As crenças, seja no sistema (não há muito tempo escravagista) ou nos próprios atos religiosos, aparecem trazidos pela figura de Firmino (Antonio Pitanga), antigo morador da região. O divino e a moral estão sempre em cena. Quando o público escuta as reivindicações de Firmino ou as problemáticas dos aldeãos, surgem sequências dos ritos do candomblé, como em uma dinâmica de purificação e questionamento. 

As sonoridades e a fé conectam aqueles cidadãos, mas os divide também. É uma rede complexa de situações, que coloca em xeque o tempo inteiro as decisões das personagens. Neste sentido, o que é colocado na luz e na sombra por Glauber é uma pista do caráter, da sensibilidade e do grau dos problemas de cada morador da região. Firmino age quase sempre na noite, por exemplo, e o sombreado que fica ao seu redor revela as suas intenções e a sua aura.

Ao mesmo tempo, Firmino também carrega fragilidades que são notadas nas escolhas da equipe de arte do longa. A caracterização do protagonista deixa nítido como a sua revolta crescente vai corroendo a sua alma. Inicialmente, ele veste muitas roupas e é apresentado com uma elegância sarcástica, daqueles que saíram de uma condição de maior pobreza e obtiveram certa ascensão. Todavia, as inseguranças de Firmino permanecem dentro dele.

A inveja que ele carrega consigo, bem como a raiva contra seus conterrâneos, destroem suas vestes e Firmino vai se despindo de suas máscaras sociais, expondo todas as suas emoções desnudadas e evidenciadas pelo esvaziamento de todo o seu equilíbrio. A única força que colabora com as suas intenções está materializada na presença de Cota (Luiza Maranhão), que não é vista por Firmino com sua maior fortaleza, mas uma peça dentro de seus esquemas.

Ainda assim, Cota é uma espécie de respiro dentro do enredo. Mesmo que a exploração de suas camadas deixe a desejar, a ausência de maniqueísmo na sua construção pode ajudar quem assiste a criar tanto empatia para com ela e outras personagens, como entender que os limites de bem e mal não são traçados em uma linha reta. Cota é uma pessoa, uma figura complexa, repleta de sensações que mesclam os pensamentos tanto de Firmino quanto de outros moradores da aldeia.

Ela não é uma coisa só, é várias, em meio às suas vontades e também na maneira que é vista por aqueles que a rodeiam, devido à sua beleza e personalidade forte. Nesta lógica de todas as relações impressas em cena, o discurso político/social é forte na obra. O questionamento central é a imobilidade diante da opressão, a lacuna da insurreição perante as injustiças sociais e o pacto com uma suposta comodidade.

No entanto, o filme de 1962 ganha outro tom quando o olhamos com as vistas de 2024. A busca pela rebelião contra os paradigmas reguladores da sociedade, que sufocaram e reprimiram a população não privilegiada, seja por raça e/ou classe, pode ser encarada atualmente, talvez, de uma maneira distinta. É difícil de demarcar essa fruição como algo totalitário, pois não o é, de fato.

O que ocorre é que, para alguns, a aldeia pulsa coragem e libertação, pois há uma confiança em suas crenças individuais, na força da coletividade e do trabalho de subsistência. Os habitantes daquela praia são a resistência, a voz que nunca se calou e que perdurou por décadas e mais décadas. Dito isso, o incômodo central de Barravento pode ser, justamente, essa visão distanciada das mazelas da sociedade e o que é posto como alienação e luta.

Visto que o longa é de 1962, não seria justo julgá-lo incisivamente, mas o olhar crítico para a interpretação da intelectualidade branca do anos 1960 não pode deixar de existir. O Cinema Novo foi um movimento inegavelmente importante para o cinema e para a cultura nacional, porém o olhar em Barravento não deixa de ser esse olhar de superioridade para uma realidade longínqua para Rocha. 

Esta característica não é exatamente um demérito. De certo, a incerteza da câmera e a decupagem que esquece de valorizar as emoções de algumas personagens, incomoda mais na fruição. Além disso, as inconstâncias de personalidade do antagonista de Firmino também diminuem a qualidade do filme. O maior ponto qualitativo aqui é a edição de Nelson Pereira dos Santos, que fomenta a elaboração de sensações na plateia, aumentando a suspensão e a emoção das cenas.

Assim, Barravento é um clássico da filmografia brasileira e deve ser conferido, tanto por sua tentativa de colocar em destaque discussões políticas do período de forma direta e intensa, como pela sua historicidade, que mostra um pouco sobre as praias, a cultura e as crenças baianas. Poderia ser mais amarrado em seu roteiro e consciente em sua direção? Sim, porém não deixa de ser um título poderoso e imponente, que vale a pena de parar tudo para assistir.

Direção: Glauber Rocha

Elenco: Antonio Pitanga, Luiza Maranhão, Lucy de Carvalho

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O filme de Fábio Meira (o mesmo realizador de As Duas Irenes) explora os meandros dessas complicadas relações familiares, refletindo sobre a velhice e os espaços que merecemos ocupar quando chegamos nesse estágio das nossas vidas. Oscilando entre o melodrama e um humor non sense completamente corrosivo, o longa do diretor faz uma análise ácida sobre a família disfuncional de Virginia para além das aparências que todos levianamente – e sem o menor efeito prático – insistem manter, inclusive a própria protagonista.

Toda a ação de Tia Virgínia é ambientada na véspera do Natal, dia no qual todos estão envolvidos nos preparativos da ceia. Entre as memórias afetuosas da infância, as irmãs de Virginia se deixam levar por ressentimentos e os sobrinhos, aparentemente inofensivos, mostram-se figuras sonsas e aproveitadoras. Os “podres” dos familiares de Virginia emergem ainda que eles tentem com todos os recursos possíveis manter as aparências.

