Mas, se na técnica cinematográfica a obra apresenta destreza, é no estabelecimento de empatia com as personagens que ela cresce ainda mais. Sonny Hayes (Brad Pitt) e Joshua Pearce (Damson Idris) são figuras simpáticas, que aproximam o espectador do enredo. Sonny é o protagonista com a narrativa de redenção, aquele que vem para quebrar os estereótipos etaristas e que possui tem síndrome de pai presente – algo bem ficcional, porém que aparece muito em Hollywood.

Joshua é uma espécie de antagonista, mas daqueles que o ship brotp* é  uma espécie de enemies to lovers**. Além de ser jovem e ingênuo, ele é totalmente ligado à mãe e é um sonhador, que sabe escolher o caminho mais certo quando a trama aperta. Para completar, a interação entre Pitt e Idris é bem construída. A contracena é o que faz a potencialidade das sequências que os dois estão juntos crescer.

As reações de Hayes para Pearce e vice-versa criam subtextos importantes sobre a personalidade da dupla, principalmente naquilo que os une: a necessidade de se provar. O que falta ao roteiro está impresso na construção de papel dos dois intérpretes, que conseguem mesclar rivalidade e parceria em olhares e gestos. Neste sentido, Kosinski também pode levar os louros, pois as marcações do elenco geram sensações importantes e no momento correto. O jeito como os deslocamentos ocorrem provoca tensão, relaxamento, lágrimas e risadas. Um exemplo é o momento no qual Joshua está hospitalizado e a plateia vê a reação da dupla ao mesmo tempo, no mesmo frame, mesmo eles estando em locais separados.

Ao mesmo tempo, toda a equipe de som do longa-metragem brilha e contribui para aumentar todas estas emoções. O barulho das rodas dos carros, dos exercícios de Sonny, da equipe de Ruben Cervantes (Javier Bardem) trabalhando para a vitória, cada ação é escutada com detalhes pelo público, que consegue imaginar como é estar dentro daqueles momentos inseridos no ecrã.  Desta maneira, a F1: O Filme é mediano no que está contado, por sua obviedade e saídas fáceis.

No entanto, quando se olha para o resultado geral, ele é positivo porque cast e crew foram talentosos o suficiente para salvar uma obra que poderia ser entediante. Assim, a sessão surpreende porque vale a pena de ser consumida. Tem-se aqui conexão com as personagens e o sensorial experienciado através do que diretor, editores e captadores de imagem e áudio conseguiram realizar nas filmagens e na pós-produção.

*Ship brotp – relacionamento de amizade entre duas figuras. Ship é um diminutivo para relationship, uma palavra em inglês, que quer dizer relacionamento. Brotp é sigla para Brothers true pairing, ou seja, almas gêmeas fraternas. Amigos, amigas e amigues muito incríveis formam ships brotps. Ex.: Chandler e Joe, de Friends.

**Enemies to lovers: inimigos à amantes, em português, esse é o tipo de história que personagens se odeiam e terminam como affair. Nesse caso aqui foi usado para tratar de amizade, mas na trama eles começam como opositores e terminam muito amigos.

Direção: Joseph Kosinski

Elenco: Brad Pitt, Damson Idris, Javier Bardem

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A ideia de continuar uma história do escopo da adaptação de Duna, ainda sobre o primeiro livro, impressionou o público, mas Villeneuve não decepciona. O trabalho do diretor e roteirista canadense em Duna: Parte 2 é ainda mais louvável. A sequência sci-fi chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (29) com a promessa de ser o primeiro blockbuster do ano. O novo longa-metragem consegue superar as expectativas (e seu antecessor) e leva o espectador numa odisseia espacial ainda mais estonteante.

Como já foi visto inúmeras vezes ao decorrer da história do cinema, alcançar expectativas de filmes que se tornam uma espécie de ‘clássico instantâneo’ para o seu respectivo gênero é um desafio gigante. Duna: Parte 2, contudo, vem na contramão disso. O segundo capítulo da saga sci-fi interestelar é maior em escopo, qualidade e sensações. Tanto no que Villeneuve e seu colega de roteiro, Jon Spaihts (Doutor Estranho e Passageiros, ambos de 2016), fazem ao criar saídas e novas rotas para a adaptação, como no empenho do diretor ao orquestrar essa odisseia espacial, existe uma condução de narrativa invejável no novo longa.

