Sendo ela: o que nos torna visíveis ou invisíveis nesse mundo onde vivemos? Um carro, um emprego, um prêmio, um salário…? As distinções e marcas sociais estão estampadas em nossa sociedade, para todo mundo ver. As castas do capitalismo dividem a população, colocando algumas à margem. Certamente, funcionários que trabalham com serviços de limpeza são constantemente invisibilizados.

É como se as pessoas quisessem esquecer que elas produzem sujeira, excrementos, bagunça e fluidos. E quem toma conta desse caos humano produzido há tanto tempo em nosso planeta parece ganhar uma carga de rejeição, que beira a rejeição moral, na qual existem aqueles que desejam retirar o título de humano destes profissionais que, na verdade, cumprem um papel salutar e indispensável para a continuidade dos cotidianos alheios.

Além disso, somos muito mais do que nossas tarefas remuneradas. Somos embebidos de singularidades, com desejos, sonhos, sentimentos e gostos, que nos transformam todos os dias e nos movem. E é isso que Takasaki e Wenders conseguem passar de forma tão delineada em Dias Perfeitos. Hirayama (Kōji Yakusho) é um homem sagaz, sensível, bondoso, dedicado, organizado, um intelectual, de perspicácia profunda e completa, com um olhar digno para o outro.

Acompanhar a rotina de Hirayama e como esse seu dia a dia quadrado vai se transformando, a partir dos estímulos que a vida lhe entrega inesperadamente, é intenso e faz os olhos se encherem de lágrimas durante todo o filme. Sim, Hirayama é responsável pela limpeza dos banheiros públicos do Tokyo, gerenciado pela empresa The Tokyo Toilet project. A tensão da sua personalidade versus o cargo que ele ocupa é posto em cena a todo momento.

A frieza e o desprezo de quem não enxerga aquele senhor como um indivíduo é o mais forte aqui em Dias Perfeitos. A construção de papel de Kōji é essencial aqui para a composição deste cenário repleto de camadas. Os gestos precisos do intérprete, combinados com a decupagm de Wenders, direcionam o público para o que importa na narrativa. Só existem closes ou movimentos de câmara, bem como ações com gestuais mais amplos, em momentos específicos.

As velocidades mais aceleradas estão nos coadjuvantes, por exemplo. Esta estratégia eleva a força do discurso da obra, que convoca a plateia a fazer uma análise político-social do mundo, mas também uma autoanálise. E é nesse contraste do universo de  Hirayama com os outros ao seu redor, que compreendemos que o protagonista é, em toda sua totalidade. Todavia, quem foi ele no passado é turvo e esta também é uma decisão acertada.

A razão para que um homem que parece ter tido uma educação formal de qualidade e com uma família aparentemente estável financeiramente não importa. Quem Hirayama  é no presente, isso que é relevante e que dialoga com a premissa central da produção. Há também muita melancolia dentro da trama. O ciano se espalha na tela e é possível sentir esta pulsação interna da personagem, de forma quase sensorial.

Ele é bondoso, cuidadoso e gentil, mas também triste e solitário. É nesta chave que resta alcançar o que Dias Perfeitos quer imprimir em sua história: quem é esse outro que é posto em uma caixa determinada por classes, por um serviço diário, que pode não definir absolutamente nada da personalidade de alguém. Com todo este contexto, é notável que o longa toca no mais profundo da alma de quem assiste.

Ele é simples, em uma primeira olhada, porém repleto de níveis de complexidades, o que torna a sua fruição ainda mais prazerosa. É um enredo que fica na memória, que conta com algo que fica ali, preso na mente, dias após  a sua exibição. Ele pode não ter nada de tão novo em termos técnicos ou discursivos, mas é um trabalho rico, precioso, que conecta o espectador com o que há de real a ser vivido, pois os laços que estabelecemos na vida é o que importa no final das contas, não é mesmo?

Direção: Wim Wenders

Elenco: Kōji Yakusho, Tokio Emoto, Sayuri Ishikawa

Assista ao trailer!

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O vencedor da Palma de Ouro, Winter Sleep

O longa turco de Nuri Bilge Ceylan (3 Macacos) foi o vencedor da Palma de Ouro. O filme traz a história de um ator aposentado que administra um hotel junto com sua esposa e sua irmã. Subitamente, ele decide que deixará tudo e todos para trás. Antes do anúncio de sua vitória como melhor filme pela presidente do júri do festival, a diretora Jane Campion (O Piano), a produção ainda recebeu o prêmio da Federação Internacional de Críticos que, em comunicado oficial, disse que o longa “surpreende e encanta com sua profunda busca pela alma humana”.

Mommy e o ego de Xavier Dolan

Algumas bolsas de apostas davam como certa a vitória de Mommy, do canadense Xavier Dolan (Eu matei a minha mãe), no festival. O filme traz a história de uma mãe solteira e viúva que cria sozinha o seu filho, um garoto muito violento, e acaba conhecendo um vizinho misterioso que muda o rumo das suas vidas. O longa não saiu com a Palma de Ouro, mas venceu o Grande Prêmio do Júri ao lado do filme de Godard. Como sempre, o que acabou chamando a atenção dos veículos que cobriram o festival e trouxeram destaque a Mommy foi o comportamento do seu realizador. Xavier Dolan afirmou para alguns jornais que acreditava que receberia a Palma de Ouro por esse filme, o que foi interpretado como arrogância por muitos críticos.

