Longe das pressões de um grande estúdio e das expectativas que sucedem uma boa estreia – algo que prejudicou bastante Não se preocupe, querida –, Olivia Wilde faz um filme mais focado, centrado nas relações humanas, no desenvolvimento das conexões e desconexões entre os seus personagens e tem um resultado bem mais satisfatório, coerente com as ótimas impressões da sua estreia em Fora de Série. O Convite é uma comédia centrada em um roteiro extremamente verborrágico escrito por Will McCormack e Rashida Jones a partir de um longa espanhol dirigido por Cesc Gay e lançado em 2020, Sentimental.

Em um espaço reduzido – o apartamento dos protagonistas da história –, O Convite acompanha o casal Angela e Joe (Olivia Wilde e Seth Rogen) como anfitriões de um jantar para seus novos vizinhos, Piña e Hawk (Penélope Cruz e Edward Norton). Durante a recepção, toda sorte de questões conjugais vêm à tona.

Com a dinâmica próxima de uma montagem teatral, o filme de Olivia Wilde assemelha-se a alguns títulos da filmografia de Woody Allen. Angela e Joe são extremamente neuróticos como personagens que Allen e Diane Keaton viveram nos filmes do diretor, cheios de questões mal resolvidas que acabam eclodindo em diálogos intensos, inteligentes, algumas vezes engraçados, outras dramáticos, mas ágeis. Tudo em uma única noite no evento social que contextualiza a história.

Na função de diretora, Olivia Wilde lida muito bem com um traço muito particular do roteiro de McCormack e Jones: a fluidez com que essa história trafega por gêneros tão opostos, mas curiosamente sinérgicos, quanto a comédia e o drama – e isso acontece, por vezes, em questão de segundos, sobretudo no ato final da trama. Apesar de ser um longa concentrado em poucos personagens e que oferece um único cenário para o espectador, O Convite é marcado pela agilidade. Os personagens estão em ebulição psicológica crescente, transitam pelos cômodos daquele apartamento e promovem um intercâmbio de parceiros, com uma montagem que intercala muito bem os estágios paralelos e dissonantes dessas interações.

O Convite também é um êxito graças ao desempenho dos seus atores. Como Angela, uma das protagonistas da história, Olivia Wilde demonstra um timing cômico singular e  profundidade psicológica para embarcar nas tensões reprimidas e nas frustrações da sua personagem. A atriz encontra em Seth Rogen um ótimo parceiro de cena, tendo muita química com o ator que vive o seu marido no longa. Mesmo que Rogen não fuja ao tipo nerd desajeitado de outros filmes que já protagonizou, há camadas que ele oferece a Joe que provavelmente o espectador nunca viu o comediante trazer em cena. Ambos estão ótimos como esse casal cheio de frustrações e anseios destruídos pela vida adulta e que gradualmente parece entender o estágio em que se encontra esse relacionamento.

Na grande DR vivida por Angela (Wilde) e Joe (Rogen), o trabalho de Penélope Cruz e Edward Norton é fundamental. Os intérpretes do casal Piña e Hawk acabam sendo figuras que provocam nos protagonistas o entendimento de que estão vivendo uma crise e que é preciso fazer algo para sair daquele lugar. Cruz está especialmente brilhante no ato final do filme, quando promove uma verdadeira sessão de terapia com Angela e Joe.

O Convite é tudo que Olivia Wilde precisava depois de quatro anos do lançamento do problemático Não se preocupe, querida – que, sim, era um filme ruim, mas que teve qualquer discussão sobre o longa em si ofuscada pelas manchetes de tablóides envolvendo seus bastidores e a fofoca envolvendo o relacionamento da diretora com seu protagonista Harry Styles. Aqui, com menos orçamento e recursos propositalmente econômicos, Wilde faz uma das melhores comédias do ano. A diretora tem um olhar certeiro, sofisticado, inventivo, divertido e sensível nessa história sobre casamento e conduz um elenco afiado capaz de gerar um mix de sentimentos ao longo da experiência de assisti-la.

O Convite é tudo de que Olivia Wilde precisava depois de quatro anos do lançamento do problemático Não se preocupe, querida – que, sim, era um filme ruim, mas que teve qualquer discussão sobre o longa em si ofuscada pelas manchetes de tabloides envolvendo seus bastidores e as fofocas sobre o relacionamento da diretora com seu protagonista Harry Styles. Aqui, com menos orçamento e recursos propositalmente econômicos, Wilde faz uma das melhores comédias do ano. A diretora tem um olhar inteligente, divertido e sensível nessa história sobre casamento e conduz um elenco afiado em um filme que é capaz de gerar um misto de sentimentos ao longo da experiência de assisti-lo.

