No cinema de documentário, encontramos diversos caminhos utilizados para entregar informações para a plateia. Existe o chamado doc “cabeça flutuante”, é bem verdade, mas também é possível se encontrar docs mais criativos e inventivos.

Muitos realizadores se valem, por exemplo, de recursos da animação e da ficção. Todavia, não há problema algum em se pauta pela lógica máxima de que é melhor optar pelo simples bem feito. Diversas vezes, o básico é subestimado.

Ao assistir D de Eficiência é possível notar como o basilar pode ser um desafio para cineastas inexperientes. O curta-metragem de Tambla de Almeida é um exercício cansativo de paciência. Mesmo que tenha nas mãos um enredo importante, no qual a trajetória de alunes cegos da Ilha de S. Vicente, no Cabo Verde, é mostrada, o caos domina a sessão.

O amadorismo é palpável. É nítida a ausência de um roteiro, que revele o mínimo de fio condutor. A sensação é a de que a equipe do filme foi, intuitivamente, gravando o que ia encontrando de interessante dentro do ambiente de uma escola com estudantes cegos.

As sequências soam com arbitrárias e sem amarração. Além disso, nem mesmo a captura das cenas aleatórias é bem feita. A câmera vacila demasiadamente. Os estudantes não são microfonados ou estão pessimamente microfonados.

Há ruído no fundo que interfere na compreensão do que está dito. Por isso, falta entendimento do que é captura de imagem e de som, revelando esse amadorismo, que transborda da tela. 

Para completar essa impressão de inexperiência, algumas sequências de transição possuem músicas que reiteram o sentido da imagem, diminuindo ainda mais a qualidade da obra. Por isso que, apesar de D de Eficiência contar com personagens que parecem interessantes, não existe forma da plateia se conectar com o curta.

Entre impossibilidade de escuta integral dos depoimentos, quadros tremidos e falta de roteiro condutor, o resultado da produção é lamentável. 

Direção: Tambla Almeida

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A junção do vento, que bate nas poucas vegetações que preenchem a tela, e os planos estáticos, fomentam essas emoções de Blimunde, esta figura boi-gente, que está preso tanto em círculos metafóricos quanto em um círculo literal. Dentro desta lógica narrativa, é possível notar certas inspirações de Tambla com o cinema de Glauber Rocha.

Seja pela movimentação de câmera ou pelos planos bem fechados, que extrapolam os limites da visão do rosto do protagonista, a única questão com a utilização destes recursos é que, de maneira geral, eles parecem ser usados mais por uma questão estética do que pela narrativa em si. De fato, o público se depara aqui com uma produção experimental.

Ainda assim, falta ao diretor e roteirista amarrarem mais profunda e racionalmente a criatividade ao que os mesmos desejam contar. Porque, por mais que as metáforas elaboradas na trama sejam efetivas para a compreensão dos sentimentos da personagem central, a vontade de criar imagens um tanto disruptivas deixam o enredo repetitivo e um tanto cansativo.

Talvez pela empolgação de ter criado algo visualmente estimulante, com esta figura boi-gente, cercado pela natureza e a amplitude da terra batida, tenha tirado o enfoque do principal: a investigação de Blimunde. Mais do que a sua ausência de fuga ou a quebra com este estado imóvel, há este ser e o mundo que o cerca, que precisa de respostas.

Mas, a análise ou a compreensão de Blimunde não precisava ser explícita, até porque retiraria toda a qualidade etérea e plural da interpretação da narrativa de Ulime. Contudo, a simples criação de progressão já poderia ajudar a fomentar a amarração do roteiro de Tambla. Ainda assim, o realizador consegue imprimir imagens criativas, que demonstram um apuro técnico em processo de maturação.

Por esta lógica de experimentar o visual e o sensorial, Ulime tem mais peso qualitativo positivo. Ainda que pudesse ter um entendimento maior sobre recursos narrativos, a plateia se sente magnetizada diante de Blimunde e seu universo terroso e sufocante, em uma contradição extremamente curiosa. O vento e o espaço amplamente aberto se tornam uma prisão.

O que pode deixar uma questão final, para possíveis reflexões de como o aprisionamento mental é mais forte do que a realidade e a solidão imobilizante jamais se finda até que os círculos serem quebrados. Só por estes pensamentos que ecoam por muito tempo após a sessão, Tambla Almeida já revela a possível força de seu cinema.

Direção: Tambla Almeida

Elenco: Herlandson Duarte

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As crenças, seja no sistema (não há muito tempo escravagista) ou nos próprios atos religiosos, aparecem trazidos pela figura de Firmino (Antonio Pitanga), antigo morador da região. O divino e a moral estão sempre em cena. Quando o público escuta as reivindicações de Firmino ou as problemáticas dos aldeãos, surgem sequências dos ritos do candomblé, como em uma dinâmica de purificação e questionamento. 

