Para falar sobre o tema, o roteiro – de Vinícius Reis (Noites de Reis), ao lado de Flávia Castro (Deslembro) e Fellipe Barbosa (Sangue Azul) – consegue abarcar todas as dinâmicas de seu protagonista, Pedro (Chico Díaz). Há um equilíbrio dentro da narrativa. O espaço destinado à relação de Pedro com sua família nuclear, com seus colegas de trabalho, o seu melhor amigo, o seu amor do passado e até mesmo o seu afeto por um emprego que fez parte de sua vida por 25 anos são trazidos com profundidade.

São subtemas múltiplos para abordar uma mesma questão: como a personagem principal reage diante das injustiças do mundo capitalista e as saídas que ele procura encontrar para sobreviver mentalmente em todas estas situações. O que chama atenção aqui é o entrelaçamento de cada seara do cotidiano de Pedro, como as histórias são bem amarradas e todos os coadjuvantes, mesmo com pouco tempo de tela, conseguem ser explorados dentro do enredo. Mais do que revelar como as ações individuais de cada um refletem em Pedro, há o caminho inverso e o público consegue experienciar como suas atitudes refletem no mundo que o cerca.

Neste sentido, a interpretação de Díaz fomenta na construção deste papel e no universo ficcional ali criado. Chico tem uma tendência a subir o tom alguns degraus em sua interpretação, ele é um ator intenso. Aqui, ele consegue dimensionar os instantes nos quais as suas explosões de olhares e movimentos são necessários, imprimindo todo o desespero de seu Pedro. Ao mesmo tempo, ele também contém e internaliza algumas emoções, complexificando os sentimentos daquele homem, que se via tão encontrado e agora está perdido. As dinâmicas de contracena também funcionam apropriadamente.

A velha história sobre atuar ser um constante jogo aparece em Homem Onça. Os intérpretes parecem conscientes das funções de suas personagens na trama. Há também uma atenção do diretor Vinícius Reis com a mise-en-scène, e os espaços ocupados pelos atores no ecrã empregam uma camada a mais a obra. Seja pelos planos mais fechados, em locais apertados e sufocantes, quando Pedro ainda está na cidade e todos estão numa proximidade bem intensa ou quando ele vai para o interior e é possível perceber a liberdade nitidamente, com quadros mais abertos e os indivíduos mais distantes ou colocados ao canto da imagem.

Assim, são perceptíveis como as dinâmicas das ambientações alimentam as emoções de Pedro e a potencialidade da gravidade de cada situação proposta no filme. Por fim, há também uma coesão entre os elementos da Arte do longa, que dialogam diretamente com esta percepção de Pedro sobre as figuras e encaminhamentos que estão ao seu redor. Seja na iluminação, nos detalhes do figuro ou nos objetos de cena, é possível notar a intenção de contar mais sobre as personagens, seus passados e presentes, através das cores e de coisas como um violão pendurado ou uma bola de futebol que ficou no jardim.

Desta maneira, pode-se dizer que o resultado geral de Homem Onça é coerente. Em sua mistura em falar do político geral para o interior das relações e como elas são afetadas pelas decisões do Estado, talvez, o único incômodo seja entre o início de seu terceiro ato até seu desfecho. Após reunir toda a sua argumentação, convocar os extremos de Pedro e contar um pouco do que acabou se tornando a vida de seus entes queridos, há uma espécie de perda de decisão de como Pedro deve terminar sua jornada ali. Este fator esta longe de comprometer tudo que fora feito durante a projeção. No entanto, reduz um pouco de sua qualidade.

Direção: Vinícius Reis

Elenco: Chico Diaz, Sílvia Buarque, Bianca Byington

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Após a ambientação inicial e de conseguir tirar o fôlego de quem assiste, a produção decide se encaminhar para um rumo um tanto simplório, pois seleciona justamente o tom apelativo. Os detalhes dos objetos que rementem a perda da vida de uma criança são repetitivos. A informação da morte do garoto é capturada em questão de segundos. O reforço disto deixa a impressão de uma necessidade exagerada de tocar o espectador, o que vai de encontro até mesmo com o estabelecimento da atmosfera criada anteriormente.

