Existe ainda uma saída mais perigosa: a revisitação de uma narrativa. Seja através de uma releitura ou refilmagem, esse é um dos caminhos mais incertos quando se fala da criação de um produto comercial. O resultado é incerto, pode ser um sucesso estrondoso ou um fracasso completo. E é nessa categoria de reinvenção que o longa-metragem O Retorno de Mary Poppins, produzido pela Walt Disney Pictures, se encaixa. A sequência do musical clássico de 1964 teve a difícil missão de emplacar seu sucesso individual sem ser ofuscado pelo antecessor.

Anos após sua primeira aparição, Mary Poppins (Emily Blunt) surge para, mais uma vez, ajudar a família Banks. Agora, a babá encantada chega em meio ao caos na família, onde Michael Banks (Bem Whishaw) está a um passo da falência. Sua irmã, Jane (Emily Mortimer), tem feito de tudo para ajudá-lo desde que ele perdeu a esposa e passou a cuidar sozinho das crianças. Mary Poppins será o lampião de esperança na vida de Annabel (Pixie Davies), John (Nathanael Saleh) e Georgie (Joel Dawson) e os levará, ao lado do seu amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), numa jornada repleta de magia e felicidade para que eles reencontrem os caminhos e ajudem a família nesse momento difícil.

Devido aos inúmeros louros do longa estrelado, na década de 1960, por Julie Andrews, a produção precisou achar o seu suporte em alguma coisa além da nostalgia para não se tornar uma réplica. Eis que a presença de Rob Marshall (Chicago, de 2002, e Caminhos da Floresta, de 2014) faz toda a diferença para a produção. O diretor, produtor e coreógrafo traz toda a sua experiência da Broadway para as suas obras cinematográficas. Unindo as duas artes, os resultados visuais de seus trabalhos são sempre impressionantes – até mesmo quando o filme não é um musical. Assim, Marshall traz à produção nostalgia, fantasia e teatralidade as quais servem de guia e pilar de sustentação para toda a narrativa.

Os problemas começam quando pensamos no roteiro. A premissa do filme está muito sustentada no passado. Não existe uma desvinculação real entre o primeiro longa e a sequência. David Magee (Em Busca da Terra do Nunca, de 2004), apesar de sua genialidade comprovada em outros trabalhos, seguiu um caminho ruim ao dar segmento a história da babá mais emblemático da literatura e do cinema. Seja por razões dos produtores ou estúdio, decalcar o argumento de Mary Poppins (1964) para criar a base de sua sequência foi uma escolha sofrível. O resultado é uma previsibilidade sem tamanho em cada um dos acontecimentos, além do mal uso de alguns personagens e situações – como Jane Banks e as questões da Grande Depressão.

A trilha sonora do longa é bem elaborada, mas segue a mesma estrutura do filme de 1964. As músicas compõem a mesma função narrativa sem se diferir muito na estrutura. Apesar disso, o compositor Marc Shaiman foi indicado na categoria de “Melhor Trilha Sonora” no Critics’ Choice Movie Awards e no Golden Globe Awards. Em contrapartida, a direção de Rob Marshall fará a diferença outra vez. Os números musicais são encantadores e passam a magia e alegria propostas pela película. A dinâmica teatralizada ao longo das performances consegue fazer com que o público esqueça dos defeitos da produção por alguns minutos.

A escolha do elenco é interessante. Emily Blunt, apesar de carregar uma responsabilidade absurda, consegue dar sua própria interpretação a personagem, se distanciando completamente de Andrews. O problema da Mary Poppins de Blunt é sua falta de destaque. Apesar de ser a personagem-título do longa, ela acabou sendo colocada de lado enquanto a personagem de Lin-Manuel Miranda acabou se tornando, ao lado das crianças, a peça fundamental da história. Do início ao fim da sessão, Jack será a persona que norteará os acontecimentos, ofuscando a presença de Poppins. Ambos receberam indicações por seus papeis em diversas premiações – dentre elas Critics’ Choice Movie Awards, Golden Globe Awards e Satellite Awards.