Talvez o maior mérito de Denis Villeneuve seja este. Construir imagética e esteticamente um universo diferente de tudo já visto – e o fazer com qualidade técnica e artística – ao mesmo tempo que ele entrega um produto acessível e possível de alcançar uma bilheteria astronômica. O cineasta canadense justamente é capaz de unir o que alguns chamam de ‘cinema de arte’ com o popular blockbuster. E isso é fascinante sobre Duna: Parte 2. O longa será capaz de abarcar um número imenso de espectadores com suas possibilidades narrativas, artísticas e técnicas.

Ainda sobre essa colisão de mundos gerada pela produção, Duna: Parte 2 também se torna um evento por envolver um tipo de projeto que há muito não se via – ao menos não com a dimensão da saga de Villeneuve. Talvez, na ficção, a última vez que o público vislumbrou algo dessa magnitude tenha sido com a saga Harry Potter (2001-2012) ou Star Wars (1977-2019). Em ambos os projetos, no entanto, nunca houve um processo autoral tão claro como em Duna.

Continuando o olhar sob os aspectos técnicos de Duna: Parte 2 que se destacam, é possível imaginar um futuro repleto de indicações em diversas categorias. O departamento de arte, fotografia, som e efeitos especiais são os principais motivadores desse resultado de tirar o fôlego. Hans Zimmer (007 – Sem Tempo para Morrer, de 2021) media o filme com sua trilha sonora epopeica. Para elevar o trabalho do compositor alemão, o restante do departamento de som constrói camadas sensoriais dessa jornada prometida de Paul Atreides. É inevitável não se arrepiar ao ver o personagem de Timothée Chalamet sendo aclamado pelos seus seguidores.

Da mesma forma que o som, a composição visual encabeçada pela tríade fotografia, efeitos visuais e arte cria imagens surpreendentes. Seja no quesito construção de universo ou no fator de vislumbre, as três equipes formam imagens inesquecíveis sobre esse universo espacial ficcional idealizado por Frank Herbert. Duna: Parte 2 é um presente aos olhos. Quanto maior a tela e melhor o som, a experiência se intensifica. Para a surpresa do público, a sequência sci-fi consegue entregar um trabalho técnico ainda mais impressionante.

Não menos importante do que o texto, a técnica ou a direção, o elenco que compõe Duna: Parte 2 completa essa ópera espacial perfeitamente conduzida. Os conhecidos nomes do primeiro filme, como Chalamet (Wonka, de 2023), Zendaya (Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, de 2021), Rebecca Ferguson (Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1, de 2023) e Javier Bardem (A Pequena Sereia, de 2023), e as novas adições, como Austin Butler (Elvis, de 2022), Florence Pugh (Não Se Preocupe, Querida, de 2022) e Christopher Walken, formam um elenco estelar. Essa reunião de talentos, assim como feita no longa anterior, eleva o projeto a um outro patamar com performances meticulosas e poderosas, como Butler interpretando Feyd-Rautha, o violento e cruel sobrinho do Barão.

Essa união de fatores faz de Duna: Parte 2 um filme fora da curva. Há muito que não se via uma construção de universo tão detalhada e rica como nesse projeto. Para além de conseguir transpor o mundo interestelar criado por Herbert, um dos maiores méritos de Duna é continuar se levando a sério e, por conta disso, manter a missão de sempre evoluir. A sequência é a prova desse compromisso orquestrado por Denis Villeneuve. O cineasta parece ter tido como meta criar uma odisseia espacial ainda maior, mais bela e impactante. E, com a Parte 2, ele foi capaz de realizar isso da forma mais impressionante possível.

Direção: Denis Villeneuve

Elenco: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling e Javier Bardem

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Mas, primeiro, deixa eu explicar o motivo de meu pé atrás. As primeiras imagens e cenas que a Disney liberou me deixaram bem frustrada. A animação A Pequena Sereia é cheia de cores vivas e contrastes marcantes, algo que não apareceu nos trailers, com suas cores desbotadas e sombrias. Outro detalhe são os melhores amigos da protagonista, Linguado e Sebastião, que eram super expressivos, enquanto que no live-action eles pareciam provenientes da mesma cesta que saíram os animais da desnecessária adaptação de O Rei Leão. Por fim, a cor do cabelo de Ariel, que é de um vermelho sangue vivo no desenho e aqui era um ruivo laranja desbotado.