A combinação do começo frenético com a pausa de tudo isto para trazer o menino fantasma observando a sua partida é desconexo. Há, é bem verdade, um ponto positivo em colocá-lo em cena, pois isto localiza de quem é aquele olhar durante toda a confusão causada pela batida do carro. Mas, o cerne do problema está no como esta figura é posta na tela. É quase como um desespero em pôr tão incisivamente uma questão moral, que se esvazia neste apelo desmedido. Talvez, soe como uma lição, que reduz a amplitude do próprio potencial imagético elaborado e textual (não falado!!!) para a obra.

O vigor como os transeuntes cortam o corpo de uma vaca que está jogada, sem vida, por exemplo, conta mais sobre as prioridades humanas e todo o seu egoísmo, o que poderia direcionar a discussão do enredo para outro lugar, um mais impactante, talvez. Desta maneira, o que existe aqui não é exatamente um curta ruim em si, porém uma falta de olhar apurado para enxergar o próprio potencial narrativo e visual de algo que conseguiria ser mais profundo e menos expositivo em sua conclusão.

Pelo menos, houve um certo alívio nos créditos finais de Animais na Pista, quando nenhuma cartela foi inserida. Resta pensar se a ausência de um aviso escrito reduz todo sentimento de estar vendo uma propaganda do governo sobre os perigos e os cuidados que se deve ter no trânsito, nas estradas...

Direção: Otto Cabral

Elenco: Kassandra Brandão, Thardelly Lima, Servilio de Holanda

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Ficando em missão por lá de 2004 até 2017, as tropas brasileiras causaram forte impacto no país, por terem praticado múltiplos massacres. Dentro deste contexto, Augusto Heleno, o atual ministro-chefe do gabinete de Segurança Institucional, do governo de Jair Bolsonaro, fora, na época um dos comandantes na Minustah. É a partir destas informações ofertadas durante a projeção que a compreensão sobre o presente e o passado se encontram.

Aqui, tem-se uma provável explicação direta da presença do misterioso haitiano no Palácio da Alvorada: a sua mãe fora assassinada em na Operação Punho de Aço, em 2005, comandada por Heleno. Para explicitar o grau de tanta dor e desmazelo, Adriano mescla imagens de arquivo extremamente fortes, nas quais são vistas amplas referências, desde a própria chacina em Cité Soleil, em 2006, até a Revolução Haitiana.

Ao mesmo tempo, o diretor traz músicas nacionais e passagens que ilustram um pouco da cultura do Haiti. É neste equilíbrio de engasgo e relaxamento que está a força do curta-metragem. Este documento histórico e provocativo, que convoca o espectador a compreender a complexidade do que está sendo mostrado, bem como as mazelas dos dois países tão imbricados e até comparados na famosa canção de Gilberto Gil (“O Haiti é aqui”), tocada também na exibição.

São nestas comparações, nestas idas e vindas que Adriano consegue entregar um resultado criativo e, ao mesmo tempo, potente. A ausência de uma linha temporal “lógica” contribui mais intensamente para elevar a força do que está sendo mostrado. A repetição da fala do haitiano, juntamente com as consequências da Minustah e o histórico do Haiti se complementam.

Há uma consciência de O Que Há em Ti de que cada circunstância foi precedida de ações anteriores que levaram a consequências posteriores. Relembrar o antes e o agora faz com que o futuro seja imaginado e todo o discurso ali proferido ganhe uma coerência mais incisiva. No final da sessão, a sensação é de ter presenciado uma poesia coberta de sangue e uma provável esperança vinda da cultura. Talvez.

Direção: Carlos Adriano

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Entre todas as aproximações, sentidas nesta observação cuidadosa da câmera com o universo ali apresentado, é que pode ser feita a relação entre a personagem principal, seus desejos e decepções, com quem assiste a obra. A dor da perda de um amor ou a insistência dos dias repetidos de labor, que são necessários viver, enquanto a vontade é de que tudo queime.