As crianças são adoráveis e cumprem o seu papel com a sinceridade de todo ator mirim que carrega o talento da interpretação. Seu deslumbramento nas cenas é tão real quanto o do público. Já os irmãos Banks se esforçam, porém não conseguem ter o melhor tempo de tela possível. Os dois são bons atores, mas não tiveram oportunidades cênicas para desenvolver uma performance memorável. Jane Banks, vivida por Emily Mortimer, por exemplo, tem o seu papel jogado fora por um mal aproveitamento do roteiro. Julie Walters, Colin Firth, Meryl Streep e Dick Van Dyke fazem aparições cuja única função é agradar pela presença. Walters carrega pequenas falas humorísticas que ajudam a descontrair quando são percebidas; Firth tem um papel fraquíssimo que faz a sua presença em cena ser insignificante; Meryl aparece para ser Meryl e agradar a todos apenas pela sua existência ilustre; e Van Dyke não passa de um agrado aos fãs do musical original por reverem o ator dançando por um breve momento.

Mary Poppins Returns (título original) carregou uma missão quase impossível de superar o seu antecessor e ser diferente dele. O resultado dessa tentativa de distanciamento e originalidade não é dos melhores, mas isso não tira o encanto do filme. A magia, felicidade e crença no impossível – as quais sempre foram a essência da história – seguem como norte da produção. Todo o encantamento das cenas musicais, canções e animações fazem a sessão valer a pena. É verdadeiramente leve e enriquecedor a maneira como a película recarrega o pensamento puro e infantil de que tudo na vida é possível quando se acredita. Marshall conseguiu, apesar de todos os percalços, trazer de volta a magia que reinventou os musicais há mais de 50 anos atrás.

Assista ao trailer!

O post Crítica: O Retorno de Mary Poppins apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

A premissa da história é bem simples. O mundo (ou apenas partes dele – o filme não deixa tão explícito) sofreu um ataque extraterrestre de uma criatura cega. Sendo assim, ela se guia pelo som e ataca qualquer coisa que faça barulho. Para sobreviver, as pessoas têm que viver no completo silêncio. Lee e Evelyn, juntos com seus três filhos, tentam driblar as situações para manter todos vivos.

É interessante parar dois segundos para refletir que quase tudo que fazemos emite algum som. Então eles têm que efetivamente criar uma rotina brutal de silêncio e cuidado para que absolutamente nada chame a atenção das criaturas misteriosas. Isso fica claro logo no começo e vai criando uma angústia sem fim no espectador. Aliás, angústia é o sobrenome deste filme.

A história começa com um marco importante e vai evoluindo de forma gradativa. Cada personagem é apresentado dentro de seus contextos e frustrações. Uma das filhas é surda e a realidade dela é bastante diferente do resto da família. Em algum momento, a mãe aparece grávida, o que cria uma outra dinâmica na vida de todos, já que isso, em si, é um problema imenso (em gravidez leia: parto e bebê recém-nascido).

Ao longo dos 90 minutos de produção, vários elementos vão sendo inseridos, provocando ainda mais tensão no espectador. É uma aflição absurda que parece não ter fim, mostrando que efetivamente o roteiro é bem produzido e conduzido. Krasinski mostra um excelente potencial como diretor. Junto com ele no elenco temos Emily Blunt, sua esposa na vida real e na trama, trazendo ainda mais força para a história.

O longa segue quase sem apoio de diálogos, se suportando apenas em silêncios bem implantados, interpretações bem feitas e construções de cena que falam mais que a própria fala. Tudo isso converge em um produto final de alta qualidade e realmente interessante para o espectador.

Seguindo uma construção contundente desde o começo, Um Luga Silencioso apresenta um meio e fim tão bons quanto. A finalização da película dá uma calmaria e alívio ao espectador, que nesse momento está quase pulando da poltrona. Vale muito a pena conferir!

Assista ao trailer!

O post Crítica: Um Lugar Silencioso apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Publicado em 2015, A Garota no Trem é um suspense psicológico de autoria da britânica Paula Hawkins que logo se transformou em best-seller mundial. Como destino natural de qualquer best-seller que tem uma repercussão com as suas proporções, o romance teve os seus direitos comprados por um grande estúdio de Hollywood para ganhar uma versão nas telonas que chegou aos cinemas esse ano.

 

O post Crítica: A Garota no Trem apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

A história mostra Ravenna (Charlize Theron), a Rainha Má, e sua irmã Freya (Emily Blunt) governando o reino com o auxílio do espelho mágico. Em dado momento a personagem de Blunt engravida de um rapaz da baixa corte e enfurece Ravenna, que descobre que a criança que vai nascer será mais bonita do que ela. Com raiva, ela manda matar a criança e faz Freya acreditar que foi o seu grande amor que cometeu o assassinato. Decepcionada, Freya acaba descobrindo seus poderes de gelo e foge do reino para governar longe de todos. Ela passa então a recrutar crianças para criar um exército invencível e ir conquistando cada vez mais terras.

