O trabalho de fôlego de Cronenberg tem início quando nos apresenta um menino cujo comportamento preocupa a mãe. Instintivamente, ele procura objetos de plástico para se alimentar. Logo em seguida, em um outro espectro dessa mesma narrativa, somos apresentados a Saul Tenser (Viggo Mortensen) e Caprice (Léa Seydoux). A dupla de artistas performáticos é reconhecida por suas apresentações em mesas cirúrgicas, na qual Caprice narra e conduz em tom dramático a invasão ao corpo debilitado de Saul com objetos perfurantes.

Crimes do Futuro está longe de ser um exercício vazio de gênero. É um longa que não usa expedientes de marcas do body horror ou do noir para o puro deleite dos entendidos cinéfilos. Nada é aleatório ou narcisista na imersão acertada do diretor pelos traços narrativos e estilísticos da tradição desses tipos específicos de história, o que só comprova a extrema habilidade do realizador de manipulá-las a propósitos definidos desde o princípio. Crimes do Futuro não é um exercício de vaidade, mas um projeto cinematográfico definido e defendido com inteligência e repertório por Cronenberg.

O diretor cria de forma orgânica um universo com regras de conduta e linguagem próprias. Nada em Crimes do Futuro parece lembrar os protocolos da realidade que vivemos. Ao mesmo tempo, o filme aponta de maneira reiterada e crítica seus olhares para o que nós, do lado de cá da tela, estamos fazendo com a nossa experiência na Terra, sobretudo a forma como agredimos e transmutamos nossos corpos ao bel-prazer das necessidades de consumo e dos nossos caprichos, por quaisquer vias (arte, sexo, alimentação). Trata-se de um dos temas mais palpitantes da obra.

Os olhares das personagens de Viggo Mortensen e Léa Seydoux, ao mesmo tempo sensíveis por uma pretensa exterioridade, mas no fundo parte dessa engrenagem maluca exposta pelo diretor, são fundamentais para o desenrolar do discurso do filme sobre seus temas. Mortensen e Seydoux são os protagonistas ideais dessa história. Kristen Stewart também tem seus momentos como a burocrata deslumbrada pelo trabalho da dupla, assim como Scott Speedman que surpreende como um líder revolucionário. No entanto, fica evidente que o protagonismo dessa obra é de Cronenberg e sua capacidade de criar uma realidade tão peculiar e fascinante, distante e bizarramente próxima quanto aquela que é construída pelo filme.

A potência criativa alegórica de David Cronenberg tem uma das suas melhores formas em Crimes do Futuro, um filme que o tempo inteiro aproxima o grotesco e o horror da beleza, o prazer da dor, a destruição da criação. Cronenberg faz uma síntese poderosa da maneira limítrofe com a qual o ser humano conduz sua vida na Terra, a capacidade de se destruir por impulsos fúteis (mercantilistas, de prazer efêmero) e de contornar os problemas criados com isso através da criação artística e científica, se aproximando de um divino, que, por sua vez, também se impõe ao humano. Com o filme, o cineasta destaca como nossa experiência humana tem sido até aqui: destrutiva e caótica, mas, surpreendentemente, bela e dispersa na oferta de prazeres. É de um refinamento criativo intelectual e de uma disposição para a provocação cada vez mais rara de se ver com tamanha criatividade nas telas.

Direção: David Cronenberg

Elenco: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué, Don McKellar, Tanaya Beatty, Nadia Litz

Assista ao trailer!

O post Crítica: Crimes do Futuro apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Willem Dafoe, por No Portal da Eternidade

Em No Portal da Eternidade, Willem Dafoe interpreta ninguém menos que o pintor Vincent Van Gogh e a sua batalha travada com os transtornos mentais que o acometem. Marcado por um estilo de filmagem mais cru e lento, o longa nos oferece bons momentos para compreender ainda mais a história do artista. Dafoe nos apresenta um trabalho brilhante e primoroso, completamente incorporado na dualidade e devaneios de Van Gogh. É ele quem nos conduz na narrativa, ora confusa, e funciona como o pilar estrutural da trama. Willem chegou a aprender a pintar para incorporar ainda melhor o personagem. São nos pequenos detalhes que ele consegue traduzir o protagonista, desde o olhar perdido até o desespero intenso de suas emoções.

