No entanto, esta tensão sentida por elas aparece mais em um nervoso constante das mulheres, principalmente Kate (Kristin Scott Thomas, Tomb Raider: A Origem) e Lisa (Sharon Horgan). A dupla comanda o grupo musical, mas possui personalidades bastante distintas, por isso estão sempre em embate. Há uma tentativa de criação da relação das duas e a demonstração das oposições delas. No que é ofertado por ambas não é algo muito além do óbvio. As construções rasas e levemente estereotipadas.

Kate é a engomada, com mania de perfeição. Apesar de existir todo um conflito sobre a morte de seu filho, há apenas uma cena que a humaniza e põe nela um pouco de complexidade, porque Thomas investe em trabalhar as dinâmicas faciais e corporais sempre tesas e a face quase sem revelar sentimentos. Quando finalmente Kristin traz outro tom, que antes estavam monocórdicos, a performance é pouco vista, porque é rápida e já no final da narrativa. Já Lisa não é fã de regras rígidas e prefere a espontaneidade, pelo menos é o que o texto diz. Mas, as suas ações negam seu discurso, e ela também é engomada e está sempre dando ordens, como a Kate. Ainda que isto pudesse ser interessante, Horgan não é muito expressiva e não avança nas possibilidades que poderia explorar com a sua Lisa.

No entanto, talvez, o motivo da falta de criatividade das intérpretes seja do roteiro de Unidas pela Esperança, que não tem possibilidades amplas, é preguiçoso e piegas. Há uma procura insistente em emocionar recorrentemente, porém não há uma criação de estrutura para tal. Quando o longa-metragem se inicia, os problemas já estão postos. Este fator não é necessariamente algo negativo. Contudo, não há espaço para um estabelecimento de empatia com as personagens. Outro detalhe que salta aos olhos é a falta de habilidade para aproveitar os conflitos e desenlaces. Com a exceção da briga final entre Kate e Lisa, os acontecimentos fortes passam rapidamente, como se houvesse uma vontade de que diversos elementos fossem contados, sem deixar os fatos de fora, porém logo descartados.

Por fim, a estrutura de um sistema conservador é exposta, mas não sob forma de crítica e sim de conivência. Em um local no qual os militares comandam as ações e as vidas dessas mulheres, a criação do primeiro coral delas torna-se o mais relevante para obra. As angústias pela exclusão são até levemente mencionadas, mas nunca aprofundadas ou questionadas com mais assertividade. A grande questão disto é que a produção parece datada. Mesmo falando de algo de um passado próximo, o olhar também deixa uma sensação de antiquado.

Apesar destes detalhes, alguns momentos de Unidas pela Esperança são divertidos, como a sequência em que as coralistas treinam a música que cantarão na primeira apresentação ou em seu desfecho, quando são apresentados todos os corais criados na vida real, após o pioneiro, mostrado no enredo, ter começado as atividades musicais, o Coral das Esposas de Militares. Este não é um longa primoroso, é esquecível, mas pode ser visto em uma tarde qualquer, em um tempo livre.

Diretor: Peter Cattaneo

Elenco: Kristin Scott Thomas, Sharon Horgan, Jason Flemyng, Greg Wise, Lara Rossi

Assista ao trailer!

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Assim que começaram as gravações de O Destino de uma Nação (tradução brasileira para Darkest Hour) e as imagens do ator Gary Oldman como Winston Churchill, ex-primeiro ministro do Reino Unido, surgiram não havia dúvidas de que estaríamos diante de um desempenho que possivelmente poderia lhe render um Oscar. Em O Destino de uma Nação, Oldman passa por um processo de transformação que já rendeu prêmios para outros atores em temporadas passadas, compondo uma equação normalmente atrativa para a Academia: ator consagrado mas nunca premiado interpretando uma personalidade histórica ostentando um espantoso trabalho de maquiagem e dirigido por um diretor respeitado entre os pares e a crítica, mas também nunca vencedor do prêmio. O terreno parece predestinado ao ouro.

