O canadense Xavier Dolan vem se destacando no cinema internacional como um pródigo diretor, roteirista e ator nos últimos anos. Colecionando premiações a cada filme lançado, este ano, o jovem dividiu o prêmio dado pelo júri no 67º Festival de Cannes com o consagrado Jean-Luc Godard graças a sua última produção, Mommy.

Marcado por uma estética bem autoral, tanto nos aspectos narrativos quanto nos audiovisuais, os filmes de Dolan atravessam a temática LGBT a partir de personagens complexos e cinzentos que carregam o fardo da castração de seus desejos – e aqui, destaca-se, não apenas sexuais, mas até mesmo do que eles considerariam uma vida, uma relação familiar e amor ideais.

Talvez, esta seja a maior diferença do diretor quando comparado a outras produções recentes que abordam a temática LGBT. Em Dolan, o tema serve apenas como um plano de fundo, uma base de construção de seus personagens, porém, não é este universo e seus conflitos (a saída do armário, a homofobia, o despertar da sexualidade etc.) o eixo principal de seus filmes.

Apesar desses tópicos também serem tratados em suas obras, eles não são o centro da narrativa. Em Eu Matei Minha Mãe (J’ai tué ma mère), por exemplo, o centro narrativo é a conflituosa relação entre o protagonista e sua mãe; já em Amores Imaginários (Les amours imaginaires), o enfoque se dá sobre a relação de amizade entre um rapaz e uma moça que começa a colapsar a partir do momento em que os dois começam a disputar a paixão por uma mesma pessoa.

Curiosamente, o filme que trato nesta edição da coluna, Laurence Sempre (Laurence Anyways), é o que, como exceção à regra, a sexualidade e a identidade de gênero surge com um peso maior no enredo do filme – apesar de, Dolan, novamente, surpreender pela abordagem original com que ensaia sobre a temática em sua produção (outra curiosidade que vale ressaltar é a ausência dele como ator principal no filme, uma exceção que se repete apenas em Mommy).

No filme, Laurence Alia (Melvil Poupaud) e Frédérique (Fred) Belair (Suzanne Clément) formam um jovem casal de adultos apaixonados que, como a maioria dos casais, possuem seus diversos rituais particulares, como a produção de uma lista de coisas que lhes tiram o tesão. Levam uma vida romântica e feliz, apesar das coisas no emprego (ele é professor, ela é produtora de audiovisual) e com os familiares de ambos não irem tão bem assim.

Porém, Laurence começa a se sentir cada vez mais pressionado a viver uma identidade que sempre reprimiu: sua feminilidade. Em meio aos trinta e poucos anos, ele resolve assumir sua identidade trans e iniciar a transformação para o sexo feminino. Mas ele não quer deixar seu relacionamento com Fred, que passa a se sentir bastante confusa e, ao longo do filme, que atravessa a década de 1990, vai passar por um questionamento de seus padrões identitários talvez ainda maior que os de Laurence. A partir daí, Xavier Dolan realiza um ensaio bastante instigante sobre identidade e desejo, normalidade e marginalidade.

O grande trunfo do diretor aqui é problematizar a questão identitária de maneira mais ampla do que apenas centrar-se na transição de gênero realizada por Laurence, que serve apenas como estopim do centro narrativo, que é o relacionamento extremamente passional entre ela e Fred, assim como a própria crise de identidade que esta começa a viver.

Apesar de a princípio tomarmos Laurence como protagonista, é a crise identitária vivenciada por Fred que acaba roubando a cena. Tanto é que nos lapsos temporais que marcam as fases da transformação de Laurence, pouco nos é mostrado de suas questões internas – Laurence surge como uma trans confusa e insegura no início do filme, mas se torna determinada com o avançar do longa, e pouco é problematizado sobre isso. Em curtos momentos (e nem por isso, menos importantes para a nossa compreensão da personagem), temos uma visão de seu relacionamento com a mãe, com quem compartilha uma conflituosa relação, em princípio, mas uma terna cumplicidade posteriormente, assim como sua vivência com um clã de senhoras – as Rose – que a integra como membro da família.

Assombrada pelos padrões identitários normalizados pela sociedade do que é ser mulher, de seus desejos e do que se espera de uma (casar, ter filhos etc.), Fred se encontra dividida entre viver seu amor com Laurence ou seguir uma vida “normal”. E Suzanne Clément nos entrega uma interpretação próxima do sublime com Fred – a atriz consegue representar de forma maravilhosa a culpa e o medo da personagem, assim como sua confusão entre viver aquilo que sempre acreditou ser uma mulher ideal ou se libertar de suas amarras identitárias e se permitir viver sua paixão por Laurence.

