Enquanto as situações de outrora e do presente parecem confusas para Anthony, elas são entregues da mesma maneira para o público. Elipses temporais e momentos deslocados são evocados na tela. A montagem é certeira ao deixar que as sequências se tornem tão fluidas ao ponto de soarem como uma grande cena única, mas também repleta de fragmentos de memória. Um exemplo é a cena do jantar, quando Anthony chega à sala e escuta uma conversa de sua filha Anne (Olivia Colman, A Favorita) e o marido dela, Paul (Rufus Sewell, Judy – Muito Além do Arco-Íris).

A ordem cronológica dos acontecimentos é desconstruída e a junção das sequências fomenta esta sensação de Anthony. Isto vem juntamente com outro recurso valioso dentro da narrativa. Com o uso das repetições, sejam elas quase idênticas ou com algumas modificações, os diálogos e movimentações dos intérpretes vão ganhando, cada vez mais, sentidos mais complexos e profundos. Há esta perda da conexão com o presente, sofrida por Anthony, e ela é sentida mais fortemente por quem assiste, como se, paulatinamente, a ausência de saída ficasse estabelecida.

É como se existisse uma revelação das emoções e fluxo de pensamentos de Anthony, mas também uma justificativa para as ações finais de Anne, que fica sem ideias palpáveis para auxiliar o seu pai. A produção imprime, assim, as capacidades e perigos da mente humana, mas, além disso, deixa transparecer como as marcas deixadas pelas relações, presenças e partidas, ainda que tudo esteja fragmentado e desarticulado, são impactantes para as pessoas, mesmo quando tudo se esvai, estes elementos ficam.

No meio deste discurso, impresso sutil e progressivamente, a decupagem mostra como a direção deseja ser pontual e cuidadosa ao efetuar qualquer tipo de movimentação de câmera. Em ocasiões específicas, são utilizados travellings ou zooms. Geralmente, eles aparecem nos ápices dos conflitos internos e externos de Anthony ou de Anne. Nas incertezas e hesitações, o movimento chega como um respiro de demasia inseguranças da dupla.

Quanto mais os dois se distanciam, pela própria condição do pai, mais os zooms são recorrentes. Anne procura se reconectar com ele, porém vai desconhecendo a figura que está ao seu lado. A mágoa e a insatisfação das personagens são ainda mais tangíveis pelas atuações de Colman e Hopkins. Em seu Anthony, que guarda rancor e certo teor de agressividade, Hopkins constrói o seu papel nos detalhes. Seja nos olhares perdidos ou nas relações táteis com objetos físicos, é preciso observar atentamente o ecrã para conseguir capturar todo o seu trabalho.

O ator mescla fragilidade, angústia e pavor através de tensionamentos e relaxamentos do corpo. As pausas do texto falado e dos gestos são outras ferramentas que elevam a potência do que ele deseja passar. O abandono da razão se configura mais fortemente quando ele evoca esta junção de frases ditas lentamente, enquanto ele se apoia em algum objeto de cena e seus olhos não focam em ninguém da contracena, mas no infinito.

Já Colman é um tanto menos expansiva e escolhe ir para um caminho um pouco mais minimalista. Com uma quantidade de deslocamentos reduzida, a base de Olivia Colman aqui é a elaboração de um corpo cansado e pesado, misturado com os olhares de incredulidade. A sua Anne apresenta um desespero contido e as micro expressões faciais ajudam a passar esta ideia de busca incessante pela quebra deste aprisionamento que Anne vive e seu desejo constante de reencontrar o seu pai que, ainda que esteja presente fisicamente, parece ter desvanecido.

Desta maneira, no geral, pode-se dizer que Meu Pai é um filme inventivo, que insere o espectador na lógica de seu protagonista com eficiência. Ao invés das sensações serem ouvidas, narradas ou vistas de fora, elas são sentidas diretamente, através de uma junção descolada de eventos, emoções e participações.

Direção: Florian Zeller

Elenco: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Rufus Sewell, Imogen Poots, Mark Gatiss

Assista ao trailer!

O post Crítica: Meu Pai apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Um filme independente com atores do circuito blockbuster de cinema. Como seria isso? Um Amor A Cada Esquina coloca essa possibilidade à prova e mostra que, além de ser possível, o resultado sai bem interessante para o espectador.

O enredo fala sobre uma jovem aspirante a atriz que ganha a vida como garota de programa, sempre idealizando seu sonho maior. Em uma de suas noites de trabalho, ela encontra com um diretor teatral, que, além de tratá-la muito bem, faz uma proposta irrecusável: 30 mil dólares para ela deixar a prostituição. Isabella aceita a oferta e começa a se dedicar à carreira de atriz. O que ela não poderia imaginar é que em uma audição para uma peça, ela ia se deparar justamente com este diretor, que está acompanhado da esposa, que também é artista.

Com um estilo de narrativa diferente, onde a personagem principal é entrevistada por uma jornalista e vai falando abertamente sobre os primórdios da sua carreira como atriz, os fatos vão acontecendo sempre sob sua perspectiva, situação que ela deixa clara principalmente ao falar de sua terapeuta e o ex-cliente perseguidor.

O diretor Peter Bogdanovich é contemporâneo de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola e Steven Spielberg, da geração “Nova Hollywood”, mas não obteve todo o sucesso dos demais. Seu filme de maior sucesso é de 1971, A Última Sessão de Cinema. Ele retorna, com Um Amor A Cada Esquina, 12 anos depois de sua última produção. Um estilo bem diferente, é verdade.

No elenco principal, temos Imogen Poots e Owen Wilson, como o casal protagonista. Kathryn Hahn e Jennifer Aniston também são boas adições ao longa, com seus papéis mais histéricos e dramáticos. Elas interpretam a esposa traída e a terapeuta psicótica, respectivamente. Tem ainda o excelente Rhys Ifans (que nunca esquecerei com seu papel de Spike em Um Lugar Chamado Notting Hill) e Will Forte. A dinâmica do grupo é muito clara e simples, dando um tom bem pessoal ao filme.

A comédia flui com muita leveza e entretém o espectador a todo momento. É atrativo e intrigante, fazendo a pessoa querer saber sempre o que vai acontecer na próxima cena. A risada é garantida e tem uma boa finalização. No entanto, não é nenhuma narrativa memorável e exclusiva, que marca quem assiste. As atuações são ótimas e a sintonia do elenco sustenta a maior parte do roteiro.

No final das contas, cumpre bem um objetivo não pretensioso. Fiquei com a sensação de dever cumprido e satisfeita com o resultado. É divertido!

Bônus: curiosidade para os amantes de Jennifer Aniston e do seu personagem na série Friends. Neste filme, seu namorado se chama Joshua e seu cachorro, Chip, uma referência a dois namorados da personagem Rachel, em Friends.

O post Crítica: Um Amor A Cada Esquina apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.