As sonoridades e a fé conectam aqueles cidadãos, mas os divide também. É uma rede complexa de situações, que coloca em xeque o tempo inteiro as decisões das personagens. Neste sentido, o que é colocado na luz e na sombra por Glauber é uma pista do caráter, da sensibilidade e do grau dos problemas de cada morador da região. Firmino age quase sempre na noite, por exemplo, e o sombreado que fica ao seu redor revela as suas intenções e a sua aura.

Ao mesmo tempo, Firmino também carrega fragilidades que são notadas nas escolhas da equipe de arte do longa. A caracterização do protagonista deixa nítido como a sua revolta crescente vai corroendo a sua alma. Inicialmente, ele veste muitas roupas e é apresentado com uma elegância sarcástica, daqueles que saíram de uma condição de maior pobreza e obtiveram certa ascensão. Todavia, as inseguranças de Firmino permanecem dentro dele.

A inveja que ele carrega consigo, bem como a raiva contra seus conterrâneos, destroem suas vestes e Firmino vai se despindo de suas máscaras sociais, expondo todas as suas emoções desnudadas e evidenciadas pelo esvaziamento de todo o seu equilíbrio. A única força que colabora com as suas intenções está materializada na presença de Cota (Luiza Maranhão), que não é vista por Firmino com sua maior fortaleza, mas uma peça dentro de seus esquemas.

Ainda assim, Cota é uma espécie de respiro dentro do enredo. Mesmo que a exploração de suas camadas deixe a desejar, a ausência de maniqueísmo na sua construção pode ajudar quem assiste a criar tanto empatia para com ela e outras personagens, como entender que os limites de bem e mal não são traçados em uma linha reta. Cota é uma pessoa, uma figura complexa, repleta de sensações que mesclam os pensamentos tanto de Firmino quanto de outros moradores da aldeia.

Ela não é uma coisa só, é várias, em meio às suas vontades e também na maneira que é vista por aqueles que a rodeiam, devido à sua beleza e personalidade forte. Nesta lógica de todas as relações impressas em cena, o discurso político/social é forte na obra. O questionamento central é a imobilidade diante da opressão, a lacuna da insurreição perante as injustiças sociais e o pacto com uma suposta comodidade.

No entanto, o filme de 1962 ganha outro tom quando o olhamos com as vistas de 2024. A busca pela rebelião contra os paradigmas reguladores da sociedade, que sufocaram e reprimiram a população não privilegiada, seja por raça e/ou classe, pode ser encarada atualmente, talvez, de uma maneira distinta. É difícil de demarcar essa fruição como algo totalitário, pois não o é, de fato.

O que ocorre é que, para alguns, a aldeia pulsa coragem e libertação, pois há uma confiança em suas crenças individuais, na força da coletividade e do trabalho de subsistência. Os habitantes daquela praia são a resistência, a voz que nunca se calou e que perdurou por décadas e mais décadas. Dito isso, o incômodo central de Barravento pode ser, justamente, essa visão distanciada das mazelas da sociedade e o que é posto como alienação e luta.

Visto que o longa é de 1962, não seria justo julgá-lo incisivamente, mas o olhar crítico para a interpretação da intelectualidade branca do anos 1960 não pode deixar de existir. O Cinema Novo foi um movimento inegavelmente importante para o cinema e para a cultura nacional, porém o olhar em Barravento não deixa de ser esse olhar de superioridade para uma realidade longínqua para Rocha. 

Esta característica não é exatamente um demérito. De certo, a incerteza da câmera e a decupagem que esquece de valorizar as emoções de algumas personagens, incomoda mais na fruição. Além disso, as inconstâncias de personalidade do antagonista de Firmino também diminuem a qualidade do filme. O maior ponto qualitativo aqui é a edição de Nelson Pereira dos Santos, que fomenta a elaboração de sensações na plateia, aumentando a suspensão e a emoção das cenas.

Assim, Barravento é um clássico da filmografia brasileira e deve ser conferido, tanto por sua tentativa de colocar em destaque discussões políticas do período de forma direta e intensa, como pela sua historicidade, que mostra um pouco sobre as praias, a cultura e as crenças baianas. Poderia ser mais amarrado em seu roteiro e consciente em sua direção? Sim, porém não deixa de ser um título poderoso e imponente, que vale a pena de parar tudo para assistir.

Direção: Glauber Rocha

Elenco: Antonio Pitanga, Luiza Maranhão, Lucy de Carvalho

Assista ao trailer!

