O longa se passa no século XXVIII, onde a variedade de etnias no universo é imensa e as sociedades procuram coexistir na melhor paz possível. Valerian e Laureline são agentes do tempo que lutam pela defesa da Terra e os planetas aliados. Com o apocalipse do planeta Mül, a dupla tem que seguir para ajudar no resgate da população quase dizimada.

À parte da direção de fotografia formidável, que realmente caprichou nos cenários e visuais, a história que acompanha toda essa beleza não é tão interessante assim. Protagonistas sem força e nem empatia, um roteiro sem grande novidade. Falta objetivo, finalização e ritmo. É como se Benson se esforçasse para se encaixar num novo estilo de narrativa que vem sendo utilizado atualmente, mas não consegue.

Outro problema notável é a escolha da dupla principal. Por mais que Cara Delevingne se esforce, a sua falta de expressão é cansativa e previsível. As mesmas caras de sempre e um olhar insosso que não acrescenta em nada à personagem. Combinando com ela, temos Dane DeHaan. O ator não é lá muito conhecido, mas até que é mais expressivo que a Cara. O problema é o estilo de personagem que resolveram encaixar ele. Valerian é um cara mulherengo, sedutor e pegador, o completo oposto deste ator, que não exala nenhuma sensualidade. Ou seja, toda a sedução fica apenas no discurso de ambos.

Aliás, o elenco conta ainda com Ethan Hawke e Clive Owen, ambos incoerentes e mal aproveitados na narrativa. O destaque mesmo vai, ao meu ver, para a cantora Rihanna, que conseguiu criar uma personagem forte e expressiva, no meio de uma narrativa fraca. Ela se destaca no papel e, embora apareça brevemente, deixa a sua marca no filme.

Apesar de tais pontos negativos, o filme tem seus pontos altos. A trilha sonora é coerente e muito bem escolhida, com David Bowie na playlist. O compositor Alexandre Desplat, muito bom no seu ofício, consegue criar um clima de agitação ainda melhor do que efetivamente o roteiro do filme propõe. As cenas de ação são bem orquestradas e o cenário do espaço é muito bem aproveitado, especialmente no formato 3D.

Embora o filme seja visualmente muito atraente, a falha de roteiro não passa despercebida. Em dado momento, o espectador fica entediado e a sensação que temos é que as quase 2h20 de filme poderiam ser reduzidas sem prejuízo. No entanto, é uma experiência que vale a pena. Apesar dos erros, os acertos devem ser relevados e não deixa de ser uma experiência interessante.

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No filme, somos apresentados a um James Dean prestes a ser catapultado ao estrelato com Juventude Transviada. Life se passa no hiato em que o jovem ator era lançado nos cinemas com um grande papel em Vidas Amargas, filme de 1955 de Elia Kazan, e havia acabado de ser contratado por Jack Warner para interpretar Jim Stark na fita que o transformaria no símbolo de uma geração, Juventude Transviada. Na ocasião, Dennis Stock, um fotógrafo da revista Life, captou o potencial efeito que uma figura como Dean causaria na cultura americana e insistiu na realização de um ensaio fotográfico com o jovem ator que ficaria conhecido por capturar a verdadeira essência do astro hollywoodiano anos mais tarde.

Colocando em colisão as personalidades de Dean e Stock, Life: Um Retrato de James Dean é um filme que deseja abordar, acima de tudo, a maneira avassaladora como os protocolos da vida cotidiana comprimem nossos sonhos, frustram nossas expectativas de juventude e podem nos transformar em figuras irreconhecíveis. De um lado, somos apresentados a Dennis Stock, um fotógrafo consumido pelos problemas da sua vida, divorciado, com problemas para se conectar com o filho pequeno que pouco vê em função do seu trabalho e com quem tem pouca intimidade, um homem que, às custas de tornar-se uma figura relativamente amargurada e com muito senso prático para as coisas, aprendeu desde muito cedo a abrir mão de certos sonhos, tudo para manter-se de pé e pagar as contas. Do outro lado, temos James Dean, um jovem ator que queria apenas atuar e fora das telas ser quem ele realmente era, um rapaz simples do interior e de espírito livre. Na medida em que começa a formar uma carreira no cinema, Dean passa a encontrar como obstáculo uma série de normas comportamentais impostas pelos grandes estúdios de Hollywood às suas maiores estrelas.