Com base em tudo isso, fui ao cinema com a expectativa lá embaixo, esperando uma bomba. Mas como é incrível ser bem surpreendida! A Pequena Sereia é uma graça de filme, da melhor maneira que eu poderia esperar. Eles conseguiram inspirar ainda mais interesse nos personagens a partir da acertada escolha de seu elenco. Ariel (Halle Bailey, As Férias da Minha Vida) é bem natural e traz uma leveza bem característica, sempre brincalhona e curiosa. Os seus amigos Linguado (Jacob Tremblay, O Quarto de Jack), Sebastião (Daveed Diggs, Soul) e Sabichão (Awkwafina, Podres de Ricos) são cheios de personalidade e conseguem driblar a naturalidade gráfica dos animais com expressões que surgem através da fala. Até o Rei Tritão (Javier Bardem, Duna), que é bem sisudo na animação, consegue arrancar risadas do espectador. O mesmo vale para a excelente vilã Ursula, interpretada com maestria por Melissa McCarthy (Thor: Amor e Trovão).

O longa navega então por mares conhecidos, seguido fielmente a animação e seu roteiro. A emoção de Halle em todas as cenas faz com que nós consigamos simpatizar ainda mais com a protagonista e pequenas mudanças de motivação da trama a deixaram menos machista. Aqui Ariel quer largar tudo para desbravar o mundo e conhecer novos lugares, não apenas correr atrás de um carinha que ela conheceu há um minuto. E isso dá um tom todo especial na trama.

A preocupação que eu tive com as cores não se sustentou, pois a Disney regulou tão bem a saturação que o filme é uma explosão de arco-íris (muito bem feita) nas nossas vistas. Músicas muito bem cantadas, cenas bem construídas e uma intensidade de emoções que nos faz comprar cada segundo do que vivemos ali. É como voltar ao tempo de infância e viver aquele sentimento de nostalgia gostoso.

Outro detalhe é que é maravilhoso ver a representatividade que ele traz, especialmente na sua protagonista. Não há nada que impeça Ariel de ser negra e o filme é a prova disso. Outros detalhes de personagens também trazem esta pauta, de maneira bem sutil e acertada, mostrando que a Disney tem mudado o seu perfil antigo, machista e racista, se atualizando aos novos tempos e necessidades. Já consigo visualizar as pequenas meninas negras querendo um aniversário da Pequena Sereia, com direito a cauda e peruca vermelha. E isso é incrível!

A Pequena Sereia tem lá seus problemas, claro. Existe um ar um pouco infantilizado que permeia algumas cenas e é desnecessário diante da forma como a trama foi construída. Ainda assim, não é algo que faça com que o todo seja prejudicado.  Trata-se de um live-action bem interessante, divertido e gostoso de assistir. Daqueles que a gente quer ver mais de uma vez!

Direção: Rob Marshall

Elenco: Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Melissa McCarthy, Javier Bardem, Jude Akuwudike, Awkwafina, Jacob Tremblay, Daveed Diggs

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Com um elenco que conta com ninguém menos que Javier Bardem (Apresentando os Ricardos), o filme carrega aquela leve aura de graça infantil, com piadas simples e cenas com alguma previsibilidade. E entendam: isso é super bem-vindo aqui! Em se tratando de um longa que é primordialmente para crianças, não podemos esperar que o roteiro seja complexo, pois iria perder completamente o sentido. Para contrapor esta questão, existe um aprofundamento na construção dos personagens.

É muito fácil se conectar com todos os integrantes daquela trama fofinha em que o foco principal é um crocodilo simpático e um garoto espertinho. Ah, e ainda temos a parte da música que está presente na maioria das cenas. Sem beirar o excesso, o filme consegue dosar muito bem o tom de musical com enredo infantil. O destaque maior é a voz do próprio Lilo, interpretada pelo excelente cantor Shawn Mendes.

Outro detalhes bem interessante do filme é a sua diversidade. Temos todas as cores, estilos e jeitos. Algo que vem sendo trabalhado repetidas vezes por animações da Disney e Pixar, por exemplo, para mostrar às nossas crianças o quanto o mundo é plural e cheio de possibilidades. Por aqui, ainda que não seja o foco principal, é algo tão naturalizado que se encaixa perfeitamente com o enredo leve e divertido.

Lilo, Lilo, Crocodilo é um longa infantil com tudo que tem direito para este gênero. Vilão que é um vizinho chato, pais que vivem discordando mas se amando, criança sapeca e um doido no meio do caminho. É uma receita que sempre dá certo e não é diferente por aqui. Vale super a pena levar os pequenos, com a garantia que os adultos vão se divertir também. O filme é uma sensação de abraço com gargalhada solta.