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E, de acordo com a equipe do evento, a beleza, a poesia e a arte também estão presentes nesta nova edição do festival de cinema vigente mais importante para Salvador. Assim, entre os dias 14 a 20 de março, a população soteropolitana pode escolher entre as projeções no Espaço Glauber Rocha, com ingressos de R$12 a inteira, R$6 meia ou 10 ingressos por R$55 (passaporte) e também na Sala Walter da Silveira, gratuitamente.

Com este cenário, neste mês, o centro da cidade ferve com sessões de cinema e diversas outras atividades. No total, o Panorama exibe 138 longas e curtas-metragens, com horários à tarde e à noite. Os números parecem grandes, mas foram recebidos 1355 envios de inscrições. Deste valor foram escolhidas 73 produções, integrantes das competitivas baiana, nacional e internacional.

A curadoria foi formada por Marília Hughes, Claudio Marques, Génesis Nascimento, Ceci Alves, Rafael Saraiva, Rafael Carvalho, Adolfo Gomes e João Paulo Barreto. As habilidades e trabalhos de cada um deles pode ser conferida no link disponibilizado no site do projeto. Além da programação dentro das salas de cinema, são ofertados dois laboratórios, chamados Pan Lab, sendo um destinado para roteiro e outro para montagem, com os facilitadores Aleksei Abib, Ceci Alves e Iana Cossoy Paro; em uma e Cristina Amaral, na outra, respectivamente.

Além disso, mais uma vez, acontece a Oficina da crítica de cinema, com o jornalista e pesquisador Rafael Carvalho. Os participantes, além de contar com o ensino teórico e prático do ofício, podem ter a oportunidade de integrar o Júri Jovem tanto na competitiva baiana quanto na nacional. Para completar esta listagem de atrações da sua  19ª edição, o Panorama homenageia os artistas Glauber Rocha e Castro Alves.

“Ambos eram românticos, eloquentes e trágicos. Castro e Glauber eram carismáticos e magnéticos, os dois gritavam as grandes causas e falavam com o coração.  Dois artistas singulares, que romperam o tempo-espaço”, comenta Cláudio Marques, idealizador e coordenador do Panorama. Indo além das homenagens aos que já foram, Cláudio, celebra todes que acompanham o evento há tanto tempo.

Para ele, há uma beleza em observar diversas gerações que vão surgindo e fazendo parte do Panorama Internacional Coisa de Cinema. Além disso, o realizador salienta a importância do novo apoio do município para com a iniciativa, o que lhe foi uma grata surpresa. Através do SalCine, foram investidos mais de R$30 milhões dentro do setor na capital da Bahia.

“De fato, a prefeitura começou a se importar com o audiovisual na cidade. Isso é uma das novidades mais interessantes. O trabalho que está sendo feito mostra que há um interesse genuíno em apoiar a área e acredito que novas coisas virão por aí”, comenta.  A afirmação de Cláudio é confirmada por Felipe Dias Rêgo, gestor de audiovisual da Secretaria de Cultura e Turismo.

Após os elogios e as palmas da plateia, Felipe declarou que a lógica sobre o desejo da prefeitura de ampliar os financiamentos para a área do cinema está correta. De acordo com o gestor, o intuito com a criação do SalCine é fortalecer a cena cinematográfica soteropolitana, contribuindo justamente para essa cadeia produtiva da cidade. Felipe também relata a sua alegria em poder patrocinar o Panorama, através de uma política pública.

Mas, ainda na lógica de agradecimento aos apoios financeiros, durante a coletiva a equipe do festival salientou a relevância do patrocínio do Instituto Flávia Abubakir, que desde a sua inauguração, há três anos, contribui para a manutenção do Espaço Glauber Rocha, incluindo o Panorama. De acordo com Marília Hughes, uma das criadoras, organizadoras e curadoras do evento, dentro deste movimento de abrir a fala para agradecer investidores, o registro maior dado pela iniciativa é o da importância de se investir em cultura, sobretudo no audiovisual. 

“O festival acontece em cinemas de rua, isso faz parte da nossa luta, da nossa resistência. E somos convidados a mergulhar nessa jornada, da riqueza de sair de um filme baiano e entrar em um filme de Camarões e a gente também tem uma produção nacional riquíssima”, explica Marília. Neste sentido, ela destaca o quão intensa está a programação que, em sete dias, possui mais de 130 filmes sendo projetados no Glauber e na Walter da Silveira.

Há também, de acordo com Marília, uma boa relação com os cineastas que inscrevem as suas produções e participam intensamente das atividades ofertadas pelo Panorama. Lara Carvalho é um destes exemplos. A diretora e pesquisadora, que estava presente durante a coletiva, narra como sua história com o festival é antiga, iniciando em 2010.

