Aos poucos, é possível perceber o esvaziamento daquelas vidas abaladas por sonhos megalomaníacos versus a dura realidade que as cerca. A contraposição de personalidades da dupla fomenta a amplitude das prováveis percepções humanas diante de alguma realidade difícil. Enquanto Heike é mais decidida e prática, Vera soa idealista, sensível e titubeante. Nesta dinâmica, a força, a fragilidade e o medo do futuro são postos em suas ações, seus olhares, gestos e movimentações.

Dentro dos diálogos, camadas de interpretações podem surgir, pois o texto, apesar de possuir momentos diretos, apresenta falas que se opõem ao que estas duas personagens vivem. Neste sentido, é possível notar esta dualidade presente na trajetória de Heike e Vera, como se o que elas têm vontade não condissesse com as suas vivências. É neste cenário que o silêncio também amplifica as sensações e quem assiste é convidado a experienciar esta dor aguda que elas sentem, nesta aparente ausência de saída e com escolhas árduas a serem feitas.

As pausas e o não dito criam sentidos próprios e isto faz com que a angústia seja percebida mais intensamente. A decupagem contribui para a compreensão de todos estes sentimentos das personagens e do discurso que deseja ser passado. Dentro dos planos fechados, as dúvidas de Vera e as certezas de Heike são destacadas. Nos quadros mais abertos, curiosamente, o sufocamento se faz presente. Talvez, a estratégia de filmar em espaços sempre cercados por paredes e pilastras cause esta impressão. É como se não houvesse escapatória para elas, caso a vontade fosse de fugir e o desfecho da obra confirma um pouco desta visão.

A partir destas observações, há, apenas, um incômodo aqui, que não é necessariamente algo negativo em si. Este seria que o olhar de Petzold para os destinos de Heike e Vera é um tanto determinista. Ambas não saem de um estado e se encaminham para outro. A estagnação e o fracasso contínuo é uma escolha e esta é compreensível ao se pensar nas atitudes delas durante a trama. No entanto, qualquer tipo de saída que fosse, ao menos, vislumbrada, poderia ser ofertada e isto poderia fazer com que a narrativa ganhasse novos horizontes.

Mas, Petzold parece querer mesmo é evocar este cerco para que os voyers que o acompanham possam observar até onde Heike e Vera irão para alcançarem o sonho de um suposto luxo e algum tipo de conforto. As fronteiras de seus limites são postos em cena em Das Warme Geld e a resposta está logo ali em seu encerramento. A rapidez desta finalização pode chegar como algo abrupto, porém é efetiva a ruptura deste universo fantasioso delas, com a dura verdade do mundo que habitam.

Direção: Christian Petzold

Elenco: Manuela Brandenstein, Martina Maurer, Andreas Hosang

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No geral, a sensação é a de que a diretora e roteirista Jasmin Tenucci (Descompasso) gostaria de falar sobre muitos temas e situações, mas não consegue explorar a fundo nenhuma. Entre a aflição de Lúcia com o nascimento do bebê, a irritação com a saúde mental de sua avó, as idas à igreja, sua rotina de trabalho e a questão climática, a narrativa se perde e não há espaço para desenvolver os conflitos colocados para Lúcia e o contexto que a cerca. A cada final de uma cena, resta uma sensação de que faltou expor as motivações e sensações da personagem, bem como a ligação de sua trajetória com os subplots trazidos por Tenucci.

Além disso, os diálogos expositivos em Céu de Agosto fomentam mais intensamente esta impressão de uma ausência de habilidade no trato do roteiro. Há uma vontade de explicar o ponto elementar desta trajetória de Lúcia, mas isto é feito insistentemente na fala.  Ainda assim, apesar destes incômodos, alguns pontos positivos fazem com que a obra não tenha seu resultado final tão comprometido. Uma estratégia que acaba por funcionar de forma efetiva é a transição da razão de aspecto.

Começando com a tela mais recortada, por assim dizer, o público pode conseguir perceber este sufocamento de Lúcia de maneira um tanto mais palpável. Durante a projeção, o ecrã se abre, como se ela fosse, aos poucos, se encontrando dentro daquele cenário. Talvez, o recurso venha para traçar este processo de libertação dela. Contudo, esta estratégia não fica tão nítida. Mas, ainda há outra escolha que funciona. Esta é a relação de Lúcia com a nova religião que ela passa a frequentar.

Com momentos simples, porém simbolicamente fortes – como na sequência em que Lúcia segura a bolsa na hora dos fiéis darem o dízimo ou quando uma das frequentadoras da igreja fuma em cima dela, ainda que ela esteja grávida –, a sutileza que falta na produção de Céu de Agosto como um todo, aparece nestes instantes. São em momentos como esses que é possível notar as tentativas de discursivas e imagéticas do curta. Ele deseja abordar, principalmente, a hipocrisia da sociedade a solidão da mãe solo – mesmo que a mesma esteja bem resolvida com a ausência paterna. No entanto, há uma dificuldade em construir cada argumentação com profundidade, distanciando o espectador da história.

