Ato um: A carreira na Austrália

Quando começou a trabalhar na Austrália, Nicole Kidman tinha por volta dos seus 15 anos de idade. Alta, sardenta e ostentando cachos ruivos que lhe renderam apelidos nada carinhosos nos tempos de escola, Nicole teve seus primeiros passos na televisão australiana com o filme Skin Deep e conseguiu ser apadrinhada por gente graúda, como o diretor George Miller (Mad Max), que começou a escalar a atriz para muitas de suas produções. A ótima relação com Miller rendeu a Nicole duas atuações até hoje celebradas na Austrália: as minisséries Vietnam (1987) e Bangkok Hilton (1989), produções da Kennedy Miller, produtora do cineasta. Pela primeira, Kidman conseguiu o prêmio de melhor atriz pelo Australian Film Institute na categoria minissérie interpretando uma jovem ativista anti-guerra que se comove com a situação de australianos envolvidos no conflito do Vietnã( 2:55):

Ato dois: A chegada em Hollywood

Kidman estrelou uma dúzia de filmes australianos que contribuíram para a construção do seu estrelato local, como Bush Christmas, Bicicletas Voadoras, Archer: O Corcel Lendário e A Dança das Sombras. Porém, não demoraria muito para Hollywood perceber a atriz. A oportunidade veio em 1989 com Terror a Bordo, thriller dirigido pelo australiano Phillip Noyce. No longa, Kidman e Sam Neill interpretam um casal que decidem passar um tempo isolado em alto mar para esquecer uma tragédia familiar e acaba dando de cara com um estranho que teve um problema com seu barco. Diferente das produções australianas anteriormente protagonizadas por Nicole, Terror a Bordo teve um alcance mundial e foi distribuído pela Warner. Assim como Vietnam e Bangkok Hilton, o filme era produzido por George Miller e parecia formatado para catapultar a carreira de Nicole. Ao repercutir nas bilheterias e ter uma ótima aceitação da crítica, Nicole passou a ser chamada para testes em grandes produções hollywoodianas como Ghost: Do Outro Lado da Vida. Sua estreia em Hollywood, no entanto, foi numa participação em Dias de Trovão, de Tony Scott, onde a atriz interpretou uma médica que envolvida amorosamente com o piloto de corridas vivido pelo astro Tom Cruise, com quem se casaria e protagonizaria também Um Sonho Distante, aventura romântica sobre a corrida do ouro nos EUA conduzida por Ron Howard, em 1992.

Ato três: Voos solo

Se desvencilhar do título “Sra. Tom Cruise” foi difícil para a atriz. Sua carreira em Hollywood não parecia trazer nem vestígios dos seus primeiros anos na Austrália. Mesmo tendo sido indicada ao Globo de Ouro de melhor atriz coadjuvante pelo longa Billy Bathgate: O Mundo aos seus Pés em 1992, nenhum dos trabalhos de Nicole que seguiram Dias de Trovão pareciam expressivos, como atestam o dramalhão Minha Vida e o suspense Malícia, ambos de 1993. Mesmo Um Sonho Distante, que teve uma relativa repercussão, parecia ser sufocado pelo interesse público na vida íntima de Kidman e seu marido.

As coisas começaram a mudar a partir de 1995. Nicole saiu um pouco da sombra de Cruise e protagonizou dois dos filmes mais emblemáticos de sua carreira. No verão americano, ela esteve em Batman Eternamente interpretando a psiquiatra Dra. Chase Meridian, interesse amoroso do icônico herói da DC Comics. O filme de Joel Schumacher foi uma das dez maiores bilheterias daquele ano e bateu o recorde de melhor abertura de um filme marcado antes por Jurassic Park em 1993. Era o hit que Kidman precisava. Por sua vez, ainda em 1995, a atriz esteve em Cannes com a comédia de humor negro Um Sonho sem Limites do cineasta Gus Van Sant na qual interpretou a ambiciosa repórter de TV Suzanne Stone Maretto, uma interpretação que lhe valeu elogios, prêmios como o Globo de Ouro de melhor atriz em comédia ou musical e o Critic’s Choice Awards de melhor atriz e rumores de uma primeira indicação ao Oscar, que, para a decepção de muitos, não ocorreu.

O longa marcou a estreia dos jovens Joaquin Phoenix e Casey Affleck e acaba de ser lançado pela primeira vez em DVD no Brasil pela distribuidora Obras-Primas. Entre as cenas mais memoráveis da atriz no longa está um monólogo de abertura que nos dá pistas da natureza doentia da personagem e da sua obsessão pela fama a qualquer preço:

Ato quatro: Kubrick, Um mentor

Após Um Sonho sem Limites, muitos esperavam que Kidman tomasse as rédeas da sua carreira. Em 1996, a australiana protagonizou enfim um longa da sua amiga Jane Campion, o drama de época Retratos de uma Mulher, baseado no romance homônimo de Henry James, e obteve elogios por sua atuação ao lado de John Malkovich como uma jovem que se vê enredada em uma relação abusiva com um mau caráter. Ao filme de Campion, seguiram títulos mais comerciais como O Pacificador e Da Magia à Sedução, nos quais Nicole dividia a tela com George Clooney e Sandra Bullock, respectivamente. Contudo, parecia que Nicole abria mão de certos projetos para se dedicar mesmo ao seu casamento a à criação dos dois filhos que adotara com Cruise, Isabella e Connor.

