Podemos dizer que Lobisomem na Noite é um dos títulos mais “fora da curva” na história da Marvel. Ainda assim, nem toda ideia é exercida com total independência desse grande projeto narrativo que o estúdio sempre tem como horizonte. A violência é permitida em Lobisomem na Noite porque eles contam com uma fotografia em preto e branco que suaviza a visualidade do sangue e da carnificina. Nesse mesmo sentido, por mais que se apresente como uma pocket história isolada, existe em dado momento pontos de conexão com tudo o que foi construído pelo estúdio, ou seja, a ideia de universo expandido está presente de alguma forma também nesse especial.

Mesmo com suas concessões, não podemos afirmar que Lobisomem na Noite peca em suas ambições, pelo contrário. O grande trunfo desse projeto é justamente encontrar uma brecha no esquema pasteurizante do seu estúdio para conseguir fazer um projeto singular e que mexe um pouco com aquela sensação de “chover no molhado” que a atual fase da Marvel trouxe para o seu público.

No longa, acompanhamos os preparativos de uma cerimônia que envolve um clã de caçadores de monstros, entre eles, a filha do antigo líder do grupo. Eles se envolverão em uma disputa pelo comando do clã e acabam se deparando com o surgimento de um lobisomem à meia-noite. A história do especial é toda centrada em uma única noite com esses personagens presos nesse cenário e ameaçados pela criatura que surge.

Lobisomem na Noite tem vilões superficiais, especificamente a ex-esposa do líder do grupo de caçadores, mas possui dois protagonistas interessantes que encontram um elo inesperado no desfecho, os personagens de Gael Garcia Bernal e Laura Donnelly. O especial tem senso estético apurado sem soar derivativo ou autoindulgente. É um projeto que sabe delimitar o que é da ordem da inspiração e quando deve alçar voos próprios.

Todo o resultado aqui é mérito do seu diretor Michael Giacchino. Ele fez uma passagem muito segura para outra função no processo de realização cinematográfica – estamos falando do compositor de trilhas de sucesso como as de Up: Altas Aventuras e Batman (2022). Giacchino já havia dirigido um episódio de Star Trek em 2019 e um curta em 2018, mas aqui ele tem um protagonismo mais determinante na função de diretor.

É claro que, em outro contexto, Giacchino poderia ter dado vazão a ambições maiores que emular planos dos filmes de terror clássicos da Universal ou fazer referência à gradual coloração da imagem de O Mágico de Oz. Porém, dentro dos termos propostos pela Marvel, o diretor faz um projeto que vibra na tela com momentos extasiantes, o principal deles, claro, a transformação e o ataque do lobisomem do título aos membros odiosos do clã. É tão bom que termina e o espectador fica com aquele desejo de que Giacchino poderia ter se alongado mais e ter feito desse material um longa-metragem. Melhor impressão final do que esta, o diretor não poderia ter deixado.

Direção: Michael Giacchino

Elenco: Gael García Bernal, Laura Donnelly, Harriet Sansom Harris

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A premissa da sequência, a princípio, segue um esquema bem parecido com o primeiro filme. Um grupo de jovens é surpreendido com o aparecimento das irmãs Sanderson em Salem e devem mover esforços para impedir que durante uma noite as bruxas façam um verdadeiro estrago na cidade. Nesse sentido, em alguns momentos, Abracadabra 2 soa derivativo, se esforçando pouco para explorar outras possibilidades na trajetória dessas personagens nas telas. O esquema de ação “crianças fugindo das Sanderson e confabulando armadilhas contra o trio” segue como engrenagem da comédia dirigida agora por Anne Fletcher (A Proposta).

Como elementos adicionais dessa sequência, o público acompanhará a origem das irmãs bruxas, bem como a formação de um novo grupo de jovens mulheres que adquirem poderes fantásticos. A sequência ainda valoriza no terceiro ato os laços afetivos das Sanderson, trazendo como ineditismo a tomada de consciência da arrogante Winifred, personagem de Midler, do afeto que sente pelas irmãs. Nesse sentido, a partir daquilo que desenvolve em seus dois covens de bruxas, Abracadabra 2 é um filme que frisa a importância da ideia de sororidade nas relações entre mulheres, o que é uma mensagem bastante positiva para um público mais jovem que faz coro ao espectador mais nostálgico pela volta das Sanderson.