Direção: Will Speck, Josh Gordon

Elenco: Shawn Mendes, Constance Wu, Scoot McNairy, Javier Bardem, Brett Gelman, Winslow Fegley

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A grande questão é que Sorkin foi ambicioso em querer mostrar diversos conflitos presentes na jornada do casal, seja em termos de intimidades ou de trabalho deles. Para realizar tal intento, o enredo possui algumas idas e vindas temporais, que não conseguem ser colocadas de forma amarrada. Falta ligação imagética, textual e/ou de ação para que os acontecimentos surjam e se estabeleçam de maneira fluida.

Dentro de tantos subplots, fica complicado saber qual é, de fato, a premissa central, o arco principal da narrativa. Desta maneira, Sorkin não consegue sair da primeira camada que é a própria introdução dos conflitos das personagens, deixando impossível existir espaço para aprofundá-los. Neste sentido, o único acerto aqui são os instantes nos quais o espectador acompanha o processo criativo de Lucille.

As transições do mundo “real” com o da série de TV acontecem com organicidade. O público enxerga, através desta estratégia de universo dual – o da mente de Lucille e o da sua rotina –, a inteligência e a sensibilidade da personagem, algo que falta em outros momentos do longa. A atuação de Nicole Kidman fomenta estes instantes prazerosos da exibição.

Kidman entrega um trabalho sólido, inclusive. Em muitos casos de projetos nos quais figuras notáveis e históricas são mostradas uma mimese é estabelecida, o que não é o caso da Lucy de Apresentando os Ricardos. Nicole realmente interpreta aqui, pois marcas e traços estilísticos seus estão presentes na tela, mas, ao mesmo tempo, também os de Lucille. Em seus gestos, movimentações e tom de voz, é notável que aquele olhar sobre Lucille Ball é o de Nicole Kidman.

Esta é uma grande diferença entre atrizes boas e excelentes. Quando alguém consegue colocar a sua perspectiva de uma personagem, mantém as suas bases de composição e ainda não perde de vista as características fundamentais daquela persona – sobretudo quando se faz uma pessoa célebre –, pode-se dizer que aquela construção foi feita com sucesso. Infelizmente, a produção não faz jus ao esforço e talento de Kidman.

Ainda assim, outros membros do elenco se destacam ao seu lado. Alia Shawkat (Arrested Development) e Tony Hale (Veep), mais conhecidos por seus papéis cômicos na televisão, equilibram os tons das cenas, através de seus papéis. Durante a exibição, a direção exagera em movimentos de câmera e os diálogos contêm intensidades desmedidas, sem que houvesse sido construído um caminho para tal instalação.

Alia e Tony convocam sobriedade para os seus Madelyn e Jess, respectivamente. Neste jogo de tonalidades, a direção de Aaron Sorkin tem pontos positivos e negativos. No início da sessão, é empolgante observar a sua decupagem. Há uma sensação de que uma atmosfera está sendo construída. Entre travelings in e out e a seleção de enquadramentos, um grande destaque é a extensa discussão na mesa de ensaio.

Com uma quantidade alta de personagens envolvidas, além do desafio que é filmar este tipo de cena, os planos deixam que as emoções das personagens sejam nítidas e uma compreensão da dinâmica da equipe de I Love Lucy ocorra rapidamente. No entanto, Sorkin não consegue manter o fôlego de suas ideias. A partir da segunda metade da obra, a sua direção fica menos inventiva.

De todo modo, os recursos usados pelo cineasta no início da produção ficam repetitivos, perdendo a força. Assim, talvez, todas as fichas tenham sido gastas logo de cara, criando uma lógica inversa, na qual o começo do filme é mais elaborado e todo o restante é embolado e entediante. As ideias de Aaron Sorkin não são desenvolvidas em Apresentando os Ricardos, a vida e a relação de Lucille e Desi não são aprofundadas e poucos elementos se destacam positivamente. Faltou um entendimento do que contar, como contar e o que escolher da linguagem cinematográfica para narrar esta história.

Direção: Aaron Sorkin

Elenco: Nicole Kidman, Javier Bardem, Alia Shawkat

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O filme tem uma narrativa expositiva e lenta, com poucos fatos acontecendo. Trata-se de uma crônica em tela. No primeiro ato, antes do sequestro, o espectador é apresentado ao cenário e a realidade que aquela família está inserida. Alguns fios vão ficando no caminho justamente para deixar o público intrigado e ansioso para entender o que está acontecendo. Ao mesmo tempo, questões de moral, relacionamento e aceitação vão sendo travadas cuidadosamente nas arestas da trama.