Tudo mudaria quando o casal decidiu participar de um projeto do cultuado cineasta Stanley Kubrick, De Olhos bem Fechados. Inspirado no romance Traumnovelle de Arthur Schnitzler, o longa contava a história de um homem que após uma discussão com sua esposa empreendia uma jornada de descoberta sexual em Nova York. Dois anos intensos de convivência com Kubrick nos sets de De Olhos bem Fechados renderam a Nicole uma relação muito próxima com o cineasta e sua família. Até hoje, Kidman repercute as palavras e conselhos de Kubrick dados na ocasião das filmagens do drama, “Proteja seu talento, invista nele, escolha os autores”, relembra a atriz. Essas ideias acabaram influenciando de fato aquilo que Nicole Kidman buscou para si em sua carreira e traz consigo uma relação de devoção e entrega da atriz com seus diretores que se repete em outros projetos.

De Olhos bem Fechados foi o último trabalho de Stanley Kubrick nos cinemas. Em 1999, quando saiu  para divulgar o filme, Nicole não conseguia esconder a emoção ao falar do amigo Kubrick (5:38):

Ato cinco: Kidmania

2001 foi um ano tumultuado na vida da atriz. Na vida pessoal, Kidman estava passando pelo divórcio e por toda sorte de exposição advinda dele. Porém, no primeiro ano do século XXI, a atriz desabrochou aos olhares do mundo. Em Cannes, Nicole apresentava Moulin Rouge, renascimento dos musicais conduzido pelo australiano Baz Luhrmann ambientado na virada do século XX (mais pertinente e simbólico que isso, impossível!) protagonizado por uma cortesã da famosa casa de shows parisiense e um aspirante a escritor interpretado por Ewan McGregor. Moulin Rouge trazia em sua trilha uma compilação de hits popularizados nas versões de Nirvana, David Bowie, Madonna e Elton John interpretados pelo elenco do filme. Inegavelmente, Moulin Rouge é o trabalho que imortaliza Nicole Kidman nas telas e nada pode ser mais emblemático sobre o ícone que surgia aos nossos olhos do que a entrada de sua Satine no Moulin Rouge cantando “Diamonds are a girl’s best friend”:

Como se não bastasse o sucesso de Moulin Rouge, Kidman ainda lançaria em 2001 o suspense Os Outros, de Alejandro Amenábar. No filme, Nicole interpreta uma mulher à espera do retorno do seu marido da guerra enquanto cuida dos seus dois filhos doentes. Tal qual Moulin Rouge, Os Outros caiu nas graças do público e da crítica. Nicole estava em todas as capas de revista e manchetes de jornais como o nome de Hollywood em 2001, acenando a chegada de sua primeira indicação ao Oscar de melhor atriz com Moulin Rouge. Na época, ficou notória a sua primeira grande entrevista para o apresentador David Letterman no Late Show no qual Nicole teve sim que falar do divórcio, mas também abordava o ótimo momento da sua carreira e como o público estava acolhendo-a:

Ato seis: O Oscar

Dividindo a tela com Meryl Streep e Julianne Moore, Nicole Kidman conseguiu o Oscar de melhor atriz pelo filme As Horas, do diretor inglês Stephen Saldry, interpretando a escritora Virginia Woolf. Baseado no romance homônimo de Michael Cunningham, o longa intercala um dia na vida de três mulheres atravessadas pelo romance Sra. Dalloway: a escritora do livro Virginia Woolf (Nicole), única personagem que de fato existiu fora da ficção; a dona de casa Laura Brown (Moore); a editora de livros Clarissa Vaughn (Streep). O longa até hoje é bastante cultuado, sobretudo na comunidade LGBT, e não só rendeu 9 indicações ao Oscar, como também um prêmio de melhor atriz coletivo para suas  três protagonistas no Festival de Berlim. Sozinha, Nicole levou o prêmio de melhor atriz em drama no Globo de Ouro (o terceiro da sua carreira) e de melhor atriz no Bafta.