Sim, também achei que parece um pouco com Frozen e Elsa. Na verdade, bastante. E isso me incomodou profundamente por um tempo, enquanto não havia um desenvolvimento maior. Claro que depois que a história foi se desenrolando, o espectador acaba esquecendo isso e entrando na narrativa. Mas ainda assim, é impossível não ver as semelhanças (poder de gelo, foge do reino para um castelo de gelo distante, duas irmãs, etc). Vale ressaltar que tudo isso se passa antes da história da Branca de Neve do primeiro filme. Uma das crianças recrutadas por ela é Eric (Chris Hemsworth), que se tornará o Caçador.

A história depois é avançada para depois do tempo do primeiro longa. Ravenna está morta, o Caçador fugiu por conta da determinação de que ele não poderia se apaixonar, a Guerreira (Jessica Chastain), que era o grande amor de Eric, também morreu e Freya está lá conquistando terras.

Muitas coisas incomodam no longa, mas ele não deixa de ser bom por isso. A primeira coisa e a mais notória é a ausência da Branca de Neve. Sim, em tese é uma continuação do filme Branca de Neve e o Caçador, mas a personagem não está nesse filme. Eles fazem breves referências a ela e mostram uma cena de costas, mas só. Kristen Stewart foi deixada completamente de lado. Não que eu não tenha gostado, mas acredito que tinha espaço para a personagem.

O protagonismo do longa também fica um tanto confuso. Embora seja do Caçador, as três protagonistas femininas ficam se revezando neste papel e em alguns momentos fica estranho. Mas pelo lado positivo, conseguimos curtir essas excelentes atrizes quase que igualmente. Aliás, que elenco! Charlize segue dando aquele show que acompanhamos na primeira película, nos deslumbrando não apenas com sua beleza, mas com sua assertividade na atuação. Ainda acrescentaram Jessica Chastain que é igualmente maravilhosa e Emily Blunt, que embora tenha um perfil um pouco diferente das demais, consegue roubar a cena com a mesma facilidade. O Caçador acaba sendo um pouco secundário, apesar de apresentar um bom trabalho. Isso dá um pouco de desequilíbrio na atmosfera, mas nada que prejudique o todo.

Em um mundo de fantasia e conto de fadas, a história vai se desenrolando com fluidez e facilidade, atraindo cada vez mais o espectador. O resultado acaba sendo superior ao primeiro longa, na minha análise. O enredo tem muita convicção, mesclando romance com ação e dosando muito bem cada gênero. Os detalhes, como os trajes e os cenários,fazem toda a diferença e dão ainda mais força ao filme. Vale muito a pena conferir no cinema!

O post Crítica: O Caçador e a Rainha de Gelo apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Apesar de encher os olhos do público com excelentes tomadas e uma precisão técnica usual na carreira do diretor, ao final de Sicario as conclusões de Villeneuve sobre sua história são absurdamente “lugar comum”, todas simplificadas ao subtítulo brasileiros do longa: estamos diante de uma terra de ninguém. Seria preciso bem mais do que isso para fazer do filme uma obra que refletisse de fato sobre os problemas que pretende abordar e sobre a natureza dos seus próprios personagens cuja complexidade é alcançada em parte graças ao excelente trabalho do seu trio principal, jamais por esforços de Villeneuve e muito menos do seu roteirista Taylor Sheridan.

O post Crítica: Sicario – Terra de Ninguém apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Por ser uma produção Disney, muito se temia que a adaptação cinematográfica do famoso musical de James Lapine Caminhos da Floresta não fosse corajoso o suficiente para assumir os descaminhos que a história propõe ao universo dos contos de fadas. Porém, de alguma maneira, o diretor Rob Marshall conseguiu contornar esse possível empecilho e tornar o longa não apenas uma celebração ao gênero que sempre foi o carro chefe da Disney, mas também uma forma de subvertê-lo, de tensionar o seu discurso utópico do “felizes para sempre”. Claro que tudo é feito com uma certa cautela, mas Caminhos da Floresta talvez tenha encontrado guarida nessa nova política da Disney de reinventar determinados terrenos previamente definidos e estanques na construções das suas princesas, príncipes e bruxas. Nesse sentido, podemos afirmar que Caminhos da Floresta é o conto de fadas mais down to earth que o estúdio já concebeu.