No começo, a moça ainda tenta dar continuidade ao seu relacionamento com Laurence, servindo, inclusive com um dos principais apoios na transformação dela – é Fred que incentiva Laurence a ir trabalhar vestida de mulher pela primeira vez na escola – aliás, pontos para a excelente cena da entrada de Laurence em sala de aula e em seguida sua caminhada pelos corredores do colégio (que também faz referência a outra ótima cena da abertura do filme), encarando os olhares de espanto, surpresa, cumplicidade, e outros mais variados sentimentos pelos alunos e funcionários do colégio que indicam o jogo identitário que envolve a indiferença, a aceitação ou a repulsa ao diferente.

O ponto decisivo para Fred se dá, no entanto, quando se descobre grávida e decide fazer um aborto justamente por se sentir culpada e confusa com relação aos seus papéis identitários enquanto mulher e o papel de pai de Laurence, que não mais se identifica enquanto homem. Fred entra em depressão e o relacionamento com Laurence começa a decair até o momento em que, após sofrerem um constrangimento num restaurante e conhecer um outro homem em um baile, ela decide romper a relação. Daí em diante, encontros e desencontros entre as duas protagonistas seguem até o final do longa, com uma tensão cada vez maior entre elas.

Mais do que falar sobre a identidade trans, Dolan parece querer discutir algo mais amplo que é a noção de feminilidade, ou o que nossa sociedade e cultura considera enquanto feminino e modos de vida femininos. Isso se evidencia tanto pela centralidade em tornos dos personagens femininos quanto do modo com que ele projeta essas vivências femininas: temos Fred que vê sua vida se confrontando com o que sempre considerou ser mulher ao amar uma pessoa que nasceu homem mas tem uma identidade feminina; temos Laurence numa busca de uma identidade feminina que sempre reprimiu na sua vivência masculina; temos a mãe de Laurence que se vê aprisionada a um casamento infeliz e o papel de dona de casa, mas encontra outra maneira de viver sua feminilidade a partir da coragem da filha; temos a mãe e a irmã de Fred que tentam defender um padrão ideal do que é ser mulher.

Com Laurence Sempre, em suas quase três horas de duração, Xavier Dolan entrega um filme belo, complexo e profundo que, com a premissa de seu enredo, poderia facilmente cair numa proposta batida do amor impossível, mas acaba tomando o caminho contrário e apresenta uma odisseia das diversas formas de vivências femininas dentro de uma sociedade sexista que, em grande parte, reprime, subalterniza e violenta essa identidade.

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O vencedor da Palma de Ouro, Winter Sleep

O longa turco de Nuri Bilge Ceylan (3 Macacos) foi o vencedor da Palma de Ouro. O filme traz a história de um ator aposentado que administra um hotel junto com sua esposa e sua irmã. Subitamente, ele decide que deixará tudo e todos para trás. Antes do anúncio de sua vitória como melhor filme pela presidente do júri do festival, a diretora Jane Campion (O Piano), a produção ainda recebeu o prêmio da Federação Internacional de Críticos que, em comunicado oficial, disse que o longa “surpreende e encanta com sua profunda busca pela alma humana”.

Mommy e o ego de Xavier Dolan

Algumas bolsas de apostas davam como certa a vitória de Mommy, do canadense Xavier Dolan (Eu matei a minha mãe), no festival. O filme traz a história de uma mãe solteira e viúva que cria sozinha o seu filho, um garoto muito violento, e acaba conhecendo um vizinho misterioso que muda o rumo das suas vidas. O longa não saiu com a Palma de Ouro, mas venceu o Grande Prêmio do Júri ao lado do filme de Godard. Como sempre, o que acabou chamando a atenção dos veículos que cobriram o festival e trouxeram destaque a Mommy foi o comportamento do seu realizador. Xavier Dolan afirmou para alguns jornais que acreditava que receberia a Palma de Ouro por esse filme, o que foi interpretado como arrogância por muitos críticos.

O ano das mulheres

Com poucas diretoras em competição pela Palma de Ouro, os espectadores  e críticos do festival foram surpreendidos com uma enxurrada de longas protagonizados por mulheres. A competição pelo prêmio de melhor atriz foi acirrada e os trabalhos de Marion Cotillard em Deux jours, une nuit , dos irmãos Dardenne, e de Hilary Swank em The Homesman, de Tommy Lee Jones, só para citar alguns, foram muito elogiados. No final das contas, a vitória foi de Julianne Moore em Maps to the Stars, de David Cronenberg. Provavelmente, ainda ouviremos falar muito desses desempenhos até a próxima temporada do Oscar.

