, a direção de arte é o elemento que mais contribui para contar a sua história e emoções. Há um cuidado com os detalhes, seja no início da exibição, na casa de Ana e tudo que está nela ou, depois, no hospital, este ambiente um tanto frio, que vai ganhando personalidade enquanto Ana se recupera. Talvez, o que incomode no curta seja a ingenuidade extrema, que surge na reviravolta, na qual o marido e os filhos começam a desvanecer, quando ela finalmente descobre o que ama, deixando tudo muito literal. Ou seja a própria tentativa de ser sutil, mas com um peso na mão quando Ana se recupera e seu corpo volta a ganhar forma. Nota: 2,5 estrelas

Lili (2020, Holanda)

Simples, direto e intenso. Estes três adjetivos cabem como uma luva quando o assunto é o filme Lili. Com a câmera parada e o quadro centralizado na protagonista que dá o título ao curta, o público é apresentando a uma atriz em uma audição. O fundo é preto e ela está vestida de branco em uma cadeira. Em off, escuta-se a voz do aparente diretor, que dá comandos para a intérprete. Progressivamente, a tensão entre os dois vai crescendo e o espaço fechado lembra uma clausura, onde, talvez, não houvesse escapatória. O cineasta passa a fazer pedidos constrangedores, como solicitar que Lili abra mais o botão de sua camisa e que se insinue para tela, de forma provocativa.

Quando as vozes dos dois e os olhares de Lili já alcançaram toda a suspensão possível, a diretora e roteirista Yfke Van Berckelaer (All the single ladies) ultrapassa a expectativa de que o ápice da angústia foi alcançado e põe a figura masculina para se aproximar fisicamente da protagonista. O plano mostra apenas as suas mãos em Lili, a dupla repete o diálogo que já vem sendo dito algumas vezes. A maneira como o plot twist se instala é, de fato, uma surpresa e amplia o horizonte do que a obra quer contar. Aqui, a metáfora funciona e o seu desfecho é o arremate final de uma narrativa bem construída em tão poucos minutos. Nota: 4 estrelas.

Terroir (2020, Estados Unidos)

Quase com em um videoclipe, as imagens vão sendo evocadas juntamente com uma música que ecoa na tela. A base do filme é a dinâmica entre uma mãe e uma filha e os desgastes constantes que este de tipo de relação pode trazer. As tensões entre as duas são intensas e profundas. No entanto, há um forte clima de pretensão na obra que atrapalha a criação de uma progressão. Antes mesmo da instalação das situações e do estabelecimento de empatia com as personagens e o que está aparecendo durante a projeção, o tom já está um tanto acima.

Não conseguindo sustentar as próprias ações que procura propor, o ritmo se perde e o equilíbrio se esvai. Além disso, a vontade de instalar uma atmosfera parece um pouco desesperada e o curta acaba indo para o literal da pior maneira possível, como em uma briga entre elas que acontece no banheiro. Os corpos das atrizes não estão orgânicos, o que artificializa a construção da cena. No geral, a vontade de imprimir elementos plásticos no ecrã funciona, mas é apenas algo que chama apenas atenção por alguns minutos. Depois, não há uma boa maneira de lidar com aquilo que quer provocar. Nota: 2 estrelas

Pílulas Pretas (2019, Estados Unidos)

É preciso respirar fundo para falar sobre Pílulas Pretas. É bem verdade que o filme tenta criar toda uma metáfora para tratar sobre a questão dos corpos de pessoas transgênero e procura, até o seu desfecho, realizar isto da melhor maneira possível. Infelizmente, a obra peca do início ao fim em todos os seus elementos. O roteiro é expositivo, a direção de atores parece inexistente, os objetos da direção de arte são artificiais, despertam o espectador para a realidade, não estabelecendo o pacto com a plateia, existente na ficção. Não tem como comprar este tecno-futuro desesperado, no qual nem a figura  “misteriosa” que está no vídeo sabe o que ela é de fato. Nota: 0,5 estrelas.