O longa adota um tom que por vezes incomoda e pode demonstrar um certo conflito da história a respeito dos humores que deseja imprimir na narrativa: oras Tia Virgínia mostra-se realista, e em outros momentos revela-se extremamente autoconsciente dos artifícios da ficção. Isso pode causar um certo estranhamento no espectador e revelar um filme menos acolhedor ou reconfortante que a primeira vista possa parecer. Tia Virginia está mais para um “soco no estômago” do que para um filme disposto a suavizar o desfecho do seu conflito principal com algum enlace reconfortante, ainda que o destino da protagonista seja extremamente libertador.

Há ótimos desempenhos ao longo da história. Vera Holtz é um destaque absoluto por transitar tão bem entre os humores da personagem, uma mulher que se encontra no liame entre a sanidade e a loucura, mas ainda consegue esboçar uma natureza acolhedora em alguns dos seus atos e interações. Também merecem destaque Arlete Salles e Louise Cardoso como as irmãs da protagonista, cada uma a sua maneira ambas sabem lidar muito bem com a hipocrisia dessas personagens, sobretudo na interação que estabelecem com Virginia.

Tia Virgínia não tem a preocupação de ser uma crítica social, tampouco revela-se um drama familiar frívolo, pelo contrário. O filme de Meira é muito consistente na radiografia que faz sobre a passagem do tempo e sobre a importância de reivindicar limites. Existe uma certa estranheza e um desconforto do espectador com a forma como o longa “conversa” com gêneros e atmosferas. Tia Virginia oras se apresenta como uma comédia carismática oras como um drama que de alguma forma edifica suas personagens, mas vale a pena conviver até o fim com esse tom dúbio sugerido pela obra. Tudo aqui parece desordenado, dissonante… No fundo, o filme escancara a suplica da protagonista por algum tipo de fuga, dimensionando o próprio sufocamento e incomodo de Virginia com aquelas relações falsas e cheias de exploração.

Direção: Fabio Meira

Elenco: Vera Holtz, Arlete Salles, Louise Cardoso, Antonio Pitanga, Vera Valdez, Daniela Fontan, Amanda Lyra

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O longa selecionado para o Festival de Cannes de 2020 e que só estreia agora em circuito comercial conta a história de Cristóvão, papel de Antônio Pitanga, um homem mais velho que trabalha em uma fábrica de laticínios no Sul do Brasil separatista. Cristovão vive apartado da sociedade em sua casa repleta de objetos e depredada pelos vizinhos racistas (dizeres inscritos em sua parede como “Deus ‘assima’ de todos” não são por acaso). Conforme tem contato com sua ancestralidade naquele local, Cristóvão desperta e inicia um movimento a fim de se rebelar daquelas condições.

É interessante como, apesar de aderir às “tendências” temáticas da filmografia do seu tempo, Casa de Antiguidades consegue se apartar daquele que se transformou no totem dessa geração, Bacurau, de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dorneles. Ambos denunciam um modelo de sociedade brasileira em estado de putrefação, facista, consumido por ideias de segregação, retrocessos e submissão aos colonizadores do passado. No entanto, enquanto Bacurau tem como resposta a resistência e leva para as telas personagens oprimidos que se empoderam e vão à forra, Casa de Antiguidades faz seu protagonista se insurgir, mas finca seus pés no pessimismo. No longa, a estrutura social do país está cimentada por tantos anos e qualquer ato revolucionário não consegue ter tanta força diante do avanço das ideias extremistas que o corroem.

A despeito de toda a inspirada simbologia empregada, Casa de Antiguidades sofre o mal de produzir tensão atrás de tensão, gerando muitas expectativas no espectador, mas oferecendo muito pouco como resposta. O protagonista surge sempre como uma figura que parece hipnotizada pelas aparições e convocações sobrenaturais para esquecê-las no momento seguinte. É interessante como próximo do seu final, o personagem de Antônio Pitanga busca inspirações em um cowboy a la Clint Eastwood, uma clássica representação de masculinidade que se mostrou falida (o próprio diretor estadunidense a tem revisitado de forma bem interessante em filmes como Gran Torino, A Mula e Cry Macho), para em seguida perceber que as referências apropriadas são outras, a fantasia festiva de um touro preto que logo se transforma em uma espécie de justiceiro. Contudo, isso é oferecido ao público somente no fim de Casa de Antiguidades e até lá o espectador é “cozido” por uma séries de eventos macabros marcados não fazem o filme avançar do ponto de vista narrativo.

Um ponto alto do longa de João Paulo Miranda Maria é seu elenco. À frente da história, temos um Antônio Pitanga no protagonismo que lhe é merecido, trazendo para seu Cristóvão um semblante de cansaço, anestesiado pela realidade macabra que se esconde por trás do verniz de naturalidade conferido por seus cínicos e violentos patrões e vizinhos brancos. Ao mesmo tempo, o veterano conta com um elenco de coadjuvantes muito bom cujo destaque é Aline Marta Maia, intérprete da independente e segura colega de trabalho de Cristóvão que logo vira sua namorada por breves momentos do filme.

Há ideias muito boas e execuções isoladamente inspiradas em Casa de Antiguidades. Infelizmente, é um longa que emperra exageradamente sua comunicação com o público pelo seu excesso de esmero na construção de uma atmosfera soturna que convoca seu protagonista à ação. Ao longo do filme, falta uma atenção na resposta desse protagonista às manifestações que tomam conta do seu cotidiano como um chamado. Assim, Casa de Antiguidades demora para oferecer algum tipo de recompensa à curiosidade que fomenta no seu espectador.

Direção: João Paulo Miranda Maria

Elenco: Antonio Pitanga, Sam Louwyck, Ana Flavia Cavalcanti

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