No Oscar, Kidman enfrentou a concorrência de Renée Zellweger (Chicago), Julianne Moore (Longe do Paraíso), Salma Hayek (Frida) e Diane Lane (Infidelidade). Para viver Virginia, Nicole sofreu uma drástica transformação física, o que incluia uma prótese de nariz para ficar mais próxima da aparência da escritora. A transformação gerou inclusive uma piada do ator Denzel Washington que entregou o prêmio da Academia para a atriz. Na ocasião, os EUA invadia o Afeganistão pós-11 de setembro e a cerimônia foi marcada por alguns discursos de cunho político (Michael Moore ganhou o prêmio de melhor documentário por Fahrenheit 9/11). Nicole fez um desses discursos e falava sobre a importância da arte em tempos sombrios como aquele que o mundo vivia:

Ato sete: Star quality nos seus próprios termos

Com  Hollywood a seus pés e um Oscar em suas mãos, Kidman poderia trilhar os caminhos das suas colegas e ficar satisfeita com mega contratos para produções de grande orçamento ou aspirar ser a nova “queridinha da América” em comédias românticas. Pós-Oscar, contudo, Kidman se comprometeu com Reencarnação de Jonathan Glazer, um drama difícil e só redescoberto pela cinefilia anos depois de seu lançamento. Nele a australiana interpretava uma viúva que acreditava piamente que um garoto de 10 anos era a reencarnação do seu falecido marido. Movida pelo mesmo desejo de procurar os “autores”, um ano antes, após o sucesso de Os Outros e Moulin Rouge, Kidman foi para a Europa filmar Dogville de Lars von Trier, drama sobre uma mulher explorada por uma comunidade rural no interior dos EUA filmado em um galpão com um cenário formado apenas por marcações de giz no chão.

Nicole, contudo, nunca deixou de buscar produções mais populares como a adaptação cinematográfica da série de TV A Feiticeira, filmes que exploravam seu status de diva das telas como Cold Mountain,  Austrália e Nine ou aceitar cachês milionários como os US$ 17 milhões por Invasores. Porém, a atriz alternava essas escolhas com trabalhos de cineastas cultuados ou que haviam acabado de ser descobertos pela crítica como A Pele, por exemplo, cinebiografia da fotógrafa Diane Arbus conduzida Steven Shainberg, diretor de Secretária.

Assim, Kidman firmava algo que já se desenhava em 1995, quando ofereceu ao público Batman Eternamente, mas também Um Sonho sem Limites. Isso se repetia em seu momento pós-Oscar. No ano de 2007, Nicole esteve nos cinemas com o blockbuster A Bússola de Ouro (foto), mas também no indie Margot e o Casamento, de Noah Baumbach, ao lado de Jennifer Jason Leigh e Jack Black.

Uma matéria recente do Buzz Feed aborda essa política traçada por Kidman em sua carreira e mostra como ao mesmo tempo em que esse caminho parece um “mundo ideal” na concepção de uma trajetória profissional, trouxe percalços para Nicole. Ao trafegar pelas duas frentes, a atriz parecia não conseguir ser uma figura pública popular o suficiente tal qual contemporâneas como Cameron Diaz ou Julia Roberts e também sofrer um certo desdém do circuito independente que a via como uma estrela intocável de Hollywood. Leia a matéria completa aqui.

Ato oito: Blossom Films

Aos 40, Kidman passava por uma escassez de projetos típica de toda atriz em sua faixa etária. Se preparando para a maturidade, a australiana fez o que muitos atores costumam fazer, abriu a sua própria produtora de cinema. Junto com o sócio Peer Sari, Nicole fundou a Blossom Films para que, entre outras coisas, pudesse levar à frente projetos nos quais desejasse atuar. O primeiro deles foi o drama de baixo orçamento (US$ 5 milhões) Reencontrando a Felicidade, adaptação cinematográfica da peça A Toca do Coelho da David Lindsay-Abaire que havia rendido um Tony de melhor atriz para Cynthia Nixon. O projeto fora roteirizado pelo próprio dramaturgo e contava a história de um casal lidando com a recente morte do único filho.

Inicialmente, o filme seria dirigido por Sam Raimi, da primeira trilogia Homem-Aranha, mas a atriz acabou oferecendo a condução para John Cameron Mitchell, do cultuado musical indie Hedwig. O longa estreou no Festival de Toronto em 2010 com muitos elogios para a interpretação de Nicole e acabou lhe rendendo muitas indicações naquela temporada de prêmios do cinema. A cereja no bolo foi a terceira indicação ao Oscar na carreira da atriz. Durante as entrevistas no tapete vermelho, Kidman enfatizava como aquela indicação tinha um “sabor” especial pois se tratava de um projeto que partiu da sua iniciativa:

Durante um tempo, Kidman esteve com A Garota Dinamarquesa em suas mãos e interpretaria o papel que acabou sendo vivido pelo ator Eddie Redmayne nos cinemas, a transsexual Lili Elbe. Ela atuaria ao lado de Charlize Theron e seria dirigida por Tomas Alfredson (Deixe Ela Entrar). A Blossom Films teve que ceder os direitos do longa pela dificuldade de financiar o projeto. A segunda produção da Blossom Films foi Desafiando a Arte, um longa dirigido e protagonizado por Jason Bateman, que também contava com Nicole em seu elenco. O filme teve uma ótima aceitação da crítica, mas enfrentou dificuldades no mercado exibidor, tendo sido visto por pouquíssima gente. No Brasil, chegou diretamente em DVD. Vale a pena ser assistido, inclusive, leia nossa crítica sobre o longa aqui.

