Algo que segue sendo cada vez mais comum e crescente a cada revisita para a trama é a escolha de um elenco poderoso. Pensando nisto, o Coisa de Cinéfilo resolveu elaborar um especial As Protagonistas de Adoráveis Mulheres que reunisse uma breve comparação das atuações das personagens principais – a mãe e as suas quatro filhas – tentando ver o que muda entre as atrizes e as mudanças das construções dos papéis de uma época para outra. Como existem vários remakes, não estarão listados todos os longas. O olhar sobre a protagonista, Jo March, será mais amplo, considerando as interpretações de Katherine Hepburn (1933), June Allyson (1949), Winona Ryder (1994) e Saoirse Ronan (2019).Para o restante do elenco feminino, serão relacionadas as performances de 1994 versus as de 2019, justamente por serem as refilmagens mais recentes.

Confira!

Jo March

A principal diferença entre as interpretações de Jo está no tom dado para a mesma. A característica principal da personagem é que ela é uma mulher de espírito livre e amante da escrita. Com o passar do tempo, esta característica foi se intensificando e seu foco em ser escritora também. No entanto, o nível de doçura, ingenuidade, aspereza e assertividade se mesclaram pelas gerações.

Em 1933, Katherine Hepburn (A Costela de Adão), opta por fazer o amadurecimento em seu papel por uma via corporal, começando com um jeito mais “moleca”, de garota que sobe em árvores e pula muros, faz gestos grandes e assovia etc, até se transformar em alguém mais adulta e consciente, de postura mais centrada. Contudo, não perde em nenhum momento o olhar gentil, que permanece durante toda projeção.

Em 1949, June Allsyon (Música e Lágrimas) acrescentou uma dureza para a protagonista, que retira um tanto da empatia construída por Hepburn, por exemplo. A sua Jo é mais durona, firme e até um tanto rude. Talvez, a sua atuação peque por esquecer do laço de ternura que a personagem sempre mantém com suas irmãs, desejando a felicidades delas, ainda que esteja em profundo aborrecimento com as mesmas.

Em seguida,em 1994,  existe a criação de Winona Ryder (Os Fantasmas se Divertem), que foi uma espécie de musa nos anos 1990 e com muitas mocinhas rebeldes na filmografia. Ainda assim, aqui, ela imprime a Jo mais doce de todas! Apesar disto, ela não perde algo central no que Alcott parece desejar transmitir: o elo que une a família, o amor pela literatura e a falta de desejo em seguir as regras impostas por sua época. Ryder traz um jeito meio atrapalhado, adolescente e até tímido, revelando uma menina mais sonhadora e apaixonada – por sua escrita, claro.

Por fim, a versão de Saoirse Ronan (Desejo e Reparação) parece misturar todas as outras características criadas pelas outras atrizes. Ronan traz elementos físicos que enaltecem a personalidade forte de Jo March, principalmente no jeito como corre ou empurra e bate em seu vizinho Laurie (Timothée Chalamet). Mas, ela não esquece de empregar texturas e movimentos que lembram os trejeitos da adolescência.

Com isso, a intérprete demonstra, na hora de “colorir” o texto, entonações emburradas típicas desta idade. No entanto, Ronan deixa a suavidade de lado e acaba abandonando um pouco da característica presente em Jo March, que é o de ser uma aventureira que sonha, que vive imersa nos livros e por isso uma sensibilidade artística. No geral, pode-se notar facilmente que são múltiplas visões de uma mesma figura ficcional e a preferência pode acabar ficando na identificação que o público pode vir a ter.

Amy March  

A principal distinção entre a Amy da versão de 1994 e a de 2019 encontra-se no fato do filme da década de 1990 possuir duas atrizes para interpretar a personagem: Kirsten Dunst (Entrevista com Vampiro) e Samantha Mathis (Psicopata Americano). Em 2019, a obra conta “apenas” com Florence Pugh (Midsommar: O Mal Não Espera a Noite), que para diferenciar a passagem de idade utiliza simplesmente a sua interpretação, preenchida de transições corporais e vocais, que sinalizam o seu amadurecimento. Quando se compara o tom que Dunst dá para seu papel, é possível notar certa equivalência em suas escolhas com as de Pugh. O público pode ver uma menina um tanto birrenta e infantil, pois ela é mostrada em sua primeira fase, por assim dizer, como uma criança que deseja e precisa de atenção.

O que muda na produção de Greta Gerwig, e isto é um grande mérito do longa, é a transformação impressionante passado por Amy. Florence Pugh demonstra consciência completa de sua criação e do que deseja performar na tela, revelando as fragilidades, seguranças e crescimentos de Amy March. É difícil comparar este desempenho com o de Mathis, que deixa a sensação de ter buscado uma visão mais comum para o papel. O que ela traz é a procura por um tom de realeza e uma postura distanciada das coisas, o que provoca uma impressão clara de que Amy cresceu, mas não que ela está amadurecida como pessoa, deixando a visão sobre ela um tanto rasa.

