Vermelho Monet tem como cenário a Europa, por onde a personagem de Maria Fernanda Cândido transita, articulando as negociações da sua arte. O filme de Gomes lança um olhar cínico para esse universo, ajustando-se à perspectiva frankfurtiana sobre os problemas de uma indústria cultural que coopta a prática criativa, transformando-a em mercadoria, integrante de uma lógica de realização próxima da industrial pela reprodução. Enfim, ideias que seguem em discussão, mas que não ficaram “estacionadas” na primeira metade do século passado, auge da Escola de Frankfurt. Há revisões sobre esse pensamento porque, enfim, estamos em 2024, mas o filme de Gomes parece preso às bases fundamentais desses conceitos, andando em círculos com a crítica e com um certo saudosismo sobre a “verdadeira arte”. Os apontamentos do filme são válidos, mas seria preciso um aprofundamento maior sobre essas questões. O que a obra faz é, na verdade, reproduzir essas ideias, já exploradas de tantas outras formas na literatura e no próprio cinema.

O grande problema de Vermelho Monet é o anacronismo do filme. Não só no âmbito do desenvolvimento da sua crítica sobre as artes, mas em outros elementos da sua história. Encantado com o cenário europeu e com a “atmosfera artística” que aquele lugar evoca, Gomes insere em seu drama todo tipo de referência: o fado (bem, estamos em Portugal), Vermeer, Frida Kahlo… Tudo é bem-vindo. O longa parece um exemplar da entressafra da Retomada, um cinema nacional que ainda buscava sua identidade no novo século. O que se vê é uma obra com menos personalidade que os títulos anteriores do cineasta, insegura sobre suas próprias pretensões e que parece buscar a aprovação do público sobre o valor dos seus intentos o tempo todo.

Um dos sustentáculos da trama de Vermelho Monet é a já tão explorada relação entre o artista e sua musa, algo que acaba recaindo na dinâmica entre um homem mais velho e os seus desejos ambíguos por uma jovem. Parte do longa explora esse momento em que a realização artística extrapola ou se confunde com a sexualidade das suas personagens.

Vermelho Monet reitera tudo que contempla essa perseguição de um homem pela sua grande musae ainda faz da personagem de Samantha Müller uma espécie de fantoche dos caprichos dos personagens de Maria Fernanda Cândido e Chico Diaz. No fundo, a jovem atriz interpretada por Müller segue a tradição objetificadora desse tipo de personagem, sem nenhum outro atributo ou característica que possa construir em torno dela qualquer tipo de complexidade. Eventualmente, descobrimos que há um grande laboratório para um trabalho da personagem por trás da relação que ela estabelece com os demais, mas esse plot só serve para piorar ainda mais a situação do roteiro, que se perde em mais um desenvolvimento que não consegue sustentar.

Revelando-se como uma amálgama de “chavões” sobre a arte, Vermelho Monet não consegue se aprofundar em nenhuma das ideias “ventiladas” e parece inebriado por uma própria ideia de “filme de arte” que já nem mais condiz com o estágio atual da nossa produção. Sem a cobrança de fazer algo mais grandioso, sério e intelectualmente robusto, Halder Gomes foi muito mais bem-sucedido em seu cinema. Aqui, o diretor parece fora de prumo, disperso no meio de um “oceano” de ideias das quais se apropria e não sabe muito bem o que quer dizer com todas elas para além do óbvio.

Direção: Halder Gomes

Elenco: Maria Fernanda Cândido, Chico Diaz, Samantha Heck Müller

Assista ao trailer!

O post Crítica: Vermelho Monet apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

A estrutura do roteiro de Noites Alienígenas apresenta um mosaico de personagens conectados pela presença do tráfico na região. Carvalho apresenta um emaranhado de relações cujo principal obstáculo é a dificuldade do seu roteiro de construir uma densidade nos elos afetivos entre os sujeitos. A direção do filme privilegia a observação do cotidiano, os momentos de silêncio e vazios, em detrimento de qualquer linha narrativa. Em contrapartida, o roteiro perde a oportunidade de buscar a adesão do público com núcleos que se apresentam como nevrálgico para o seu clímax, como é o caso da relação entre a personagem de Gleici Damasceno, seu ex vivido por Adanilo Reis e o atual namorado dela interpretado por Gabriel Knoxx. Isso acaba prejudicando um projeto que sublinha tanto os encontros e desencontros daquelas pessoas. No final das contas, falta algum elo na relação do espectador com aquele grupo de personagens que pouco se destacam em um contexto social tão forte.