Direção: Olivia Wilde

Roteiro: Rashida Jones, Will McCormack

Elenco: Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton

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Até tinha como ficar ruim, mas já adianto que isso não aconteceu. O filme é, sim, muito divertido e cheio de escolhas acertadas. O que é um grande bálsamo para os fãs mais fervorosos, como essa jornalista que aqui escreve. Andy Sachs (Anne Hathaway) passou anos vivendo o seu sonho de escrever histórias relevantes, política, economia, sociedade. Ela é uma jornalista renomada e reconhecida pelo seu trabalho investigativo. Mas nem isso a consegue blindar do trator que é o capitalismo e a necessidade constante de “cortar os custos”.

Os tempos são outros e essa nova realidade de inteligência artificial, produções online e rapidez líquida fez com que o jornalismo de verdade, aquele que tem tempo de pesquisar, entrevistar, fosse colocado em segundo plano. São tempos incertos. Inclusive para Miranda Priestly (Meryl Streep), que do outro lado da moeda, sofre as consequências do trabalho mal feito de sua equipe jornalística, o que pode levar ao seu declínio do topo da Runway (que a essa altura já se tornou uma revista muito mais on-line).

Em meio a essas nuances de cada personagem, o reencontro acontece através da necessidade de ambas. Cada uma de uma ponta, convergindo com o mesmo propósito.

É curioso perceber como mesmo depois de tantos anos, Andy ainda fica nervosa e insegura ao lado de Miranda. É como se ela ativasse aquela jornalista recém formada lá do começo, que tinha que se provar o tempo todo. Ela precisa ser constantemente lembrada que ela ocupa, hoje, um outro espaço e uma outra posição.

Já Miranda segue com a sua personalidade altiva, mas sendo convocada o tempo todo a acessar momentos de mais humanidade. Ela entende (ou é forcada a entender) que o topo é solitário, mas não precisa necessariamente ser. Que por mais que ela esteja sempre jogando com as peças deste quebra-cabeça que é comandar uma revista que dita a moda do mundo todo, o tabuleiro pode contar com outros jogadores.

Minha preocupação com o trailer, onde achei as personagens muito caricatas, por sorte não se confirmou. O roteiro não foi para o caminho de exploração até a última gota de quem é Miranda Priestly e sua indiferença com o próximo. E claro que Meryl Streep faz toda a diferença neste quesito, mas acredito que podemos colocar o resultado nas costas do diretor David Frankel, responsável também pelo primeiro longa.

Aqui em O Diabo Veste Prada 2 a rivalidade feminina é substituída por uma parceria construída de maneira muito natural. As personagens entendem que precisam convergir no mesmo propósito, já que o “universo” (leia-se aqui “capitalismo masculino”) não está disposto a isso.

Mesmo assim, ainda temos a rivalidade feminina apresentada, mas muito mais como um resquício de vingança ou uma necessidade de se provar suficiente pelo passado que viveu ali naquele espaço. Fico triste apenas que o roteiro quis redimir essa personagem no final, completamente sem necessidade. Era melhor ter assumido o seu lado vingativo e seguido com isso.

Para a dupla principal, vemos outras facetas de suas personalidades. Existe uma profundidade maior das personagens, uma exploração mais detalhada de quem cada uma é.

É uma mudança que eu achei legal foi Miranda estar num casamento bacana e amoroso, com um cara que entende a sua posição, enquanto Andy está solteira, mas sem a necessidade de busca pelo masculino. Ela está bem, feliz, completa, sem aquele ar de demanda de relacionamento, mas também sem a sombra da solidão. Isso vai de encontro com o machismo habitual de alguns roteiros, o que é ótimo!

O filme também é um grande serviço para os fãs do primeiro. Ele bebe da mesma fonte, traz milhares de referências claras (e outras sutis), mas sem deixar de lado uma personalidade muito própria. O Diabo Veste Prada 2 é uma grata surpresa em uma época que as continuações tardias são tão rasas e sem propósito. O longa entrega excelentes atuações, uma história legal, nostalgia, looks incríveis e uma leveza necessária. Vale muito a pena!

Direção: David Frankel

Roteiro: Aline Brosh McKenna

Elenco: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Kenneth Branagh, Lucy Liu, Simone Ashley, Justin Theroux

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Quando o público terminar a sessão, talvez sinta essa ausência de conclusão da argumentação central. O objetivo do herói é alcançado, porém apenas enquanto ação. Porque existe uma tentativa de criticar as modalidades opressoras do patriarcado branco e rico dentro do roteiro. Através de uma metáfora na qual os seres do planeta são figuras habitadas por coisas – borboletas ou os cosmos, por exemplo -, esses elementos convocam sensações nas personagens, que se portam como inquietas e com um desejo de transformar a realidade na qual vivem. No entanto, qual seria essa experiência que eles rejeitam de fato? Esse ponto não é tocado diretamente e somente paira no ar, como uma indicação de perturbação e medo.