No protagonismo, temos a dupla e casal na vida real Penélope Cruz e Javier Bardem. Ambos falando em suas línguas originais, estão visivelmente à vontade com os personagens e entregues naqueles momentos. A química dos dois e a naturalidade com que contracenam é impressionante e gostoso de se ver. Para além deles, o marido da protagonista é vivido por Ricardo Darín, outro excelente ator, que dá ainda mais força às cenas. Todos os coadjuvantes também funcionam muito bem para dar suporte aos sentimentos que são experienciados. Impressionante como conseguiram encontrar mulheres tão parecidas com Penélope para interpretar suas irmãs.

Todos Já Sabem trabalha com a dúvida o tempo todo. O espectador fica se questionando quem está falando a verdade e quem está apenas manipulando a situação. Enquanto vemos um sofrimento real por parte da mãe da menina sequestrada, o pai se mostra muito calmo e indiferente em alguns momentos. Para além disso, o amigo da família e ex-namorado de Laura, se dedica “demais” na busca pela garota, deixando todos com uma pulga atrás da orelha sobre o seu real interesse.

A trama vai se desdobrando e se revelando como uma jogada de interesses. O personagem mais desconectado, inicialmente, da história, é o que mais se envolve e sofre com as consequências do sequestro. Paralelo a isso, questões de dinheiro e dívidas passadas são retomadas, colocando em voga questões sociais que pareciam inexistir no começo de tudo. Aquela fachada de família perfeita e equilibrada que é mostrada no começo vai sendo desmontada ao longo do roteiro, mostrando que muitos ali usam máscaras permanentes.

O drama de suspense faz uso de diversos artifícios para dar ao espectador a ferramenta de analisar e “julgar” os personagens. Todos ali possuem seu lado sombra e seu lado luz, mas cabe a nós decidir em quem acreditar. O final do longa, por sinal, deixa margem para muitas dúvidas e tantas outras interpretações. Mas ainda assim, com um desfecho honesto com o espectador e tão bom quanto a condução da trama.

Embora o clima de suspense esteja presente a maior parte do tempo, com apelo para a criação de um cenário onde todos são possíveis culpados, o foco de Todos Já Sabem não é exatamente esse. Isso funciona como palco para um drama muito mais denso do que a “simples” tragédia que nos é posta. Relações emocionais são colocadas a prova o tempo todo, em uma narrativa bem costurada em todos os momentos.

Este é um longa muito eficaz e contundente que vai se desdobrando em muitas camadas ao longo do roteiro. Unido à um elenco de ouro, definitivamente é um filme que merece a atenção do público, que será presenteado com uma ótima história e excelentes atuações.

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Soando como uma versão esterilizada da biografia de Pablo Escobar, Escobar: A Traição tem o título original Loving Pablo. Isso porque, supostamente, o interesse do filme é pelos meandros da relação amorosa entre o traficante e a jornalista da TV colombiana Virginia Vallejo, interpretada por Penélope Cruz. Escobar, vivido por Bardem, acaba, no final das contas, sendo o único interesse do filme e, ainda que a obra queira acentuar a importância de Vallejo na vida pessoal do personagem e na sua perseguição e posterior captura, a apresentadora de TV surge como uma personagem completamente deslocada em cena, uma grande “forçação” de barra de Aranoa. Mais curioso ainda é saber que Escobar: A Traição é baseado num livro da própria Virginia, portanto, ou a mesma se deu uma importância histórica que lhe falta ou estamos diante de uma péssima adaptação do material original.

A relação entre Vallejo e Escobar jamais é esmiuçada a contento e o espectador nunca compreende o que move o encontro daquele casal – atração sexual, afinidade ideológica, interesse financeiro, todas são possibilidades levantadas por momentos específicos do filme. Enfim, jamais fica esclarecido porque a passagem da jornalista pela biografia de Pablo Escobar é tão importante e porque o que ela tem a dizer sobre tudo o que surge como relato sobre esse personagem importa para o longa. O roteiro do projeto insiste em sublinhar um lugar importante para Virginia nessa história, não abrindo mão de oscilar seu interesse nas ações dela e de Pablo Escobar, quando, no final das contas, nem mesmo aquilo que a jornalista tem a oferecer ao agente americano interpretado por Peter Sarsgaard sobre a vida privada do traficante é essencial para que ele consiga chegar ao verdadeiro paradeiro do fora-da-lei interpretado por Bardem.