Meg March

Trini Alvarado (Uma Lição de Amor) entrega uma Meg mais serena e amadurecida, na versão de 1994. Ela é claramente a irmã mais velha que, apesar dos conflitos internos, tem uma tranquilidade de quem já viveu um pouco do que as irmãs. A impressão que Emma Watson (A Bela e a Fera) passa é um tanto distinta. Ainda que a característica de ter mais idade e querer fazer parte da grande sociedade estar nas duas Meg March, a forma de externalizar isto corporalmente e verbalmente é diferente.

Watson emprega algo mais intenso e dramático – no sentido de engradecimento das emoções. Não que sua performance vá para algo histriônico ou qualquer coisa do tipo. Mas, é possível ver porque a jovem poderia, por exemplo, seguir a carreira de atriz, pois ela tem dentro dela uma vontade de expressar seus sentimentos para que todos sintam também. Emma revela um olhar sonhador e romântico e uma inocência que vai se transformando em maturidade e compreensão sobre a vida, o que a deixa com mais camadas, passando uma transformação de caráter e personalidade.

Beth March

Um traço importante sobre esta personagem é que ela precisa evocar empatia do público, devido ao desfecho que ela tem na trama. No filme de 1994, Claire Danes (As Horas) consegue alcançar este intento. Além de construir sua personagem num tom diferente das irmãs, que é uma característica central de Beth March, ela traz uma profundidade para o papel, ao criar gestuais contidos e olhares marejados ou menlancólicos. É como se sua Beth não pertencesse a este mundo e este é um grande feito de Danes.

Já Eliza Scanlen (Babyteeth) faz uma Beth mais reservada, menos transparente. A sua construção passa por uma espécie de doçura e melancolia, traços importantes de Beth March. No entanto, talvez na tentativa de retirar a proximidade de Beth com as irmãs, ela tenha retirando um pouco um peso que a garota possui, diminuindo certos impactos presentes na obra.

Marmee March

Nos dois longas, as atrizes escolhidas foram nomes grandes e importantes. Em 1994, Susan Sarandon (Thelma e Louise) faz o papel da matriarca da família. Ao contrário de Laura Dern (História de Um Casamento) – a Marmee de 2019 -, a intérprete traz um tom firme e direto para a personagem. O carinho dela está mais voltado para as suas ações do que para o tom de sua fala. Dern investe no caminho de se revelar uma mulher sábia, serena e gentil, sendo esta última característica a mais visível em sua atuação.

As duas escolhas das atrizes acabam criando um bom contraponto com Jo, que parece sempre ser uma versão da mãe esperando para ser lapidada. Como a Jo de Winona Ryder é mais doce e atrapalhada, a Marmee de Sarandon demonstra praticidade para ajudar o próximo e coordenar a família. No filme de 2019 isto acontece exatamente de maneira oposta. Mas, em ambas projeções o laço entre a dupla é sólido.

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Nesta adaptação atual, a protagonista Jo March é vivida por Saoirse Ronan (Duas Rainhas), que confere a assertividade necessária para a jovem revolucionária. Em uma época em que a melhor opção de vida da mulher era o casamento, Jo decide que quer ser dona de sua própria vida e não depender de homem. Mas suas irmãs não pensam da mesma forma. A sonhadora Meg (Emma Watson, A Bela e a Fera) quer encontrar um príncipe encantado, enquanto a espevitada Amy (Florence Pugh, Midsommar: O Mal Não Espera a Noite) quer uma oportunidade de ser um grande destaque. Para Beth (Eliza Scanlen, série Sharp Objects), o melhor dos mundos é viver em paz com sua música e um bom piano.

A narrativa nos apresenta sem pressa todas as personagens, traçando a personalidade de cada uma e seus objetivos. Além disso, a presença forte da mãe interpretada por Laura Dern (História de Um Casamento), funciona como uma referência para as meninas, mostrando de onde surgiu toda a força delas.

A figura masculina é deixada de lado na maior parte da trama, mostrando que aquele é um palco destinado às mulheres. Mesmo o personagem de Timothée Chalamet (O Rei), que possui grande importância na história, não tem tanto destaque quanto as demais personagens. Greta faz isso de uma maneira muito respeitosa com a obra original, pincelando pitadas de seu perfil de direção, que procura favorecer as mulheres. Essa conduta é sensata e necessária, afinal, é do que se trata a história.

Adoráveis Mulheres é uma obra do século XIX mas que continua sendo extremamente atual. Discussões sobre o papel da mulher na sociedade, seu poder de escolha, as possibilidades que são apresentadas, as dificuldades que enfrenta. Tudo isso é tratado de uma maneira muito leve, porém contundente. O tom escolhido por Gerwig é na dose certa para apresentar novas nuances para a história, sem perder a sua essência.