Ato nove: Administrando o fracasso

Em 2012, apesar de dividir críticos com o polêmico Obsessão de Lee Daniels, Nicole Kidman foi elogiada em Cannes e recebeu indicações ao Globo de Ouro e ao SAG pelo papel da ninfomaníaca (“Barbie californiana”, segundo um crítico do The Guardian) que vivia um triângulo amoroso com Zac Efron e John Cusack. Naquele mesmo ano, Kidman era indicada aos mesmos prêmios e recebia sua primeira indicação ao Emmy pelo telefilme da HBO Hemingway e Gelhorn, que contava o relacionamento tumultuado entre o escritor Ernest Hemingway (interpretado por Clive Owen) e a correspondente de guerra Martha Gelhorn. Um ano depois, a atriz estrelou Segredos de Sangue, primeiro e único filme nos EUA do sul-coreano Park Chan-wook (Oldboy). O filme buscava inspirações em A Sombra de uma Dúvida de Hitchcock e Nicole interpretava uma viúva cuja relação com a filha adolescente era tumultuada a partir da chegada do tio da jovem.

Kidman seguia apostando na diversidade e nos riscos de seus papéis e projetos. Para se ter uma ideia, a australiana saiu dos sets de Obsessão e Segredos de Sangue, onde viveu personagens sombrios em produções conduzidas por diretores com personalidades muito fortes, para entrar no universo sofisticado da realeza de Mônaco interpretando Grace Kelly na biografia Grace de Mônaco, longa do francês Olivier Dahan (Piaf: Um Hino ao Amor). O filme foi ridicularizado no Festival de Cannes em 2014, saindo de lá como a pior abertura da história do festival, foi rejeitado pela família real de Mônaco e protagonizou machetes com direito a trocas de ofensas entre o roteirista Arash Amel, o diretor Olivier Dahan e o produtor Harvey Weinstein a respeito da responsabilidade pelo resultado final. Com o profissionalismo que lhe é peculiar, Kidman promoveu o projeto o quanto pôde. Prova disso é que em 2016, após ter sido lançado diretamente para a TV pela Lifetime, a atriz foi indicada ao SAG e seguiu falando com naturalidade sobre a sua Grace Kelly e os problemas que envolveram o contexto de recepção da biografia:

Ato 10: Renascença?

Ao final do episódio You Get What You Need de Big Little Lies, o Twitter foi tomado por inúmeros posts que se mostravam surpresos e impressionados com o alcance da interpretação de Nicole Kidman como Celeste Wright, advogada que abdica da carreira pelo casamento. Nicole é uma das pontas centrais de Big Little Lies, minissérie dirigida por Jean-Marc Vallée (Livre e Clube de Compras Dallas) e escrita pelo lendário David E. Kelley (Ally McBeal). Para a atriz, que há anos não fazia um trabalho tão intenso para a TV, a experiência foi nova, sobretudo por acompanhar a repercussão semana-a-semana dos episódios da série nos lugares onde ia e nas redes sociais. Kidman repercutira a experiência no programa da apresentadora Ellen DeGeneres:

Meses antes, Kidman havia recebido sua terceira indicação ao Oscar pelo filme Lion: Uma Jornada para Casa, de Garth Davis, a primeira da sua carreira como atriz coadjuvante. Um pouco mais adiante no tempo, em abril, o Festival de Cannes anuncia a sua seleção de títulos a serem exibidos e na lista nada menos do que quatro projetos com o nome de Nicole no elenco: O Estranho que Nós Amamos, de Sofia Coppola; The Killing of a Sacred Deer, de Yorgos Lanthimos (O Lagosta); a segunda temporada da série Top of the Lake, de Jane Campion; e How to talk to girls at Parties, de John Cameron Mitchell. Em cada um deles, Nicole vive um papel diferente: a diretora de uma casa para garotas durante os tempos de guerra civil nos EUA, a esposa de um médico, uma feminista e uma punk. Nos quatro, Kidman recebeu muitos elogios por suas performances e saiu do festival com um prêmio comemorativo pela 80ª edição do evento. Na coletiva de The Killing of a Sacred Deer, Nicole tentou dimensionar para os jornalistas essa fase tão produtiva:

Estaríamos vivendo o que muitos têm chamado de renascença da carreira de Nicole Kidman ou sua redescoberta pelo grande público.  Essa “renascença” não chega a ser uma surpresa para quem a acompanha há anos. Talvez a proporção que tenha assumido seja surpreendente, mas Nicole conseguiu isso fazendo exatamente as escolhas corajosas que sempre fez ao longo de sua trajetória, ou seja, sendo coerente com seu “modo Nicole Kidman de administrar o estrelato”.  É, contudo, uma fase emblemática pois coincide com a chegada dos seus 50 anos, uma fase que costuma ser vista como uma etapa crítica na trajetória de qualquer atriz, afinal, Hollywood segue machista e o cinema americano é um lugar nada amistoso para mulheres na casa dos 50 anos. Ao receber um prêmio da revista Glamour, no entanto, Nicole dá o seu recado, ela está só começando!