O longa demarca muito bem a co-presença do crime e de uma urbanidade com os traços de uma ancestralidade através da bem-vinda presença de um elenco indígena, destacando a atuação de Adanilo Reis. Nesse ponto, Noites Alienígenas é muito bem-sucedido. A obra também é beneficiada pela participação de Chico Diaz, que toma a tela quando está em cena como Alê, um homem com alguma intimidade com a ufologia, cuja presença inevitavelmente acaba levando o longa para construções simbólicas bem curiosas sobre a sufocante vivência nos centros urbanos brasileiros.

A importância de um longa como Noites Alienígenas, que tem o recorte que tem, é ponto pacífico, algo que não há que se problematizar. Infelizmente é um filme que apresenta percalços com o roteiro que demora a engrenar e que constrói personagens e relações com lacunas que não engajam a relação da obra com o público. É um filme cujo contexto social demarca uma originalidade mas que carece de uma dramaturgia mais pulsante e atraente para o espectador.

Direção: Sérgio de Carvalho

Elenco: Gleici Damasceno, Chico Diaz, Joana Gatis

Assista ao trailer!

O post Crítica: Noites Alienígenas apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Infelizmente, este não é o caso de Vermelho Monet. Aqui, há uma explosão tão cósmica de exageros, que saber por onde começar a falar sobre ele é uma tarefa árdua. Dirigido  por Halder Gomes (Cine Holliúdy), o longa-metragem tenta criar toda uma atmosfera artística – ou, pelo menos, do que se é considerado como tal. Seja pelas próprias personagens, pela trama, os cenários, figurinos, música etc há um esforço em mostrar uma “alta cultura” – e o uso deste termo desagradável é mais para deixar nítido o que está presente na tela. Assim, em cada milímetro da projeção são encontradas marcas fortes de uma arte cânone.

E é aí que os problemas começam. Com tantas referências fortes, como Für Elise, de Beethoven, ou nas menções imagéticas e faladas de pintores e artistas plásticos clássicos,  sentidos isolados são criados. Ao escutar e visualizar obras que já têm interpretações e lugares profundos no imaginário da sociedade, o público pode criar uma relação extra fílmica de tal maneira que sinta um afastamento completo com o filme. Para conseguir não perder o espectador, no meio de uma chuva de citações diretas e indiretas, o ideal seria alguma dose de contenção em outros elementos inseridos no projeto.

Todavia, não há para onde fugir em Vermelho Monet. Um dos fatores mais complicados são as atuações exageradas, com criações de tipos, colocados de maneira não orgânica na tela. O Johannes Van Almeida de Chico Díaz é a caricatura da caricatura de um pintor. Com uma partitura corporal que incluiu tremedeiras e olhos piscando recorrentemente, a sensação que Díaz passa é a de que o seu processo passou por uma construção racional e cerebral demais. Isto acaba evocando uma representação e não uma interpretação. Todos os traços de Johannes são externos, soltos, sem tonicidade.

As intenções do texto são sim compreendidas, mas com o alto custo da artificialidade nas movimentações e diálogos. Na verdade, esta análise do trabalho do Chico poderia ser usada para tratar de quase todo o elenco. No entanto, em alguns momentos, a protagonista consegue sair desta atmosfera de caricatura. Samantha Müller, em seu primeiro longa, revela habilidade em deixar o seu texto mais fluido e crível. Isto não acontece durante toda a projeção, porém o fato de Müller passar alguma fé cênica neste cenário caótico mostra algum potencial da intérprete. Todavia, a maior carga da responsabilidade não é dos atores e sim do roteiro.

Para além de tentar forçar uma história de amor e crime – que já não é algo original -, os diálogos são o que mais comprometem a fruição e também o que interfere negativamente nas atuações. Há uma tentativa de pompa, de criar uma ambientação de intelectualidade. No uso desta estratégia, a ligação empática que a plateia poderia criar com a história se quebra. Porque há distanciamento demais quando os sentimentos  e sensações das personagens são colocadas em textos que soam como se fossem mais para serem lidos do que falados. O uso da fala não cotidiana poderia ser bem-vinda.

Mas, a questão central é que aqui esta escrita hiper elaborada e pomposa não funciona, justamente porque nada neste material parece estar em função da narrativa em si. E é por esta razão que os diálogos são truncados e sem organicidade. O que acontece com Vermelho Monet é que ele é uma tentativa de mostrar demais. Nesta turbulência de querer impor uma força de cores, entonações e emoções, o resultado é o oposto ao que parece ter sido a vontade do realizador e de sua equipe. Há toda uma boa intenção, mas o resultado é cansativo e indigesto.

Direção: Halder Gomes

Elenco: Samantha Müller, Chico Díaz, Maria Fernanda Cândido

O post 26º Festival Cine PE: Vermelho Monet apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.