Além disso, todos vivem em um deserto, seco e permeado de calor. Revo, papel principal na trama, foge o tempo inteiro de uma organização que controla a população daquele Universo. Contudo, o que há por trás de toda a situação vivida por Revo não é investigada e explorada com maior propriedade. Falta aqui menos introdução de elementos e mais observação e tempo para tratar daquelas inserções. Há muito mistério e momentos bonitos, mas sem o desenvolvimento necessário para que, ao final da projeção, esses pontos colocados na narrativa se conectem e criem um significado tão plural e relevante quanto as imagens feitas por Esaú.

Assim, enxugar alguns encontros também poderia ser uma solução ou revisitar os diálogos, transformando em um fomento maior do que está sendo defendido na produção. Um produto midiático pode ser despretensioso, simples e tratar de questões triviais. No entanto, é preciso compreender que todo cenário é construído para emitir sentido e em O medo tá foda a plateia encontra uma conversa entre Revo e as pessoas que ele encontra no caminho, que parecem ser com quem assiste, porém são apenas introduções. A cada passagem algo é trazido, impresso na tela e nos corações do receptor, porém esse “algo” é interrompido, a todo instante, para que Revo siga seu caminho.

Desta maneira, o curta não completa seu ciclo com plenitude, mas, ainda assim é uma animação que consegue emocionar em alguns momentos e que encanta pelas visualidades que traz em sua encenação. Falta um tanto de amadurecimento para Esaú Pereira, porém parece estar em um bom caminho.

Direção: Esaú Pereira

Elenco: Mateus Honori, Mateus Franklin, Maria Adelino e Bruno Paes

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Aqui ele convoca seu estilo para explicar o que entende sobre o mundo contemporâneo. É curioso observar como a direção começa seca. Ao lado do diretor de fotografia Tobias Deml (Hell, Calofornia), há poucas sombras. Tudo parece chapado no ambiente higienizado do protagonista John (Luke Stanton Eddy). O azulado representa a melancolia de John e todos os objetos bege e cobertos pelo ciano confirmam a sua infelicidade. 

No figurino, peças e cores clássicas de opressão: terno cinza e pasta marrom. Mas todos os signos tradicionais sobre a discussão do conformismo e do sufoco do capitalismo vão sendo fomentados pela narrativa insana que vai ganhando espaço na trama. A começar pela ampliação real da discussão da sordidez cínica da sociedade. O uso de aparelhos celulares é reduzido, apesar da discussão sobre as redes estarem também presentes na tela, o roteiro de Besson é inteligente ao ir além do problema atual da humanidade. 

O uso das redes e da vontade de se mostrar nela é um sintoma de algo mais profundo, que já habita este planeta faz tempo. Assim, entre discursos bem diretos sobre como as grande empresas, os ricos e o sistema como um todo são predadores da liberdade, visualmente os planos gerais revelam centenas de carros, prédios gigantes em contra-plongée. Todos elementos repressivos atingem John. O jovem está mergulhado até o pescoço neste cotidiano opressivo, pálido e azulado. Contudo, ele está infeliz. A exaustão da personagem está em cada elemento de sua composição.

É possível reconhecer isto nos olhos cansados e na postura corporal do ator, na encenação que fecha os planos no seu rosto para frisar suas expressões faciais e abre o quadro para mostrar as ruas avacalhadas de Los Angeles de desabrigados, carros e vida banal. Mas, até metade da projeção o espectador pode ficar desconfiado. Afinal, não há nada de novo nem na estética e nem na argumentação do longa-metragem.

As produções não precisam reinventar a roda, porém a constância na rotina de John e a leve progressão da sua exaustão perante sua vida anunciam que algo está para acontecer: uma reviravolta. Por isso, pode soar estranho o reforço desta dinâmica de John e sua vida esgotante. Nesta lógica de longa sobre jovem enclausurado pelo sistema, que lembra muito obras dos anos 1990, é a entrada de June (Matilda Price) que estabelece a genialidade de Besson.

A jovem surge repentinamente na vida do rapaz e, com ela, as imagens vão gradativamente ganhando camadas de estilo. O casal passa a ser visto em angulações múltiplas, as texturas vão se complexificando e cores quentes sendo inseridas. Ao mesmo tempo, situações completamente extra-cotidianas se iniciam. De roubo a um banco até casamento em Vegas e fuga da polícia, o enredo parece extrapolar todos os limites do real e extraordinário para estabelecer um argumento.