Cinzas (2020, Argentina)

Há um certo equilíbrio em Cinzas. Com um início um tanto bobo, ele pode afastar o público inicialmente. Em seguida, ele consegue estabelecer um clima de terror, trazendo de volta a atenção. A ingenuidade do começo do enredo está na entrada da protagonista na floresta. Ainda que se entenda que ela está hipnotizada, a maneira como a personagem se movimenta e caminha em direção de um edifício abandonado é um tanto artificial, principalmente pelo diálogo entre ela e a outra garota que está ao seu lado. Contudo, quando a menina chega até o local inóspito e passa a investigar aquele espaço, a obra ganha outro tom.

A câmera está o tempo inteiro a serviço desta relação, entre o que ela observa em contraponto com o fato de estar sendo vista por alguma coisa que ainda não se sabe o que é. Lentamente, as peças são montadas e a construção da atmosfera de medo faz com que a chegada da figura sobrenatural ganhe mais impacto. As tonalidades imprimem uma dupla sensação, que fica entre o nostálgico e o assombrado. Ainda que consiga chegar até seu clímax com uma boa construção, o desenlace chega frouxo, pois a narrativa parece se perder após a conclusão do arco da personagem principal. Nota: 3,5 estrelas.

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Já foi batido o martelo! O Ministério da Cultura escolheu o longa Que horas ela volta?  de Anna Muylaert para representar o Brasil na campanha de “melhor filme estrangeiro” no Oscar 2016.

A recepção do filme fora do país já indicava que ele seria a escolha da comissão responsável pela decisão, mas faltava a palavra final do próprio MinC, que já foi responsável por algumas escolhas questionáveis no passado (como escolher O Ano em que meus pais saíram de férias no lugar do badalado Tropa de Elite).

Muita gente pode estar cética quanto a entrada do filme no Oscar pois faz muitos anos que o Brasil não participa da festa com um longa-metragem (a última vez foram as 4 indicações recebidas por Cidade de Deus no Oscar de 2004). No entanto, é preciso salientar que fazia anos que não víamos uma campanha tão favorável a um filme brasileiro no Oscar. Alguns dos veículos mais importantes dos EUA são só elogios ao filme de Muylaert, coisa que não aconteceu com longas de grande repercussão aqui no país e também foram escolhidos como representantes brasileiros nas premiações, os casos de Tropa de Elite 2, O Som ao Redor e Hoje eu quero voltar sozinho.

Até chegar a tão sonhada indicação de melhor filme estrangeiro, Que horas ela volta? passará por uma peneira que escolherá dez pré-candidatos no final desse ano, dai sim a Academia anuncia no início de 2016 os seus cinco escolhidos junto com as demais categorias do Oscar.

Falaremos ainda muito sobre esse filme por aqui. Fiquem ligados!

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A existência do ser humano é passageira. Cabe a nós deixar prolongar esta passagem com um legado, ato de generosidade, mas também de extrema vaidade humana. Obra acaba sendo um filme sobre o estágio de nossa vida em que a gente se dá conta disso e nos perguntamos sobre o que realizamos e deixamos como herança para esse planeta e o que ainda podemos fazer. Invariavelmente, estes momentos de introspecção revelam uma crise.

Em Obra, Gregório Graziosi coloca esta crise em foco por intermédio do protagonista do filme, o arquiteto João Carlos, interpretado pelo ator Irandhir Santos. O personagem está vivendo um momento crucial em sua vida, está em plena execução da obra de uma nova construção, seu pai está com uma doença severa e ele está prestes a se tornar pai pela primeira vez. Em meio a todo este contexto conflituoso, João Carlos passa por uma crise de idade, questionando suas relações e sua vocação profissional. Cenário que só piora quando ele descobre uma enfermidade em sua coluna.