O ano das mulheres

Com poucas diretoras em competição pela Palma de Ouro, os espectadores  e críticos do festival foram surpreendidos com uma enxurrada de longas protagonizados por mulheres. A competição pelo prêmio de melhor atriz foi acirrada e os trabalhos de Marion Cotillard em Deux jours, une nuit , dos irmãos Dardenne, e de Hilary Swank em The Homesman, de Tommy Lee Jones, só para citar alguns, foram muito elogiados. No final das contas, a vitória foi de Julianne Moore em Maps to the Stars, de David Cronenberg. Provavelmente, ainda ouviremos falar muito desses desempenhos até a próxima temporada do Oscar.

Nicole Kidman exposta com Grace de Monaco

Uma das piores aberturas de Cannes. Uma ofensa a família Grimaldi que repudiou o projeto desde o início.  Tudo isso foi dito de Grace de Monaco, longa que acompanha alguns meses na vida de Grace Kelly na época em que ela abandonou Hollywood e se casou com o príncipe Rainier de Monaco. A crítica foi impiedosa com o filme do francês Olivier Dahan (Piaf – Um Hino ao Amor), contestando a veracidade de determinados fatos narrados e ironizando o tom de conto de fadas da trama. Nicole Kidman esteve no fogo cruzado e saiu elegante dele. A australiana está mais do que acostumada com esse tipo de reação, afinal estar exposta a críticas com projetos arriscados é uma constante em sua carreira. Em alguns casos, ela se sai bem. Em outros, como esse, não. Fica para a próxima, Nic.

Mais uma vez Godard

Novo filme do veterano da Nouvelle Vague, Jean-Luc-Godard, Adieu au Langage foi recebido com emoção pelas plateias que conferiram as sessões marcadas para a obra. No entanto, como se trata de um trabalho de Godard, fica difícil saber se o longa corresponde à exaltação ou se ela é fruto da própria trajetória do cineasta, um dos mais reverenciados em seu nicho. Em todo caso, o longa recebeu o prêmio do Júri. E Godard, que não estava presente na divulgação do projeto no festival, enviou uma mensagem a todos por vídeo anunciando o filme como “o melhor da sua carreira”. O longa conta a história de uma mulher casada que começa a se relacionar com um outro homem e vive em meio a encontros e desencontros com esse amante.

Bennett Miller e Foxcatcher

Tido pela imprensa como o primeiro sério candidato ao próximo Oscar, Foxcatcher rendeu ao seu diretor Bennett Miller (Capote e O Homem que Mudou o Jogo) o prêmio de melhor diretor no festival e uma série de elogios a performance de seu trio de atores Chaning Tatum, Mark Ruffalo e Steve Carell, esse último (irreconhecível com uma prótese no nariz), pode ser favorito a ator coadjuvante em algumas premiações. O filme conta o relacionamento do atleta de luta greco romana Mark Schultz (Chaning Tatum) com seu treinador John Du Pont (Carell) e seu irmão David Schultz (Ruffalo).

As reações mistas a Lost River, de Ryan Gosling

O debut do ator Ryan Gosling como diretor deixou impressões dúbias em Cannes. Algumas pessoas gostaram, mas houve até quem vaiasse o primeiro filme dirigido e roteirizado pelo ator, o bizarro Lost River. Tanto que a Warner, distribuidora que comprou os direitos do longa nos EUA antes mesmo dele ficar pronto, já teme pela sua carreira nos cinemas norte-americanos. Foi recomendado a Gosling fazer alguns cortes e o novato acatou. O filme acompanha a história de uma stripper (a atriz Christina Hendricks) que vai atrás do seu filho em um mundo paralelo ao que conhecemos.

A comédia romântica por Jessica Chastain e James McAvoy

Dividido em duas partes, The Disappearance of Eleanor Rigby traz a história da separação de um casal pela perspectiva dele (filme um) e dela (filme dois). O longa de Ned Benson esteve no último Festival de Toronto e arrancou aplausos, no Festival de Cannes então conquistou o aval definitivo da crítica para a empreitada. Tanto que, o “Midas” da temporada de premiações, Harvey Weinstein já está preparando suas armas para divulgar o projeto entre os membros da Academia de Hollywood, sobretudo pelo carro chefe da produção, a interpretação de Jessica Chastain, cada vez mais onipresente na produção cinematográfica atual. O longa foi considerado um frescor para um gênero extremamente banalizado pela indústria e subestimado pelo público, a comédia romântica.

Um brasileiro pela perspectiva de Wim Wenders

O olhar do diretor alemão para o trabalho do fotógrafo Sebastião Salgado em The Salt of the Earth (ou O Sal da Terra) foi consagrado na mostra Un Certain Regard. Com  co-direção do filho de Salgado, Juliano Ribeiro Salgado, o documentário foi um dos destaques da seleção em meio a muitas ficções. A produção conseguiu ótimas críticas e deve fazer uma belíssima carreira em muitas praças de exibição mundo afora, incluindo o Brasil.

A tradição inglesa de Mike Leigh

Quando Mike Leigh (O Segredo de Vera Drake) chega em Cannes, sempre é apontado como um dos potenciais pontos altos do festival. Seu novo trabalho, a biografia Mr. Turner, narra a trajetória do excêntrico pintor inglês J.M.W. Turner, vivido por Timothy Spall, que, não por acaso, levou o título de melhor interpretação masculina dessa edição do evento. Além do roteiro (uma qualidade constante nos filmes de Leigh), o longa foi enaltecido por seu primor técnico. Pode fazer uma bela carreira nos EUA.

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