Há alguns “esqueletos” nos armários dessa família. Tanto Sam quanto o seu pai, vivido por Marton Csokas, nutrem alguns ressentimentos por Ruth sempre ter sido tão dura e ríspida e por ela ter escondido a identidade do avô do rapaz. Sam também não está passando por um momento muito positivo da sua vida. Ele ainda está superando o luto pela morte da mãe e não consegue mais se conectar com a vida. A convivência com Ruth, que lhe passa algumas importantes lições a partir da sua experiência, sobretudo como correspondente de guerra, faz o rapaz se reerguer e estabelecer um importante laço com a avó.

A Matriarca é a perfeita definição de “filme conforto” com uma narrativa bem familiar ao espectador em suas diversas frentes: seus arquétipos (a senhora ranzinza e cínica, o rapaz inexperiente e melancólico), a estrutura do seu roteiro e as lições aprendidas dentro e fora da tela com o desfecho da sua história. O diretor Matthew J. Saville opta pela aprazível história que mistura drama e humor  com personagens e situações familiares que geram identificação nas plateias, ainda que públicos mais exigentes possam achar o longa enfadonho em suas repletas de sensações de déjà vu.

O elenco garante parte da simpatia do público pelo projeto, uma produção neozelandesa. A veterana Charlotte Rampling imprime presença como a grande matriarca do título, trazendo a sua experiência à serviço de uma personagem que faz os demais elementos da história gravitarem no seu entorno. O jovem George Ferrier está bem na pele do seu neto, ainda que seja difícil aderir ao seu drama quando ele é um jovem com tantos privilégios e com a estampa de “garoto popular” do colegial, loiro, heterossexual e bonito.

A Matriarca não se atreve a muitos riscos. É um filme que apoia-se em abordagens e temas universais já vistos nas telas em outras obras com aquele approach de filme leve e agridoce, sendo sustentado pelo apelo de uma estrela veterana do porte de Charlotte Rampling. O drama é um filme correto sobre amadurecimento, conciliações e tolerância que não tem grandes ambições, mas que entrega ao espectador uma experiência satisfatória durante boa parte da sua projeção.

Direção: Matthew Saville

Elenco: Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas

O post Crítica: A Matriarca apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

A ideia de continuar uma história do escopo da adaptação de Duna, ainda sobre o primeiro livro, impressionou o público, mas Villeneuve não decepciona. O trabalho do diretor e roteirista canadense em Duna: Parte 2 é ainda mais louvável. A sequência sci-fi chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (29) com a promessa de ser o primeiro blockbuster do ano. O novo longa-metragem consegue superar as expectativas (e seu antecessor) e leva o espectador numa odisseia espacial ainda mais estonteante.

Como já foi visto inúmeras vezes ao decorrer da história do cinema, alcançar expectativas de filmes que se tornam uma espécie de ‘clássico instantâneo’ para o seu respectivo gênero é um desafio gigante. Duna: Parte 2, contudo, vem na contramão disso. O segundo capítulo da saga sci-fi interestelar é maior em escopo, qualidade e sensações. Tanto no que Villeneuve e seu colega de roteiro, Jon Spaihts (Doutor Estranho e Passageiros, ambos de 2016), fazem ao criar saídas e novas rotas para a adaptação, como no empenho do diretor ao orquestrar essa odisseia espacial, existe uma condução de narrativa invejável no novo longa.

Talvez o maior mérito de Denis Villeneuve seja este. Construir imagética e esteticamente um universo diferente de tudo já visto – e o fazer com qualidade técnica e artística – ao mesmo tempo que ele entrega um produto acessível e possível de alcançar uma bilheteria astronômica. O cineasta canadense justamente é capaz de unir o que alguns chamam de ‘cinema de arte’ com o popular blockbuster. E isso é fascinante sobre Duna: Parte 2. O longa será capaz de abarcar um número imenso de espectadores com suas possibilidades narrativas, artísticas e técnicas.

Ainda sobre essa colisão de mundos gerada pela produção, Duna: Parte 2 também se torna um evento por envolver um tipo de projeto que há muito não se via – ao menos não com a dimensão da saga de Villeneuve. Talvez, na ficção, a última vez que o público vislumbrou algo dessa magnitude tenha sido com a saga Harry Potter (2001-2012) ou Star Wars (1977-2019). Em ambos os projetos, no entanto, nunca houve um processo autoral tão claro como em Duna.

Continuando o olhar sob os aspectos técnicos de Duna: Parte 2 que se destacam, é possível imaginar um futuro repleto de indicações em diversas categorias. O departamento de arte, fotografia, som e efeitos especiais são os principais motivadores desse resultado de tirar o fôlego. Hans Zimmer (007 – Sem Tempo para Morrer, de 2021) media o filme com sua trilha sonora epopeica. Para elevar o trabalho do compositor alemão, o restante do departamento de som constrói camadas sensoriais dessa jornada prometida de Paul Atreides. É inevitável não se arrepiar ao ver o personagem de Timothée Chalamet sendo aclamado pelos seus seguidores.

Da mesma forma que o som, a composição visual encabeçada pela tríade fotografia, efeitos visuais e arte cria imagens surpreendentes. Seja no quesito construção de universo ou no fator de vislumbre, as três equipes formam imagens inesquecíveis sobre esse universo espacial ficcional idealizado por Frank Herbert. Duna: Parte 2 é um presente aos olhos. Quanto maior a tela e melhor o som, a experiência se intensifica. Para a surpresa do público, a sequência sci-fi consegue entregar um trabalho técnico ainda mais impressionante.