Porque essa dicotomia entre o enfadonho do empresarial burocrático com a insanidade em quebrar as regras do sistema parece ser a questão central aqui. O que é louco de verdade? Ao que está se submetendo a humanidade? É melhor morrer ao desperdiçar a vida?  Ou, ainda, seria melhor viver do que morrer pelo cinismo e as correntes do capitalismo? Na realidade, a esperança – desta que vos escreve – é que haja um equilíbrio. Mas, de fato, a conexão com a natureza, a melhor hierarquização do tempo e o desapego exacerbado ao capital precisam ser olhados de frente.

É por isso que, mesmo com uma ruptura entre as duas partes da projeção, que parecem descoladas uma da outra e do male gaze exagerado de Besson, June e John se revela urgente. Urgente por encarar um novo mundo sob uma ótica corajosa, por convocar uma linguagem que mescla temas tão antigos, porém tão contemporâneos, com o mesmo olhar. Neste sentido, é difícil ser sucinta ao falar desta ou produção ou entregar um texto coeso.

June e John é rebelde demais e ao mesmo tempo tão igual a tantas outras obras que falam sobre o sistema e como rompê-lo que o que o torna especial é o como é feito e o relacionamento do casal central. Ainda assim, o final da sessão deixa um gosto amargo, porque resta, ao desfecho da exibição, uma pergunta cruel: daqui há 20, 30 anos, o problema ainda vai ser o mesmo? Entre Felicidades que não se compram, Thelmas e Louises e Doces Novembros, o mundo ainda sofrerá.

No entanto, pensar nas rupturas e no equilíbrio dentro do próprio sistema que adoece o mundo inteiro também é uma função da arte e Besson realiza seu intento com coragem e sensibilidade.

Direção: Luc Besson

Elenco: Matilda Price; Luke Stanton; EddyRyan Shoos

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A Mulher no Jardim é dirigido por Jaume Collet-Serra, cineasta espanhol que acabou ganhando notoriedade no gênero terror com filmes como A Órfã e A Casa de Cera, mas que também conseguiu se adaptar a outros tipos de narrativa, sendo por isso bastante requisitado pelos estúdios. Apesar da notoriedade, o resultado do trabalho de Collet-Serra costuma ser oscilante e A Mulher no Jardim é representativo daquilo que por vezes não dá certo na direção que o realizador costuma empregar em suas narrativas.

O longa tem um ponto de partida promissor, mas parece andar em círculos com a sua premissa, não sabendo como progredir com os recursos minimalistas à disposição da sua história. A ação de A Mulher no Jardim é concentrada nas tensões entre a protagonista e seus filhos, poucos personagens, confinados em um espaço de proporções reduzidas, a casa da família.

O drama familiar presente no filme é dos menos inspirados. Ainda que conte com uma atriz do calibre de Danielle Deadwyler, nome promissor por desempenhos em longas como Till e Piano de Família, a história em torno do luto da personagem revela questões protocolares nesse tipo de trama. Como experiência estética, A Mulher no Jardim rende momentos mais exitosos, como toda a sequência que envolve a presença da mulher de preto através de sombras na casa da família da protagonista, revelando uma interessante referência do expressionismo alemão. Ainda assim, é um respiro de genialidade que custa aparecer no filme.

No terceiro ato, A Mulher no Jardim causa ainda uma péssima impressão por exibir uma certa confusão na forma como encerra sua história e revela alguns dos principais mistérios da trama, sobretudo o vínculo entre a protagonista Ramona e a mulher no jardim do título. O mais recente trabalho de Collet-Serra tem uma premissa interessante, bons atores e boas ideias visuais, mas o realizador parece não lidar muito bem com a junção de tantos indícios positivos, resultando em um filme que oras parece arrastado, oras encontra-se confuso sobre a própria história que tem em mãos.

Direção: Jaume Collet-Serra

Elenco: Danielle Deadwyler, Okwui Okpokwasili, Russell Hornsby

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Por este motivo há uma ausência de criação de relação com a plateia. Uma sensação de vazio paira no ar porque nem o debate sobre análise nem o tempo para se olhar para as duas mulheres que dão nome ao título do filme têm espaço aqui. Além disso, o roteiro tem um texto difícil de ser pronunciado com organicidade do cinema.

Os diálogos soam como falas a serem anunciadas, talvez, funcionassem melhor em um espetáculo teatral. Na realidade, as ações físicas trazidas no roteiro também poderiam funcionar mais apropriadamente em um palco italiano, com uma luz à pino.

A montagem tenta até passar essa impressão de discurso dito por duas atrizes com um foco de luz em cima do palco. Todavia, a edição acaba colaborando como um fomento a esse estranhamento — que ocorre não de uma forma positiva.