O post Crítica: Caminhos da Floresta apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Ao ter seu sangue contaminado por um alienígena em campo de batalha, Bill Cage (Tom Cruise) desenvolve a estranha habilidade de reiniciar o seu dia a cada momento em que morre. Aos poucos, Cage, com a ajuda da habilidosa oficial Rita Vrataski (Emily Blunt), conecta o evento a uma possível solução para a interminável batalha entre humanos e alienígenas desde que essas criaturas passaram a dominar a Terra. Sim, esta é mais uma ficção-científica com Tom Cruise, e por mais que tenhamos um diretor relativamente interessante no comando, sabemos que existe o dedo do ator em cada decisão tomada no projeto. E não, não esperem por nada extraordinário que fuja da banalidade em No Limite do Amanhã. É uma fita escapista relativamente divertida no esquema que o ator costuma estabelecer em suas recentes produções.

O diretor por trás de No Limite do Amanhã é Doug Liman, realizador irregular que tem no seu currículo produções competentes como A Identidade Bourne, o primeiro da série, e o drama político, pouco conhecido, infelizmente, Jogo de Poder, com Naomi Watts e Sean Penn. Por outro lado, Liman foi responsável por Sr. e Sra. Smith, filme que só ficou para a história por unir Brad Pitt e Angelina Jolie na profissão e no matrimônio, e por Jumper, aquele filme sobre jovens super-dotados que se teletransportam protagonizado por Hayden Christensen, enfim, o tipo de projeto que todo diretor que ter seu nome desvinculado para todo o sempre. Portanto, Liman é muito mais um executor tomando decisões lineares e previsíveis que algumas vezes salvam o projeto, mas por outras vezes o detona, já que não consegue neutralizar falhas visíveis de roteiro, por exemplo.

Dito isso, No Limite do Amanhã está mais para o primeiro grupo de filmes de Doug Liman, ainda que seja bem inferior aos outros dois títulos mencionados. O filme revela-se como uma ficção-científica pouco pretensiosa que entretém na medida certa e sabe até onde deve ir, evitando criar uma trama complexa demais que não será capaz de sustentar mais adiante. Como nos demais exemplares da carreira de Liman, o filme não é nenhum espetáculo técnico ou artístico (a exceção da ótima sequência na qual Cruise e alguns soldados descem de um helicóptero e caem em uma praia para uma batalha, semelhante a cena de abertura de O Resgate do Soldado Ryan), e era isso mesmo que os seus envolvidos pretendiam, evitar os riscos. Cruise, Liman e a Warner queriam fazer uma fita quadradinha e correta em seus propósitos e conseguiram.

É interessante notar que, pela primeira vez em anos, vemos Tom Cruise interpretar um sujeito deslocado em um ambiente que exige dele uma grande habilidade física. Aqui, o ator vive um assessor de imprensa das Forças Armadas obrigado a se juntar ao grupo de militares. E ainda que um ator mais jovem e que inspirasse o mínimo de credibilidade em seu amadorismo e insegurança naquela situação fosse o ideal, Cruise dá conta do recado, afinal, esse tipo de produção é sua zona de conforto. Quem surpreende a plateia mesmo é Emily Blunt, muito interessante em um papel que não costuma ser ofertado a ela. Blunt vive com muita naturalidade essa heroína de ação sem perder a feminilidade e o lado humano da personagem. Uma escolha inusitada, mas assumida com muita confiança e talento pela atriz.

No Limite do Amanhã é exatamente aquilo que se esperava dele. Um filme de ficção-científica e de ação protagonizado por Tom Cruise que mostra-se como um exemplar correto do gênero nas mãos de um dos últimos atores de Hollywood que conseguem se sustentar nos moldes antigos de produção (aquele que tem o ator no centro do seu processo criativo e empresarial). Particularmente, preferia ver Cruise se arriscar mais, sair dessa zona de conforto representada por filmes como Oblivion e No Limite do Amanhã, que são bons, mas nada mais que isso. Quem sabe um dia o ator de Nascido em 4 de Julho, Magnólia e Jerry Maguire desperte desse estado de calmaria longo e profundo em que se encontra há bastante tempo e nos surpreenda? A gente torce para isso.

O post Crítica: No Limite do Amanhã apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.