O filme lança seus olhares para as duas diferentes lógicas dos seus protagonistas encararem a realidade. Enquanto, Stock obedecia ao “sistema” às custas de mergulhar em um poço de melancolia, ansiedade e frustração pessoal e profissional, Dean resistia a esses chamados e reagia atendendo ao seu desejo de retornar a sua cidade natal, Fairmount, localizada no estado Indiana, algo que, depois de ser alçado a condição de estrela hollywoodiana jamais voltaria a fazer. Dean externava aquilo que todos nós, incluindo Stock, desejamos quando somos atropelados pelas responsabilidades do cotidiano, voltar para casa, para um lugar que nos traga a sensação de acolhimento e proteção, é exatamente isso o que ele diz em uma das narrações do filme. Para a realização do ensaio fotográfico da revista Life, Dean leva o fotógrafo Dennis Stock para esse refúgio e é nesse momento que o título do longa deixa de ser apenas uma referência à publicação que permitiu o encontro dessas duas personalidades mas um vínculo com o que o filme de fato quer abordar, o modus operandi da vida adulta, as diferentes formas de reagir a ele e, consequentemente, os seus efeitos em nós. Não por acaso, as diferentes lógicas de conduzir a vida dos dois personagens os levaram a caminhos muito distintos, enquanto Dean faleceria precocemente pouco tempo depois dos acontecimentos retratados no filme, Stock teria uma carreira longeva e faleceu aos 81 anos de idade.

O filme adota uma gramática bem particular para atingir as suas metas. Assim como acontecia com os demais longas do diretor, Life: Um Retrato de James Dean não é um filme com muito ritmo, seu processo de observação é mais introspectivo e ele não faz questão alguma de seguir às clássicas orientações de funcionamento de um manual de roteiro. É uma lógica própria, mas nem por isso deixa de funcionar e mostrar-se coesa com seus intentos de entender a natureza dos seus dois protagonistas. O filme é marcado ainda por um excelente trabalho de direção de arte, reproduzindo com precisão a década de 1950, mas também com muita elegância, e pela inspirada fotografia de Charlotte Bruus Christensen, que sabe produzir imagens marcantes sem chamar a atenção para seu trabalho em si, mas para o que o próprio filme tem a nos dizer com suas perspectivas a respeito dos seus personagens. A trilha sonora de Owen Pallett também é um ponto alto do longa, fazendo da sonoridade do jazz mais um elemento que nos faz compreender as emoções de Dean e Stock.

A dupla de atores também é um dos acertos do longa. Robert Pattinson segue em sua interessante carreira pós-Crepúsculo (que inclui The Rover: A Caçada, Mapas para as Estrelas ou Cosmópolis), conseguindo imprimir na tela os efeitos da natureza caótica da vida de Stock em sua personalidade e na dinâmica que estabelece com todos ao seu redor, Dane DeHaan, por sua vez, tem a difícil missão de interpretar uma personalidade marcante como a de James Dean, um trabalho difícil já que requer fidelidade à notória figura do astro hollywoodiano, mas que não pode ser confundida com uma barata imitação, um difícil e ingrato meio termo que o jovem ator de longas como O Lugar onde Tudo Termina e O Espetacular Homem-Aranha 2 consegue encontrar.

Na contramão da natureza protocolar das biografias cinematográficas, sobretudo aquelas que se debruçam sobre grandes personalidades do cinema, sempre tendentes a trabalhos opulentos e artificiais, Life: Um Retrato de James Dean consegue ser eficiente e dar conta do que de fato a vida dos seus protagonistas tem a nos dizer. Através desse encontro entre Dean e o fotógrafo Dennis Stock, o realizador Anton Corbijn faz um filme dotado de personalidade. Esta natureza indômita de Corbijn pode custar a Life uma desatenção do espectador pelo seu ritmo pouco usual e pela sua lógica particular de funcionamento dramatúrgico, mas é pertinente, refrescante, instigante e demonstra a plena consciência do realizador de que nunca conseguirá dar conta por completo dos seus biografados, mas apenas de uma fração deles. E a fração que Corbijn e o roteirista Luke Davies oferecem é exposta com muito êxito pelo filme.