Assim, o que se tem aqui são blocos com saltos temporais imensos, que desconectam o espectador da obra. Este é um filme que trata sobre duas mulheres que fundaram a psicanálise no Brasil: Virgínia Bicudo e Adelaide Koch. A trajetória da dupla, pessoal e profissional, é instigante.

A luta de Virgínia contra o racismo e a fuga de Adelaide de uma Alemanha nazista renderiam longas por si só. O encontro das duas e as suas individualidades se enfraquecem porque o roteiro de Jorge Furtado quer dar conta de muito mais do que da própria narrativa que esta produção parece pedir.

A trama poderia focar mais, por exemplo, nas questões de Virgínia. Ela é o ponto de partida e o fio condutor do enredo. As suas transformações não convencem e soam artificiais por conta dos saltos de época. Ao mesmo tempo, as sequências de denúncia, com uma projeção no fundo ou de simulação de entrevista “gastam” esse tempo de desenvolvimento das personagens, durante a história corrida.

O recurso de quebra, um tanto brechtiana, não é em si uma má ideia. No entanto, a quantidade de vezes que são colocadas em Virgínia e Adelaide estabelece mais uma desconexão da plateia. Além disso, os trechos são repetitivos e a entonação das atrizes é monocórdica nestes momentos. 

Por fim, também é possível dizer que a encenação — no que ela é enquanto definição clássica dos autores estudiosos do cinema — falha por parecer ingênua e um tanto egóica. Yasmin Thayná e Jorge Furtado embarcam em uma lógica de inserir planificações e efeitos de câmera mais “expressivos” para tentar construir ritmo.

Como a produção aposta na verborragia, a direção investe em trazer um dolly zoom aqui, um zenital ali, para que a visualidade ajude a inserir respiros. Esta estratégia enquanto ideia é excelente e até funciona em dados momentos. Contudo, este é, de fato, um longa intimista. 

Portanto, a inserção de alguns enquadramentos ou movimentos e efeitos de câmera cortam a investigação das emoções das personagens. E esta é a chave para entender porque a produção não funciona como deveria. Falta deixar espaço para que o público se aproxime delas e consiga olhar com calma para suas vivências e sensações.

Ao mesmo tempo, o carisma de Gabriela Correa e Sophie Charlotte tornam a sessão mais tolerável. O poder da relevância de Virgínia e Adelaide também são bons propulsores para que quem assiste fique atento até o final da exibição.

Desta maneira, mesmo com uma tonalidade monocórdica, tanto na fala quanto na estética – é um filme todo com cores blocadas na Arte. Tudo azulado, preto ou salmão —, as figuras centrais ajudam a criar um conteúdo um tanto interessante.

Charlotte e Correa entregam um trabalho minimamente digno. Seja no sotaque de Adelaide, que poderia ser trágico, mas é convencível, ou nos bifões panfletários que ambas precisam dizer, a suavidade das intenções das intérpretes ajudam a deixar os textos mais orgânicos.

Direção: Yasmin Thayná; Jorge Fernando

Elenco: Gabriela Correa, Sophie Charlotte

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A promessa é de que o novo longa-metragem do MCU, que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (1º), seja diferente de tudo que a Marvel já fez. Mas será que é mesmo? Thunderbolts traz a comicidade e a ação esperada de um projeto da franquia, tem as referências a algumas das histórias pregressas que costuram eixos narrativos do filme e se baseiam em alguns personagens já conhecidos dos fãs. Até então, uma estrutura bem básica e comum para o estúdio. Há, contudo, um olhar mais voltado para a construção dos personagens nesse longa do que em outros.

A costura de Thunderbolts é feita a partir justamente da relação desse grupo disfuncional de criminosos anti-heroicos. Isso por si só já é um elemento um pouco diferente do comum por tornar o novo projeto da Marvel guiado por personagens e não pelo problema. Ainda assim, não é como se fosse a primeira vez que isso é feito e nem é a vez mais bem trabalhada. A produção traz um pouco mais de camadas do que é usual nas dinâmicas narrativas do MCU, mas ainda deixa muito a desejar, especialmente quando pensamos no cerne que move as figuras centrais da história.

O roteiro de Eric Pearson (Viúva Negra, de 2021) e Joanna Calo (Rixa, de 2023) se esforça para desvendar um pouco mais das nuances psicológicas dos personagens, especialmente de Yelena e Bob (interpretados, respectivamente, por Florence Pugh e Lewis Pullman). Mesmo com essa preocupação clara, ainda é pouco para o que a narrativa escancara como dilema moral e pessoal para essas personagens. No caso de Yelena e Bob, eles têm claramente indicativos de ansiedade e depressão e isso, ainda que posto, segue na superfície, diante do que Thunderbolts se propõe a ser.