Christian Bale, por Vice

Agora, vamos com Christian Bale e sua atuação em Vice. O ator interpreta o político americano Dick Cheney, que foi o vice-presidente durante o período de George W. Bush. Sob a direção afiada e nada básica de Adam McKay, Bale vai construindo a personalidade do protagonista em consonância com todas as suas aspirações de poder. Ele não apenas engordou 20 quilos para o papel, como estudou bastante o comportamento de Cheney, tanto físico quanto emocional. O resultado é um personagem com várias facetas que funciona como o pilar da história dissecada por McKay. Este é um papel bem diferente do que Bale está acostumado fazer. Embora assuma o protagonismo da história, ele tem pouco espaço para se expressar com liberdade, sendo sempre contido e mais calculista. Isso foi o suficiente para lhe render o Globo de Ouro de Melhor Ator de Comédia ou Musical, mas será o suficiente para levar o Oscar?

Bradley Cooper, por Nasce Uma Estrela

Já Bradley Cooper é uma pedra preciosa que vem sendo deixada de lado na maioria das premiações. Em Nasce Uma Estrela, além de ser responsável por roteiro, produção e direção, ele assume o papel do protagonista, o cantor Jackson Maine. É curioso ver o quanto as pessoas enaltecem o trabalho de Lady Gaga, quando, na verdade, a alma do filme é Cooper. Ele transita por muitos sentimentos do personagem e o espectador acompanha de perto o sufoco e a queda do músico. É como se uma estrela precisasse apagar para que outra acendesse. Bradley nos presenteia com o melhor trabalho de sua carreira, o mais intenso, profundo e contundente. Ele não apenas nos envolve pelas emoções, quando pela realidade de tudo que ele passa. A dedicação fora de tela trouxe ainda mais força para o que acontece diante de nossos olhos, em um trabalho incrível. Pena que ele não esteja sendo devidamente reconhecido nas premiações.

Rami Malek, por Bohemian Rhapsody

Quem está recebendo toda a glória e reconhecimento é o ator Rami Malek. No papel de Freddie Mercury, em Bohemian Rhapsody, ele nos oferece uma nova faceta de atuação, que antes não conhecíamos. Rami é, definitivamente, um excelente ator e sua dedicação em aprender tudo sobre o protagonista (até a forma de mexer as mãos), faz com que ele seja o próprio Mercury em tela. A minha questão, no entanto, é o excesso de afetação do ator, que consegue transcender o personagem. Embora muito boa, esta não é uma atuação formidável que merecia o maior prêmio do cinema. Considero inferior a outros concorrentes, como Bradley e Viggo. O filme, que passou por um processo intenso de troca de diretores, pode ter contribuído para essa percepção menos gloriosa. É como se o espectador percebe-se o tempo todo que é Rami interpretando Freddie naquele momento e isso desfavorece a experiência como um todo.

Viggo Mortensen, por Green Book – O Guia

Para fechar, o ator Viggo Mortensen nos traz o papel mais “fora da curva” de sua carreira no longa Green Book – O Guia. Ele interpreta Tony Lip, um fanfarrão descendente de italiano e preconceituoso que embarca em uma viagem com o seu novo chefe negro. Todo o processo de descoberta do personagem é incrível de se ver e vivido com tanta intensidade e cuidado por Viggo. Assim como Bale, ele engordou mais de 20 quilos e se esmerou na arte de aprender a se portar como um descente de italiano nato, com todas as suas peculiaridades. Ele é o foco do filme, com todas as descobertas e transformações que sofre ao longo da viagem. Viggo transita por muitas emoções e se desdobra nas camadas de Tony. A sua melhor atuação da carreira e a mais diferenciada, definitivamente.