Começando como público cativo e participando da oficina de crítica de cinema, que era facilita pelo jornalista João Carlos Sampaio, Lara conta que também trabalhou na produção do evento, seja na parte de receptivo, logística e até mesmo das ações educativas. Depois de quase dez anos na área de produção, a cineasta e comunicóloga decidiu seguir outros rumos e focar na realização de obras cinematográficas.

Com este foco maior na sua carreira autoral, outros processos complexos vieram, que a encaminharam a trabalhar diretamente com dores e questões pessoais. “Passei por um aborto espontâneo, que é o tema de 56 Dias. Eu senti que precisava elaborar tudo aquilo que eu senti de alguma forma, e a escrita e o cinema são as formas que eu conheço. Um texto virou um roteiro que virou um projeto que virou um filme. E agora esse filme vai estrear num festival que é muito querido pra mim, que faz parte da minha trajetória enquanto cineasta também”.

Além de 56 dias, outros longas e curtas são exibidos pelo festival, para conferir todos os selecionados dentro das competitivas, leia a lista logo abaixo da matéria. Já para acessar a programação completa do Panorama, acesse: https://panorama.coisadecinema.com.br/programacao/ 

Competitiva Baiana

Longas

• A Matriarca – Lula Oliveira
• Café, Pépi e Limão – Adler Kibe Paz e Pedro Léo
• Cosmovisões – Marcilia Cavalcante
• Diário da Primavera – Fabíola Aquino e Juliano de Paula Santos
• Dois Sertões – Caio Resende e Fabiana Leite
• Sysyphus – George Neri
• No Rastro do Pé de Bode – Marcelo Rabelo

Curtas

• 56 dias – Lara Carvalho
• A Faísca – Gabriela Monteiro
• Além da Cancela – Margarete Jesus
• Benção – Mamirawá e Tainã Pacheco
• Caluim – Marcos Alexandre
• Camaleoa – Eduardo Tosta
• Cobaias Habitam meu Sonho – Ramon Coutinho
• Curacanga – Mateus Di Mambro
• Desamarras – Ianca Oliveira 
• É d’Oxum: A Força que Mora N’água – Dayane Sena
• Felipa – Ana Clara Pereira
• Kiriri 11/11 – Kian Shaikhzadeh
• Lamento às Águas – Vilma Carla Martins
• Movimentos Migratórios – Rogério Cathalá
• Mulher Vestida de Sol – Patrícia Moreira
• O Homem que Virou Castanha – Natan Fox
• O Tempo das Coisas – Lara Beck
• O Tratado do Vão Combate ou A Pequena História de uma Bixinha Qualquer – Márcio Januário e Henrique Drebes 
• Por que Não Ensinaram Bixas Pretas a Amar? – Juan Rodrigues
• Sagrado Compor – Henrique Dantas e Marcelo Abreu
• Solange Não Veio Hoje – Hilda Lopes Pontes e Klaus Hastenreiter
• Sucata Esperança – Rogério Luiz Oliveira e Filipe Gama
• TAMBA: Sinfonia do Invisível – Genilson Nery
• Todos os Olhos – Wayner Tristão

Competitiva Internacional 

Longas

• A Audiência / L’Audience (Canadá) – Émilie B. Guérette e Peggy Nkunga Ndona
• Acromático / Achrome (Rússia/Alemanha/Israel) –  Maria Ignatenko
• Astracã 79 / Astrakan 79 (Portugal) – Catarina Mourão
• Júlia Não se Case / Julia no te cases (Argentina) – Pablo Levy
• Mátria / Matria (Espanha) – Álvaro Gago
• O Espectro do Boko Haram / Le Spectre de Boko Haram (Camarões/França) – Cyrielle Raingou

Curtas

• 48 Horas / 48 Hours (Irã) – Azadeh Moussavi
• A Árvore Frutífera / The Fruit Tree (Bélgica) – Isabelle Tollenaere
• A Passagem / The Passing (EUA) – Ivete Lucas e Patrick Bresnan
• Aqueronte (Espanha) – Manuel Muñoz Rivas
• Criando Praias Luminosas / Hacer Orillas Luminosas (Paraguai/Argentina) – Maira Ayala
• De Volta / Back (Países Baixos) – Yazan Rabee
• Dildotectônica / Dildotectónica (Portugal) – Tomás Paula Marques]
• Nada Disso / Nada de Todo Esto (Argentina/Espanha/EUA) – Patricio Martínez e Francisco Cantón
• Os Nadadores / Los Nadadores (Costa Rica) – Charlie López
• Swan no Centro / Swan dans le Centre (França) – Iris Chassaigne
• Tria (Itália) – Giulia Grandinetti
• Yaa (Gana/França) – Amartei Armar

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