Quando um filme tem como vilão esse vazio que nos corrói por dentro, é preciso que o projeto mergulhe de cabeça num drama existencial e psicológico. O filme até tenta elencar momentos-chave para debater de forma mais aprofundada esses elementos, mas não tem a força suficiente para isso. A sensação é que Thunderbolts varia de uma comédia ácida da relação disfuncional desses ex criminosos para um drama existencial sensível e delicado que nunca se concretiza de forma plena.

E eis que este é o maior problema de produzir histórias hoje em dia para o MCU. Há muito o que se comparar. Já foram mais de 20 filmes e mais de 10 séries e minisséries e é inevitável que o público esteja cansado de ver as mesmas histórias com roupagens diferentes. Além da repetição, o Universo Compartilhado Marvel sofreu muito com esse excesso de produções nos primeiros anos da Saga do Multiverso, o que reverbera até hoje – e Thunderbolts não consegue sair ileso disso. A fórmula de sucesso da Marvel não parece fazer tanto sentido como em sua primeira década.

Diante de tudo isso, ainda há o fator do controle criativo. Kevin Feige é essa figura que representa a Marvel Studios e todo o seu controle criativo. O plano de comando do MCU, liderado por Feige, por mais que diga o contrário, não permite extrapolações de verdade. Seja por medo de não agradar ou por acreditarem que há limites para os tipos de produções dentro do emblema do MCU, a Marvel não dá liberdade criativa de verdade para seus realizadores. E, das poucas vezes que deu – como em Eternos (2021) -, o público mais radical destruiu as obras com críticas. E, com todo esse cenário, é claro que Thunderbolts acaba sendo castrado criativamente também.

Apesar dessas questões, o longa de fato é mais interessante do que muitos dos últimos filmes lançados nos últimos anos. Mesmo que na superfície, os dramas psicológicos dos personagens permitem que o elenco tenha uma interação positiva que entretém e enriquece as cenas com a química evidente. Intérpretes como Florence (Duna: Parte 2, de 2024) e Sebastian Stan (O Aprendiz, de 2024) ajudam a dar um fôlego a mais para a história, mesmo com todos os problemas que a rodeiam. No fim, apesar dos esforços do elenco e roteiro, ainda falta mais densidade nas camadas desses personagens e desse projeto que é guiado por personagem para que Thunderbolts fosse tudo o que podia – e se propõe narrativamente a – ser.

Jake Schreier (Cidades de Papel, de 2015) parece querer deixar a sua marca como cineasta no novo longa da Marvel, mas ele também sofre com esse controle criativo sob o cabresto. O diretor, ao lado dos roteiristas, tenta criar um pouco mais de nuances para diferenciar esse projeto dos demais. Para muitos, a missão provavelmente terá sido cumprida por fugir levemente dessa fórmula estanque do MCU. No entanto, basta um olhar mais atento e fica perceptível que ainda falta muito para que Thunderbolts alcance o potencial que poderia. Todos esses dilemas giram em torno do controle criativo que poda e afunda a Marvel cada vez mais nessa areia movediça que ela mesmo entrou.

Direção: Jake Schreier

Elenco: Florence Pugh, Sebastian Stan, Wyatt Russell, Olga Kurylenko, Lewis Pullman, Geraldine Viswanathan, David Harbour, Hannah John-Kamen e Julia Louis-Dreyfus

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Em seu curta-metragem novo é exatamente assim que acontece. O artista faz um documentário híbrido, que traz imagens dos brasileiros que clamavam por um golpe de Estado, após as eleições de 2022. Ao mesmo tempo, temos as reflexões políticas e sociais de Marcus, em um estúdio e em caminhadas pelas ruas de Salvador.

Sem muita firula na técnica, porém com uma decupagem consciente, o que impacta aqui são os questionamentos sobre a contemporaneidade. Curvelo é inteligente e corajoso e faz um jogo com a cultura do cancelamento em seu texto.

Ele já se desculpa por todos os caminhos discursivos que escolhe, inclusive, reconhecendo privilégios e tensionando a própria importância da sua obra. Em uma só tacada, em uma sessão de quinze minutos, o realizador esgarça todo o imediatismo, a futilidade e o esvaziamento de pautas da sociedade contemporânea.

A montagem do curta ajuda nesta composição de ideias associativas. Como na sequência que Curvelo diz não ser de esquerda e, logo depois, o público vê ele “fazendo o L”, todo de vermelho e com boné do MST. Desta maneira, o espectador não é subestimado em O Mediador.

Há um convite na produção a reconhecer as camadas dos argumentos postos na narrativa. Para quem não conhece a ironia de Curvelo – e não é obrigada a saber, porque cada obra tem que falar por si – talvez, seja, de fato, complexo saber que há tanto sarcasmo assim por ali.