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Ambientado em um universo diferente, Só Deus Perdoa mantém alguns traços do último trabalho do diretor Nicolas Winding Refn, Drive, que o consagrou com o prêmio de melhor diretor em Cannes no ano de 2011. Refn parece interessado em fazer experiência com gêneros cinematográficos e toda a sua trama é calcada na sede de vingança dos seus personagens. É o “olho por olho, dente por dente”, todos eles têm contas a acertar e parece não sobrar pedra sobre pedra no final da história. No entanto, as semelhanças param por aqui. Só Deus Perdoa, que por enquanto só teve os seus direitos de exibição adquiridos para a TV a cabo no Brasil (nada de distribuidora no cinema ou no mercado doméstico), tem muito menos viço do que a empreitada anterior do realizador.

Toda a narrativa de Só Deus Perdoa se passa em Bangkok e acompanha a jornada de Julian, papel de Ryan Gosling, na tentativa de honrar o nome da sua família. O irmão mais velho de Julian foi assassinado após estuprar e matar uma jovem prostituta. A mãe do rapaz e chefe de uma organização criminosa articulada em Bangkok dá ordens expressas ao seu grupo e a Julian: eles devem procurar o assassino do seu primogênito e o matar com requintes de crueldade. A partir dai a rivalidade interna e externa do grupo começa a desencadear um rastro de sangue que parece não ter fim. Ao mesmo tempo, Julian tem que lidar com um conflito interno antigo, a mágoa e o sentimento de rejeição que tem do relacionamento com sua mãe.

Se Drive flertava com o western e buscava referências oitentistas, Só Deus Perdoa dialoga com o cinema oriental e com os filmes de gângsters. Refn apresenta algumas abordagens interessantes, como acontecia em Drive, na tentativa de fazer algumas leituras pessoais sobre os gêneros, mas cai em uma excessiva e escancarada auto-apreciação. Durante todo o longa a sensação que se tem sobre Refn é que ele está contemplando a si próprio e suas habilidades e inventividades cinematográficas, fazendo reverência a cada segundo por um “insight” qualquer que tenha ao longo de Só Deus Perdoa, o que torna o filme emperrado. Esteticamente, Só Deus Perdoa é impecável. Desde a direção de arte que valorizou as referências orientais, passando pela fotografia que prioriza o lugar das cores e da luz, não há o que se questionar sobre o longa nesses departamentos. O empenho de Refn e sua equipe é louvável nesse sentido, mas o êxito localizado não ameniza um dos maiores defeitos da obra que é o de olhar para o próprio umbigo. A todo momento temos a impressão de que Refn está gritando pela atenção e reconhecimento a qualquer feito técnico, o mínimo que seja. Tudo isso torna a “viagem” em Só Deus Perdoa enfadonha e ausente de propósito.

Ryan Gosling faz um tipo muito parecido com o que interpretou em Drive. Julian surge em cena cansado (parece levar o peso de uma vida), entediado, calado e, ao mesmo tempo, capaz de cometer atrocidades. No entanto, Refn prefere manter o personagem no subtexto e a interpretação de Ryan Gosling, como aconteceu em outros momentos com essa mesma orientação porém com resultados melhores (Tudo pelo Poder e o próprio Drive), não funciona, parece faltar alguma peça na engrenagem e Julian tem menos camadas do que sugere o filme. Kristin Scott Thomas, por sua vez, é a força motriz desse longa, a sua melhor “peça”. Como uma grande chefe do tráfico, a personagem é interpretada por Thomas como uma daquelas mulheres dominadoras, implacável com sua cria e fria com o sentimento alheio. A atriz está soberba no papel e é sempre motivo para manter o espectador fiel ao longa, aguardando os seus próximos passos, sempre imprevisíveis.

Só Deus Perdoa acaba sendo uma jornada auto-centrada de Nicolas Winding Refn após o interessante Drive. O novo longa do diretor é uma embalagem ornada de belíssimos atrativos, mas ausente de um conteúdo que dê sentido a sua própria existência. Talvez da próxima vez, Refn se redima de um trabalho como esse e volte a nos surpreender. Com Só Deus Perdoa ele só conseguiu a indiferença.

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