Direção: Jasmin Tenucci

Elenco: Badu Morais, Gilda Nomacce, Lilian Regina

Assista ao trailer!

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Há um mal envelhecimento nele. Este é, nitidamente, um curta de seu tempo, no qual os traços de machismo estavam impressos nas narrativas de maneira mais expressiva – não que, atualmente, isto não exista, mas, talvez, houvesse uma passabilidade mais extensa no passado. Desta maneira, no enredo, vê-se uma personagem masculina no centro do enredo, colocado como esse herói que fragiliza e, ao mesmo tempo, sexualiza e distancia da realidade a figura feminina da trama.

Ela é a femme fatale. Ele é o mocinho, atraído pelos encantos desta mulher, que o leva para uma espécie de aventura, na qual o faroeste, a ficção científica, o noir e o musical se encontram. Além da visão deturpada deste objeto (!) de interesse da personagem principal, ainda há um outro olhar estereotipado: o para com os orientais. Eles são apresentados sem individualidade e performam corporalmente algo que está em um imaginário ocidental. Ainda que seja uma tentativa de replicar o que Hollywood faz dentro do audiovisual, a fruição da narrativa se complica em uma sessão que acontece em 2021, quando há um esgotamento explosivo quando qualquer tipo de estigma é posto na arte como um todo.

Ainda assim, caso estes fatores sejam relevados pelo público, devido ao período da realização, A Garota das Telas não é bem resolvido também quando se tratam das questões formalistas. O roteiro tem uma ausência de coesão. Entre as suas diversas passagens de gêneros cinematográficos, a sensação é que falta espaço para aprofundar as características das personagens e suas relações. No geral, ele parece ser a junção de sketches e o visual, ainda que alcance o objetivo aparente, é colocado demasiadamente em primeiro plano, deixando de lado o trabalho de um enredo mais apurado.

O que acaba por acontecer é uma falta de conexão com aquela história. Neste contexto, há pouca costura nesta trajetória do protagonista, pouca exploração de suas complexidades e dos que o cercam, é meramente um tipo de reprodução de estilos e de sequências famosas, como Amor Sublime Amor ou Godzilla. A intenção não é de todo mal, mas com esta mistura de irregularidades é difícil acompanhar a sessão com entusiasmo ou até mesmo vontade. Talvez, para os cinéfilos, a fruição seja um pouco mais prazerosa, pois é possível relembrar momentos icônicos do cinema, principalmente em seu número de encerramento.

Direção: Cao Hamburguer

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Este elemento presente na obra aproxima o público daquelas histórias. Ainda que, em um dado momento, a sessão fique um tanto cansativa, pois os recursos selecionados pela diretora e roteirista Júlia Leite se tornam um tanto repetitivos, a força da obra não se perde por completo. A tranquilidade das vozes que se entregam para o público amortecem o impacto desta estilística que pouco se renova durante a exibição.

O interesse acaba sendo mantido pelo tom das personagens e pela complexidade das temáticas que elas convocam. Enquanto assuntos como a morte de um melhor amigo ou a descoberta de não estar sozinho sendo uma pessoa queer no mundo são trazidos, a experiência se torna mais palpável quando quem assiste se depara com as imagens dos locais no mapa.

Ao se deparar com os espaços é quase como se fosse possível criar uma narrativa paralela, na qual os cenários estáticos ganham vida e são preenchidos de transeuntes em movimento. Isto que torna Acesso um tanto quanto especial. Em sua possibilidade restrita, provavelmente por ter sido gravado durante a pandemia, Leite encontra esta maneira singela de trazer enredos complexos.

O público se torna um confidente e é justamente por esta razão que a imersão acaba por ser intensa. No entanto, talvez, alguns pontos pudessem elevar a qualidade da produção. Um fator um tanto incômodo é a demora de ser colocado o primeiro rosto de personagem na tela. Nos quatro primeiros minutos de projeção, há apenas a visualização do maps.

Isto pode acabar provocando certa confusão em compreender que serão múltiplas narrações. Há de se tomar um tempo para notar a modificação da voz 01 para a 02, o que enfraquece essa conexão, que acaba por ganhar forma já na metade do curta-metragem. Ainda assim, no geral, o documentário apresenta um resultado equilibrado e contem estratégias criativas.

Na imensidão de São Paulo, nos encontros, medos, alegrias, semelhanças e diferenças da população LGBTQIAP+, um caminho coeso é traçado em Acesso. Além disso, a pluralidade da comunidade é mostrada, através de diferentes integrantes da sigla, mas, ao mesmo tempo, os sentimentos ali impressos possuem uma unidade. A forma como Júlia Leite mescla as duas coisas, faz com que o alcance do curta seja maior e mais rico.

Direção: Júlia Leite

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