Ao mesmo tempo que os recursos sonoros e seus quadros fechados evoquem esta proximidade, eles também afastam ao provocar sensações de angústia ou nojo, através de enquadramentos dos insetos e animais dentro da peixaria. O que eleva a potencialidade destas imagens, além de seu som, é a escolha de mesclar estes momentos com baratas, formigas e ratos com cenas dos funcionários da peixaria, que almoçam costumeiramente.

Há um mérito não apenas da decupagem da produção de Quanto Pesa, mas também de sua montagem. A curiosidade e a vontade de permanecer olhando para o ecrã a cada instante cênico é seguido de uma surpresa do que será  mostrado mais adiante, o que torna a experiência intensa, no geral. Ainda assim, apesar de conter tantos elementos sensoriais e imagéticos que conectam o público com a narrativa, talvez, falte aqui uma liga maior entre os acontecimentos do enredo. Isto não é algo que comprometa a sua totalidade, longe disso. Contudo, o impacto estético é tão intenso que o restante sobra, é menos cuidado.

Direção: Breno Nina

Elenco: Dona Rai, Tieta Macau, Antônio Rodrigues

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A começar pelo fato de que Lúcia demonstra, inicialmente, sintomas de transtorno de ansiedade, como tremedeiras e falta de ar. O desenho de som e a decupagem levam o espectador a compreender a situação da personagem desta forma até dado momento da trama. Após Lúcia ir ao médico e escutar seu diagnóstico é que descobrimos qual é o seu quadro de fato. Estes encaminhamentos são pistas para a visão de que aqui há um enredo mal trabalhado. Talvez, durante a escrita os autores, Newton Cannito (Reza a Lenda), Thiago Dottori (VIPs) e Luiz Eduardo Soares (Tropa de Elite), tenham esquecido de revisar estes detalhes ou investigar com mais propriedade as reações causadas por Alzheimer.

O que importa aqui em A Suspeita é observar como os caminhos e elementos do enredo são desconexos. Há uma ambição de muito contar, deixando alguns pontos  pouco explorados. A relação de Lúcia com seu chefe, Avelar (Charles Fricks), por exemplo, ganha algum espaço durante a projeção, mas não há uma construção firme que justifique a intensidade do diálogo da dupla no desfecho da obra. Durante a sessão, o tempo de tela e as situações vividas entre eles são bem semelhantes ao que acontece entre Lúcia e Gouveia (Gustavo Machado).

Não é o antigo romance de Lúcia e Avelar que parece ser o foco e sim opressão masculina branca  bem como o costumeiro gaslight que estes homens operam para conseguir alcançar o que desejam. Neste aspecto, o longa consegue ser mais feliz, ao imprimir nitidamente como as tensões e privilégios desta parte da sociedade faz com que estes sujeitos saiam, na maioria das vezes, impunes de suas ações inescrupulosas. A atuação de Glória Pires vem como um fomento para este discurso. Ainda que o roteiro de A Suspeita peque em decidir exatamente o que quer falar, no geral, e como irá fazê-lo, Pires conduz sua Lúcia com consciência e tecnicidade apuradas.

Através do controle do tônus corporal, a intérprete transmite as emoções de sua personagem com gestos calculados, deixando orgânicas as tremedeiras, os olhares nervosos e a perda do fluxo de consciência, quando Lúcia sofre as suas perdas de memória. Muitas vezes, o público pode até ligar este papel com o de outra policial ficcional recente. A Lúcia de Glória Pires é quase uma Mare, de Mare of Easttown (HBO, 2021), feita por Kate Wisnlet. A mescla das fragilidades com a dureza provocada pela profissão e a intuição potente são marcas de Lúcia e toda esta complexidade é fruto da interpretação cuidadosa de Pires.

Juntamente com sua atuação, a montagem de Joana Collier (Pacarette) é precisa e chega para aliviar alguns tropeços da direção. O cineasta Pedro Peregrino (Segredos de Justiça) se perde na própria premissa da produção. Com intuito de evocar esta ausência de Lúcia em recordar os fatos, Peregrino utiliza muita imagem desfocada e deixa de fora do ecrã momentos cruciais da narrativa. Esta estratégia poderia ter funcionado, porém o que acaba acontecendo é uma falta de conexão de quem assiste com a história e as lacunas entregam uma sensação de falta de respostas sobre o que ocorre ali dentro, como a razão da doença precoce de Lúcia ou se no confronto dela e Avelar ela estava performando ausência de lucidez ou não ou, até mesmo, na morte de Beto (Daniel Bouzas), quando é quase impossível enxergar as ações que levaram a este fato.