Não menos importante do que o texto, a técnica ou a direção, o elenco que compõe Duna: Parte 2 completa essa ópera espacial perfeitamente conduzida. Os conhecidos nomes do primeiro filme, como Chalamet (Wonka, de 2023), Zendaya (Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, de 2021), Rebecca Ferguson (Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1, de 2023) e Javier Bardem (A Pequena Sereia, de 2023), e as novas adições, como Austin Butler (Elvis, de 2022), Florence Pugh (Não Se Preocupe, Querida, de 2022) e Christopher Walken, formam um elenco estelar. Essa reunião de talentos, assim como feita no longa anterior, eleva o projeto a um outro patamar com performances meticulosas e poderosas, como Butler interpretando Feyd-Rautha, o violento e cruel sobrinho do Barão.

Essa união de fatores faz de Duna: Parte 2 um filme fora da curva. Há muito que não se via uma construção de universo tão detalhada e rica como nesse projeto. Para além de conseguir transpor o mundo interestelar criado por Herbert, um dos maiores méritos de Duna é continuar se levando a sério e, por conta disso, manter a missão de sempre evoluir. A sequência é a prova desse compromisso orquestrado por Denis Villeneuve. O cineasta parece ter tido como meta criar uma odisseia espacial ainda maior, mais bela e impactante. E, com a Parte 2, ele foi capaz de realizar isso da forma mais impressionante possível.

Direção: Denis Villeneuve

Elenco: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling e Javier Bardem

Assista ao trailer!

O post Crítica: Duna – Parte 2 apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Em Benedetta, Verhoeven se apropria da biografia da freira Benedetta Carlini para compor uma história que mistura religião e sexualidade, uma combinação sempre explosiva nas telas. Benedetta foi entregue por seus pais muito cedo para o convento entre o século XVI e XVII e acreditava piamente que tinha uma relação íntima com Deus, assumindo-se como santa, inclusive, por suas visões. Quando se torna abadessa do convento, Benedetta sente ter passe livre para estabelecer de forma mais íntima uma relação antes reprimida com a noviça Bartolomea. Em dado ponto da história, a relação entre as duas é descoberta por instâncias poderosas da Igreja e ambas passam a ser perseguidas. Ao mesmo tempo, a percepção pública de Benedetta como uma santa se fortalece em uma população oprimida pelo medo da peste e da chegada de um cometa na Terra.

A partir dessa história singular, Verhoeven cria um filme que testa o tempo inteiro a natureza dos sentimentos do espectador por sua protagonista. Se de um lado, a crença na santidade e o poder que a credulidade de terceiros nela traz para Benedetta uma postura tirânica e desconfianças sobre sua própria sanidade, além da segurança para viver sem culpa uma relação homossexual, por outro, quando a divindade da freira é posta em dúvida, somos apresentados a uma faceta ainda mais perversa da Igreja representada pelos homens que sempre a governaram. Nesse segundo momento, tendemos até mesmo a aderir por completo ao ponto de vista de Benedetta sobre os eventos. A capacidade que o filme tem de lidar de maneira tão maliciosa com a moral do espectador e, consequentemente, com a interpretação que temos dos eventos narrados só mesmo Verhoeven tem coragem de fazer nas telas de modo tão autenticamente provocador.

Toda a jornada do público pela história é costurada com astúcia pelo cineasta. Da maneira como ele retrata o contexto histórico do filme com a explosão da peste pela Europa e a chegada de um cometa na Terra, cenário de fim dos tempos mais do que propício para a instauração de uma atmosfera febril propícia ao aparecimento de falsos profetas, até os signos e representações que permeiam a trama, o que inclui, por exemplo, um Jesus Cristo que oscila entre o amante castrador e o cavaleiro salvador para a protagonista. Localizando-se em extremos, o longa também está sempre disposto a construir suas personagens como figuras dúbias, oras agindo como vilões, sobretudo quando detém poder na instituição, outras se transformando em vítimas da própria Igreja onde corroboraram com a manutenção de preconceitos e dogmas que em dado momento se voltam contra elas.

Não é um filme de meios termos. Benedetta tende a polarizar sua recepção. Nada mais natural. Como toda a filmografia do realizador, o longa é claramente feito por Verhoeven para gerar esse tipo de inquietação, todos os seus elementos estão dispostos da maneira como o cineasta coloca justamente para isso. É por conta desse programa de efeitos que Verhoeven ocupa espaços tão extremos mexendo com instituições  e temas marcados por percepções públicas aparentemente sólidas. No caso de Benedetta, temos uma carta declarada de Verhoeven sobre a humanidade e a maneira esquizofrênica com a qual ela lida com o poder, a fé e a sexualidade alheia (e própria) desde sempre, levando todos  para um cadafalso com expectativas nulas de redenção. Com o filme, o diretor demonstra mais uma vez como consegue desestabilizar discursos e visões de mundo aparentemente estáveis, cumprindo no final das contas um papel que não deveria ser negado a arte.

Direção: Paul Verhoeven

Elenco: Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphne Patakia

Assista ao trailer!

O post Crítica: Benedetta apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.