O post Especial Oscar 2019: Melhor Ator apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Com uma notória relação com Conduzindo Miss Daisy (1989), Green Book – O Guia traz em si o diferencial de inversão de papéis. Enquanto o primeiro era uma senhora branca conduzida por um motorista negro (implícito aí a relação de subordinação), neste aqui o motorista é branco, interpretado por Viggo Mortensen, enquanto o chefe rico e bem posicionado é o negro, vivido por Mahershala Ali.

Mesmo com relutância, principalmente pelo fato de que terá que trabalhar diretamente com um negro e ser subordinado a ele, Tony aceita o emprego pela necessidade de dinheiro. Embora seja um tipo de “picareta do bem”, ele realmente se preocupa com a família e quer oferecer o melhor para ela. A medida que a trama evolui, vamos adentrando ainda mais na relação de amor entre Tony e a esposa, Dolores, interpretada por Linda Cardellini.

Tratando de um tema complicado como o racismo nos anos 1960 nos Estados Unidos, onde muitas regiões ainda obrigavam os negros a usar banheiros diferentes e se recusavam a hospedá-los em seus estabelecimentos, o filme consegue suavizar o clima através da desenvoltura do personagem Tony. Ele consegue dar leveza nas cenas e até mesmo em Don, que é sisudo e excessivamente sistemático.

A medida que a narrativa avança, vemos que Don Shirley vive muitas crises dentro de si. Ele é rico e da alta sociedade, mas é rejeitado por essa mesma sociedade pelo fato de ser negro. Embora ela crie uma fachada de aceitação, no fundo o racismo é o mesmo, só que velado. Por outro lado, a comunidade negra mais humilde e sem posses também não o aceita, já que falta identificação. Ele não sabe nem como se comportar perante os semelhantes.

Vivendo neste limbo, ele vai aceitando a maioria dos comportamentos em uma clara necessidade de ser minimamente aceito em sua condição. Isso fica muito claro, inclusive, quando conta à Tony que gostaria de tocar Chopin, mas que acabou seguindo o caminho da música popular, porque os brancos não estavam preparados para aceitar um pianista negro tocando música clássica. Por isso então, era necessário criar aquele ar de “comédia” em torno da situação, para que fosse mais aceito e pudesse tocar livremente.

Ainda que o foco da narrativa seja o preconceito sofrido por Don ao longo da viagem, o protagonista de todos os momentos é Tony e sua relação com todas as situações em que se envolve. Ele vai aos poucos tendo que lidar com seu próprio preconceito e vendo de perto os problemas que Don sofre simplesmente pela cor de sua pele. Tudo aquilo vai mudando o comportamento de Tony, que vai se fidelizando cada vez mais ao chefe e o admirando.

Viggo Mortensen está completamente transformado no papel de Tony, de uma maneira nunca antes vista em sua carreira. Esqueça qualquer papel ou trejeito que já viu nele antes. Este é um personagem completamente novo e surpreendente. Cena após cena ele vai encantando o espectador com uma atuação incrível, que o torna um excelente candidato ao Oscar de Melhor Ator.

Com tons de humor, onde nos vemos rindo bastante com a quantidade de comida que o motorista come em contraposição com a falta de paciência do chefe em lidar com as situações, Green Book – O Guia consegue tratar do racismo de uma maneira leve e acertada. Entre um riso e outro, refletimos e nos emocionamos com essa trajetória tão envolvente e verdadeira dos personagens.

O diretor Peter Farrelly conseguiu dosar muito bem todas as emoções e trazer o espectador pra junto, neste que é o trabalho mais diferenciado de sua carreira (ele fez longas como O Amor é Cego e Debi & Lóide 2). Green Book – O Guia é, definitivamente, um forte concorrente ao Oscar pelo seu equilíbrio em todas as categorias e coerência do roteiro. Encantador, engraçado, reflexivo e emocionante. Vale a pena!

Assista ao trailer!

O post Crítica: Green Book – O Guia apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.