Outro ponto alto é a incrível escolha de elenco. A unicidade de todos, a maneira como atuam e se respeitam em cena, torna a obra ainda mais equilibrada. Existe um entusiamos em participar do projeto que é perceptível pelo espectador. Temos ainda gratas surpresas, como a breve participação de Meryl Streep (A Lavanderia) no papel da tia March ou de Chris Cooper (Um Lindo Dia na Vizinhança) no papel do vizinho Sr. Laurence.

O quarteto principal tem uma dinâmica harmônica e verdadeiramente fraternal. É difícil definir quem é o elo mais interessante, quando todas apresentam características únicas e distintas. Ainda assim, Florence consegue roubar a cena em todos os momentos, de maneira muito natural. Seus momentos com Saoirse são os melhores do filme, definitivamente.

O longa conta com o suporte de uma belíssima fotografia e figurino impecável, lembrando muito as produções de Joe Wright, como Orgulho e Preconceito. A trilha sonora, no entanto, não é o voto mais alto. Embora Alexandre Desplat seja um compositor de respeito, senti um pouco de preguiça da parte dele em inovar e apresentar algo mais memorável. Ainda assim, não é comprometedor. Apenas não se destaca, como seria o seu comum.

A escolha de Greta em contar a história através de flashes do passado intercalados com o presente é inteligente. Ao mesmo tempo em que o espectador anseia para descobrir mais sobre as personagens, fica com certa melancolia ao saber onde alguns deles vão parar ou que seus sonhos foram “frustrados”. As linhas temporais funcionam como elemento da trama, conferindo maior fluidez à narrativa.

A sensação que o longa passa é de acolhimento, não apenas pela história, como pelas personagens. Temos a vontade de entrar na tela e abraçar todos, vivendo aquele momento. Certamente por isso não percebemos as 2h15 de longa passar. Adoráveis Mulheres tem uma vitalidade impressionante, que conquista o espectador logo de cara. Finalizamos a sessão com grandes momentos propostos pelo filme, especialmente quando, no final, fica ainda mais exposto a exigência da sociedade pelo casamento da mulher.

Direção: Greta Gerwig
Elenco: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Timothée Chalamet, Laura Dern, Louis Garrel, Chris Cooper, Eliza Scanlen, Meryl Streep, Tracy Letts, Bo Odenkirk, James Norton, Jayne Houdyshell

Assista ao trailer!

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O enredo já é conhecido, mas não menos interessante: Bela é uma jovem considerada estranha pelas pessoas da pequena vila que mora por adorar ler e não gostar do galante Gaston, solteiro almejado por muitas. Bela se vê tendo que ocupar o lugar de seu pai quando o mesmo é capturado por uma Fera. Ela então passa a morar no castelo, como prisioneira.

Difícil saber por onde começar a falar de um filme que já começa com uma belíssima cena musical de abertura. Cores dançando pela tela, trajes milimetricamente pensados, cenário cuidadoso e uma fotografia deslumbrante. Tudo isso consegue fazer com que o espectador se insira na atmosfera do longa sem a menor dificuldade e fique 100% imerso.

O diretor Bill Condon, responsável pelo musical Chicago, relembrou toda sua experiência sonora e aplicou neste filme. As tomadas são entusiasmantes e efusivas, mas na medida certa, sem exagero. É como se ele conseguisse recuperar todo o nosso espírito infantil de quando assistimos o desenho animado quando éramos crianças.

Diferente de Malévola, por exemplo, que trouxe uma história completamente diferente daquela apresentada no desenho animado, A Bela e a Fera é extramente fiel à obra original,inclusive nos diálogos. Apesar disso, que considero um ótimo detalhe que deve agradar a boa maioria dos fãs, a produção também traz um material original que é capaz de conectar ainda mais a trajetória de Bela como protagonista.

As cenas de música são realmente um espetáculo à parte, de encantar o espectador, que se pega sorrindo em diversos momentos. O cuidado pode ser visto também no luxo das roupas e decoração, além dos efeitos visuais. A Fera realmente está cheia de facetas que a tornam um protagonista real e não apenas de apoio para Bela.

Emma Watson, por sinal, está a verdadeira Bela. É quase impossível perceber qualquer traço de Hermione nela, o que mostra que a atriz conseguiu se desvencilhar muito bem do papel que a lançou. A união dela com Kevin Klein, que interpreta Maurice, o pai, também é certeira, assim como Luke Evans no papel de Gaston. Já Dan Stevens, que aparece apenas no início e no final, depois que deixa de ser Fera, também traz todo o requinte da história, com seu ar de nobreza europeia.