Até porque, inserido neste tom jocoso, existe uma interpretação que pode levar para uma leitura de que há uma angústia e uma culpa também em toda a sua brincadeira e olhar para o outro.

Porque o autor também se implica e se coloca junto a quem assiste, durante a projeção, para pensar no que é aquele produto que ele tem em mãos. É neste sentido também que o filme tem camadas de complexidade.

Porque Curvelo vai fazendo graça, vai fazendo graça, até trazer uma frase que é um soco no estômago. E esse ciclo perdura durante a exibição inteira. No entanto, essa estratégia não fica cansativa, porque um arco dramático é criado, com progressão, clímax e desenlace.

Há uma consciência, além de tudo, de roteiro em O Mediador. Por isso que essas estruturas funcionam. Assim, o curta é amarrado, cumpre o que se propõe fazer e é um título importante para a filmografia de Marcus Curvelo. 

Talvez, ele peque apenas por ser irônico demais, desagradando e afastando parte da plateia. Mas, também, paciência, não é mesmo? É necessário que autores tenham seu estilo e sua voz dentro da arte e Curvelo tem! 

Direção: Marcus Curvelo

Elenco: Marcus Curvelo

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Assim, elementos das religiões de matriz africana se encontram com a mitologia dos vampiros, em uma trama que entrega, na maior parte do tempo, um resultado de alta qualidade. É curioso observar como os flashs – backs e forwards – funcionam e empregam mais fluidez para a trama, além de diluir essa noção de cronologia, claro.

Em um longa-metragem que mescla terror com drama, o público vai encontrar dois estabelecimentos de atmosfera, que funcionam  mais como uma metáfora construída por Coogler. Se nas pontas do filme, a ambientação é de tensão, supensão e medo, no “recheio” da obra se tem a construção de um longa de drama.

Três elementos marcam essa característica. O primeiro é a direção, que investe, quando constrói o terror, em uma decupagem com mais efeitos e movimentos de câmera que dão uma ideia maior de urgência, confusão mental e pânico. 

Um exemplo é a sequência inicial, com o plano geral da porta da capela, que usa um traveling para aumentar a impressão de que o protagonista está desnorteado. Neste sentido, a encenação fomenta esta elaboração de Coogler, com o abarrotamento maior de pessoas e objetos quando necessita imprimir na tela a tensão.

Da mesma forma, no meio do filme, tem-se suspensão também, porque ela permeia a obra inteira, porém há mais planos fechados e longos. Assim, a plateia pode investigar mais as relações das personagens e criar um laço de empatia com elas. Essa é a maior chave para que Pecadores dê certo, essa proximidade que o público sente ter com a história e os participantes dela.

Desta maneira, o segundo elemento que revela esse trabalho consciente da equipe é o seu som. Observando as sonoridades presentes na obra é possível, inclusive, saber quando o perigo está por vir e qual é o grau de periculosidade que será oferecido. A sequência da cobra é um bom momento para notar esse trabalho de desenho e mixagem de som.

A música e os efeitos sonoros anunciam que há um ataque por vir, mas os irmãos conversam calmamente. O espectador pode estranhar a situação por alguns minutos, porém, em poucos minutos, entende-se o porquê do estabelecimento de tensão: tinha uma cobra no carro.

Assim, som e imagem são carregados de coesão e de sentidos plurais, que se completam. Por fim, é possível perceber que a montagem também se insere nesta lógica. Mais frames por minuto ou o oposto disso, a depender da intenção de uso de gênero cinematográfico.

Frenesi e respiro, terror e drama. No entanto, são nestes respiros que Pecadores se perde um pouco e a qualidade cai levemente. Antes da festa iniciar, os irmãos gêmeos Smoke e Stack (ambos feitos por Michael B. Jordan) recrutam um time que vai trabalhar na abertura do bar de Delta Blues que eles estão fundando.

Todavia, toda essa parte que não está nas pontas passa a ficar cansativa até o início da festa. De certa maneira, existe aqui até uma metáfora interessante de que a comunidade negra não tem paz, nem respiro, que não podem relaxar que os vampiros vêm. Contudo, talvez, uma pequena enxugada em algumas sequências ajudariam o longa a não ter uma desaceleração tão intensa que afeta o seu ritmo, cansando o espectador.

De toda forma, a obra volta para seus trilhos, no início do terceiro ato e é importante ressaltar como o elenco dá conta de tantos elementos fílmicos e metafóricos. A contracena é o que mais impressiona e os atores trazem algo difícil de se fazer atuando que é a sensação de intimidade.

As personagens realmente parecem se conhecer há muitos anos e isso vem tanto na forma que eles se deslocam, como na maneira que se olham e se tocam. As camadas da narrativa se aprofundam com as construções de sentido criadas pelo elenco.