O diretor Gregório Graziosi nos apresenta a uma narrativa sustentada pelos silêncios, há pouquíssimos diálogos. Estes momentos de silêncio, por refletirem um vazio no peito e os pensamentos obsessivos e conflituosos do protagonista, acaba carregando a trama com uma atmosfera densa e até mesmo soturna, reforçada por uma bela e melancólica fotografia em preto e branco. O diretor e roteirista estabelece um óbvio paralelo entre a própria profissão de João Carlos e o estágio atual da sua vida, com a sucessão do passado pelo futuro, além, claro, da hérnia do protagonista, uma materialização do “peso nas costas” que uma responsabilidade nos traz.

Ao mesmo tempo que Obra tem como benefício evitar uma hiper-exposição, sendo bastante sutil em seu diálogo com o público, mais apoiado na linguagem audiovisual do que verbal, o longa acaba martelando em tópicos cíclicos, quando o que se espera é um avanço na abordagem do seu plot. Irandhir Santos sustenta muito bem o filme, que praticamente está sob a sua responsabilidade, já que o olhar de Graziosi é todo voltado para o seu João Carlos.

Em tempos de muito barulho e pouca produção intelectual ou ousadia narrativa, Obra é relativamente um alento, ainda que eventualmente ande em círculos. Trata-se de um filme que convoca e desafia a cognição e o afeto da sua audiência. Ocasionalmente esta relação é recompensadora, em outros momentos leva a uma busca cansativa marcada por signos que não são nem tão complexos quanto aparentam ser, mas também requer um exercício constante das plateias. De qualquer forma, é uma obra temática e formalmente relevante.

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É engraçada a capacidade de cópia que o cinema brasileiro tem nos modelos de roteiro americanos. A princípio, Loucas Pra Casar prometia justamente isso: um clone do longa Mulheres ao Ataque, que vale lembrar, foi extremamente criticado pelo estilo machista de enredo e pela história superficial e sem fundamento. Não me pareceu, portanto, inteligente da parte brasileira se espelhar neste tipo de narrativa. A surpresa, no entanto, melhorou um pouco o resultado e fez valer razoavelmente a pena ir ao cinema.

Malu é uma mulher bem sucedida no trabalho e na vida amorosa. Ela namora ninguém menos que o dono da empresa onde trabalha como corretora de imóveis e ele é interpretado pelo gatíssimo Márcio Garcia. Tudo seria perfeito não fosse sua idade. Ela está com 40 anos e aguardando impacientemente o pedido de casamento do namorado de mais de três anos. Organizada ao extremo, ela acaba suspeitando um dia que dormiu na casa do amado que ele a esteja traindo, já que a quantidade de camisinhas é inferior ao que ela lembrava. Malu decide colocar um detetive na cola do bonitão e descobre que ele realmente está com outra.

O que se sucede é um desdobramento bem escrachado da mulher traída que resolve reconquistar o homem a qualquer custo. Machista, eu sei. “Mas você não disse que esse filme era diferente?”. Então, ele é. Você acha durante todo o longa que ele é machista e cópia brasileira do americano, que já não era grande coisa. E realmente até certo momento, ele é. No entanto, no terceiro ato do filme, ele muda completamente. E essa mudança, que eu não vou falar porque acredito que algumas pessoas queiram assistir ainda, faz toda a diferença. Ele deixa de ser machista para ser mais dramático, expondo questões da sociedade. A mulher que vai chegando aos 40 e fica desesperada para casar porque o mundo exige que ela faça isso e a biologia já diz que ela não está tão bem assim para ter filhos. Ela acaba pirando e esta piração é o resultado do filme.

Como bom filme brasileiro (e fique claro aqui que eu tenho muitas restrições com o cinema brasileiro, mas me esforço para ver a maioria dos longas para quebrar isso), ele tem um estilo de comédia “trapalhão”. Você ri bastante, mas não é aquela gargalhada gostosa. Tem muita piada besta, sem sentido e forçada. Mas o fato é que você consegue rir mesmo assim. Loucas Pra Casar tem dividido opiniões no Brasil inteiro. Os críticos renegam, mas o público em geral está aprovando. Então acredito que ele tenha algo interessante para refletir ou apenas uma risada boa para dar.

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