Cruz e Bardem se esforçam para dar alguma classe ao projeto, mas a direção de Aranoa e seu olhar excessivamente plástico para o tema do seu filme e sua paisagem aproxima Escobar: A Traição de outros tantos projetos que artificializaram uma realidade latino-americana e a transformaram em espetáculo para gringo ver. A sensação de assistir ao filme é a mesma de acompanhar uma dessas biografias excessivamente assépticas e moralmente filtradas de figuras célebres do  cenário brasileiro com o selo Globo Filmes por aqui, com um elenco repleto de rostos conhecidos cuja bagagem de informação que temos de suas vidas fora das telas não conseguimos deixar de lado ao assistirmos suas interpretações, por mais que eles movam esforços válidos para esquecermos quem eles são e os imaginarmos como as figuras que interpretam. Escobar: A Traição é puro artifício, não imagino em que dimensão será relevante para quem ainda se interessa pela biografia do personagem ou mesmo para quem gosta do trabalho da sua dupla de protagonistas.

Assista ao trailer:

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O que sabemos por ora sobre a história de Mãe! é que o longa acompanha um casal, formado por Lawrence e Javier Bardem (007: Operação Skyfall), e alguns convidados não desejados em sua casa. No elenco ainda estão Michelle Pfeiffer (A Família), Ed Harris (Noite sem Fim), Domhnall Gleeson (Brooklyn) e Kristen Wiig (Caça-Fantasmas).

O melhor de tudo é que o público brasileiro nem esperará muito para conferir o resultado do novo trabalho de Aronofsky. O filme estreia em 21 de setembro nos cinemas do Brasil.

Assista ao trailer legendado do filme: 

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O longa O Franco-Atirador chegou bastante silencioso aos cinemas. Também, pegou ainda toda a força de Os Vingadores, que continua fazendo o maior sucesso em todo o mundo, mesmo com quase três semanas de estreias. Mesmo assim, a verdade é que O Franco-Atirador não teve lá uma boa repercussão na crítica internacional.

A história traz Sean Penn no papel principal de um atirador profissional que se envolve em uma missão super perigosa no Congo e tem que largar tudo, inclusive o amor de sua vida, para se proteger. Anos se passam quando ele resolve voltar ao país, mas é alvo de uma tentativa de homicídio. Desconfiado, ele começa a procurar as pessoas envolvidas no episódio do passado para ver o que está acontecendo.

O enredo tem altos e baixo, momentos mais fortes e mais fracos. Mas no geral, o filme é bem interessante. Verdade seja dita, temos Sean Penn e Javier Bardem como protagonistas do longa. Não teria como ele ser completamente ruim, mesmo que eles quisessem muito. E não é o caso. A história vai evoluindo com calma e bem tralhada. Uma calmaria que às vezes se aproxima da monotonia chata, mas logo sai e segue para uma cena de mais ação.

Algo que deve ser destacado é que Penn mostra demais seus músculos ao longo das quase duas horas de sessão. Inicialmente o espectador pensa: “Olha que legal. Sean Penn no alto de seus 54 anos está super bem e conservado”. Mas depois da terceira ou quarta vez, você apenas acha que ele realmente tá querendo se valorizar e subir a autoestima.

Passado esta emoção, o espectador percebe que o filme se perde um pouco em alguns momentos. Ora o foco principal é o ciúme do personagem louco de Bardem. Outra, e absolutamente do nada, o foco é no acerto de contas com as ações do passado do protagonista. É bem esquizofrênico esse roteiro, mas devo afirmar que ele funciona relativamente bem. Entretém, se assim podemos dizer.

A mocinha em perigo é que irrita no final da trama. No começo ela é ótima, participativa e mostra uma excelente química com todos. De repente, quando a coisa muda e ela descobre tudo, passa a ser uma simples mulher correndo de um lado pro outro sem entender nada. Podiam ter trabalhado melhor isso aí. A atriz tem seu potencial, que foi desnecessariamente subaproveitado.

A verdade é que o grande destaque de toda a trama são os personagens. Sim, eles valem a pena o tempo do filme. E não que o filme seja ruim. Bem pelo contrário. Ele é muito interessante. Apenas não oferece muitas novidades e acaba se tornando um pouco previsível. Ainda assim, vale a sessão.

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