Nicole Kidman exposta com Grace de Monaco

Uma das piores aberturas de Cannes. Uma ofensa a família Grimaldi que repudiou o projeto desde o início.  Tudo isso foi dito de Grace de Monaco, longa que acompanha alguns meses na vida de Grace Kelly na época em que ela abandonou Hollywood e se casou com o príncipe Rainier de Monaco. A crítica foi impiedosa com o filme do francês Olivier Dahan (Piaf – Um Hino ao Amor), contestando a veracidade de determinados fatos narrados e ironizando o tom de conto de fadas da trama. Nicole Kidman esteve no fogo cruzado e saiu elegante dele. A australiana está mais do que acostumada com esse tipo de reação, afinal estar exposta a críticas com projetos arriscados é uma constante em sua carreira. Em alguns casos, ela se sai bem. Em outros, como esse, não. Fica para a próxima, Nic.

Mais uma vez Godard

Novo filme do veterano da Nouvelle Vague, Jean-Luc-Godard, Adieu au Langage foi recebido com emoção pelas plateias que conferiram as sessões marcadas para a obra. No entanto, como se trata de um trabalho de Godard, fica difícil saber se o longa corresponde à exaltação ou se ela é fruto da própria trajetória do cineasta, um dos mais reverenciados em seu nicho. Em todo caso, o longa recebeu o prêmio do Júri. E Godard, que não estava presente na divulgação do projeto no festival, enviou uma mensagem a todos por vídeo anunciando o filme como “o melhor da sua carreira”. O longa conta a história de uma mulher casada que começa a se relacionar com um outro homem e vive em meio a encontros e desencontros com esse amante.

Bennett Miller e Foxcatcher

Tido pela imprensa como o primeiro sério candidato ao próximo Oscar, Foxcatcher rendeu ao seu diretor Bennett Miller (Capote e O Homem que Mudou o Jogo) o prêmio de melhor diretor no festival e uma série de elogios a performance de seu trio de atores Chaning Tatum, Mark Ruffalo e Steve Carell, esse último (irreconhecível com uma prótese no nariz), pode ser favorito a ator coadjuvante em algumas premiações. O filme conta o relacionamento do atleta de luta greco romana Mark Schultz (Chaning Tatum) com seu treinador John Du Pont (Carell) e seu irmão David Schultz (Ruffalo).

As reações mistas a Lost River, de Ryan Gosling

O debut do ator Ryan Gosling como diretor deixou impressões dúbias em Cannes. Algumas pessoas gostaram, mas houve até quem vaiasse o primeiro filme dirigido e roteirizado pelo ator, o bizarro Lost River. Tanto que a Warner, distribuidora que comprou os direitos do longa nos EUA antes mesmo dele ficar pronto, já teme pela sua carreira nos cinemas norte-americanos. Foi recomendado a Gosling fazer alguns cortes e o novato acatou. O filme acompanha a história de uma stripper (a atriz Christina Hendricks) que vai atrás do seu filho em um mundo paralelo ao que conhecemos.

A comédia romântica por Jessica Chastain e James McAvoy

Dividido em duas partes, The Disappearance of Eleanor Rigby traz a história da separação de um casal pela perspectiva dele (filme um) e dela (filme dois). O longa de Ned Benson esteve no último Festival de Toronto e arrancou aplausos, no Festival de Cannes então conquistou o aval definitivo da crítica para a empreitada. Tanto que, o “Midas” da temporada de premiações, Harvey Weinstein já está preparando suas armas para divulgar o projeto entre os membros da Academia de Hollywood, sobretudo pelo carro chefe da produção, a interpretação de Jessica Chastain, cada vez mais onipresente na produção cinematográfica atual. O longa foi considerado um frescor para um gênero extremamente banalizado pela indústria e subestimado pelo público, a comédia romântica.

Um brasileiro pela perspectiva de Wim Wenders

O olhar do diretor alemão para o trabalho do fotógrafo Sebastião Salgado em The Salt of the Earth (ou O Sal da Terra) foi consagrado na mostra Un Certain Regard. Com  co-direção do filho de Salgado, Juliano Ribeiro Salgado, o documentário foi um dos destaques da seleção em meio a muitas ficções. A produção conseguiu ótimas críticas e deve fazer uma belíssima carreira em muitas praças de exibição mundo afora, incluindo o Brasil.

A tradição inglesa de Mike Leigh

Quando Mike Leigh (O Segredo de Vera Drake) chega em Cannes, sempre é apontado como um dos potenciais pontos altos do festival. Seu novo trabalho, a biografia Mr. Turner, narra a trajetória do excêntrico pintor inglês J.M.W. Turner, vivido por Timothy Spall, que, não por acaso, levou o título de melhor interpretação masculina dessa edição do evento. Além do roteiro (uma qualidade constante nos filmes de Leigh), o longa foi enaltecido por seu primor técnico. Pode fazer uma bela carreira nos EUA.

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