Quanto ao personagem homossexual, jamais conseguirei compreender tamanho alvoroço. A Disney vem inserindo cada vez mais a diversidade em seus filmes, mostrando a todos as múltiplas diferenças que a sociedade tem. Ainda assim, o faz de maneira cautelosa e suave, sem ser agressivo. Ela nunca esquece que seu público é, em sua maioria, crianças.

A Disney vem retomando alguns clássicos e transformando em live-action, porque já percebeu que o público de antigamente compra a ideia e o atual também se interessa por tais histórias. Cinderela e agora A Bela e a Fera são exemplos disso. É uma sensação de puro encantamento e emoção assistir à essa história novamente, sob um ângulo mais completo e gracioso. É como se fizéssemos parte de tudo isso. Mas efetivamente fizemos, não é verdade?! Vale cada segundo.

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O filme será lançado apenas em março de 2017 e conta com a presença de Emma Watson (Bela), Dan Stevens (Fera), Luke Evans (Gaston), Josh Gad (Lefou), Kevin Kline (Maurice) e Ewan McGregor (Lumiere). Emma Thompson e Ian McKellen também participam da trama. A direção fica por conta de Bill Condon (A Saga Crepúsculo: Amanhecer).

Confira o trailer!

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Visualmente, Noé não é o desbunde que poderia ser. Aliás, esse nem é o ponto nevrálgico da obra, os elementos cênicos e visuais estão ali apenas para localizar o espectador e ilustrar determinadas intenções. O que interessa a Aronofsky é, mais uma vez, testar a própria consciência do espectador, um exercício que já mostrou-se eficiente ao extremo em seus filmes anteriores. No caso de Noé, ele utiliza uma passagem bíblica, sem com isso realizar um filme com inclinações religiosas ou contestações dogmáticas diretas, para criar uma trama amarrada, que explora e testa ao máximo os elementos psicológicos de seus personagens e oferece muito mais questionamentos que respostas sobre suas principais questões: entre elas, os limites das crenças e a fé na humanidade (o homem é essencialmente bom ou ruim?).

A trama é a conhecida de todos. Noé recebe sinais do Criador de que o mundo está para ser destruído por um dilúvio como uma forma de castigo para o mal que o homem causou na Terra desde que Adão e Eva sucumbiram à tentação. Com a consciência do fim da humanidade, Noé tem a missão de reunir as formas de vida não humanas em uma arca para perpetuarem suas espécies nesse novo Paraíso que será formado após o dilúvio. A iniciativa de Noé começa a despertar a ira de alguns homens que arquitetam um plano para sabotar a arca. Além dessa ameaça, o personagem tem que lidar com conflitos familiares que surgem em decorrência de sua devoção irrestrita a essa missão.

Convertido fora dos Estados Unidos em um 3D que sinceramente não faz a menor diferença em termos narrativos, Noé é mais um trabalho exemplar de Aronofsky que demonstra toda sua personalidade criativa, fazendo prevalecer sua assinatura em meio a tantas forças que poderiam enfraquecer sua visão sobre essa história. O que se vê na tela é mais um filme da excelente filmografia de um diretor sempre preocupado com as construções psicológicas de seus protagonistas, proporcionando estudos de personagem desafiadores. No caso em questão, acompanhamos Noé, interpretado com a usual intensidade de um Russell Crowe em plena forma dramática, tensionando suas convicções (a fé no Criador e na missão que lhe foi dada) e seus sentimentos (o amor pela sua esposa e por seus filhos), levando a um estágio de loucura gradativo. Assim como fez com Sara, Marion e Harry em Requiem para um Sonho ou Nina Sayers em Cisne Negro, em Noé, o diretor investe no terceiro ato do longa, conferindo como poucos uma tensão que beira o lisérgico, desafiando não só o seu protagonista, mas os nervos da plateia ao extremo. Aronofsky retorna ainda a trabalhar com Jennifer Connelly, excelente como a esposa de Noé, um contraponto em sensatez ao marido, e extrai ótimas performances de Anthony Hopkins como Matusalém e Ray Winstone como Tubal-cain, vilão do longa.

Como todo exemplar da filmografia do realizador, Noé não é um filme de fácil digestão e gerará incômodos por sua estrutura e abordagem narrativa ocasionalmente dispersa e constantemente incisiva. O que é bom sinal, mostra que mesmo inserindo-se na dinâmica produtiva de um estúdio, Darren Aronofsky abriu poucas concessões criativas em seu filme para as orientações de produtores. Provocador e questionador, como sempre, o diretor realizou com Noé um longa que não está nos cinemas ao acaso para oferecer perspectivas contemplativas ou consoladoras sobre a vida ou sobre seus personagens. Não há um retrato sobre um herói bíblico convicto e inspirador em seus valores, mas um homem falho e levado ao extremo por suas convicções. Não poderíamos esperar outra coisa de um diretor tão enérgico quanto Darren Aronofsky.

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