Mas, o que realmente impressiona é o trabalho Jordan em Pecadores. O intérprete cria as semelhanças e distinções de Smoke e Stack não apenas na composição física e na visual – que também é um mérito da figurinista Ruth E. Carter (Pantera Negra) -, mas da construção psicóloga que Jordan elaborou, através da forma como ele trabalha nas intenções de texto.

Além disso, a conexão criada entre os dois é um dos pontos altos do filme. A contracena de Smoke e Stack é sempre intensa e é o mesmo ator que faz uso da consciência sobre as suas personagens para elevar a sensação de proximidade da dupla. Nesta lógica, a relação deles com o primo Sammie (Miles Caton) é mais fraca.

Caton não convence tanto neste relacional com Jordan, mas a sua voz e a fisicalidade que o jovem criou em seu papel ajudam a diminuir essa ausência de conexão entre Caton e Jordan. Inclusive, a musicalidade representa muito para a história. Coogler, que também assina o roteiro aqui, não só faz uma homenagem ao Delta Blues, mas conecta ele com a trama.

A ideia de traduzir a potência da música para a espiritualidade, para a cultura e para as lutas políticas elevam a potencialidade da obra de Ryan Coogler. Desta forma, há muito o que ser dito, analisado e fruído em Pecadores. De certo, esse é o maior trabalho do cineasta até o momento. Contundente, o longa merece atenção, ser visto e revisto.

Direção: Ryan Coogler

Elenco: Michael B. Jordan, Delroy Lindo, Wunmi Mosaku

Assista ao trailer!

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A premissa é aqui a melhor parte do documentário de Machado. Com direção musical de Alê Siqueira, músicos da Bahia recriam versões de composições clássicas do Estado, através de releituras que procuram manter a base da original, mas também convocar ares contemporâneos. Assim, o espectador vê os ensaios e o resultado dele, durante a exibição.

Algumas “tretas” ocorrem e a equipe do longa-metragem decide mantê-las no corte final. Essa escolha é acertada, porque o contraponto entre desentendimentos e performances musicais belíssimas constrói camadas na narrativa. No entanto, a ideia inicial e as interações espontâneas dos artistas não conseguem sustentar a obra inteira.

A montagem é o que mais contribui negativamente para esse resultado geral não tão positivo. Cortes bruscos, de áudio e de imagens, entre as passagens retiram o público da imersão com o doc. Além disso, a escolha de separar as transições entre músicos por dias – que talvez tenha sido uma escolha da direção -, é protocolar e também atrapalha o processo de fruição. 

Depois de inserir essa lógica de separação por dias, a dinâmica de A Bahia Me Fez Assim é quebrada e as idas e vindas se iniciam. A partir daí, as situações passam a ser repetitivas e a projeção a ficar cansativa. Ainda assim, vale destacar como a direção de Machado consegue capturar a musicalidade posta na tela. 

Seja num contra-plongée, em uma câmera na mão, em uma panorâmica etc. , Sérgio Machado mostra a diferença de um diretor com um olhar experiente, que mergulha nas intencionalidades da narrativa, aproximando quem assiste daquele universo colocado no ecrã. O cineasta consegue aqui transformar sonoridades em visualidades, o que já é um grande mérito. 

Outro ponto positivo é como as imagens de arquivo são utilizadas. Elas chegam não apenas como mera ilustrações, porém para também ampliar a construção de sentido. As fotografias e vídeos conectam passado e presente, inserem momentos de graça ou melancolia, pondo, assim, uma dose de complexidade maior ao documentário.

Desta maneira, A Bahia Me Fez Assim é uma produção que peca por se apegar à uma linguagem televisiva, de programas corridos de final de semana, que a equipe não tem muito tempo na ilha de edição.

Contudo, a direção é refinada, com planificação e movimentação de câmera que revelam uma compreensão sobre como filmar músicos para o cinema. Ainda existe o fato de que as personagens* escolhidas são carismáticas ou, ao menos, servem como ponto de conflito, fazendo com que a trama exista e se movimente.

Neste universo, é possível dizer que a sessão vale a pena porque diverte, mesmo que esse não seja o caso da projeção inteira. É um filme que se propõe a fazer algo criativo e que entrega um produto que pode ser um registro importante para o futuro e “distraidinho” no presente.

Direção: Sérgio Machado

*Artistas que aparecem no longa: Rachel Reis, Afrocidade, Iuri Passos, Larissa Luz, Attooxxa, Ganhadeiras de Itapuã, Yayá Muxima, Tiganá Santana, Ilê Aiyê, Ivan Sacerdote, Orkestra Rumpilezz, Coletivo Rumpilezzinho, Xênia França e Melly

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