Confira também o especial que fizemos ano passado clicando aqui.

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Frozen – Uma Aventura Congelante
Sim, é um desenho animado. Mas o que dizer de Elsa e sua irmã Anna que são as protagonistas guerreiras deste filme e salvam a pátria sem precisar de nenhum homem? Acho que um dos momentos mais históricos deste filme, principalmente levando em conta todo o background que a Disney tem de princesas indefesas que precisam que os príncipes as salvem, é quando Anna conhece Hans e logo já quer casar com ele. Ultrajada, Elsa solta a seguinte frase: “Mas você acabou de conhecê-lo e já quer casar?”. Este momento traduz toda a mudança de cenário que a Disney se adaptou, trazendo ainda a primeira mulher a dirigir um longa-metragem de animação produzido pela Walt Disney Pictures, Jennifer Lee.

Erin Brockovich – Uma Mulher de Talento
Outro filme que mostra muito da força feminina e seu potencial de mudança. Erin é uma mãe de três filhos batalhadora, que se envolve em um acidente de trânsito. Ela processa o médico que a feriu no caso, mas perde a causa por conta de seu comportamento no tribunal. Entre outras circunstâncias, ela pede ao seu advogado que lhe consiga um emprego, já que ele tinha dito que tudo ia dar certo quanto ao processo. Então, ela começa a trabalhar no escritório de advocacia dele. Logo, Erin se depara com um caso em que uma empresa de energia possivelmente está poluindo as águas subterrâneas da região. Enfrentando todos e o preconceito, principalmente por conta de suas roupas, Erin consegue expor um caso surpreendente de contaminação. Tudo isso baseado em uma história real e que rendeu a Julia Roberts o Oscar de Melhor Atriz.

As Horas
O filme se passa em três momentos diferentes, mostrando três mulheres vivenciando situações de forte emoção em que precisam ser fortes e lidar com os contratempos. Elas estão ligadas ao livro Mrs. Dalloway, da escritora Virginia Woolf. Unindo um elenco nada menos que espetacular, com Julianne Moore, Meryl Streep e Nicole Kidman, o que nos deparamos é com três protagonistas especiais e cheias de força, que envolvem o espectador em cenas incríveis e mostram o poderio feminino. Não à toa que o longa foi aclamado pela crítica e reconhecido pelas premiações de cinema no mundo inteiro, como o Oscar, Festival de Berlim, BAFTA, César, etc.

Mad Max – Estrada da Fúria
Não estamos aqui para falar de Max, uma vez que ele, embora protagonista, perde o brilho no filme para uma “coadjuvante” em particular. A Imperatriz Furiosa, interpretada por Charlize Theron, é uma das personagens mais icônicas dos últimos anos. Ela representa não apenas a força feminina, como foge do estereótipo de que somos frágeis e precisamos ser resgatadas. Por mais que ela conte com o suporte de Max, ela conduz toda a trama. As cenas em que aparece, a personagem é, sem dúvida, a protagonista. Ela é forte, independente e simplesmente sensacional. Ainda lamentamos a sua não indicação ao Oscar e dá aquela sensação de injustiça e machismo da academia, talvez (?). O fato é que agradecemos a George Miller por nos presentear com essa personagem tão marcante e significativa.

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Neste longa de Pedro Almodóvar, a protagonista é ninguém menos que Penélope Cruz. Ela representa Raimunda, uma jovem que é mãe de uma adolescente e tem um marido desempregado que ainda é violento. Tendo que acumular vários empregos para sustentar a família, Raimunda um dia se depara com o marido morto na cozinha. Sua filha confessou que matou o pai depois que ele, bêbado, tentou abusar sexualmente dela. Raimunda então luta para encontrar uma forma de proteger a filha. A protagonista é fortíssima e cheia de personalidade, contando ainda com o suporte da irmã, Sole, que também tem o perfil independente.

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Sexta-feira (26), às 23h19min, Warner – Marte Ataca!

Comédia dirigida por Tim Burton, o filme traz a Terra invadida por marcianos e acompanha os humanos naqueles que podem ser os seus últimos dias no planeta. O longa traz um elenco que chama a atenção por nomes, como Jack Nicholson, Glenn Close, Sarah Jessica Parker, pierce Brosnan, Natalie Portman, Annette Bening.

Sábado (27), às 22h, Sony – As Horas

Enquanto em 1920 a escritora inglesa Virginia Woolf (Nicole Kidman) escreve aquele que seria um de seus livros mais celebrados, “Sra. Dalloway”, a dona de casa Laura Brown (Julianne Moore) lê o romance nos EUA da década de 1950 e se vê indecisa quanto ao futuro do seu casamento. A editora Clarissa Vaughn (Meryl Streep) também é afetada pela obra Woolf já que um de seus melhores amigos, Richard (Ed Harris), vê entre ela e a protagonista do livro semelhanças profundas. O longa foi vencedor do Oscar de melhor atriz para Nicole Kidman.