Neste sentido, é que a edição vem para sanar alguns destes incômodos, aumentando a dinâmica das cenas e trazendo um pouco mais de sentido para as ações. Desta maneira, pode-se dizer que A Suspeita apresenta toda uma intencionalidade positiva e até possui algumas partes técnicas bem realizadas. Contudo, o seu resultado, como um todo, é solto e perdido.

Direção: Pedro Peregrino

Elenco: Glória Pires, Charles Fricks, Gustavo Machado

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Entre Brasil, Moçambique e Portugal, o protagonista tenta a todo custo se encontrar e buscar um sentido para sua existência e, claro, uma maneira de fazer o filme que sonha em realizar. Além disso, o jovem herdou um osso do avô, que o faz ser seguido, desde a infância, por uma figura imponente que devora tudo ao seu redor. Estas metáforas que o diretor e roteirista Felipe Bragança deseja passar são bem construídas. Através de uma linguagem um tanto poética, Bragança investe em planos que revelam os sentimentos mais internos e profundos de Fernando e sua família.

Há na obra um forte zelo estético. A direção de arte, combinada com a iluminação e o figurino revelam traços dos indivíduos que vão aparecendo na trama. Há uma riqueza de detalhes, como no colar da portuguesa, nas caracterizações que são modificadas a cada país  ou quando Fernando regressa ao Brasil. A partir destes elementos, o espectador pode ganhar uma sensação forte de proximidade com o filme e com o que está sendo contado nele.

No entanto, os incômodos existem e estão ali desde o começo da projeção. O primeiro é a narração. Ainda que a atriz Isabél Zuaa saiba evocar os tons corretos em cada cena que sua voz aparece de fundo, o texto que está sendo dito não é necessário para o desenvolvimento narrativo. Há de se refletir no cinema a real necessidade da utilização deste recurso. Muitas vezes, ele está ali apenas para retirar a sutileza da produção e reitera demasiadamente o que já está subentendido, como é o caso aqui.

Outro aspecto que precisa ser considerado é como abordar questões raciais e de gênero no audiovisual. Visto que as temáticas são a base para a formação da personalidade do protagonista e suas ações, o discurso crítico permeia os conflitos e situações. Mas, o debate não consegue avançar, justamente porque não há uma perspectiva de olhar de fora da situação. Preenchida por uma visão masculina e branca, as personagens negras parecem estar sempre a serviço de contar as peripécias deste homem um tanto loser e que pode fazer o que bem entender de seu destino, pois recebeu frutos de um país escravagista.

Existe um discurso direto e efetivo vindo dos moçambicanos Catarina, Cesarino (Matamba Joaquim) e Seixas (Lucília Raimundo). Inclusive, os três são o ponto alto da produção! Contudo, no final das contas, falta uma caracterização mais profunda das personagens negras e um olhar mais cuidadoso para as faltas cometidas pelos brancos, que trouxeram todos os resultados que são expostos no longa.

Um exemplo de como esta característica é forte em Um Animal Amarelo  está na sequência final. Fernando é visto com seu filho no colo e, ao seu lado, há o homem assassinado por seu avô – este que lhe rendeu o osso de herança -,  que acaricia o braço do protagonista. O plano vai se fechando, até que somente se veja as mãos do rapaz negro e o branco com seu neném é o centro. Este tipo de imagem revela a ausência de percepção sobre o outro e até mesmo da própria tragédia e maldades criticadas ali.

Por fim, há, também, uma inconstância nas dinâmicas apresentadas por Bragança, que fazem com que o ritmo e a estilística se percam o tempo inteiro. O risco em utilizar uma ambientação mais fantasiosa e os diálogos afiados, que denunciam a incompetência de Fernando, se perde em alguns momentos, deixando o resultado geral um tanto frouxo.

Direção: Felipe Bragança
Elenco: Higor Campagnaro, Isabél Zuaa, Lucília Raimndo

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