Claro que o ponto alto da produção é o carisma e a personalidade que Bette Midler, Sarah Jessica Parker e Kathy Najimy conferem ao trio de bruxas. Experientes, as atrizes retomam suas antigas criações e o fazem sem maiores dificuldades. Nem parece que já se passaram quase trinta anos do lançamento do longa original, as atrizes dominam totalmente a personalidade daquelas personagens. A dinâmica das Sanderson nas telas segue explorando o choque das bruxas com elementos do mundo contemporâneo, o que rende cenas hilárias envolvendo sensores de lojas e assistentes virtuais, por exemplo. O trio também protagoniza alguns vibrantes números musicais – e se em 1993 Winifred, Sarah e Mary interpretaram uma versão de “I put a spell on you” de Nina Simone (memorável), dessa vez elas performam para o público “One way or another” de Blondie.

Tendo potencial para ser mais ambicioso do que é, algo que fica evidente no terceiro ato da história, onde estão as ideias mais originais dessa sequência, Abracadabra 2 é um entretenimento que apesar disso não faz feio com o público. O filme que chega por streaming tem tudo aquilo que é capaz de agradar aos fãs antigos das personagens e conquistar uma nova audiência que não conhece ainda o icônico trio de bruxas da Disney.

Direção: Anne Fletcher

Elenco: Bette Midler, Kathy Najimy, Sarah Jessica Parker, Doug Jones, Whitney Peak, Froy Gutierrez

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Devido a este fator, pode-se ficar uma impressão de que o primeiro ato do longa-metragem é um pouco arrastado e dilatado. Ele demora para engatar e a meia hora inicial se torna cansativa. No entanto, este fator não compromete a totalidade da obra, justamente porque através desta estratégia que todo sentimento de empatia e conexão com a narrativa são alcançados. Esta é uma produção sobre liberdade, amizade e a aceitação. Quando se olha para o princípio do enredo é notável a habilidade em pontuar os receios e as forças de cada personagem e como é isto que vai impulsionar a trama até o seu desfecho.

A construção destas figuras é bem elaborada, no sentido de que a personalidade de cada um é explorada, ainda que em menor ou maior grau. De certa maneira, se diminui a distância entre quem assiste com o longa, colocando traços como insegurança e inadequação social nas personagens, por exemplo. Além disso, existe uma vontade de colocar a inclusão social em pauta. Este intento não é completamente atingido, visto que não é convocada uma quantidade relevante de minorias sociais, mas é perceptível a busca por transmitir o discurso de quebra de preconceitos, a partir de suas metáforas e de seu universo de fantasia.

A elaboração da união entre Luca, Alberto e a nova parceira de diversão Giulia também fomenta o que está sendo contado. O amadurecimento e a superação das adversidades estão todas ligadas diretamente ao potencial do trio de se entender e se ajudar. É com este trabalho de criação de personagem que a Disney/Pixar emociona o espectador novamente. Ao se sentir tão próximo daquela realidade e encontrar identificações – seja na memória da infância e/ou no relacionamento dos pais com os filhos, para os adultos ou na atualidade, no que está sendo vivido, no presente, para as crianças –, as lágrimas chegam e a animação acalenta o coração. Não há aqui algo novo ou bem diferente sendo apresentado. O conteúdo é simples e segue uma dinâmica bem comum, na qual os acontecimentos são esperados, porém o como é feito é o seu grande ganho.

Nesta lógica, há, contudo, um incômodo. Luca se passa na Itália e, nitidamente, a equipe sentiu a necessidade de colocar diversos clichês sobre o país, como o consumo intenso de macarrão e frases soltas em italiano. Este não é um traço tão terrível ao ponto de estragar a fruição. A utilização de tipos e personificações estereotipadas estão, costumeiramente, em animações. No entanto, em alguns momentos é enfadonho escutar expressões como “Santa Mozzarella” ou “Mamma Mia”. Até porque, Enrico Casarosa, diretor e um dos roteiristas do filme, é de Gênova. Logo, é curioso observar a presença destes chavões, pois Casarosa, talvez, pudesse trazer um olhar menos distanciado para as características de seu país. Ainda assim, esta é uma sessão que vale por ser calorosa, fofa e bem intencionada.

Direção: Enrico Casarosa

Elenco: Jacob Tremblay, Maya Rudolph, Emma Berman

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