Sábado (27), às 22h, Telecine Premium – Rush: No Limite da Emoção

O filme de Ron Howard (Uma Mente Brilhante) conta a disputa protagonizada entre os pilotos de Fórmula 1 Nikki Lauda e James Hunt durante os anos de 1970. O longa segue até Lauda sofrer um gravíssimo acidente. Rush é um dos melhores trabalhos do diretor e traz uma ótima parceria entre Chris Hemsworth e Daniel Brühl.

Sábado (27), às 00h45min, SBT – Drácula de Bram Stoker

Em raríssima exibição pela TV aberta (Tio Silvio as vezes acerta), Drácula de Bram Stoker é um dos filmes mais apurados de Francis Ford Coppola. Adaptação do clássico do terror de Bram Stoker, o longa acompanha a jornada do imortal Conde Vlad em busca da reencarnação de sua esposa. Atuações impecáveis e um cuidado cênico para inspirar qualquer diretor.

Domingo (28), às 23h45min, TCM – Acusados

Antes de vencer o Oscar por O Silêncio dos Inocentes, Jodie Foster recebeu uma estatueta de melhor atriz pelo drama Acusados. O filme de 1988 conta a história de uma jovem estuprada em um bar e que encontra dificuldades para punir seus agressores pois todo o sistema penal  norte-americano acaba colocando-a sob suspeita no episódio.

Segunda-feira (29), às 22h30min, Fox – Bravura Indômita

Remake dirigido pelos irmãos Coen, Bravura Indômita conta a história de uma jovem de 14 anos cujo pai foi assassinado a sangue frio. Ela busca a ajuda de um xerife alcoólatra para honrar sua família. O filme conta com desempenhos marcantes de Jeff Bridges e da garota Hailee Steinfeld e tem uma direção correta da dupla, como sempre.

Terça-feira (30), às 22h, TCM – O Profissional

Dirigido por Luc Besson, O Profissional foi o longa que em 1995 revelou para o mundo o talento de Natalie Portman. No filme a atriz vive uma garota de 12 anos cuja família acaba de ser assassinada. A jovem passa então a ser protegida por um assassino profissional em crise, vivido por Jean Reno.

Quarta-feira (01), às 22h, Telecine Touch – As Vantagens de ser Invisível

O filme traz a trajetória de um adolescente chamado Charlie que tem dificuldades para interagir com outras pessoas.  A vida do rapaz muda quando ele conhece dois amigos e passa a ter uma outra percepção sobre a vida. Delicado e sincero drama sobre a adolescência dirigido e roteirizado pelo autor do livro que lhe deu origem, Stephen Chbosky, As Vantagens de ser Invisível merece ser descoberto por quem ainda não viu.

Quinta-feira (02), às 22h, Telecine Cult – A Pequena Órfã

A Pequena Órfã é um dos filmes que imortalizou Shirley Temple como uma das crianças mais brilhantes que já apareceram no cinema. Ahistória é protagonizada por um homem que começa a se afeiçoar a uma garota e sua irmã mais nova. Ele se apaixona pela primeira e estabelece uma relação de muita amizade e cumplicidade com a garotinha.

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Já pensaram se todo roteirista, que tentasse adaptar um livro para as telonas, tivesse o mesmo trabalho hercúleo que Charlie Kaufman teve no filme Adaptação? Neste filme, Kaufman (o próprio roteirista do filme, aqui como personagem interpretado por Nicholas Cage) se encontra em um péssimo momento de sua vida: depressivo e tomado por uma profunda crise de personalidade, ele precisa adaptar o livro “O Ladrão de Orquídeas” da escritora Susan Orlean (Meryl Streep, em mais um de seus papéis memoráveis). Ao longo da trama, o escritor se dá conta de que não há outra maneira de executar sua tarefa, a não ser mergulhando de cabeça na história, se inserindo de uma maneira inusitada no roteiro e se aprofundando na vida da autora e no que tange à composição da obra. Mirabolante? Existem malabarismos que só os roteiristas podem fazer, para tornar cinemático um texto essencialmente literário.

Este longa, dirigido por Spike Jonze, é o exemplo mais dinâmico e preciso sobre as dificuldades de se roteirizar uma obra literária para o cinema e, com maestria, dá uma aula metalinguística de como esse processo pode ser complexo. Advêm dessa complexidade, por exemplo, a insatisfação que muitos fãs-leitores sentem ao ver sua obra preferida adaptada para o cinema mas cheia de “buracos” na história, com personagens queridos limados da trama ou, ainda, com trechos bastante significativos do livro totalmente desconsiderados pelo roteirista.

A exemplo disso, temos “aquela famosa trilogia”, considerada uma das melhores e mais auspiciosas adaptações da literatura universal para o cinema: O Senhor dos Anéis, cujos roteiristas excluíram alguns personagens e passagens, além de omitir praticamente todo o último capítulo da obra, deixou muitos fãs “xiitas” irados com Peter Jackson e sua equipe de escritores. Mas não podemos negar a aproximação profunda com o universo de toda a Terra-Média (línguas/geografias/costumes/etc) imaginado por J. R. R. Tolkien e brilhantemente recriado pela produção do filme. Nem sempre é possível reproduzir 100% fidedignamente no cinema toda história de um livro, muito menos agradar seus leitores mais cativos.