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A geração beat foi um movimento literário que tomou impulso no final da década de 1950 e início dos anos de 1960. Cansados do excesso de veneração a canônes e valores conservadores da cultura norte-americana, um grupo de jovens rompeu com os padrões vigentes através de uma produção intelectual inspirada. Movidos a jazz, drogas e sexo livre esses escritores produziam compulsivamente e apresentavam uma narrativa intensa, com fluxo de pensamento desalinhado, abusando do emprego de gírias e palavrões. Participaram desse movimento o poeta Allen Ginsberg (de Howl), o escritor William Burroughs (Naked Lunch) e, claro, Jack Kerouac (que imortalizou Neal Cassady como um herói para a geração da segunda metade do século passado em On The Road). Mais tarde, esse grupo se revelaria como a inspiração para a geração de ouro de cineastas norte-americanos da década de 1970 e bandas como os Beattles e o The Doors, por exemplo.

Versos de um Crime mostra a gênese do movimento personificada na figura de Lucien Carr, um jovem com pouco talento mas muita rebeldia que acaba inspirando essas três figuras da geração beat, Allen Ginsberg, William Burroughs e Jack Kerouac, em especial Ginsberg, com quem Carr teve um breve mas intenso romance. Carr foi o responsável por inspirar os três escritores a se tornarem quem são hoje, utilizando as potencialidades dos três para materializar em verso e prosa o espírito beat. No entanto, Carr se envolveria em uma trama de assassinato que acabou fragilizando a perpetuação das relações do grupo e cada um seguiu o seu próprio caminho.

O filme de John Krokidas é bastante linear e pouco inventivo como narrativa audiovisual. O realizador se apoia no interesse natural do espectador pela história, que é mantido graças aos nomes envolvidos na sua trama (Ginsberg, Kerouac e Burroughs) e não aos esforços dele como cineasta. Versos de um Crime mantém a preocupação com a gênese do fenômeno cultural beat e não consegue passar em imagens o espírito do grupo. Fazendo uma inevitável comparação, Walter Salles conseguiu, com toda a simplicidade que lhe é inerente, trazer para o seu Na Estrada a falta de linearidade, o pensamento pulsante e a atmosfera libertária da produção beat. Versos de um Crime não consegue dar conta de demandas que deveriam ser atendidas para além da simples execução de um roteiro. Krokidas não chega a comprometer o longa com essa decisão, apenas o torna menos interessante do que poderia ser.

Daniel Radcliffe até que se esforça como Ginsberg (sim, esforço é a palavra certa para esse caso), mas Dane DeHaan (atenção para esse rapaz pois em breve ele viverá James Dean) chama o filme para si como o instável Lucien Carr. Ben Foster também está ótimo como William Burroughs, assim como Jack Huston na pele de Kerouac. Há participações pontuais de veteranos como Jennifer Jason Leigh (interessante como a mãe de Ginsberg), Kyra Sedgwick e Michael C. Hall, como David Krammerer, a vítima de Carr. Elizabeth Olsen, por sua vez, é subaproveitada como a esposa de Kerouac, o que é uma pena.

Versos de um Crime é um filme “quadradinho” e linear demais para retratar (ou introduzir) para a audiência do cinema (sempre muito diversificada) o que representou a geração beat. Apesar de trazer o embrião do movimento, John Krokidas não se preocupou em traduzir em imagens as características da escrita do grupo, o que seria essencial para torná-lo uma obra viva e menos banal do que ela acaba sendo. No final, Versos de um Crime se torna apenas um capítulo burocrático e didático, como essas páginas de armazenamento de curiosidades sobre um determinado fenômeno, personalidade ou obra que a gente encontra na Internet. Como obra cinematográfica poderia se inspirar pelo menos um pouco na subversão dos seus protagonistas.

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