Não desmerecendo o grande empenho de muitos “magos” do cinema (incluindo aqui Peter Jackson), aqueles que dão vida às histórias que nos encantam nas páginas da literatura, preparei uma lista com 10 sugestões de bons roteiros que foram transcritos de suas páginas originais para as telonas. Lógico que muitas pérolas ficaram de fora, então usei alguns critérios para elencar a relação que segue, como: roteiristas que não são os próprios autores das obras (aguardem um texto sobre eles!) e roteiros mais imaginativos, cuja relação com a literatura simbolize uma troca poderosa de linguagens e sensações visuais. Estes merecem, no mínimo, uma conferida e, no máximo, um lugar de honra na estante… de dvds!

1 – Clube da Luta [EUA, 1999]
Roteiro: Jim Uhls – Autor: Chuck Palahniuk – Direção: David Fincher

Estar na cabeça de Tyler Durden, personagem principal desse longa (no mínimo) visceral, não é tarefa fácil… Logo, para Jim Uhls, que escreveu este roteiro cheio de caminhos (e descaminhos) tortuosos, deve ter sido uma loucura! Trata-se de um texto filosófico-político-ideológico-pós-moderno disfarçado de “pancadaria”. Palahniuk é um autor ímpar, marcado por uma história pessoal cheia de dissabores e toda crueza de sua obra está impressa nessa película. Imperdível!

2 – Laranja Mecânica [EUA, 1971]
Roteiro: Stanley Kubrick – Autor: Anthony Burgess – Direção: Stanley Kubrick

Clássicos são clássicos e eu não poderia deixar de citar aqui o mestre dos clássicos: Kubrick merece um texto só dele sobre vários aspectos e adaptação para o cinema é, com certeza, um deles. Visionário e perfeccionista, o diretor/roteirista seguiu à risca o livro de Anthony Burgess, que lhe fora indicado por sua esposa. Porém nenhuma cópia estadunidense desse romance foi publicado com o capítulo final original, deixando de fora do filme o desfecho como deveria ter sido. Um problema? De modo algum! Burgess aprovou o filme, que assim como a indicação anterior dessa lista, é um “soco no estômago” da sociedade, ao questionar conceitos convencionais de moralidade e normalidade. Definitivamente, um filme que parece não perder nunca seu prazo de validade.

3 – Trainspotting [UK, 1996]
Roteiro: John Hodge – Autor: Irvine Welsh; Direção: Danny Boyle

Quando eu vi Trainspotting pela primeira vez, entendi de maneira plena o sentido da palavra “despair” (desespero/desesperança). O livro/filme conta a história de um grupo de jovens amigos que, literalmente, afundam suas vidas no consumo de drogas. Na tela, sensações repugnantes que o livro descreve, sob o olhar de cada personagem-narrador (no livros os principais personagens narram a história), os quais não enxergam mais salvação para si mesmos. A obra literária é um marco para a juventude do final do século XX e a fílmica também o é, para o cinema contemporâneo.

4 – Forrest Gump – O Contador de Histórias [EUA, 1994]
Roteiro: Eric Roth – Autor: Winstom Groom; Direção: Robert Zemeckis

Esta é uma das versões mais imaginativas e delirantes de parte da história norte-americana. Com bom humor, muitas doses de sarcasmo e inúmeros flertes entre a ficção e a realidade, Forrest Gump é um ícone midiático da literatura e do cinema de língua inglesa. A delicadeza e a inocência da história de Forrest se misturam com as, muitas vezes intragáveis, transformações da história da humanidade. É nesse quesito que o roteiro ganha força, pois os momentos reais e fictícios tornam-se tão coesos à ponto de encantar e quase convencer o espectador de que são um só. O livro e o filme possuem algumas divergências, mas nada que iniba a emoção de ver na telona uma história tão bem contada sobre um “contador de histórias”.

5 – O Curioso Caso de Benjamin Button [EUA, 2008]
Roteiro: Eric Roth – Autor: F. Scott Fitzgerald; Direção: David Fincher

Mais um filme de Fincher e mais um roteiro de Eric Roth nessa lista! Não é para menos: o diretor é sempre audacioso na escolha dos seus projetos, e quase todos com roteiros fantásticos (vide A Rede Social, que quase entra para essa lista!). Nesse conto do célebre autor americano F. Scott Fitzgerald (mais conhecido pelo romance O Grande Gatsby), Benjamin Button nasce com uma aparência envelhecida como se já estivesse no fim da vida e rejuvenesce ao longo do tempo, num processo de inversão inexplicável. Por se tratar de uma livre adaptação da obra literária, o filme também possui suas diferenças do texto escrito. Entretanto, Roth parece ser mestre em compor, em seus enredos cinematográficos, personagens encantadores, cuja história permanece na nossa memória por muito tempo. Destaque aqui para um roteiro super coeso, ligando de trás pra frente as fases de uma vida nada comum.

6 – Onde Vivem os Monstros [EUA, 2009]
Roteiro: Spike Jonze/Dave Eggers – Autor: Maurice Sendak; Direção: Spike Jonze

Sinceramente, não tenho palavras para descrever esse filme (e nem esse livro), ambos sucintos em suas mensagens, mas de uma amplitude de sentimentos e de reflexões ímpares. No livro, destinado ao público infantil (ou não!), Maurice Sendak conta a aventura de Max, que fugiu de casa por conta de uma bronca da mãe. Parece simplista demais, não é mesmo? Mas, nunca subestime um bom roteiro nas mãos de Spike Jonze (lembra do filme Adaptação, citado no começo desse texto?). Onde Vivem Os Monstros não é apenas uma excelente adaptação de um livro para as telonas… Além de conseguir potencializar toda a minuciosidade textual e ilustrativa da obra de Sendak na película, o filme mergulha num deslumbrante visual representado pelo poder da imaginação (e das emoções) de uma criança.

7 – O Segredo de Brokeback Mountain [EUA/Canadá, 2005]
Roteiro: Larry McMurtry/ Diana Ossana – Autor: Annie Proulx; Direção: Ang Lee

Este filme ficou mais conhecido no mundo inteiro como “o filme dos cowboys gays”. Uma pena restringir uma obra fílmica dessa magnitude à um rótulo tão vulgar. O conto Brokeback Mountain está estampado na tela com todas as suas nuances: a delicadeza do tema, a estranheza dos seus personagens diante dos acontecimentos que os envolve, o desejo recôndito no não-dito, e o arrependimento contido por não ter amado o tanto quanto o coração desejou. Este é um perfeito exemplo de uma bela história de amor em estado bruto, desabrochada nas mãos de um diretor mega sensível.

8 – As Horas [EUA, 2003]
Roteiro: David Hare – Autor: Michael Cunningham; Direção: Stephen Daldry

Virgínia Woolf, uma das mais importantes escritoras da literatura inglesa, nunca esteve tão viva como nesse longa… E a obra adaptada nem é dela! Pensando bem, pode até ser: porque nesse enredo, criado por Michael Cunningham e transcrito para o cinema por David Hare, a Mrs. Dalloway, personagem de um dos mais destacados trabalhos de Woolf, pulsa latente nas veias de três grandes atrizes: Nicole Kidman (que brilha no papel da própria escritora), Julianne Moore e Meryl Streep. São três histórias, vividas em três épocas distintas, que se entrecruzam para celebrar um dos livros mais delicados da literatura universal. Ponto para Cunningham que criou uma obra tão significativa, e para David Hare que teceu com cuidado e precisão toda a teia que (des)envolve tal narrativa.

9 – Romeu + Julieta [EUA, 1996]
Roteiro: Craig Pearce/Baz Luhrmann – Autor: William Shakespeare – Direção: Baz Luhrmann

Eu sei que eu poderia ter citado outras adaptações de Shakespeare para o cinema – me julguem! Mas não posso deixar de louvar Baz Luhrmann pela ousadia de contar a mais conhecida história de amor de todos os tempos de um modo tão criativo e (pasmem!) com o texto original do escritor mais fantástico da literatura de língua inglesa. A adaptação de Craig Pearce e do prórprio Luhrmann buscou adequar a Verona dos amantes Romeu e Julieta, num período totalmente díspar do contexto da peça shakespeariana: uma cidade litorânea tórrida, castigada pelo sol, onde as famílias Montéquio e Capuleto são duas grandes corporações rivais, as quais se degladiam com duas das mais afiadas espadas (revólveres e palavras). Se até o Papa é pop, por que não Shakespeare?

10 – E aí, meu irmão, cadê você? [EUA/UK/França, 2000]
Roteiro: Joel e Ethan Coen – Autor: Homero; Direção: Joel e Ethan Coen

Os irmãos Coen sempre me surpreendem com seus filmes, a exemplo de pérolas como Barton Fink, Fargo e Onde os Fracos Não Tem Vez. Mas quem, em sã consciência, poderia imaginar uma adaptação da Odisséia, de Homero, em pleno período da Depressão Americana? Joel e Ethan o fizeram. E foram além: transformaram isso em filme. Melhor ainda: numa comédia musical! Neste filme incrível, os irmãos Coen, que também assinam a direção, não desprezaram os ideais de liberdade e o desejo de regresso ao lar, pungentes no poema épico. Mas a transição é brusca e há o que se abstrair muito para enxergar as raízes dessa narrativa. A história é outra mas conserva-se aqui os mesmos temas e elementos que fizeram a original eterna. E apesar de sempre afirmarem que suas criações são bastante intuitivas, neste como em outros filmes dos Coen, encontram-se referências e simbologias marcantes dos textos que os inspiram. Esta é uma verdadeira epopeia para ler e ver, com os olhos mais abertos do que nunca!

Adaptem-se aos sofás e camas de vocês e divirtam-se! ;-)

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